Художники акварелисты и их работы: 18 мастеров в одном месте. Блог школы рисования

Содержание

Самые известные художники-акварелисты

Дата публикации: 23.12.2016

Есть в акварельной технике какое-то особое – хрупкое очарование, легкость и невесомость, способность удивительно точно передать стремительность и мимолетность момента. Современные живописцы любят акварель. Эта техника идеально подходит для динамичного, стремительно меняющегося на наших глазах мира. В этом обзоре предлагаем вам подборку самых известных художников-акварелистов, добившихся больших высот в искусстве акварели и завоевавших всемирную популярность.

Джозеф Збуквич

Самый известный австралийский художник, работающий в технике акварели. В Загребе есть музей, названный в его честь. Дело в том, что родился художник в Хорватии (в 1952 г.), но в возрасте 18 лет с семьей эмигрировал в Австралию.

Джозеф Збуквич

В университете Мельбурна он изучал промышленный дизайн, а позже получил свои первые награды и всемирное признание. Хорваты очень гордятся своим именитым земляком.

Во многих художественных магазинах Европы в продаже можно найти кисти, маркированные его именем.

Секрет успеха художника, по его собственному признанию, в том, что он никогда не делает картин для продажи, а творит исключительно для собственного удовольствия. Работы Д. Збуквича можно видеть в ведущих галереях по всему миру (в США, Великобритании, Австралии, Китае).

Его фирменный знак – “Z” (первая буква его фамилии). Своих студентов он учит свободе, а акварель сравнивает с дикой необузданной лошадью, которую никогда нельзя приручить по-настоящему. Признается в любви к ней, как к самой любимой женщине, и эта любовь длится уже 40 лет.

Художник не любит чистый черный цвет, говоря, что черный – это не цвет, а его отсутствие. Любимая тема – морской пейзаж и городские виды. Одна из самых необычных акварелей, которые создал мастер, написана всего одной краской – и краской этой является быстрорастворимый кофе.

Стив Хэнкс

Этот художник просто обожает писать красивых женщин и маленьких детей, окруженных солнечным светом. Его картины чувственны, иногда неприкрыто сексуальны, полны гармонии и очень реалистичны.

Стив Хэнкс

Подчас они напоминают искусные фотоснимки. Он любит писать женщин на фоне водных пейзажей, особенно реалистично получается у художника водная стихия.

Вдохновение

Стив Хэнкс родился в 1949 г. в Калифорнии и с детства полюбил океан, ведь на его побережье он проводил довольно много времени. Закончил с отличием художественную Академию в Сан-Франциско.

Мир наших детей

Свой собственный стиль художник называет «эмоциональным реализмом». Входит в 10-ку самых известных американских художников. Про себя говорит, что пишет людей, но не портреты.

Прозрачная блузка

Он обожает писать солнечный свет, который является одним из главных действующих лиц его акварелей. Вначале художник пробовал работать с разными техниками – маслом, акрилом. Но позже был вынужден перейти на работу только с акварелью, так как у него выявилась аллергия на краски.

Солнце Санта-Фе

В конце концов, он добился такого мастерства в акварельной живописи, что сделал эту технику очень похожей на живопись маслом.

Холодная вода

Мэри Уайт

Родилась в 1953 г. в Огайо. Живописи училась в Филадельфии в художественной школе. Конек этой художницы – портреты.

Мэри Уайт

Она рисует потрясающие акварельные портреты самых разных людей – бедняков, рабочих, детей, старух и стариков, красивых афроамериканских девушек на цветущих, залитых солнцем лугах.

Целая галерея лиц современной Америки. Очень яркие, сочные и солнечные акварели, полные глубокого смысла. На них изображены люди в самых обычных ситуациях, занятые повседневными делами.

Главным в работе художница считает способность точно передать эмоции. Просто мастерски копировать вещи и людей недостаточно.

Художница работает в двух техниках – в масле и акварелью. Именно акварель принесла ей славу и признание по всему миру. Мэри Уайт также с успехом занимается иллюстрированием детских книг.

Тьерри Дюваль

Его называют французским реалистом. Художник родился в 1962 г. в Париже. В настоящий момент работает иллюстратором в одном из издательств. Получил образование в области декоративно-прикладного искусства.

Тьерри Дюваль

Рисует исключительно акварелью, пользуясь собственной техникой многослойного нанесения красок, за счет чего добивается неимоверной реалистичности работ. Любит работать над отдельными акцентами.

Балкон в Венеции

Тщательная проработка деталей – любимый прием художника, его фирменный знак. Любимая тема – городской пейзаж. Художник обожает писать свой родной Париж и Венецию. Его акварели пронизаны романтизмом и очарованием. Своим учителем в живописи считает Эжена Делакруа.

Крыши Монмартра

Обожает писать городские виды ранним утром с натуры. Ведь только утром можно поймать тот особенный свет, который ищут многие художники, работающие с акварелью. Солнечное весеннее утро, капли дождя и любимый Париж – вот главные темы в творчестве этого самого романтичного французского акварелиста.

Мост встреч в Венеции

Сергей Андрияка

Мастер пейзажа и король натюрморта, самый известный и титулованный из современных русских художников-акварелистов.

Сергей Андрияка

В Москве Сергей Андрияка имеет свою собственную Школу акварели, а также художественную Академию, где обучает искусству живописи акварелью детей и взрослых.

Башни древнего Пскова

Он очень любит писать пейзажи – русскую деревню и природу. Потрясающе красивы его цветочные натюрморты.

Натюрморт

Андрияка — один из немногих российских художников, работающих в технике многослойной акварели.

Чайники

Помимо творчества, художник активно занимается преподавательской работой.

comments powered by HyperComments

Мир глазами лучших акварелистов современности: 10 художников, чьи работы завораживают

Несмотря на то, что акварельная живопись появилась в Китае уже в начале второго века, в Европе прозрачные акварельные краски стали использовать только в 15–16 веках.

Да и тогда они не получили должного внимания — европейские художники в основном предпочитали рисовать маслом. Окончательно это отношение изменилось только к концу 19 века, когда за акварель взялись такие мастера, как Поль Сезанн, Морис Прендергаст и Василий Кандинский.

Акварель до сих пор считается самой сложной техникой в живописи — рассказываем о современных акварелистах, которым удалось овладеть ей в совершенстве и научиться создавать работы невероятной красоты.

Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic)

Джозеф Збуквич — один из лучших современных акварелистов мира. Он родился в Загребе, но в 1970 году, когда ему было 18 лет, из-за происходящих в те годы волнений в стране вместе с родителями переехал в Австралию, где и живет до сих пор. О секрете успеха художника не раз спрашивали в интервью, на что он всегда отвечал: «Я никогда не делаю картины для продажи, я всегда рисую для себя». Его работы можно увидеть во многих ведущих арт-галереях мира, а в родном Загребе есть даже музей искусств, названный в его честь. Збуквич любит делиться своим мастерством с начинающими художниками и нередко участвует в мастер-классах. 5 лет назад он даже приезжал в Россию — билеты на его трехдневный семинар были раскуплены за сутки.

www.josephzbukvic.com

Мэри Уайт (Mary Whyte)

http://marywhyte.com/

У знаменитой американской художницы Мэри Уайт две любимых техники — масло и акварель, но именно акварельные портреты принесли ей славу и признание. Мэри Уайт рисует разных людей в повседневных ситуациях. Она создает «галерею лиц современной Америки» — ее картины всегда яркие и живые, с тонко переданными эмоциями. Большое внимание в своем творчестве Уайт уделяет культуре современной афроамериканской общины. В 1991 году, когда ей было 38 лет, она вместе с мужем переехала из родного Огайо на побережье Южной Каролины и там подружилась с местными афроамериканскими жителями — многие из них были потомками рабов. Их жизнь, обычаи и быт настолько вдохновили Уайт, что она создала целую серию портретов темнокожих местных жителей. Эти картины стали своего рода визитной карточкой художницы.

www.instagram.com/marywhyteofficial

Тьерри Дюваль (Thierry Duval)

Париж и Венеция — основные источники вдохновения для французского акварелиста Тьерри Дюваля. Его городские утренние пейзажи написаны настолько реалистично, что иногда их трудно отличить от фотографий. Акварели Дюваля пронизаны романтизмом, очарованием и светом: «Когда я рисую, моя цель — быть настолько искренним и честным, насколько возможно. Я хочу дать зрителю возможность погрузиться в мои картины и путешествовать в их молчании и спокойной атмосфере. Возможно, совершенство — это моя высшая цель, но, к счастью, она недостижима. Так что я просто надеюсь продолжать стараться». www.instagram.com/thierryduvalaqua

Явление Все деньги мира: 10 самых дорогих произведений искусства

Валентина Верлато (Valentina Verlato)

Итальянская художница закончила литературный факультет Падуанского университета и после этого решила, что профессионально она будет развиваться не в литературе, а в живописи, ведь рисовала она с детства. На своих спокойных, задумчивых картинах она изображает весенние луга, морские берега, полевые цветы и уютные итальянские кафе. На ее акварельные работы можно смотреть бесконечно, они как будто способны останавливать время и переносить зрителя в мир, наполненный гармонией и спокойствием — как раз то, что всем нам сейчас так необходимо. www.valentinaverlato.com

Дима Ребус

Дима Ребус из Набережных Челнов — один из самых популярных художников нового поколения в России. Он работает в уникальном авторском жанре, который сам называет underground aquarellka. В его картинах сочетается реалистичная манера с почти мультипликационной графикой, а основное внимание уделяется социальным и политическим проблемам современного общества. Кроме акварели Ребус занимается стрит-артом. www.dimarebus.com

Прафул Савант (Prafull Sawant)

Художник Прафул Савант вырос в семье известных индийских художников и решил идти по стопам родителей. После окончания престижной школы искусств в Мумбаи он отправился путешествовать по миру и участвовал в международных конкурсах и выставках, благодаря чему за весьма короткое время стал знаменит. В своих работах Прафул показывает шумные города Индии с их сухим воздухом, жарким солнцем и насыщенными красками. Немного пыльные пейзажи с легкостью переносят зрителей на далекие улицы Дели и влюбляют в себя с первого взгляда — так что, если вы еще никогда не были в Индии, после просмотра его картин вам наверняка захочется поехать. www.instagram.com/prafullsawantart

Бланка Альварес (Blanca Alvarez)

Жизнерадостные и воздушные акварели Бланки Альварес из Малаги — это буйство стихий и красок и уникальные сочетания цветов. Она рисует родную Испанию — улицы, дома, дворы, бушующее море, маяки и маковые поля. Если посмотреть интервью или семинары художницы, становится понятно, насколько она легкий, открытый человек — как и ее работы: «Когда я рисую — я счастлива. Когда я рисую — мне хочется танцевать и петь». Альварес уверена, что искусство должно приносить счастье как самому художнику, так и зрителю. Мы c этим абсолютно согласны. www.instagram.com/blancaalvarezwatercolors

Явление Алехандра Эрнандес, Алисса Монкс и еще пять современных художниц, имена которых нужно знать всем

Лю И (Liu Yi)

Работы китайского художника-акварелиста Лю И удостоены многочисленных престижных наград, продаются на аукционе «Сотбис» и хранятся в Национальном музее Китая как национальное достояние. «Акварельная живопись — это гениальный вид искусства с оттенком случайности. В ней проявляются общие навыки художника, а также степень искусности в контроле за красками. Я очарован ее обаянием и глубиной уже много лет», — говорит художник. На своих картинах он изображает улицы и сады любимого Шанхая, цветочные натюрморты и балерин (балетом будущий художник занимался в детстве) — именно последние принесли ему наибольшую известность. www.instagram.com/liuyi_1102

Эудис Коррейя (Eudes Correia)

Эудис Коррейя — художник-самоучка из Бразилии, переехавший в Лиссабон. Свою карьеру он начал еще в юности — работал графическим дизайнером и иллюстратором, но со временем настолько влюбился в акварель, что стал уделять ей практически все свое время и внимание. Этим он занимается до сих пор. Главные герои картин Коррейи — обычные люди: жители города и туристы, дети и взрослые. Художник четко примечает индивидуальные особенности каждого и с легкостью переносит на бумагу. Эудис Коррейя пользуется огромной популярностью во всем мире и часто проводит семинары в разных городах Европы — в России он тоже был несколько раз. www.eudescorreia.com

Инки Ливз (Inky Leaves)

Настоящее имя этой британской художницы — Джесс Шепард, но она известна миру под псевдонимом Инки Ливс, что с английского переводится как «чернильные листья». Ливс — ботанический иллюстратор, чьи рисунки отличаются высочайшим уровнем детализации. Художница испытывала любовь к растениям с самого детства. Она даже пошла изучать ботанику в Университете Плимута, а затем таксономию в Университете Эдинбурга. Полученные знания помогают ей понять физиологию и генетику растений. Художница считает, что без этого она никогда бы не смогла прочувствовать растения так глубоко. По признанию самой Джесс, в процессе работы над иллюстрацией она сама старается стать растением — еще до того, как кисть коснется бумаги, она подолгу наблюдает за своими «моделями» и старается уловить все тонкости. www.instagram.com/inkyleaves

14 лучших акварелистов в Instagram

Иногда лучшим способом почерпнуть вдохновение становится просмотр рисунков других художников. Каждый из них обладает уникальным видением, техникой, тематикой, художественными принадлежностями и воодушевлением. Как опытным, так и начинающим акварелистам никогда не помешает ознакомиться с чьими-то еще работами.

Забавный факт: Акварельная живопись восходит к наскальным рисункам Европы периода палеолита, а также применялась для создания рукописных иллюстраций во времена Древнего Египта!

1. Kustova_anastasia

Достойный пейзажист из России, вдохновляющая многих своей жизнерадостностью и активностью..Анастасия много путешествует и всегда изображает в своих работах посещенные места.

2. Qinniart

Возможно, вы уже видели этот замечательный шедевр, блуждающий по интернету. Qinni – художница из Канады, живущая в Китае. Она специализируется на дудлинге, диджитал арте, гуаши и акварели. Героями ее рисунков чаще всего становятся особы женского пола с добавлением космических эффектов.

3. Lesya_poplavskaya

Акварелист из России, специализирующийся исключительно на портретах. В своих работах Леся не придерживается классических правил академической живописи, что выделяет ее картины на фоне многих. Необыкновенная плодовитость Леси Поплавской связана с особенностью ее стиля. Она не придерживается принципов фотореализма, темы ее просты и однообразны, тем не менее она очень популярна в Инстаграме и Ютубе, благодаря множеству уроков акварели с ее участием. Вклад Леси в популяризацию акварели в рунете трудно переоценить.

4. Kris__bez

Red_head_chili занимается иллюстрациями к детским книгам. Недавно она начала выкладывать свои причудливые акварельные картинки в Instagram-аккаунте. Использование мягких цветов и жизнерадостных зверушек наделяет ее произведения ноткой детского простодушия.

5. Jongkie

Лукман Реза (Luqman Reza), он же Jongkie, это индонезийский художник и иллюстратор, прославившийся своим оригинальным и экспрессивным стилем. Jonkie обогащает свои рисунки воображаемыми элементами, которые он называет «магическим эффектом». Тематика его работ зачастую сосредоточена на диких животных.

6. Jj_illus

Под ником JJ творит юная художница и иллюстратор из Дрездена, Германия. Она часто изображает морские виды и портреты. Однако лично мне больше нравится, как она передает природные пейзажи, наложенные на изящные, выразительные силуэты.

7. Poli.bright.art

Polina занимается изобразительным искусством, иллюстрациями и дизайном и живет в Сиднее, Австралия. Polina разработала креативный подход к работе с акварелью. Сначала она рисует картину водой, а затем добавляет в нее пигменты, позволяя цвету растекаться по рисунку. Наряду с этими видео, Polina также пишет картины в традиционной технике.

8. Sanjsketches

Sanjsketches рисует городские скетчи. При этом интересные акварельные дополнения заставляют работы сиять. Художественные произведения этого автора (студента или студентки Кембриджского университета в Англии) хорошо улавливают самую суть города, позволяя в то же время проникнуться повседневной жизнью художника.

9. Namwanpastel

Может, я просто сладкоежка, когда речь идет об акварельной живописи, но этот Instagram-аккаунт безусловно очарователен. Эта акварелистка, проживающая в Таиланде, воплощает самые аппетитные сюжеты от фруктовых тартов до макарун и капкейков. Самое большое преимущество этого аккаунта связано с тем, что вместе с фото готовой работы она предоставляет используемую цветовую палитру.

10. Christophermaxwellart

Произведения этого австралийского художника и иллюстратора перенесут вас в совершенно иную реальность. Будучи автором детских книг, акварельные рисунки Кристофера Максвелла (Christopher Maxwell) пропитаны фантазийностью, мечтательностью и воображением.

11. Ihappygirl

Елена Мороз (Elena Moroz) – акварелистка из Южной Африки, чьи цветочные мотивы поистине прелестны. Хоть Елена время от времени и уделяет внимание другим объектам, в основном она фокусирует свое творчество на цветах. Я обожаю то, как она компонует свои фото, демонстрируя натуральную версию изображенных цветов.

12. Liviing

Этот Instagram-аккаунт изобилует акварельными рисунками в технике набрызгивания. Если вам по душе акварель и коты, вам точно понравятся портреты животных этого автора. Здесь также появляются и другие звери, но львиная доля всех произведений отображает цветастых, ясноглазых представителей кошачьих.

13. Matchboxart

Matchbox живет в Йоханнесбурге, Африка, и пишет акварельные миниатюры. Вполне оправдывая свой никнейм, этот аккаунт заполнен невероятными уменьшенными рисунками краской. На фото всегда находится предмет для сравнения масштабов. Тончайшие детали, прописанные со всей тщательностью, свидетельствуют о невероятном таланте художника.

14. Juliabarminova

Юлия Барминова — известный акварелист и педагог из России, регулярно выкладывающая свои работы на страничке в Инстаграме. Большая часть творчества Юлии посвящена причалам с яхтами и морской тематике в целом. Кроме того, она отличный ботанист и славится своей скрупулезностью в прорисовке деталей цветов.

Поделиться статьей:

Магия акварели | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Третьяковская галерея выражает признательность Анатолию Ивановичу Новикову за финансовую поддержку выставки.

Выставка графики из фондов Третьяковскои галереи, открытая в Лаврушинском переулке до ноября этого года, представляет более 350 произведений русскои акварели XVIII-XX веков, среди которых — и хорошо известные шедевры, и работы, не знакомые широкому кругу зрителей.

Акварель — одна из самых сложных и загадочных художественных техник. Секрет ее, на первый взгляд, достаточно прост: растворенные в воде очень мелко растертые частицы пигмента создают прозрачный красочный слой, проницаемый для световых лучей, которые, отражаясь от белой поверхности бумаги, повышают интенсивность звучания цвета. Но тайна обаяния, неизменной привлекательности акварельной техники, ее вечной молодости и актуальности остается неразгаданной. Свободное перетекание тонов, мягкость переходов и насыщенность колористических созвучий, активная роль бумаги, ее тона и фактуры — все это сообщает акварели ни с чем не сравнимые очарование и изысканность. Почти не допускающая переделок и правок, эта техника требует от художника особой чуткости, верности глаза и руки, виртуозного владения цветом и формой. Настоящему мастеру она дает возможность бесконечного разнообразия эффектов.

Историческая картина развития техники сложна. Она не складывается в единый поступательный эволюционный процесс, хотя общая тенденция, направленная на осознание особенностей пластического языка, формирование эстетики, отличной от других видов живописи, прослеживается достаточно определенно. В работе акварелью предельно раскрывается темперамент художника, обнажается самый нерв его творческой индивидуальности — чувство цвета, степень и характер колористической одаренности. Именно поэтому история акварели демонстрирует обилие направлений, богатство самостоятельных манер, стилей и почерков, будто соревнующихся в своей неповторимости. Наряду с яркими достижениями больших мастеров, обозначающими вершины ее возможностей, чрезвычайно важна и общая культура акварели, создаваемая трудами широкого круга профессионалов, а иногда и просто любителями и отражающая мироощущение поколения.

История акварели в России начинается с XVIII века — ею пользовались при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов. На выставке в ГТГ можно увидеть несколько редких, наиболее ранних анонимных образцов подобного прикладного применения этой техники. В конце столетия акварель становится уже самостоятельным видом искусства, обладающим собственными средствами выразительности и художественным языком.

Техника акварели пришла в Россию, как и во многие страны Европы, из Англии. В практике английской акварели сложилась определенная система приемов работы «по-мокрому». Краска наносилась широкой заливкой. Общий тон подчинял себе остальные цвета — художественное впечатление строилось на постепенных, едва уловимых тональных переходах. Наиболее ранними примерами этой «английской манеры» могут послужить акварельные видовые ландшафты М.М. Иванова, а также редкая для своего времени по жанру работа Г.И. Скородумова «Портрет И.И. Скородумова» (1790-е), представляющая особый интерес, поскольку ее автор долгое время жил в Англии и воспринял технику английской акварели в наиболее чистом виде.

Родиной разновидности акварели, получившей распространение чуть позже, была Италия. В итальянской акварели художник пишет «по-сухому». Тона накладываются один на другой постепенно, после просыхания предыдущего слоя, мазками, градации цвета усиливаются от светлого к темному. Итальянскую акварель отличали звучное многоцветие, пластичность, яркость и напряженность колорита. Проводниками «итальянской манеры» стали члены обширной русской художественной колонии в Риме, пенсионеры Академии художеств, и прежде всего — К.П. Брюллов.

Большую роль в развитии акварели в России играл пейзажный жанр. Здесь наряду с произведениями, исполненными исключительно акварелью, показательны и работы, сочетающие акварель с гуашью — «Вид Царскосельского парка» (1793) Ф. де Мейса, «Мельница и башня Пиль в Павловске» (не ранее 1797) С.Ф. Щедрина, а также гуаши с «эффектом акварели», например «Пруд в парке Царского Села» (начало 1810-х) А.Е. Мартынова. Они демонстрируют происходивший на рубеже веков процесс осмысления различий свойств водорастворимых красок, их взаимодействия с бумагой. Важной линией в формировании акварельного пейзажного жанра стали архитектурные виды и фантазии — ведуты, — исполненные архитекторами. Среди такого рода произведений гордость коллекции ГТГ — «Итальянский пейзаж. Рим» (1762—1764) В.И. Баженова, «Казанский собор в Петербурге» (1800) А.Н. Воронихина, «Пейзаж с руинами» (1800-е) Дж. Кваренги. Блестящим мастером ведуты, родоначальником городского пейзажа в России был Ф.Я. Алексеев. Его листы «Вид на Михайловский замок в Петербурге» (1799—1800), «Вид на Казанский собор» (1810-е) отличает изящество техники. Прозрачные жемчужные оттенки цвета, совершенство архитектурных форм, мастерски расставленные цветовые акценты стаффажных фигурок придают запечатленным ансамблям очарование и гармонию идеала. Традиции Алексеева продолжил его ученик М.Н. Воробьев, создавший один из самых проникновенных образов Петербурга в русском искусстве. В его рисунках из путешествий, предпринятых для «снятия видов», топографическая точность сочетается с удивительной свободой, эмоциональность манеры исполнения — с крайней условностью художественного языка.

Акварельный пейзаж получил широкое распространение как в кругу профессиональных художников, так и среди любителей. Экспозиция впервые представляет малоизученный еще пласт альбомной акварельной культуры — графику К.И. Кольмана, Н.К. Гампельна, Н. Куртейля, Н.И. Тихобразова. Любительское рисование в целом и акварель в частности — существенная составляющая искусства начала XIX века. Из среды художников-любителей выходят такие крупные мастера, как П.А. Федотов и Ф.П. Толстой. Особое обаяние ранним акварелям Федотова (парные портреты супругов Колесниковых, 1837; «Прогулка», 1837; «Переход егерей вброд на маневрах», 1844) сообщают непосредственность, искренность, которые выдают путь «самообразования» их создателя. В его знаменитых сепиях безупречность исполнения выводит бытовую зарисовку из области любительского досуга в один из важных жанров изобразительного искусства.

Работы Толстого — неожиданный поворот в развитии акварели. Они достаточно условно могут быть причислены к этой технике: художник сам растирал и готовил краски, которые представляли собой нечто среднее между гуашью и акварелью. Авторские краски позволяли использовать преимущества обеих техник — работать и корпусными мазками, и тончайшими лессировками.

Интенсивность и плодотворность развития акварели зависела от степени ее востребованности, от того, насколько ее язык соответствовал эстетическим категориям эпохи. В эпоху романтизма акварель впервые по-настоящему обретает самостоятельность. В ранг ведущего жанра того времени был выведен портрет. Порой кажется, что художественные образы, созданные мастерами первой половины XIX века не только воплотили, но и сформировали представления об идеале эпохи — душевный строй модели, сам ее облик, манеру поведения.

Акварельный портрет первой половины XIX столетия составляет самостоятельный раздел экспозиции, в котором это явление рассматривается в динамике. Ранние работы родоначальника жанра П.Ф. Соколова раскрывают свое происхождение от портретной миниатюры — в характерном малом формате, овальной композиции, особой трактовке пространства листа. Со временем эта связь утрачивается, изображение осторожно осваивает всю плоскость бумажного листа, мазок становится широким, свободным и разнообразным, краски — прозрачными, легкими. Выполненные за один сеанс, работы Соколова 1820-х — начала 1830-х годов полны тонкого обаяния дружеского диалога между художником и моделью. Достижения мастера вдохновляют большой круг последователей, достаточно широко представленный на выставке работами В.И. Гау, А.Д. Надеждина, М.Н. Алексеева, И. Алексеева, А.М. Воробьева, К.С. Осокина. Осваивая и варьируя соколовские приемы, художники создали галерею образов, настолько стилистически родственных, что в совокупности они воспринимаются как портрет прекрасной классической эпохи, в культуре которой искусство акварельного портрета возникло, расцвело и ушло безвозвратно вместе с поколением, чей образ оно так бережно сохранило.

Другая самостоятельная линия акварельного портрета представлена творчеством братьев Александра и Карла Брюлловых. Скромному обаянию моделей Соколова противостоят поза, артистический жест постановочных картинных брюлловских портретов, всегда, даже при камерных задачах, сохраняющих репрезентативность. Характеристика модели у Брюллова поддержана многоголосием аксессуаров: узором переливчатых складок тканей, ажурным рисунком кружева, игрой фактур. Гордость собрания Третьяковской галереи — шедевры кисти К.П. Брюллова: большие парадные портреты Г.Н. и В.А. Олениных (1827), М.И. Бутеневой с дочерью Марией (1835). Мастер жанровых сцен и пейзажей, Брюллов виртуозно вводит их элементы в портрет. Такая форма и усложняла живописную задачу, и одновременно позволяла в полной мере проявиться мощному колористическому дару художника, раскрепощала его «пылкий художнический темперамент и плодовитое воображение»[1]. Характеристика акварельного творчества К.П. Брюллова была бы неполной без показа столь любимых современниками художника итальянских сценок — «перлов его фантазии и гениальной кисти»[2]. На выставке экспонируется целая «сюита» маленьких веселых и беззаботных итальянских жанров мастера, в которых он чувствовал себя свободным от академических канонов. Художник добился здесь нарядной «средиземноморской» звучности цвета, умело гармонизировал сложные колористические аккорды, достиг предельной интенсивности красок и почти картинной выверенности и завершенности[3].

Уникально акварельное наследие А.А. Иванова. Это непревзойденный еще рубеж мастерства владения техникой и абсолютное выражение ее сути. К акварели художник обратился, обладая уже большим опытом в живописи маслом. Даже первые его графические работы («Жених, выбирающий серьги невесте», 1838; «Октябрьские праздники в Риме», 1842) поражают смелостью и совершенством. Чувствуется восторг художника перед открывшимися возможностями. Для Иванова акварель — это техника живописных исканий, обретения нового цветового и светового решения пространства. Написанные быстро, «на одном дыхании» натурные пейзажи середины 1840-х — 1850-х годов («Море у берегов Неаполя», «Лодки», «Вода и камни»), позволяют зрителю прочувствовать процесс рождения изображения от первого и до последнего движения кисти.

Тема многих акварелей Иванова — солнечный свет. Словно осознавая уникальность художественной задачи, мастер отмечал произведения подобного рода специальным пояснением: «исполненные на солнце». Акварель «Терасса, увитая виноградом» представляет знаменитый «экспериментальный» альбом Иванова, составленный из почти монохромных натурных зарисовок. В них ослепительный солнечный свет, воплощенный в сияющей белизне листа бумаги, своевольно меняет форму и цвет предметов, обобщает очертания, создает эффект подвижной световоздушной среды, трепещущей, переливающейся материи.

Вершиной творчества Иванова несомненно являются его «библейские эскизы». В условности акварельной техники, в принципиальной незаконченности высказывания, свойственной природе эскиза, художник находит соответствие своему замыслу. В библейских эскизах нет единообразия технических приемов — они варьируются, сочетаются и рождаются заново в связи с той или иной живописной задачей. В одних листах краски почти нематериально прозрачны, в других — акварель становится многослойной и приобретает плотность и весомость звучания. В композициях, исполненных на темных бумагах, эффект завораживающего внутреннего свечения достигается применением белил. Судьба акварельного наследия А. А. Иванова сложилась так, что оно практически не имело никакого воздействия на искусство современников и ближайших потомков. Известные лишь очень узкому кругу лиц акварели были бережно хранимы братом художника С.А. Ивановым и М.П. Боткиным согласно воле самого автора, осознававшего «преждевременность» своих открытий. Частично опубликованные в 1870-е — 1880-е годы[4] они лишь тогда стали важным фактом художественной жизни, оказавшим огромное влияние на поколение рубежа XIX—ХХ веков.

После почти одновременного ухода с художественной сцены выдающихся мастеров-акварелистов П.Ф. Соколова, К.П. Брюллова и А.А. Иванова акварель переживает очень сложный период, отмеченный серьезными изменениями в понимании задач и предназначения искусства, наметившимися в обществе. Утонченная эстетика и изысканная культура акварели с условностью и артистизмом ее языка в 1860-е годы не вполне соответствовали тем социальным задачам, которые выдвигались новой художественной эпохой. Позиции акварели оставались непоколебимыми лишь в таких традиционных для нее областях применения, как видовой ландшафт, «итальянский жанр», костюмированный портрет. Здесь заботливо сохранялись традиции, профессионализм исполнения. Тщательно разработанные, «картинные» листы К.Ф. Гуна, Ф.А. Бронникова, Л.О. Премацци, И.П. Раулова, А.А. Риццони, Л.Ф. Лагорио трактуют акварель как техническую разновидность живописи. Произведения воспринявших эту традицию художников демонстрируют очень естественную и неконфликтную смену поколений акварелистов-«консерваторов».

Одновременно большие перемены происходят в иерархии и бытовании основных жанров акварели. Акварельный портрет и интерьер как непременные атрибуты дворянского быта сталкиваются с появлением модного конкурента — даггеротипа, а затем фотографии, которая постепенно замещает их «документальные» функции. Камерный акварельный портрет почти перестает быть заказным, он входит теперь в «рабочий» круг жанров, где происходит поиск иных средств выразительности, исподволь формируется иной язык акварели.

В середине XIX века акварель осваивает новые сферы применения — натурный этюд, иллюстрация, критический бытовой жанр, сатирические зарисовки. Каждый из этих жанров скромно обогащает технику какими-то особыми чертами. В бытовых сценках П.М. Шмелькова отрабатывается принцип взаимодействия акварели и карандашного рисунка, проложенного поверх еще не просохшего слоя краски, «происходит соединение двух начал — живописного и графического»[5]. В эскизах и этюдах картин художников-передвижников естественный и даже неизбежный эффект незаконченности начинает осознаваться как особое преимущество техники, важный эстетический прием.

В 1870-е годы молодое поколение художников как бы заново раскрывает возможности акварели. Она не публична, это — техника «для себя», дающая абсолютную свободу самовыражения. Так, совершенно непривычного, «неизвестного» Крамского являют нам его пейзажные «Калитка в саду» (1874), «Деревенский дворик во Франции» (1876), «В роще Медон близ Парижа» (1876), «Гапсаль» (1878). Трудно поверить, что жизнерадостные, многоцветные работы, исполненные вдохновенно и артистично, принадлежат кисти художника, которого в живописи отличают рассудительность, эмоциональная сдержанность, скупая, почти аскетичная цветовая гамма. Поражает не столько даже «несвоевременность» этих маленьких шедеров, их несоответствие живописной манере Крамского-художника и системе взглядов Крамского — теоретика искусства и общественного деятеля, сколько сама мощь его колористической одаренности, не нашедшая выхода в живописной практике.

С 1860-х годов очень интересно выстраивается линия развития пейзажа в сепии, представленная на выставке работами Л.Ф. Лагорио, А.П. Боголюбова, Ф.А. Васильева и И.И. Левитана. Их объединяют благородство и артистизм исполнения, основывающиеся на бесконечном разнообразии приемов владения кистью, характере ее прикосновений к бумаге, на различной степени проработки поверхности и нагруженности красочного слоя.

Для многих мастеров-передвижников обращение к акварели было единичным, эпизодическим. Однако в акварели результаты их художественных поисков проявляются раньше или прочитываются яснее. Так, сопоставление работ И.И. Левитана и В.А. Серова 1890—1900-х годов позволяет уловить тот момент в истории пейзажа, когда в акварели рождается «психологический пейзаж», передающий состояние природы, ее настроение — «нежную, прозрачную прелесть русской природы, ее грустное очарование»[6].

Мощный импульс в постижении особенностей языка акварели и осознании ее эстетических возможностей дает введение изучения этой техники в программу высших художественных учебных заведений. Во многом новый взлет в акварельной живописи на рубеже XIX—XX веков связан с деятельностью П.П. Чистякова, он был осуществлен его учениками — В.И. Суриковым, В.А. Серовым и М.А. Врубелем. Феномен «чистяковской школы» заключается в непохожести вышедших из нее
художников. Чистяков обладал особым даром выявлять и развивать индивидуальные черты, манеру письма каждого из них, «указать путь» (по выражению Сурикова).

В художественной системе Сурикова, а может быть, и в его жизни акварели отведено особое место[7]. В этой технике он постоянно работал на протяжении почти 50 лет. Эволюция его акварельной манеры очевидна. Ее начало обозначено Сибирским циклом, исполненным летом 1873 года до занятий у Чистякова. Эти пейзажи объединяет строгость колористического решения, построенного на синевато-зеленых, «не знающих солнца» оттенках, «словно подсказанных художнику самой суровой сибирской природой»[8]. Серия итальянских акварелей 1883—1884 годов — шедевры акварельной манеры Сурикова. Ему подвластны жемчужное марево утреннего света, играющего на белых стенах соборов, слепящая яркость помпейских фресок, буйство красок карнавала. Он пишет и «воздушной, паутинной кисточкой», прозрачными тонами, едва прикасаясь к бумаге, и слоистыми лессировками, и короткими, «дерзкими» ударами кисти, и широкими переливчатыми затеками. Другая знаменитая серия акварелей — испанская — создана в 1910 году во время совместного европейского турне В.И. Сурикова и П.П. Кончаловского. Естественно возникшее между ними соперничество было не просто соревнованием двух замечательных колористов, представителей разных поколений, но плодотворным для обоих столкновением разных художественных систем. Акварель Сурикова, будучи очень чутким инструментом, впитывает в себя черты искусства Нового времени. Экспрессия цвета, его эмоциональная напряженность, острота диссонирующих сопоставлений, культ незаконченности меняют его акварельную систему: он пишет размашистыми движениями кисти, широкими свободными заливками по влажной бумаге, доводя «красочную звучность акварели почти до парадокса, до перенапряжения»[9]. Таковы «Севилья», «Бой быков в Севилье».

В творчестве младших учеников Чистякова — Врубеля и Серова — акварель обретает значительность, сопоставимую с их живописными произведениями. Работая буквально рядом, «рука об руку», каждый из них прошел собственный путь в акварели. Одаренный одинаково щедро талантом рисовальщика и колориста Серов выработал такую систему письма акварелью, где линия и цвет неразделимы. Он видел предметы обобщенно, воплощая их на листе бумаги как лаконичные пластические формулы, одним движением кисти моделировал форму и сообщал ей цвет. По своей природе акварель Серова тяготеет к графике, подчиняясь законам этого вида искусства в отношении к поверхности листа, принципам построения пространства и формы, степени условности языка. Колористическая гамма работ художника сдержана, построена на множественности тончайших градаций тона, разнообразии нюансировок и оттенков, ее благородный серый цвет способен выразить все цветовое многообразие мира. Удивительны никогда ранее не экспонировавшиеся акварельные наброски «В дороге» (1900-е) и «Греция. Остров Крит» (1907). Подойдя в них к некой границе предметного мира, к предельной степени условности языка, допустимой в рамках пластической системы того времени, Серов затрагивает задачи будущего художественного поколения, нерв их эксперимента с абстрактной формой.

Врубель обладал редкой предрасположенностью к работе акварелью. Поразительно, что уже его первые акварельные опусы «Голова девочки (1882), «Е.М. Бем, сидящая в кресле» (1882), «За кружкой пива» (1883), исполненные в период обучения в Академии, лишены налета ученичества, выдают руку прирожденного акварелиста. Художник мгновенно осознал огромные перспективы, которые открывала именно его художественным потребностям акварельная техника. Акварельная манера Врубеля очень разнообразна: в «Персидском принце» (1886) он выслаивает пространство листа мельчайшими, тщательно нюансированными по цвету мазками, скрупулезно следующими форме; в «Портрете артистки Т.С. Любатович» (1890-е) создает изображение крупными пятнами, вольными затеками, словно подчиняясь прихотливому течению краски. В своей знаменитой «Розе» (1904) Врубель вдумчиво конструирует форму, словно стремясь проникнуть в тайны строения натуры, передать энергию тугих лепестков распускающегося цветка. В почти лишенных цвета монохромных иллюстрациях к «Демону» М.Ю. Лермонтова (1891), бесконечно варьируя приемы нанесения краски, сгущая ритмы разнообразных по тону пятен, Врубель создал особую вибрирующую подвижную среду — аналог поэтической материи лермонтовского текста. Выбор «стиля» определился лишь требованиями конкретного замысла, художественного образа.

Особняком в истории акварели стоит творчество В.Э. Борисова-Мусатова. Художник приходит к ней лишь в последние годы жизни — в период полного владения живописной формой. Колористическая насыщенность и осязаемость фактуры его работ маслом и темперой в поздних акварелях «Балкон осенью» (1905), «Реквием» (1905) оборачиваются прозрачностью, «нематериальностью» цвета, игрой полутонов, приглушенных размытых красок, тающих теней, что как нельзя более соответствует поэтическим образам его призрачного мира, балансирующего на тонкой грани реального и сочиненного.

Возрождение всеобщего интереса к акварели произошло в последние десятилетия XIX века. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. На выставке представлены произведения М.Я. Виллие, Э.С. Вилье де Лиль-Адана, П.П. Соколова, Р.Ф. Френца, И.А. Александрова, А.С. Егорнова, Р.А. Берггольца, Альб.Н. Бенуа. Некоторые из этих художников работали исключительно как акварелисты и, может быть, поэтом у остались почти незаметными для «всеобщей» истории искусств. Тем не менее, задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов» несомненно выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства.

Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников. Так, под руководством блестящего мастера акварели Альберта Бенуа осваивали эту технику многие будущие члены художественного объединения «Мир искусства» Л.С. Бакст, А.Н. Бенуа, К.А. Сомов. Интересно, что создатели высочайшей графической культуры — «мирискусники» старшего поколения — в своем творчестве не часто обращались к технике чистой акварели. В «графических картинах», фантазиях на историческую тему они тяготели к более плотному корпусному письму и отдавали предпочтение гуаши и темпере, но приемы работы в этих техниках зачастую оставались акварельными.

Акварельные работы А.Н. Бенуа, М.В. Добужинского, А.П. Остроумовой-Лебедевой почти всегда сдержаны и изысканны по цветовому решению, свободная работа акварельным пятном сочетается в них с активным рисунком, придающим графическую четкость организации поверхности листа.

Особого внимания заслуживают работы К.А. Сомова. В жизни и в искусстве он всегда оставался в тени своих более активных коллег. В истории изобразительного искусства, построенной преимущественно на основе живописных работ, он остался автором нескольких картин и десятка куртуазных гуашевых композиций, составляющих лишь малую толику его художественного наследия. Однако Сомов был превосходным акварелистом и верно служил акварели до последних дней своей жизни. Творчество художника соединяет обе линии развития техники, примиряя традиционалистов и сторонников поиска новых форм. Более того, в его акварелях удивительным образом сходятся все нити, значимые для развития этой техники в России; он «пропустил через себя» все когда-либо существовавшие жанры, исследовал и испробовал все стили.

Самой интересной и недооцененной страницей сомовского творчества являются натурные пейзажи, в которых запечатлено почти невозможное: едва уловимые эффекты смены состояния и настроения природы — ветер, дождь, сумерки, белые ночи. Радуга (излюбленный мотив Сомова) в маленьком этюде 1908 года изображена так, что воспринимается как своеобразная метафора акварели, зримое воплощение рождения цвета и формы в напоенном влагой и светом воздухе.

Экспозиция «Магия акварели» ограничивается 1910-ми годами, когда завершился очередной цикл развития техники, но ее история на этом не заканчивается — новый, не менее интересный период в ХХ веке обозначен именами К.С. Петрова-Водкина, А.В. Лентулова; фантастические, блистательные и пугающие акварельные миры создают В.В. Кандинский, П.Н. Филонов. Но это уже совершенно другая история. Остается только надеяться, что выставка акварели ХХ века в Третьяковской галерее не заставит себя долго ждать. Следующие проекты в залах графики в Лаврушинском переулке будут посвящены рисовальным техникам в искусстве XVIII — начала XX века и составят в итоге цикл, охватывающий все многообразие технических средств и материалов графики.

Мокрицкий А. Воспоминания о Брюллове. Цит по: К.П. Брюллов в письмах, документах и воспоминаниях современников. М., 1961.С. 148.
Там же.
Талант Брюллова-акварелиста раскрылся и в монохромной разновидности этой техники — сепии. Здесь возникает новое понимание эстетической законченности произведения, художник обретает особую свободу дыхания, в чем-то предугадывая новые возможности техники и пути развития акварели (см.: Плотникова ЕЛ. Выставка русской акварели конца XVIII — начала ХХ века из собрания Государственной Третьяковской галереи. М., 1966. С. 16).
Эскизы из Священной истории Иванова. I-XIV. Берлин, 1879-1887.
Плотникова ЕЛ. Выставка русской акварели конца XVIII — начала ХХ века из собрания Государственной Третьяковской галереи. М., 1966.С. 20.
Головин А.Я. Воспоминания. Цит по: Встречи и впечатления. Письма. Воспоминания о Головине. Л.-М., 1960.С. 27.
Удивительно верно по сути немного шутливое высказывание А.М. Эфроса: «Было два существа: одно — Суриков, другое — Василий Иванович. Суриков был национальным достоянием и создавал «Боярыню Морозову»; Василий Иванович жил для себя и делал акварели. Его мы не знали до самой последней поры и лишь понемногу узнаем теперь» (Эфрос А.М. Рисунки и акварели Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 5).
Торстенсен Л.А. Акварельная живопись В.А. Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 9.
Эфрос А.М. Рисунки и акварели Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 6.

Иллюстрации

П.Ф. СОКОЛОВ. Цветы и фрукты. 1840-е
Бумага, акварель. 26,5×19,2

И.А. ИВАНОВ. Дом графа А.К. Разумовского со стороны парка. Начало 1800-х
Бумага, акварель, тушь, кисть, перо. 35,2×51,5

И.Н. КРАМСКОЙ. Деревенский дворик во Франции. 1876
Бумага цветная, акварель, белила. 24×31,5

П.А. ФЕДОТОВ. Прогулка. 1837
Бумага, акварель. 26,5×21,4

Ф.А. ВАСИЛЬЕВ. После проливного дождя. 1870
Бумага, акварель, белила. 17,3×36,1

В.Д. ПОЛЕНОВ. Среди учителей (Христос отрок в синагоге). 1894
Эскиз картины «Среди учителей» (1896, ГТГ). Бумага, акварель, графитный карандаш. 22,4×40,5

В.Е. МАКОВСКИЙ. В казначействе в ожидании пенсии. 1879
Бумага, акварель, графитный карандаш. 17,3×25,7

В.И. СУРИКОВ. Портрет Ольги Васильевны Суриковой (1878–1958), дочери художника. 1883–1884
Бумага, акварель, графитный карандаш. 27×21

В.А. СЕРОВ. Королевский сад в Афинах. 1907
Бумага, графитный карандаш, акварель. 22,6×35,3

И.И. ЛЕВИТАН. Осень. 1890-е
Бумага, акварель, графитный карандаш. 31,5×44

А.П. ОСТРОУМОВА-ЛЕБЕДЕВА. Амстердам. 1913
Бумага на картоне, акварель, уголь. 34,5×50

Е.Д. ПОЛЕНОВА. На дворе зимой. 1890-е
Бумага, акварель. 50×32,1

К.А. СОМОВ. Купальщицы. 1904
Бумага, акварель, черный карандаш. 28,8×38

М.А. ВРУБЕЛЬ. Роза. 1904
Бумага на картоне акварель, графитный карандаш. 29,8×18,5

К.А. СОМОВ. Радуга. 1908
Этюд. Бумага, акварель. 25,2×26,3

К.Ф. ЮОН. Ночь. Тверской бульвар. 1909
Бумага на картоне, акварель, белила. 60,5×73

Художник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. Лучшие акварели

Привет всем входящим на usenkomaxim.ru

Нашел еще одного художника-акварелиста. На этот раз югославский мастер Joseph Branko Zbukvic. И он мне понравился значительно больше японской художницы Keiko Tanabe, работы которой выкладывал в предыдущем посте. Последняя относительно первого словно ученица. У нее еще все впереди…. Более ничего писать от себя не буду. Прилагаю выдержки из сети…

Его годы становления были проведены на небольшой ферме, в широком семейном кругу, где большая часть домашних работ выполнялась вручную в традиционной манере. Этот идиллический опыт семейной жизни в сельской атмосфере дал ему более утонченное понимание отношений человека с природой, а также развил его сильную нравственную сторону. Его бабушка быстро распознала и поощряла его художественный талант в дошкольном возрасте. И эта его ранняя любовь к рисованию осталась с ним на всю жизнь, ныне является основой всей его работы.

Художник-акварелист Joseph Branko ZbukvicХудожник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. МастерскаяХудожник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. Рабочее место

Несмотря на очевидный талант сына, родители Joseph Branko Zbukvic решили, что достойного будущего в профессии художника у их сына не будет, и в 1967 году он поступил в университет на кафедру изучения языков и литературы, для того чтобы впоследствии посвятить себя преподавательской деятельности.

Но все это образовательное начинаение было прервано в 1970 году, когда из-за политических волнений семья решила эмигрировать из Югославии в Австралию. Там Joseph Branko Zbukvic продолжил свое заочное образование в университете Дикин в Мельбурне. Окончив университет в 1974 году, он получил диплом искусств в области промышленного дизайна. В тот же период он снова для себя открыл акварель и начал писать, достигнув мгновенного успеха в художественных конкурсах, выиграв свою первую крупную награду искусства в 1975 году. С тех пор он завоевал более 200 международных наград, провел более 40 персональных выставок в Мельбурне, Сиднее, Брисбене, Аделаиде, Лондоне и Сан-Антонио… А первая персональная выставка у него была в 1977 году в галерее Истгейт, Брайтон, Мельбурн.

В 1978 году он начал писать полный рабочий день, и вскоре зарекомендовал себя как ведущий акварелист. Joseph добился огромного успеха в акварельной живописи благодаря мастерской технике и невероятному разнообразию изображаемых тем и предметов.

После 20-летнего отсутствия, Joseph Branko Zbukvic побывал в Загребе в 1990 году. Он получил теплый прием и был сделан художником в резиденции Мимара Музея изобразительных искусств.

На данный момент Joseph Branko Zbukvic является одним из лучших художников-акварелистов в мире. Его акварельные работы, семинары, практические уроки востребованы и продаются всюду, где он путешествует…

Ну и кончено, в настоящее время он стоит членом множества самых престижных клубов, обществ, институтов акварельного искусства. Ведет преподавательскую деятельность…

Другие материалы из этой категории:

«Просто добавь воды»: ТОП-6 современных художников-акварелистов

Андрей Ковалик

Начнем с художника-путешественника, обладателя 40-тысячной аудитории в Instagram — Андрея Ковалика. С самого детства он рос в окружении природы, наблюдал за восходами и заходами солнца, гулял у прудов и наслаждался шумом лесов. Эта тесная связь с природой и вылилась в основную тематику работ живописца — пейзажиcта.

Рисовать художник начал еще в школе, тогда и вспыхнула первая любовь к акварели, но потом на время пришлось забросить это дело. Далее Андрей увлекся иконописью, которой занимался на протяжении десяти лет, а два года назад все же решил вспомнить детскую мечту и снова с головой погрузился в написание акварелей. Как говорит сам мастер: «Акварель мне нравится своей̆ двойственной̆ природой. С одной стороны она нежная и мягкая, а с другой — смелая и не терпит ошибок. Если что-то сделал не так, и краска успела высохнуть — работа испорчена».

Но не только картинами знаменит Ковалик: многие знают его как путешественника. Он посетил Индию, Италию, Грузию, исколесил всю Украину и Россию. «Я занимаюсь любимым делом, рисую и путешествую, а это, наверное, мечта многих людей, мне часто пишут, что хотели бы так же. И это моя уникальность, которая и притягивает внимание, потому что я уже два года путешествую в режиме нон-стоп. Людям это нравится, многие пишут, что с нетерпением ждут моих сториз в Instagram, смотрят их всей семьей вместо вечернего сериала», — комментирует Андрей.

Инстаграм: @kovalik.art

Самира Янушкова

Для этой героини акварель — сложная загадка, которую она пытается разгадать по сегодняшний день. Техника акварельной живописи не давала покоя Самире еще со времен обучения в университете и, как говорит сама художница, трудности в работе с этим материалом привлекают ее больше всего: «Художник должен обладать противостоящими друг другу качествами: смелостью и трепетом, буйством эмоций и умиротворением. Это особое состояние, когда художник должен предсказывать непредсказуемое и контролировать неконтролируемое».

Самира регулярно принимает участие в выставках, а недавно работа мастерицы «Тетушка Солмаз» победила в международном конкурсе «Золотая кисть» в Турции, где участвовали более тысячи акварелистов со всего мира.

Кроме того, Самира — активный блогер; на вопрос, как ей удается совмещать творчество и соцсети, отвечает так: «Я всегда хотела, чтобы мое творчество увидело как можно больше людей. По моему мнению, работы не должны пылиться на полках в темной мастерской, а современный художник не может быть современным, сидя взаперти. Художник для меня — это публичная личность, идущая в ногу со временем, а иногда и опережающая его. Творчество и блогерство для меня одно целое. Соцсети — это моя виртуальная галерея, которую могут посетить намного больше людей, чем офлайн-выставку, что тоже немаловажно. Создав картину, я спешу ее опубликовать и поделиться с подписчиками своими эмоциями. В ответ я получаю невообразимую обратную связь, которая вдохновляет творить дальше, придает сил и уверенности в том, что я делаю».

Инстаграм: @samiradragonfly

Meream

Если вы любите легкие и наивные сюжеты, тогда вам точно понравятся работы художницы Meream, которая рисует акварелью причудливые домики на деревьях, в которых, по словам автора, хотелось бы жить каждому. И с этим не поспоришь.

До серии работ «Tree House» художница в основном изображала различных фантастических персонажей, еду, цветы и многое другое. Поэтому в ее Instagram точно будет на что посмотреть.

Инстаграм: @boredandcrafty

Автор: Георгий Уколов

Изображения: Андрей Ковалик, Самира Янушкова, Ольга Ретунская, Майя Вронская, Meream, Анна Майорова

20 самых известных художников-акварелистов, которые вас вдохновят

Когда дело доходит до акварельной живописи, знакомство и черпание вдохновения у самого известного художника-акварелиста позволяет вам черпать вдохновение и мотивировать вас становиться лучше со временем. Как новичок, вы можете быть одновременно вдохновлены и напуганы. Это нормально, так как большинство художников были там, эксперт когда-то был новичком, как и вы, и эта статья написана для вдохновения и начала вашего творческого пути.

Как самые известные художники-акварелисты вдохновляют вас, как новичка, улучшать свои навыки и изучать новые техники? Есть ли простые техники, которые вы можете практиковать, чтобы стать одним из самых известных художников-акварелистов этого поколения? В какие материалы вы должны инвестировать, когда начинаете работать с этой средой рисования? Сложно ли рисовать акварелью?

Кто самые известные художники-акварелисты всех времен?

Для кого-то рисовать акварелью легко и доступно.Скорее всего, каждый художник рисовал акварелью свой холст или бумагу. Если вы новичок в этой живописной среде, этот список самых известных художников-акварелистов вдохновит вас на создание ваших следующих работ в ближайшее время. Мы включили краткий обзор того, как началось их путешествие по акварельной живописи, который в какой-то момент вдохновит вас на большее.

Давайте познакомимся с людьми, стоящими за уникальным и ярким миром акварели:

Джон Сингер Сарджент

Джон Сингер Сарджент (12 января 1856 г. — 14 апреля 1925 г.)
Он американский художник, который, как считается, возглавлял портретную живопись на протяжении всего своего поколения.С более чем 2000 акварельными картинами и более чем 900 масляными картинами, ненумерованными рисунками углем и эскизами под своим именем он путешествовал по разным местам, чтобы продемонстрировать свои работы и одновременно вдохновить других.

Его работы характеризуются высокой техникой, особенно его уникальной техникой рисования кистью. Однако это умение подвергалось критике и поддержке. Его методы были последовательны, когда дело касалось портретной живописи и импрессионизма. Позже он начал создавать фрески и работы «на пленэре».”

Самые известные художники-акварелисты

Его акварельные картины до сих пор черпают вдохновение у новичков и продвинутых художников-акварелистов. Они переехали из английской сельской местности в Тироль, Венецию, Корфу, Монтану, Ближний Восток, Флориду и Мэн. Каждое направление предлагает живописные сокровища и развлечения. Живопись была способом Сарджента избежать напряжения и досуга, он рисовал с беспокойной интенсивностью с утра сегодня вечером.

Он один из самых известных художников-акварелистов, его работы включают:

Сиеста гондольера (1904)
Шахматная партия (1906)
Грязные аллигаторы (1917)
Поль Сезар Хеллеу (1882–1885)
Никола Д’Инверно (1892)

Рода Холмс Николлс

Рекомендуется

Набор из 24 цветов ShinHan Профессиональные корейские цвета Акварельные краски ShinHan созданы из материалов и пигментов высшего качества.Этот 24-цветный набор акварельных красок уровня художника доступен по цене, многофункциональн и предлагает точный состав, который держится годами и не выцветает.

Пигменты на водной основе позволяют улучшить свои навыки и технику рисования на профессиональном уровне. Индивидуально помечены для удобства использования и организованы, когда вам нужно создавать произведения искусства.

Характеристики:

Художественная акварель высшего качества
24-цветный набор стойких пигментов
Гарантия отсутствия выцветания
Краски на водной основе помогают улучшить ваши навыки
Индивидуальная маркировка
Простота использования и организации

Зачем покупать этот продукт:

Этот акварельный набор сделан из аутентичных корейских высококачественных пигментов, которые помогут улучшить ваши навыки и технику в кратчайшие сроки.Богатый, яркий и простой в использовании набор для художников.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Рода Холмс Николлс (28 марта 1854 г. — 7 сентября 1930 г.)

Она — американо-английский художник маслом и акварелью, родившаяся в Англии. Ее работы просматриваются, награждаются и публикуются в различных журналах и выставляются в различных известных учреждениях, которые приносят ей известность в родных странах, США и Великобритании.

Как успешный художник, преподаватель искусства и писатель, она вдохновляет это поколение и новичков в чудесном мире акварельной живописи.

Ее известные акварельные картины включают:

Рома (1880)
Лагерь возле Маунт-Кок, Южная Африка (1881-1884)
Сбор полевых цветов (1990)

Винсент Ван Гог

Винсент Виллем Ван Гог (30 марта 1853 г. — 29 июля 1890 г.)

Ван Гог считается самым влиятельным и одним из самых известных художников-акварелистов в мире искусства и истории. Антон Мауве, двоюродный брат, познакомил его с акварелью и преподает ему эту прекрасную живопись.

Художник акварели

Это открывает Ван Гогу путь к созданию 150 произведений акварелью. Большинство его творений основано на крупномасштабных произведениях искусства, которые помогают усовершенствовать его техники и навыки рисования. Несмотря на то, что он был неправильно понят гением, все его работы считаются самыми дорогими произведениями искусства в мире.

Его известные акварельные картины включают:

Женщина за шитьем (1881-1882)
Цветущее персиковое дерево (1888)
Мальчик косит траву серпом (1881)
Пляж с гуляющими людьми и лодками (1882)
Церковная скамья с прихожанами (1882)

Поль Сезанн

Поль Сезанн (19 января 1839 — 22 октября 1906)

Постимпрессионисты и французские художники / живописцы, которые исследовали различные возможности использования акварели.Его работы часто использовались для понимания этой уникальной среды, но при этом предлагали эстетику, которой невозможно быстро достичь, но которая вдохновляет других на создание.

Поль Сезанн создал мост между постимпрессионизмом 19 века и кубизмом 20 века. Он отличается повторяющимися и авантюрными мазками кисти на большинстве своих картин. Он также использовал мелкие мазки и плоские цвета, которые создают сложные поля.

Его знаменитая акварель включает:

Около, автопортрет (1895)
Зеленый кувшин (1887)
Листья в зеленом горшке (1902)
Цветочные горшки (1887)
Натюрморт с зеленой дыней (1906)

Уинслоу Гомер

Уинслоу Гомер (24 февраля 1836 г. — 29 сентября 1910 г.)

Одним из самых известных художников-акварелистов, который вас вдохновит, является Уинслоу Гомер, американский гравер и пейзажист, известный своими морскими концепциями, который считается одной из выдающихся фигур американского искусства.

Художник-самоучка, который работал коммерческим иллюстратором, занялся сложной масляной живописью, а позже создал студийные работы, характеризующиеся плотностью и весом, заимствованными из этого материала.

Первые акварельные творения

Гомер также интенсивно работал с акварелью и создал плодовитое творчество, в основном записывая свои каникулы во время работы. Хотя первые акварельные работы не нравятся большинству критиков, он улучшил свои навыки и начал продавать подготовительные эскизы и оригинальные произведения искусства.

Его знаменитая акварель включает:

Зеленый холм (1878)
Бермудские острова (1901)
Три девушки-рыболова (1881)
Мальчики в дори (1873)
Два мальчика смотрят на шхуны (1880)

Рекомендуется

Kuretake GANSAI TAMBI Professional-Grade 36 Premium Color Pan Set Нетоксичный смешиваемый
Этот 36-цветный набор непрозрачных и ярких пигментов профессионального уровня обязательно создаст потрясающие произведения искусства на основе традиционных японских акварелей.Эта краска тщательно изготовлена, чтобы обеспечить гладкую текстуру во время нанесения.

Нетоксичен и идеально подходит как для начинающих, так и для опытных акварелистов. Благодаря сертификации ACMI, гарантирующей, что все цвета панелей безопасны для ваших художественных сессий.

Характеристики:

36-Многоцветный художественный уровень
Сертификат ACMI, нетоксичный
Включает таблицу цветов и палитр
Обладает гладкой негранулированной текстурой.
Легко использовать и наносить на поверхность
Пигменты на водной основе в картонной коробке

Зачем покупать этот продукт:
Этот набор для акварели предлагает богатые пигменты, которые позволяют накладывать, смешивать и улучшать ваши работы.Он поставляется с образцом цвета, диаграммой и палитрой для руководства.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Элизабет Мюррей

Элизабет Мюррей (1815-8 декабря 1882)

Она считалась одним из самых известных художников-акварелистов своего поколения. Британский художник-акварелист, урожденная Элизабет Хифи, в основном создавала пейзажи и портреты там, где она жила.

Мюррей был одним из членов Королевского института художников по акварели и основал Общество женщин-художников в Великобритании.Поскольку она провела десять лет своей жизни на Канарских островах, большинство ее творений черпают вдохновение в этих местах, а также в Андалусии и Марокко.

Вдохновленная своим отцом Томасом Хифи, она развивает замечательный стиль. Она использует типичный английский метод наложения тонких слоев детализированных смешанных цветов для создания глубины и цветовых эффектов.

Ее известные акварельные картины включают:

Marruecos — Марокко пейзажная живопись (1849)
Dotty Simple (1869)
Акварельный портрет Альфреда Дистона (1854 г.)
Пифферари, играющая со сценой Богородицы в роме / Черно-белая акварель (1859)
Крестьянин (1834)

Джон Констебл

Джон Констебл (11 июня 1776 г. — 31 марта 1837 г.)

Английский художник-пейзажист, известный своей революцией в концепции ландшафта.У Констебля есть множество известных картин, которые и по сей день продолжают вдохновлять новичков в мире акварели.

Самые известные художники-акварелисты

После 1829 года он предпочитал использовать акварель для своих работ, поскольку работал масляными красками. Позже он создал торговую марку, которая демонстрирует традиции и изображает особый интерес к атмосфере неба. В этой технике он обычно использует непрозрачные цвета и толстые мазки, чтобы передать более темное окружение.

Его известные акварельные картины включают:

Стоунхендж (1835)
Тиллингтонская церковь (1834)
Коттеджи и ветряная мельница (1834)
Дом среди деревьев (1832)
Мельница недалеко от Колчестера (1833)

Уильям Блейк

Уильям Блейк (28 ноября 1757 г. — 12 августа 1827 г.)

Уильям Блейк был известен как английский поэт, гравер и известный художник-акварелист.Обладая нетрадиционными навыками рисования, которые отличаются от любых традиционных техник, используемых современными художниками в 19 веке.

Его техника рисования включает рисование тушью, пером или графитом, а затем нанесение акварели. Он написал множество акварельных картин, но самая популярная из них была датирована 1826 годом — это незавершенная акварельная иллюстрация «Божественная комедия».

Хотя современники считали его безумным художником, его идиосинкразическая техника была отмечена критиками как творческая и очень выразительная.Будь то поэзия или живопись, его работы были охарактеризованы как принадлежность к домантическому и романтическому течению.

Рекомендуется

Дэниел Смит-Джейн Хейнс, 10 шт. Тубусы для акварели мастера-художника Этот акварельный набор, подобранный мастером-художником Жаном Хейнсом, может помочь превратить ваши работы в потрясающие. Каждый набор пигментов в этом наборе из 10 предметов гарантирует яркие и стойкие цвета, которые должен попробовать каждый акварелист.

Характеристики:

Полностью натуральные и органические высококачественные пигменты / li>
Разноцветные, красивые, стойкие, не выцветающие, стойкие цвета
Индивидуальная маркировка для удобства использования и хранения
Доступная коллекция акварелей

Зачем покупать этот продукт:

Этот бренд акварелей профессионального уровня — отличная покупка для улучшения ваших навыков рисования. Это очень важно, учитывая высокое качество и сделанные из органических материалов.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Его известные акварельные картины включают:

Ангел откровения (1803)
Ангелы, парящие над телом Христа в гробнице (1805)
Ветхий днями (1794)
Ньютон (1805)
Танец Альбиона (1796)

J.M.W. Токарь

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (23 апреля 1775 — 19 декабря 1851)

Также известен как Уильям Тернер, английский акварелист, гравер и художник-романтик.Его картины известны своей колористической выразительностью, бурными и образными пейзажами, часто суровыми морскими картинами.

С более чем 2000 акварельными картинами, 550 картинами маслом и 30 тысячами бумажных работ. Многие из его акварельных картин запечатлевают душу определенных мест по сравнению с точным изображением. Одна из многих причин, по которым он стал одним из самых известных художников-акварелистов и самых любимых художников Великобритании.

Тернер выставил свои первые произведения искусства, когда ему было 15 лет, а также работал опытным чертежником.В 1804 году он открыл свою первую галерею и стал будущим профессором своей академии.

Его знаменитая акварель включает:

Клэр Хэл и часовня Королевского колледжа (1793)
Голубая Риги, восход солнца (1842)
Этюд спящего кота (1796)
Преобразование на скале (1796)
Lacy’s Court, Bath Street, Abingdon (1789)

Альбрехт Дюрер

Альбрехт Дюрер (21 мая 1471 г. — 6 апреля 1528 г.)

Дюрер был известным немецким гравером, художником и теоретиком эпохи Возрождения.Он был пионером в акварельной живописи и рано осознал потенциал этой живописной среды. У него масса концепций, включая кавалеров, топографию, пейзажи, растения, животных и обнаженные тела.

Его акварельные картины предлагают впечатляющие детали и потрясающие цветовые контрасты с огромным количеством произведений искусства под его именем, включая автопортреты, портреты, алтари, книги и акварели. Его картины с использованием акварели отметили его как самого первого пейзажиста в Европе.

Некоторые из его известных акварельных картин включают:

Заяц (1502)
Левое крыло синего катка (1500/1512)
Великий газон (1503)
Богородица с младенцем и множеством животных и растений (1503)
Этюд лилий (1526)

Кто был первым и самым известным художником-акварелистом?

Акварельная живопись — один из старейших видов живописи, возможно, датируемый еще эпохой палеолита в Европе, где впервые была обнаружена наскальная живопись.Однако, согласно истории, эта художественная среда зародилась в период Возрождения. Самым первым художником, работающим с акварелью, является Альбрехт Дюрер (1471-1528) . Он написал несколько прекрасных акварелей дикой природы, пейзажей и растений. Это считается одним из первых защитников акварели.

Раньше акварель использовалась для эскизов, карикатур или копий станковистами (барокко). Некоторые из ранних акварелистов — Джованни Бенедетто, Клод Лоррен, Ван Дайк, многие фламандские и голландские художники.Самыми важными и самыми старыми акварельными картинами были иллюстрации дикой природы и ботанические иллюстрации, если мы внимательно рассмотрим.

Проверяя химические свойства акварелей, они сделаны из измельченных минеральных пигментов и окрашенного спящего порошка, связанного гуммиарабиком из деревьев акации. Эта среда для рисования передает прозрачность и яркость и обеспечивает такой же диапазон или превосходит другие среды для рисования.

Трудно ли рисовать акварелью

Многие считают, что акварель — один из простых способов освоить и улучшить свои навыки.Даже дети с раннего возраста могут легко смешивать акварели и играть. Это первое средство рисования, представленное каждому в более молодом возрасте.

Благодаря удобству, которое обеспечивает прозрачность, этот носитель по-прежнему считается одним из самых сложных в работе. На самом деле, его тонкая светимость и ясность предлагают непосредственность и свежесть, которые невозможно легко воспроизвести с помощью акриловых или масляных красок — одна из причин, почему акварель является известной и любимой средой рисования.

Работать акварелью непросто.Для опытных художников это сложно освоить, да и работать с этим довольно сложно. Акварель иногда бывает непредсказуемой и неумолимой. Если вы случайно ошиблись с акварелью, исправить ее сложнее, чем акриловыми или масляными красками.

Дело в том, что его текучая природа требует опыта, чтобы контролировать и манипулировать. Независимо от своей сложности, акварель — очаровательная среда для рисования, и есть много художников, которые влюбляются в нее. Научиться контролировать, исследовать и работать с его пигментной смесью от воды до бумаги — это непросто и в то же время полезно.

Обладает тонким светом и прозрачностью
Акварельные краски предлагают непосредственность и свежесть, которые невозможно воспроизвести с помощью акриловых или масляных красок.
Это непредсказуемо и беспощадно
Трудно исправить ошибки
Трудно манипулировать текучей природой
Это необычайно очаровательно, полезно и интересно.

По мере развития технологий появились упрощенные способы работы и освоения акварели.В настоящее время вы можете использовать специальную бумагу, которая идеально подходит для акварели, не беспокоясь о том, что поверхность будет деформироваться от большего количества воды.

Акварель — это простая среда для рисования, состоящая из гуммиарабика и насыщенных пигментов. Он наносится на поверхность для рисования с использованием кистей разного размера и различных техник рисования, что обеспечивает ясность и чистоту, которые не может предложить никакой другой материал для рисования. Несмотря на свою простоту, это средство рисования может быть одновременно ярко выразительным и тонким.

Простые техники акварели для начинающих

Один из важнейших элементов эффективной акварельной живописи — это работа с правильными и простыми в использовании техниками. Как новичок, вы можете испугаться множества дел, а необходимые идеи плавно улетучатся, прежде чем вы даже начнете работать.

Для большинства новичков в мире акварели эта среда рисования является фундаментальной для подготовки всех ваших материалов перед работой. Акварель — это простой способ рисования, который требует непосредственности в каждом приложении.

После подготовки эти техники рисования акварелью помогут вам улучшить свои навыки в кратчайшие сроки.

Рекомендуется

Набор цветных тюбиков Arteza 60 Нетоксичный яркий насыщенный пигмент с ящиком для хранения
Этот набор многоцветных ванн Arteza 60 гарантированно изготовлен из высококачественных пигментов, которые обязательно будут выделяться на вашей окрашиваемой поверхности. Он не токсичен, сертифицирован ACMI, безопасен и полезен для всех возрастных категорий артистов.Он поставляется с формулой сохранения, которая требует меньшего количества, которое может иметь большое значение.

Характеристики:

60 Высококачественный насыщенный пигмент, яркие цвета
Нетоксичный, сертифицированный ACMI, безопасен для всех возрастов
Индивидуальная маркировка для удобства использования и применения
Консервационная краска
100% гарантия удовлетворенности клиентов

Зачем покупать этот продукт:
rteza — это известный акварельный бренд, который предлагает богатые и яркие высококачественные пигменты, которые прослужат вам долгие годы.Он сертифицирован ACMI, что означает, что он лучше всего подходит для артистов любого возраста, включая детей!

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

мокрый по мокрому

Техника свободы позволяет вам свободно наносить краску на другой цвет, что приводит к элегантным смешанным цветам различных и сложных оттенков. Результаты мокрого по мокрому удивительны.

Мойка

Типичная техника акварели, над которой вы можете эффективно поработать с вашим следующим произведением искусства.В этой технике необходимо гармоничное смешение цветов и их смешение. Это позволяет получить размытый или блеклый результат на цветах.

Спирт на окрашиваемой поверхности

Не все согласятся, но раз все сделали правильно; результаты потрясающие. Это похоже на жир и мыло, где химическая реакция оказывает успокаивающее действие, поскольку цвета растворяются сразу после нанесения спирта.

Остекление

Акварельное глазирование — это техника, которая позволяет вашей среде рисования создать яркий и устойчивый характер, который можно быстро определить невооруженным глазом.Это дает потрясающий эффект от вашей поверхности, что приводит к динамичной, но полупрозрачной форме. Процесс заключается в наложении цветов друг на друга, чтобы создать более заметный, полный и резкий эффект смешанных цветов.

Эффект соскабливания

Техника соскабливания требует от вас наложения цветов и использования осколка для большей эффективности. Настоятельно рекомендуется использовать этот метод, пока ваши цвета молодые или еще влажные. Поцарапанная поверхность заживет полые детали, что придаст более темную, детализированную текстуру и внешний вид, который появляется поверх произведения искусства.

Мокрая по сушке

Хотя акварельная живопись — это все о освещении и прозрачности, эта техника должна быть разработана как новичками, так и продвинутыми акварелистами. Требуется нанести дополнительный слой краски на уже высохшую поверхность.

Градуированная стирка

Техника градуированной стирки требует использования полупрозрачных пигментов путем добавления воды после получения темного цвета. Это приводит к большему перекрытию слоя, чтобы помочь получить более светлые цвета значений.Попробуйте сначала поработать с интенсивными цветами и меньше воды. Следующий процесс требует противоположного подхода, и вы позволяете цветам сливаться. Результаты тоже удивительно ошеломляющие.

Рекомендуется

Arches Cold-Press 140LB Подушечки для акварельной бумаги
Этот блокнот для акварельной бумаги холодного прессования от Aches — незаменимый помощник для каждого акварелиста, который поможет улучшить свои навыки и создать потрясающие произведения искусства. Он имеет легкую текстуру и отражает свет, сохраняя при этом прозрачность акварели.

Характеристики:

Подушечки для бумаги холодного отжима легкой текстуры
Цилиндрическая формовка длинных волокон в стабильных листах
Упругий, прочный и чистый органический желатин
Высушенный на воздухе для дополнительной прочности и прочности
Высокое качество, испытанное в индивидуальном порядке для обеспечения качества
300 GSM, 140 фунтов
Многоцелевой

Зачем покупать этот продукт:
Этот блокнот для акварельной бумаги является многофункциональным, долговечным, эластичным и изготовлен из высококачественных материалов.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Грубый эффект

Шероховатый эффект может быть достигнут с минимальным использованием воды или нанесением акварели с кисти. Это дает неравномерное развитие при нанесении цветов на окрашиваемую поверхность. В результате получается более текстурированная поверхность, которая зависит от того, какую текстуру вы предпочитаете.

Соль как песочный эффект

Если вы хотите создать эффект песка на окрашиваемой поверхности, лучше всего использовать соль.Наносите соль, пока поверхность еще влажная, и это позволит элементу впитывать влагу, прежде чем она проникнет в ощущение.

Позволяет соли оставаться на поверхности картины на ночь для достижения максимального эффекта. Удалите его после этого, и вы заметите легкую текстуру песка как на ощупь, так и на ощупь.

Подъем краски

Поднятие краски — отличный метод для начинающих. Это позволяет вам экспериментировать, воображать и практиковаться по мере продвижения вперед.Поднимать акварельные краски можно с помощью различных элементов, таких как полиэтиленовая пленка или пузырчатая пленка.

Результаты зависят от того, какие предметы доступны в вашей рабочей зоне. Мятый пластик может стать отличной заменой. Эта техника требует добавления воды и пигментов на поверхность для рисования и позволяет пластику окунуться в цвета до того, как тело высохнет.

Защита каждого барьера

Акварельная живопись — это стойкость и стойкость к любой влажности и цветам, окружающим малярную ленту.Лучший способ защитить края или создать барьер — это наклеить малярный скотч на участки, которые нужно защитить от акварели. Работайте как хотите и дайте краске полностью высохнуть, прежде чем снимать малярный скотч. В результате ваша акварельная бумага приобретет нюдовый оттенок.

Эффект орошения

Техника разбрызгивания — это интересный способ поработать акварелью, приложив немного силы. В этом процессе используются большой, заостренный и средний пальцы. Этот процесс позволяет вам снимать цвета на окрашиваемой поверхности, прикрепляя их прямо к бумаге с кисти.

Пенная краска

Использование пены — это простая и легкая техника акварели, идеально подходящая для начинающих. Это отлично подходит для создания облаков. Используйте пену или губку, чтобы обработать цвета, промокнув акварельной бумагой. Этот метод обеспечивает богатый и яркий результат, если вы нанесете его на подставку.

Кровоточащая

Эта техника рисования вольным стилем требует меньшего количества деталей на поверхности для рисования. Вы позволяете каждому цвету сливаться друг с другом, создавая элегантный результат.Другие называют это ошибкой, так как несколько художников намеренно используют его на своей живописной поверхности.

Факторы, которые следует учитывать при покупке акварели

Перед покупкой всего необходимого для акварели всегда следует учесть несколько важных факторов. Это включает стойкости, цвета, прозрачности, качества, типов, окрашивания или отсутствия пятен, а также брендов.

Рекомендуется

WA Профессиональный синтетический набор кистей и мастихина из 38 предметов в дорожном холщовом футляре Этот универсальный набор кистей и мастихин — отличная покупка для начинающих и опытных художников.Каждый совет создан для различных средств рисования, с которыми вы работаете. Изготовлен из нейлоновых волос разных форм и размеров, их можно брать с собой куда угодно.

Характеристики:

38 универсальный набор кистей и мастихина
Идеально для всех художников возрастом
Мастихин высшего качества
Простой в использовании и хранении брезентовый чемодан
Портативный, прочный и надежный
Гарантированное удовлетворение

Зачем покупать этот продукт:

Это полная палитра ножей и наборов кистей, идеально подходящих как для начинающих, так и для опытных художников.Лучше всего подходит для всех средств рисования.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Акварельные бренды

Характеристики и качество варьируются в зависимости от производителя и бренда акварели. Однако это не должно мешать вам смешивать цвета для достижения желаемых результатов. Вы также заметите, что некоторые бренды или производители выделяются определенными цветами.

Качество

Как и большинство других средств рисования, вы можете покупать акварели между классом студента и классом художника.Художественные или профессиональные акварели имеют более концентрированные мелкозернистые цвета с более высокими показателями стойкости. В то же время пигменты студенческого класса более доступны по цене и содержат больше наполнителей и наполнителей.

Дело в том, что вы можете купить оценку студента или художника в зависимости от вашего текущего бюджета или суммы, которую вы готовы потратить. Хотя акварели художников более дорогие, они обеспечивают превосходную прозрачность, интенсивность цвета и высокую стойкость.

Для начинающих вы можете сначала использовать акварельные краски для учеников, а затем переходить к рангам художников по мере того, как вы совершенствуете свои навыки рисования.Стоит отметить, что акварель художественного качества держится дольше и не тускнеет по сравнению с более дешевыми.

Стойкость

Стойкость — это способность акварели выдерживать прямое воздействие света или влажности, не беспокоясь о том, что цвета выцветут, станут желтоватыми, смещаются или потемнеют. Это также относится к светостойкости цветов.

Это жизненно важный фактор, особенно когда вы не работаете с окрашиваемой поверхностью. Это гарантирует, что качество ваших работ не ухудшится и их можно будет передать следующим поколениям.

Проверьте упаковку акварели и убедитесь, что она «очень хорошо» или «отлично» светостойкость.

Цвет

Акварели бывают разных цветов и различаются в зависимости от производителя. Технически получение большего количества цветов происходит, когда вы смешиваете основные и второстепенные цвета. Это дает вам широкий выбор цветов на выбор. Единственный недостаток — цвета могут быть тусклыми или безжизненными.

Одиночные цвета более насыщенные и яркие.Если вы не можете купить все необходимые цвета, попробуйте создать свою ограниченную, но универсальную палитру. Не нужно спешить или искать лучшее, ведь с точки зрения художника все идеально.

Несколько факторов, которые вы, возможно, захотите принять во внимание: прозрачность и постоянство . Важно то, что у вас есть основные цвета для начала вашего пути к рисованию. По мере накопления опыта вы сможете быстро определить, что вам нужно и что лучше всего подходит для вас.

Если вы впервые покупаете акварели, покупайте у надежного бренда с отличными отзывами, чтобы убедиться, что вы вкладываете средства в правильные материалы, которые помогут улучшить свои навыки.

Типы

Несмотря на то, что существует множество видов акварели, наиболее популярными из них являются тюбики и сковороды. Выберите тип акварели, который вам удобнее всего использовать, и тот, который позволит вам достичь желаемых результатов

Окрашивание или неокрашивание

Некоторые акварели сохнут на поверхности, которую можно легко удалить или соскрести губкой.Другие проникают в бумажное волокно и окрашивают его. Важным аспектом является то, что все цвета находятся между окрашиванием и не окрашиванием.

Этот фактор может показаться неважным для новичков, пока вы не начнете работать с подтяжкой цветов или техникой наслоения.

Прозрачность Основная ценность акварели

— ее прозрачность или способность пропускать свет через картину и отражаться на поверхности ( белый, ) вашей бумаги. Это создает потрясающий люминесцентный эффект на ваших произведениях искусства.

Прозрачность цвета жизненно важна, особенно если вы будете работать с техникой наслоения. Спланируйте свои работы и наложите прозрачные цвета на слои для полной гармонии.

Вердикт:

Наш лучший выбор:

Тубы для акварели Daniel Smith-Jane Haines из 10 предметов

Этот акварельный набор, подобранный лично мастером-художником Жаном Хейнсом, поможет превратить ваши работы в потрясающие.Каждый набор пигментов в этом наборе из 10 предметов гарантирует яркие и стойкие цвета, которые должен попробовать каждый акварелист. Это отличная покупка, чтобы улучшить свои навыки рисования. Это очень важно, учитывая высокое качество и сделанные из органических материалов.

КУПИТЬ

Финалист:

Набор из 24 цветов ShinHan Professional Korean Colors

Акварели ShinHan созданы из высококачественных материалов и пигментов.Этот 24-цветный набор акварельных красок уровня художника доступен по цене, многофункциональн и предлагает точный состав, который держится годами и не выцветает. Этот акварельный набор сделан из подлинных корейских высококачественных пигментов, которые помогут вам в кратчайшие сроки улучшить свои навыки и технику. Богатый, яркий и простой в использовании набор для художников.

КУПИТЬ

Хорошая сделка:

Набор посуды для курятаке GANSAI TAMBI Professional-Grade 36 Premium Color Нетоксичный смешиваемый

Этот 36-цветный набор непрозрачных и ярких пигментов профессионального уровня обязательно создаст потрясающие произведения искусства на основе традиционных японских акварелей.Эта краска тщательно изготовлена, чтобы обеспечить гладкую текстуру во время нанесения. Он нетоксичен и идеально подходит как для начинающих, так и для опытных акварелистов. Благодаря сертификации ACMI, гарантирующей, что все цвета панелей безопасны для ваших художественных сессий.

КУПИТЬ

Последнее слово

Что вы думаете об акварели? С кем вы черпаете вдохновение? У вас есть вопросы или вы хотите чем-то поделиться с нами? Пожалуйста, оставьте нам сообщение, и мы свяжемся с вами в ближайшее время!

— Реклама —

10 художников-акварелистов, которые вдохновят ваших учеников

Когда дело доходит до преподавания акварели, чувствуете ли вы уверенность в том, что продвинете работу своих учеников на новый уровень?

Предлагаете ли вы своим ученикам разбить свою работу на разделы, выполнить различные эксперименты с акварельной техникой, а затем перейти к чему-то новому? Это один из способов представить среду, но есть еще много других вариантов.

Давайте посмотрим на 10 художников, которые используют акварель в своей работе, чтобы вдохновлять ваших учеников и информировать вас о вашей педагогической практике.

1. Сара Хан

изображение через sara-khan.com

Сара Хан — художник-акварелист, живущая в Канаде. Ее работа яркая, игривая и похожа на сон. Она играет удивительными комбинациями, создавая причудливые пейзажи. Ее работа — отличный пример, который помогает студентам думать о негативном пространстве, а также о взаимоотношениях между фигурой и фоном.

Изучая ее работы, научите студентов маскировке.Если маскирующая жидкость не входит в ваш бюджет, попробуйте резиновый клей или белый мелок для аналогичных результатов.

Сайт: sara-khan.com

2. Эмма Ларсон

изображение через @zebrakadebra

Эмма Ларсон создает абстрактные акварельные картины. Глядя на ее работы, вы увидите, что она охватывает плавную природу акварели и техник мокрого по мокрому, позволяя краям растекаться, а формам трансформироваться. Ее картины вызывают желание искать скрытые фигуры и узнаваемые формы.

Посмотрите ее картины со своими учениками и потренируйтесь рисовать методом «мокрый по мокрому».

Instagram: @zebrakadebra

Эти художники — отличное начало любого акварельного проекта или учебной программы. Если вы ищете конкретную информацию об обучении студентов акварели, обязательно ознакомьтесь с этими ресурсами!

3. Элиза Моррис

изображение с elisemorris.net

Сюрприз! Элиза Моррис действительно работает с акриловыми красками.Но ее работы так похожи на акварель; мы все равно собираемся его изучить. Ее картины кажутся легкими и полными глубины. Большинство черпает вдохновение в природе. Каждый слой прозрачный и текучий. Она часто начинает с рисования карандашом формы листьев. Она позволяет многим из этих линий оставаться, а иногда оставляет формы неокрашенными.

Предложите учащимся подумать о том, как они могут показать свой процесс в своей работе.

Веб-сайт: elisemorris.net

4. Джастин Маргитич

изображение через justinmargitich.com

Джастин Маргитич создает абстрактные картины, смешивая акварельные и акриловые краски. Он использует акриловую краску для создания четких прямых краев и сочетает это с плавной природой акварели. Контраст этих двух создает измерение и контраст в его работах.

Начните с того, что ученики посмотрят его картины. Затем предложите им изучить возможность работы с акриловыми и акварельными красками в их альбоме для рисования. Это может помочь учащимся понять свойства каждой среды.

Веб-сайт: justinmargitich.com

5. Али Кавано

изображение через alicavanaugh.com

Али Кавано использует акварель на мокрой поверхности каолиновой глины и называет свой процесс «современными фресками». Большинство ее картин — это реалистичные портреты, позволяющие увидеть каждый слой цвета, который смешивается, создавая оттенок кожи. Посещая ее веб-сайт, обязательно посмотрите короткометражный фильм, который больше расскажет вам о ней и ее процессе.

Предложите учащимся изучить, как среда и поверхность работают вместе. Чтобы начать исследование, попросите каждого ученика выбрать от трех до пяти различных поверхностей.Затем предложите им попробовать различные акварельные техники и поразмышлять над результатами.

Веб-сайт: alicavanaugh.com

6. Клэр Коуи

image via clairecowie.com

Когда вы зайдете на сайт Cowie, вы увидите широкий спектр техники и средств массовой информации. Моя любимая работа — и отличный пример акварели — это «Пассажи 2016». Она использует яркие живые цвета, которые кажутся сияющими. Ее работы включают в себя негативное пространство, а также форму, цвет и глубину. Ее картина Lincoln Park Conservatory состоит в основном из линий, квадратов и прямоугольников, расположенных так, чтобы зритель почувствовал, будто он падает на картину.

Обучайте студентов маскировке и силе негативного пространства. Вы можете предложить ученикам создать картину, закрашивая только негативное пространство, позволяя предмету быть цветом бумаги.

Сайт: clairecowie.com

7. Этч

изображение с aitch.ro

Эйч — иллюстратор, работающий с широким кругом компаний, таких как Chobani и PAI по уходу за кожей. Ее картины игривы, полны красок и содержат множество повторяющихся узоров. Вы можете увидеть, как ее иллюстрации оживают в этой анимации Чобани.

Предложите учащимся изучить ее работы и научиться создавать и повторять собственный узор.

Веб-сайт: aitch.ro

8. Дженнифер Тайерс

изображение через jennifertyers.com

Дженнифер Тайерс — художница из Тасмании, которая рисует красочные пейзажи. Ее работы демонстрируют яркость акварели, сочетая реальность и чистое воображение. Фигуры Тайерса полны, с небольшим отрицательным пространством.

Предложите ученикам взглянуть на ее работы и увидеть, как она использует повторение, чтобы не допустить хаоса в своих картинах.

Веб-сайт: jennifertyers.com

9. Яакко Маттила

image via jaakkomattila.fi

Яакко Маттила создает картины, которые светятся и вибрируют, иногда до тревожной степени. Обязательно посмотрите это видео, чтобы получить представление о его процессе.

Посмотрите на его работы, когда вы учите студентов теории цвета. Представьте, как ваши ученики исследуют цветовое колесо.

Веб-сайт: jaakkomattila.fi

10. Эния Тодд

изображение через @enya_todd

Эния Тодд — иллюстратор, специализирующийся на рисовании еды и цветов.У нее есть опыт работы над редакционными статьями, а также дизайном упаковки и поздравительных открыток.

Предложите студентам изучить ее веб-сайт, чтобы увидеть диапазон ее работ и проектов. Затем поговорите с ними о том, что значит быть уполномоченным создавать искусство.

Веб-сайт: enyasartofpatisserie.com

Акварель — прекрасный инструмент для любого возраста. Студентам нравится изучать техники, и очистка проста — по сравнению с работой темперой, акриловыми или масляными красками.На уровне средней школы ученики часто относятся к акварели как к акрилу, когда они наносятся толстым слоем и требуют небольшого времени для высыхания. Однако, как только студенты увидят, как другие художники используют акварель, они смогут лучше понять, как применить ее к своей работе.

Кто из ваших любимых художников-акварелистов, которыми вы хотите поделиться со студентами?

Что вас больше всего разочаровывает, когда дело доходит до обучения акварели ваших учеников на любом уровне?

талантливых известных художников, которые продолжают влиять на акварельную живопись сегодня

Акварельная живопись — один из самых доступных видов искусства.Скорее всего, каждый пробовал этот тип рисования в какой-то момент своей жизни, будь то на уроках рисования в детстве или просто открывая для себя это во взрослом возрасте. Однако, несмотря на это знакомство, многие люди не знают его богатую историю и некоторых из самых известных художников-акварелистов, которые сделали этот материал тем, чем он является сегодня.

Подобно текстильному искусству, акварельная живопись уходит корнями в Европу палеолита, но в средние века она приобрела некоторую популярность в освещении рукописей. Используя яркие пигменты, художники иллюстрировали небольшие сцены и декоративные узоры на полях рукописных книг.Эти тщательно продуманные тексты были не для всех — для создания одной иллюминированной рукописи требовалось четыре человека, — а зачастую религиозные произведения в основном ограничивались монастырями.

Эпоха Возрождения привлекла внимание к акварельной живописи. Это вышло за рамки декоративных рукописей и вошло в работы таких художников, как Альбрехт Дюрер. Он, как и другие станковые художники того времени, использовал акварель для эскизов, копий или неформальных рисунков. Акварельная живопись была также принята элитным классом как часть их общего образования и в конечном итоге стала популярной, особенно в Англии, как способ вести хронику своих путешествий.Но хотя акварельная живопись была хорошо известна, к ней не относились так серьезно, как к масляной живописи или гравюрам.

Однако в XIX веке акварель приобрела большой статус. Мировые исследования вызвали всеобщий ажиотаж, а иллюстрации дикой природы и природы использовались для иллюстрации научных публикаций. Художник и орнитолог Джон Джеймс Одюбон представляет вершину этого движения, и он использовал акварельную живопись, чтобы оживить свои реалистичные рисунки птиц.Его знаменитая книга Птицы Америки (1827–1839) идентифицировала 25 новых видов. Этим он положил начало художественной традиции, которая существует до сих пор — путеводители, иллюстрированные акварелью.

В то время как Одюбон придерживался сдержанного технического подхода к своей работе, другие известные художники-акварелисты не были столь точны. Джорджия О’Кифф, например, играла с текучестью среды, создавая картины, представляющие собой красивые поля ярких цветов. Как и Одюбон, она была вдохновлена миром природы, но ее интерпретация его полная противоположность.Вместе они демонстрируют невероятный диапазон акварели.

Чтобы понять привлекательность акварельной живописи сегодня, узнайте больше о некоторых из самых известных художников-акварелистов на протяжении всей истории.

АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471 — 1528)

Левое крыло синего ролика », около 1500 или 1512 года. Предоставлено Национальной художественной галереей.

Альбрехт Дюрер был человеком многих талантов, известным своими картинами, гравюрами на дереве и гравюрами. Что касается акварели, он считался одним из первых выдающихся европейских художников, использовавших эту технику в своих работах.Это приняло форму зарисовок пейзажей и природы, которые мы все еще можем видеть сегодня благодаря его почти навязчивой коллекции работ.

«Богородица с младенцем и множеством животных и растений», около 1503 года. Предоставлено Национальной художественной галереей.

J.M.W. ТОРОНЕР (1775 — 1851)

Гавань Грейт-Ярмута, Норфолк », около 1840 года. Предоставлено Национальной галереей Ирландии.

Как Дюрер, J.M.W. Тернер занимался не только акварелью. Считая поэзию и преподавание частью своих интересов, его общий художественный талант воспитывался с юных лет.Он использовал свои навыки акварели для выставок и создания коммерческих работ, которые принесли ему «первый реальный доход». Позже Тернер использовал медиум как способ вести хронику своих путешествий — его страсть к этому никогда не ослабевала. Последнее десятилетие его трудовой жизни характеризовалось всплеском производства акварельной живописи.

Венеция: Сан-Джорджо Маджоре — раннее утро », 1819 г. С любезного разрешения Tate Britain.

УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757 — 1827)

Беатрис обращается к Данте из машины », около 1824 г. С любезного разрешения Tate Britain.

Уильям Блейк считается одним из величайших поэтов английского языка, но заслуживает внимания и его искусство. Изучив его в детстве, он прошел обучение у гравера, прежде чем попытаться рисовать акварелью. В конце концов, он усовершенствовал свою технику «фрески», которая в основном представляет собой монотипную печать; он сначала нарисовал рисунок на плоской поверхности (например, медной пластине), а затем нанес его на бумагу. Затем дизайны были индивидуально обработаны тушью и акварелью, чтобы каждое изображение было уникальным.

«Цербер» (из «Божественной комедии» Данте), около 1824 г. С любезного разрешения Tate Britain.

ДЖОН ДЖЕЙМС ОДУБОН (1785 — 1851)

Цапля трехцветная (Egretta tricolor), Havell pl. 217 », 1832 г. Предоставлено Историческим обществом Нью-Йорка.

Примерно 90 лет назад Джон Джеймс Одюбон написал книгу «Птицы Америки» , но она до сих пор считается одной из лучших когда-либо изданных книг по орнитологии. Стремление Одюбона задокументировать наших пернатых друзей также помогло начать художественную традицию натуралистических изображений, дополняемых акварелью.

«Северный бобуайт (Colinus virginianus) и красноплечий ястреб (Buteo lineatus)», около 1825 г. С любезного разрешения Исторического общества Нью-Йорка.

ТОМАС МОРАН (1837-1926)

В горах Бигхорн », 1889 г.

Томас Моран известен своими пейзажными акварельными красками, особенно из Йеллоустонского национального парка. Фактически, именно его неземные образы гейзеров и горячих источников помогли убедить Конгресс США официально обозначить его как Йеллоустонский национальный парк в 1892 году. Практика Морана была основана на школах реки Гудзон и Скалистых гор — художественных школ и движений, которые сформировали эстетика и образность американской пейзажной живописи XIX века.

«Йеллоустон, Горячий источник», 1892 г.

WINSLOW HOMER (1836-1910)

Глостер-Харбор », 1873 г. С любезного разрешения Викимедиа.

Художник-самоучка Уинслоу Гомер основывал свою художественную практику на настоящем моменте. Один из его современников, художник Юджин Бенсон, был очень закрытым человеком, но писал, что Гомер считает, что художники «никогда не должны смотреть на картины». Скорее они должны «заикаться на своем языке» и рисовать (или рисовать) прямо с натуры. Для Гомера это означало идиллические, тихие сцены повседневной жизни, которые он завершал дома в Массачусетсе, а также поездки за границу.

«Цветочный сад и бунгало», Бермудские острова, 1899 год. Предоставлено Музеем искусств Метрополитен.

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ (1856-1925)

«Белые корабли», около 1908 г. Предоставлено Музеем изящных искусств, Бостон.

Джон Сингер Сарджент известен своими портретами, но его акварельные работы отмечают отход от них. По аналогии с традициями других художников, его акварели часто изображали пейзажи, запечатлевшие его путешествия. В этих композициях Сарджент изменил свой стиль, чтобы отразить игривую плавность среды; в то время как его масляные портреты были тщательно прорисованы, акварельные изображения кораблей и берега были выполнены в стиле жестов.

«Симплонский перевал: чтение», около 1911 года. Предоставлено Музеем изящных искусств, Бостон.

ГРУЗИЯ О’КИФФ (1887–1986)

ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ (1887–1986)

Джорджия О’Кифф начала экспериментировать с акварелью, когда ей было около 20 лет, как способ игры с цветом и композицией. Это было до того, как она написала культовые картины цветов маслом, а абстрактные акварели рассказывают о ее творческом пути к тому, чтобы чувствовать себя комфортно, работая в менее репрезентативном стиле.

Каньон с воронами », 1917 год. Предоставлено музеем Джорджии О’Киф.

ПОЛ КЛИ (1879-1940)

Южные (тунисские) сады », 1919. Собрание Хайнца Берггрюна, Париж.

В 1911 году Пауль Клее присоединился к группе художников под названием Blaue Reiter , организации, которая использовала их работу как способ выражения «духовных истин». Интересующийся нефигуративным искусством и примитивизмом, цвет был важной частью эстетики группы. Акварельные картины Клее были средством экспериментирования, чтобы понять его отношения с «царством цвета».”

Идея елей », 1917. Предоставлено Музеем Гуггенхайма.

ЧАРЛЬЗ ДЕМУТ (1883-1935)

Деревья и амбары: Бермуды », 1917. Предоставлено Художественным музеем колледжа Уильямс.

Чарльз Демут художественно достиг совершеннолетия в период модернизма, и его встречи с кубизмом оказали большое влияние на его акварельные работы. Эта любовь к резким линиям и геометрическим формам сделала его одним из основателей Движения прецизионистов; его структурированные элементы сочетались с расплывчатыми размывками, сплавлением порядка и хаоса.

Красные дымоходы », 1918 г. С любезного разрешения собрания Филлипса.

РЕГИНАЛЬД МАРШ (1898 — 1954)

«Локомотив», 1932 год.

Работы Реджинальда Марша стали синонимом Нью-Йорка. В 1930-40-е годы он вел хронику повседневной жизни шумного мегаполиса; это включало такие периферийные области, как салоны бурлеска и Кони-Айленд. Обладая такими наблюдательными навыками, его работа идеально подходила для журналистики, и он работал в The Daily News . Что касается акварели, он сказал: «Акварель я взял в руки и хорошо освоил, без каких-либо предисловий.”

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938.

ЭНДРЮ УАЙТ (1917–2009)

Хижина на острове с ласточками ».

Американский художник Эндрю Уайет — сын известного иллюстратора Н.С. Уайета. Благодаря наставничеству отца Эндрю рано освоил акварель. К 20 годам у него была первая персональная выставка, на которой были представлены все акварельные картины. (Билеты на шоу были распроданы.) По мере того, как его карьера продолжала расти, Эндрю расширил выбранные им медиа до яичной темперации, но он продолжал создавать акварели, вдохновленные его уединенными прогулками в своем родном городе Чаддс Форд, штат Пенсильвания, а также в Кушинге, штат Мэн.

«Gunsight», 1974.

ЭДВАРД ХОППЕР (1882–1967)

Эль Паласио », 1946. Предоставлено Музеем американского искусства Уитни.

Эдвард Хоппер известен масляными картинами, такими как культовый Nighthawks , но художник также был знатоком акварели. В обоих СМИ внимание Хоппера было одинаковым; американский опыт, увиденный сквозь пейзажи. «Моей целью в живописи, — цитирует его слова, — всегда была самая точная из возможных транскрипций моих самых сокровенных впечатлений от природы.”

Light at Two Lights », 1927. Предоставлено Blount, Inc., Монтгомери, Алабама.

современных художников-акварелистов, которым стоит следовать

Angie Kordic
Увлеченный искусством, частый гость выставок, специалист по фотографии Widewalls и главный редактор.
Знаете ли вы, что одно из самых известных произведений искусства в мире — это АКВАРЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО? Он восходит к 1502 году и был создан немецким художником Альбрехтом Дюрером. Молодой Заяц содержится в Альбертине в Вене, и только недавно я написал о том, что его нельзя выставлять на обозрение так часто из-за его редкости.Правда в том, что АКВАРЕЛИ довольно чувствительны, а также являются одними из старейших медиумов и произведений искусства в мире, берущим свое начало от наскальных рисунков палеолитической Европы. После рисования это, пожалуй, самый распространенный и «самый простой» метод создания, с точки зрения того, что вам нужно для этого — поддерживающая основа, обычно бумага, кисть, краски и, конечно же, вода.

Как признанная форма искусства, акварель начала свой путь в эпоху Возрождения, оставаясь существующей на протяжении последующих веков.Сегодня мы знаем об известных акварельных работах великих художников, таких как Уильям Блейк, Дж. М. У. Например, Тернер, Джеймс Уистлер, Джон Сингер Сарджент, Пол Клее, Джорджия О’Киф и Эдвард Хоппер. Эта форма ЖИВОПИСИ нашла свое отражение и в авангардных движениях, таких как неоэкспрессионизм, в творчестве Франческо Клементе, Герхарда Рихтера, Эрика Фишля и Ансельма Кифера и других. С развитием характеристик среды акварели стали такими же прочными и красочными, как масляные или акриловые краски, и многие современные художники продолжают практиковать искусство как основное или одно из своих увлечений.

Акварель: Картины современных художников — это место, где вы найдете портфолио более 20 лучших художников-акварелистов со всех уголков мира, многие из которых также включены в наш список ниже! Акварель штурмом берет мир искусства, моды и домашнего декора. С профилями художников, информативной историей СМИ и вдохновляющим предисловием Суджана Рима DailyCandy, это руководство к прекрасной революции. От ярких визуальных журналов Дэнни Грегори и Фабриса Муаро до модных портретов Саманты Хан и Вирджинии Джонсон и инди-арта Джейн Маунт и Бекки Штадтландер — акварель потрясающе демонстрирует живописное мастерство.

Блоги — Страница 1 | Escape Motions

Недавно у нас была возможность обсудить живопись и работу в Rebelle с одним из победителей конкурса Artwork Contest 2021, немецким художником Георгом Айрленд. Прочтите следующие строки, чтобы узнать о его творческом пути и людях, которые помогли ему осуществить его мечты о живописи.

Привет Георг. Мы рады поговорить с вами сегодня и познакомить вас с нашей аудиторией. Не могли бы вы описать нам свой творческий путь?

Сердечно приветствую всех вас и благодарю вас за предоставленную мне возможность представить мою работу в вашем блоге.

Мое творческое путешествие началось всего несколько лет назад. Хотя я рисовал и рисовал с тех пор, как смог держать карандаш ^{, изобразительное искусство всегда было частью моей жизни, а художественная деятельность всегда сопровождала меня, у меня нет художественного образования, а искусство всегда было второстепенным. Я изучал право, и у меня есть высшее юридическое образование, которое дает мне право быть судьей в Германии. Первые годы своей профессиональной деятельности я работал юристом, а последние 30 лет до выхода на пенсию работал в страховой компании.}

Все изменилось, когда я вышел на пенсию четыре года назад. С тех пор у меня было время и досуг, чтобы присматривать за более красивыми вещами в жизни, особенно, чтобы полностью посвятить себя творческой деятельности. Я начал бронировать онлайн-курсы как по традиционной, так и по цифровой живописи. В первую очередь для меня было очень важно работать с программным обеспечением для рисования, которое я использую (Rebelle и Corel Painter). Хотя я рисую в цифровом формате с 2008 года, четыре года назад я не чувствовал себя в мире цифровой живописи как дома.

Я поступил в Академию цифрового искусства и записался на курсы Карен Бонакер и Скипа Аллена. Сегодня я могу сказать, что без Карен и Скипа я бы сегодня не рисовал в цифровом формате. Оба они открыли для меня совершенно новый художественный мир и послужили начальной искрой для моего художественного развития как цифрового художника. То же самое и с Тимом Шелборном, чьи онлайн-курсы (Рисование в Photoshop, Rebelle и Painter) на сайте www.theartistsquarter.com я забронировал полностью. Тим — исключительный художник и учитель, он сильно повлиял на мой стиль рисования.К сожалению, на данный момент на его веб-сайте можно купить только остатки его курсов.

Это был цифровой аспект моего творческого развития. Однако я считаю себя художником, который пытается максимально реалистично перевести традиционные техники рисования в цифровую среду. Так что я должен позаботиться и о традиционных техниках рисования. Поскольку у меня нет художественной подготовки, мне нужно было многое наверстать в этом отношении. Я рассказываю об этом в различных онлайн-курсах, чтобы назвать некоторые из них: East Oaks Studio, New Masters Academy и другие.Я также слежу за некоторыми художниками на их страницах Patreon, например, за Джейкобом Агиаром, прекрасным пастелистом и пейзажистом. Я также слежу за Сьюзан Лайон, которая вместе со своим мужем Скоттом Бёрдиком ведет страницу на Patreon. Я многое узнал о фигуративной и портретной живописи и рисовании от них обоих.

Есть еще несколько художников, которыми я восхищаюсь и которые в некотором роде на меня повлияли. Это в любом случае и в первую очередь Ричард Шмид, который, к сожалению, недавно умер, и Джон Сингер Сарджент. Оба замечательные художники-портретисты.Я думаю, что стиль живописи этих двоих очаровывает и вдохновляет не только меня, но и бесчисленное количество других современных художников. Чем больше я занимаюсь этим, тем больше элементов я нахожу в современном искусстве, которые восходят к этим двум художникам. Завораживает баланс между абстракцией и реализмом. Оба прекрасно владеют своей техникой рисования с помощью грубых мазков, к которым были добавлены лишь мелкие, тонко проработанные детали, чтобы создать гармоничный и, казалось бы, проработанный во всех деталях портрет.

То же самое и с пейзажами Тибора Надя, моего третьего любимого художника.Кроме того, он обладает огромной силой и выразительностью своих иногда очень абстрактных пейзажей, реалистичность которых часто указывается лишь несколькими мощными мазками.

Вы достаточно разносторонний художник, рисуете портреты, пейзажи и даже абстрактное искусство, используя разные влажные и сухие медиа. Сможете ли вы выбрать свою любимую среду и технику?

Я думаю, что я больше рисовальщик, даже когда рисую, я «рисую» кистью.Поэтому мне больше всего нравится сухой уголь и карандаш. Мне очень приятно не беспокоиться обо всей возне с цветами и цветовой температурой, а просто сосредоточиться на правильных тональных значениях. Для меня в этом есть что-то почти медитативное.

С другой стороны, конечно, мне тоже нравится использование цвета. Акварель всегда очаровывала меня, хотя мне не удавалось овладеть этой средой ни в традиционные, ни в цифровые времена. Именно из-за акварели я изначально купил Rebelle.Это так реально, как настоящая вещь. Так что здесь меня все еще ждет вызов.

В 2008 году вы начали с цифровой живописи и со временем полностью перешли от традиционной живописи. Что было самым сложным изменением и, с другой стороны, какое самое большое преимущество рисования в цифровом формате?

Самой сложной частью перехода от традиционных методов работы к цифровым было получение ощущения и понимания сложного взаимодействия давления, кисти и текстуры.В традиционных художественных техниках всегда присутствует тактильная обратная связь, которую дают вам кисти, цвета и фон, такие как бумага, холст или что-то еще. Вы можете «почувствовать», что происходит. Этот важный элемент осязания полностью отсутствует в цифровой живописи. Имеет большое значение, проведу ли я мастихином по гипсовой основе или художественным пером по поверхности Cintiq.

В цифровой живописи вы должны воплотить это тактильное ощущение в самых разнообразных настройках кисти, давления, бумаги и текстуры.Понимание этого и, наконец, обучение его применению было (и до некоторой степени остается) самой большой проблемой для меня.

Самое большое преимущество, которое предлагает мне цифровая живопись, было причиной, по которой я вообще начал цифровую живопись. Одним предложением, и это действительно единственная причина: я нашел тот факт, что больше не нужно чистить кисти, непреодолимым.

Будучи студентом, а позже и параллельно с работой, я рисовал небрежно в свободное время по выходным или на каникулах.А потом была попытка достать краски, кисти и мольберт, а в худшем случае выяснить, что моя муза в тот день отсутствовала … А потом была попытка все вычистить и снова убрать. Это очень часто мешало мне рисовать вообще, потому что усилия в ограниченное время были слишком большими.

Совсем другое дело с цифровой живописью: внезапно так легко начать работу, просто включите компьютер, и в вашем распоряжении целая студия художника. А когда вы выходите, вы сохраняете свою работу и выключаете компьютер.Теперь я мог заниматься творчеством в любое свободное время, даже в течение часа во время обеденного перерыва. И это не изменилось по сей день.

Еще одно большое преимущество: кнопка отмены, которая стала для меня второй натурой. И насколько это стало для меня второй натурой, было показано на днях, когда я рисовал карандашом традиционным способом — что я до сих пор иногда делаю. Я обнаружил, что двигаю рукой в направлении верхнего левого угла, где у меня обычно есть кнопка отмены, чтобы отменить неправильный штрих карандаша.

Как выглядит ваша цифровая студия? Какие инструменты вы используете и сколько времени проводите там?

Вот инструменты, которые я использую: ПК
, Win 10Pro, 64-разрядный, Intel (R) Core (TM) i7-9700KF CPU @ 3,60 ГГц 3,60 ГГц
32 ГБ RAM, NVIDIA GeForce GTX 1660
Wacom Cintiq 24 HD to работа на
Два 24-дюймовых монитора для ящиков палитры и справочных фотографий
Программное обеспечение: Rebelle и Corel Painter

Количество часов, которое я провожу в своей студии, сильно различается, это может быть с 8 утра до 10 вечера или в другие дни по 1 или 2 часа, может быть, в среднем 40 часов в неделю.

Вы пользуетесь нашим программным обеспечением уже несколько лет. Как Rebelle вписывается в ваш рабочий процесс?

Как я только что сказал, я работаю с Rebelle и Corel Painter и часто с обеими программами на одном и том же изображении, переключаясь вперед и назад, сохраняя файл как файл .psd, чтобы сохранить иерархию слоев в обеих программах. Таким образом, я могу отфильтровать то, что лучше всего подходит для меня, из обоих.

Мне определенно нравится акварель в Rebelle. Я чувствую, что у меня есть большой потенциал для открытия там.Мне просто нужно больше поиграть с ним, чтобы правильно почувствовать настройки.

Масляные кисти в Rebelle 4 становятся моими любимыми. Вначале мне очень не нравился внешний вид новых масляных кистей. Но чем больше я работал с ними, тем больше ощущал тонких настроек, которые мне подходят. А пока масляные кисти в Rebelle — мои лучшие кисти, когда дело доходит до цифровой масляной живописи.
Наконец, мне нравится использовать Rebelle для набросков.

Так что Rebelle для меня работает как универсал.Тот факт, что я до сих пор использую Corel Painter, объясняется тем, что я знаю программное обеспечение наизнанку и у меня есть некоторые кисти и инструменты, которые я усовершенствовал на протяжении многих лет в соответствии со своими потребностями.

С развитием инструментов цифровой живописи многие традиционные художники оказались на перекрестке перед принятием решения о переносе своего рабочего процесса в цифровое пространство. Что бы вы им посоветовали?

Я бы посоветовал им попробовать. Это может быть только выигрышный опыт.Возможно, это не сработает для всех, но при относительно низких инвестиционных затратах у каждого есть шанс открыть совершенно новые горизонты, используя только цифровую живопись или комбинируя традиционное и цифровое искусство.

Есть ли функция, которую вы все еще ждете в цифровой живописи? Чего вы все еще скучаете по сравнению с возможностями традиционной живописи?

Мне не нужно чувствовать запах краски, но было бы здорово, если бы цифровые мазки, нанесенные густой краской, можно было бы также почувствовать на холсте с помощью 3D-печати.Это не может быть так сложно, правда?
Мы уверены, что многим из наших читателей будет интересно увидеть больше ваших работ. Где мы можем найти ваше портфолио?

Вы можете посетить мой веб-сайт и мой блог, которые я стараюсь обслуживать как можно чаще. Вы также найдете там немного информации о том, как я работаю, и некоторые полезные вещи, которые можно скачать.

Спасибо, Георг, за то, что нашли время рассказать о своем творческом пути. Мы желаем вам много творческих дней с цифровыми инструментами, много вдохновляющих художников, которые встречаются на вашем пути, и достаточно времени, которое вы можете посвятить своей страсти.

—-
Посетите портфолио Георга в нашей галерее сообщества:
https://www.escapemotions.com/community/user/Ireland/portfolio/

Следуйте за Георгом Ирландии в социальных сетях:
Facebook: https://www.facebook.com/people/Georg-Ireland/100010648099385/
Instagram: https://www.instagram.com/georg.ireland/

Купите его работа по адресу: https://www.kunstkopie.de/a/georg-ireland.html
Заказать портрет по адресу: http://ko-fi.com/georgireland/commissions

Пять художников-женщин, которых вы, вероятно, не знаете (но должны)

Николлс преподавала искусство в своей студии на 7-й авеню в Нью-Йорке, в Лиге студентов-художников Нью-Йорка, Школе искусств Шиннекок Уильяма Мерритта Чейза на Лонг-Айленде, и в городах на востоке США.

Зачарованный остров »(Каталина) акварель, ок. 1922, Коллекция Филдстоуна

Мэрион Кавана (урожденная Кавано) Вахтель родилась 10 июня 1870 года в Милуоки, штат Висконсин. Ее родителями были Джеймс Томас Кавано и Джейн Джонстон Кавано. Она выросла в семье, которая поощряла творческие поиски, поскольку ее мать и ее прадед, который был членом Королевской академии в Лондоне, были художниками.

Она училась в Чикагском институте искусств и в Нью-Йорке у Уильяма Мерритта Чейза (1849-1916).Несколько лет она преподавала в Институте искусств и в государственных школах Чикаго. К тому времени, когда она вернулась в Милуоки, она заработала репутацию в области детских портретов и исследований фигур.

В 1903 году она получила заказ от железной дороги Санта-Фе на роспись фресок в их кассах в Сан-Франциско. Воспользовавшись пропуском из Санта-Фе, она отправилась в Калифорнию, делая зарисовки при каждой возможности вдоль пути железной дороги.

Также в 1903 году Марион посетила ранчо Купера в Санта-Барбаре и оставалась в качестве гостя на несколько месяцев.Ранчо Купера принадлежало Эллвуду Куперу (1829-1918), блестящему агроному и садовнику, опубликовавшему несколько трактатов о продуктах Калифорнии. На своем ранчо Купер выращивал оливки, виноград, английские грецкие орехи, европейский миндаль, апельсины, лимоны и японскую хурму. Он был первым фермером в Соединенных Штатах, который начал производить и продавать оливковое масло.

Вскоре после своего пребывания в Санта-Барбаре Марион отправилась в Сан-Франциско. В октябре 1903 года она показала несколько своих акварелей в доме миссис Дж.Оскар К. Кушинг. Шоу состояло из пейзажей, написанных в Санта-Барбаре и ранчо Купера и вокруг них, а также из серии небольших портретов, выполненных акварелью. Экспозиция была рассмотрена в San Francisco Chronicle в понедельник, 19 октября 1903 года. В целом выставка была хорошо принята, и писатель заявил, что «Она обращается с акварелью свободно и бесстрашно, больше как мужчина, чем женщина. ”

Оказавшись в Сан-Франциско, она познакомилась с городом, посетив художественные студии и галереи.Часто утверждается, что Мэрион встречалась и брала уроки с Уильямом Китом (1838-1911), и что Кит познакомил ее со своим другом Элмером Вахтелем (1864-1929), который жил в Лос-Анджелесе. К сожалению, дошедших до нас источников, подтверждающих эти два события, нет. Напротив, нет никаких сомнений в том, что Кит и Элмер Вахтель действительно были друзьями, поскольку Элмер учился с Китом в Сан-Франциско с 1892 по 1894 год.

Что бы ни свело Марион Кавано и Элмера Вахтеля, два художника влюбились и поженились в Чикаго в 1904 году.После этого она подписала свое имя «Марион Кавана Вахтель».

Вернувшись в Лос-Анджелес, пара построила дом-студию в районе горы Вашингтон. Они оставались там до 1921 года, когда переехали в район Арройо Секо в Пасадене. Как неразлучные товарищи по рисованию, они путешествовали по Южной Калифорнии и Юго-Западу. Первоначально получив образование художника-портретиста, Вахтель писал портреты хопи во время поездки в Северную Аризону и Нью-Мексико в 1908 году.

Мэрион работала в основном акварелью на протяжении всего их брака.Она заработала репутацию одного из лучших акварелистов Калифорнии. Ее картины демонстрируют замечательную ловкость в обращении со средой, которая может быть неумолимой даже для самых опытных. Она получила высокую оценку своих работ, как тонких, лирических интерпретаций пейзажа, демонстрирующих мастерское владение тоном и цветом.

Марион во все времена была великим художником, демонстрируя изученный подход к чувствительности естественного света и любовь к элегантным формам.Она была популярна на обоих побережьях и выставлялась как в Нью-Йорке, так и в Калифорнии. В 1911 году она была избрана в Нью-Йоркский клуб акварели, в 1912 году была избрана членом Американского общества акварели, в 1921 году была одним из основателей Калифорнийского общества акварели, а также состояла в Обществе художников Пасадены. и Академия западных художников. Ее работы выставлялись совместно с мужем, а также на персональных выставках в Лос-Анджелесе. Персональные выставки ее картин проходили в Музее истории, науки и искусства Лос-Анджелеса в 1915 и 1917 годах.

После смерти мужа в 1929 году Марион Вахтель временно потеряла интерес к живописи. Она возобновила работу примерно в 1931 году, рисовала пейзажи вокруг своего дома на Арройо Секо, у подножия гор Сан-Габриэль и несколько видов гор Сьерра-Невада, многие из которых выполнены масляной краской. Марион Вахтель умерла дома в Пасадене 22 мая 1954 года.

Автор (г-н) Джин Стерн
Исполнительный директор Калифорнийского импрессионизма на пенсии
Институт и музей искусств Калифорнии
Калифорнийский университет, Ирвин

МЭРИ РОБИНСОН БЛЭР (американка, 1911-1978 гг.) акварель Мэри Робинсон Блэр

Мэри Блэр была американским художником, аниматором и дизайнером.Она начала свою многогранную художественную карьеру в 1930-х годах в качестве члена престижного Калифорнийского общества акварелистов. Она была видна в создании искусства и анимации для The Walt Disney Company, рисовала концепт-арты для таких фильмов, как «Алиса в стране чудес», «Питер Пэн», «Песня юга» и «Золушка». Блэр также создал дизайн персонажей для непреходящих достопримечательностей, таких как «Это маленький мир» в Диснейленде, сцены фиесты в Эль-Рио-дель-Тьемпо в павильоне Мексики на выставке «Всемирная витрина Epcot» и огромная мозаика внутри современного курорта Диснея.Некоторые из ее иллюстрированных детских книг 1950-х годов до сих пор издаются, например, «Я могу летать» Рут Краусс. Блэр был включен в группу Disney Legends в 1991 году.

Эмили Карр (канадка, 1871-1945) Kitwancool (1928; Музей Гленбоу)

Эмили Карр была канадской художницей и писательницей, вдохновлявшейся коренными народами северо-западного побережья Тихого океана. Карр, одна из первых канадских художников, принявших модернистский и постимпрессионистский стиль, не получила широкого признания своих работ, пока она не сменила сюжет с аборигенов на пейзажи, в частности лесные сцены.Как писатель Карр был одним из первых летописцев Британской Колумбии. Канадская энциклопедия описывает ее как «канадскую икону».

члена Большой семерки, в то время самых известных современных художников Канады. Лорен Харрис из Группы стал особенно важной опорой: «Вы — один из нас», — сказал он Карр, приветствуя ее в рядах ведущих канадских модернистов. Встреча положила конец художественной изоляции предыдущих 15 лет Карр, приведя к одному из ее самых плодотворных периодов и созданию многих из ее самых заметных работ.Благодаря обширной переписке с Харрисом Карр также узнала и изучила символизм Северной Европы.

Художественное направление Карра находилось под влиянием Группы, и в частности Лорена Харриса, не только его работой, но и его верой в теософию. Карр изо всех сил пыталась примирить это со своим собственным представлением о Боге. «Недоверие Карр к институциональной религии» пронизывает большую часть ее творчества. На нее, как и на многих художников того времени, оказала влияние теософская мысль, и она начала формировать новое видение Бога как природы.Она вела духовный образ жизни, отвергая Церковь и религиозные институты. Она рисовала необработанные пейзажи канадских пустынь, мистически одушевленные великим духом.

7 известных художников-акварелистов, о которых вы должны знать

Акварельная живопись — отличительная среда и одна из самых доступных форм искусства. В конце концов, многие из нас выросли, создавая акварельные рисунки на школьных уроках рисования. Хотя это может быть доступно и визуально восхитительно, этим видом искусства, безусловно, нелегко овладеть.

Акварельная живопись, известная своей врожденной тонкостью и тонкостью, имеет богатую историю. Корни акварельной живописи можно найти в палеолитической Европе, но она приобрела известность в средние века. Один из самых ранних примеров акварелей как изобразительного искусства был замечен в величественной росписи Сикстинской капеллы. Потолок этой знаменитой часовни в Ватикане был расписан выдающимся художником Микеланджело между 1508 и 1512 годами и до сих пор считается его лучшей работой.

На протяжении всей истории было несколько удивительных художников-акварелистов, чьи работы сделали эту среду популярной.В то время как акварельная живопись изначально использовалась в основном для рисования по мокрой штукатурке, работы влиятельных художников помогли превратить платформу в искусство, которое могло отображать мощные, потрясающие изображения при нанесении на бумагу. Чтобы полностью понять очарование акварельной живописи сегодня, мы должны оглянуться на некоторых из самых популярных художников-акварелистов на протяжении всей истории. Их работы и сегодня продолжают вдохновлять начинающих художников.

1. Джон Сингер Сарджент (1856–1925)

«Сиеста гондольеров», 1904 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

В то время как Джон Сингер Сарджент прославился своими самобытными портретами, акварельные работы отражали другой оттенок талантливого художника. Его масляные портреты были созданы с особой тщательностью, на их темном и грандиозном фоне присутствовали приглушенные цвета. Однако его акварельные картины были гораздо более расслабленными, и Сарджент использовал в них свободные и яркие мазки. Многие его акварельные картины изображали пейзажи, которые он посетил, и выглядели эстетично с их простыми и игривыми оттенками.Изображения кораблей и берега были регулярной чертой его картин, выполненных в ярких, светлых или темных тонах, что резко контрастировало с его масляными портретами, которые были четко переданы. В целом акварельные работы Сарджента можно узнать по крупным цветным формам с темными, но простыми акцентами. Они также показали невероятный контроль и точность художника.

«Грязные аллигаторы», 1917 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

2. Уинслоу Гомер (1836 — 1910)

«Мальчики в дори», 1873 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

« Вы увидите, в будущем я буду жить своими акварелями ». Так однажды сказал Уинслоу Гомер одному из своих дилеров. Тогда никто не предвидел, что его слова сбудутся. В свои лучшие годы Гомер считался величайшим художником-маринистом Америки. Однако художник-самоучка стал мастером акварели.

«Три девушки-рыбаки», 1881 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Гомер начал серию акварелей в 1881 году, основанную на его опыте пребывания в прибрежной рыбацкой деревушке Куллеркоутс, Англия, в течение двух лет.Он предпочитал сосредотачиваться на старом стиле в большинстве своих акварельных картин, где он плавно изображал сцены из повседневной жизни простых людей. Гомер специализировался на рисовании идиллических, тихих сцен с детьми и женщинами, занятыми своими повседневными делами. В акварелях Гомера была трезвая и благородная простота, которая выделяла их и делала его одним из лучших художников в этой области.

«Гольфстрим», 1899 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

3.Джон Джеймс Одюбон (1785 — 1851)

Изображение рябчика в книге Джона Джеймса Одюбона «Птицы Америки». (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Джон Джеймс Одюбон наиболее известен благодаря книге « Птицы Америки », которая до сих пор считается одной из лучших когда-либо выпущенных книг по орнитологии. В новаторской книге представлена серия из 435 великолепных акварельных картин в натуральную величину, раскрашенных вручную, изображающих лучшую орнитологическую фауну Америки.Хотя он не был обученным натуралистом, любовь Одюбона к птицам подтолкнула его к совершенствованию своего искусства. Во многих отношениях его новаторская книга положила начало практике натуралистических изображений в акварельных формах. Птицы Америки до сих пор считаются «вехой в естественной истории девятнадцатого века».

Колпица розовая из птиц Америки (1827 г.). (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Отличительной чертой картин Одюбона были замысловатые детали предметов.Интересно, что он использовал систему проводов и булавок, чтобы привести каждый образец в естественную позу, а затем продолжил рисовать их на бумаге. На выставке его работ в Нью-Йоркском историческом обществе в 2014 году аннотация гласила: « акварели обладают поразительной непосредственностью и свежестью, которые подчеркивают его гениальность в соединении естествознания и искусства, а также уважение к окружающей среде. ».

Красношеей поганка из птиц Америки (1827 г.). (Источник изображения — Wikimedia Commons)

4.Томас Моран (1837-1926)

«Йеллоустонский каньон», 1902 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Томас Моран был известен своими блестящими пейзажными акварельными красками. Его неземные картины Йеллоустонского национального парка, в частности, вызвали высокую оценку. Фактически, именно его блестящие изображения гейзеров, водопадов и горячих источников этого региона в 1870-х годах убедили Конгресс США официально создать первый национальный парк страны и назвать его Йеллоустонским в 1892 году.

«Большой каньон Йеллоустона», 1872 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Моран проявлял большой интерес к исследованиям дикой природы, которые он перевел на акварели в своей студии. Его основной целью было передать непередаваемый свет и захватывающую дух красоту различных ландшафтов страны. Некоторые из других выдающихся акварельных работ Морана включают яркие панорамы Гранд-Каньона и национального парка Йосемити. Эти картины стали настолько популярными, что изображения американского пейзажа XIX века стали синонимами работ Томаса Морана.

«Москитная тропа», 1874 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

5. Реджинальд Марш (1898 — 1954)

«Локомотив», 1932 год. (Источник изображения — My Modern Met)

Реджинальд Марш был наиболее известен своими картинами повседневной жизни Нью-Йорка 1930-40-х годов. В его работах регулярно фигурировали паровозы, лодки, бурлеск-шоу, Кони-Айленд, Бауэри, кинотеатры и безработные.Кони-Айленд, в частности, был его любимым убежищем, и Марш проводил там часы, внимательно наблюдая за повседневной жизнью на улицах, пляжах и в общественном транспорте и заполняя свой альбом для рисования зарисовками людей в разных позах.

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938 год. (Источник изображения — My Modern Met)

Марш работал иллюстратором в The Daily News в Нью-Йорке в 1920-х годах, и именно здесь он понял, что может превратить сюжеты своих рисунков в искусство.« Акварель, которую я взял и хорошо освоил, без введения », — однажды сказал он.

Картины

Марша имели уникальный и полностью реализованный стиль. Хотя он также писал яичной темперой, маслом и тушью, наибольшее признание получили его акварельные работы.

«Разгрузка почты», 1936 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

6. J.M.W. Тернер (1775 — 1851)

«Нант с острова Фейдо», 1829-1830 гг. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

В период расцвета Джозеф Мэллорд Уильям Тернер считался одним из самых выдающихся британских художников. За шесть десятилетий своей выдающейся карьеры Тернер своими работами оказал большое влияние на общественное мнение о пейзаже и акварельной живописи. В свое время он был одним из первых, кто расширил вклад света, цвета и цветового ключа в живопись. Свободными мазками и яркими цветами Тернер шокировал своих современников, представив художественный стиль, который не был распространен в те дни.Некоторые из его лучших работ включали великолепные изображения штормов и атмосферных, повествовательных пейзажей. Его привлекали пейзажи, особенно там, где земля встречается с водой. Прекрасные эффекты, вызванные светом и погодой, во многом вдохновили его картины.

«Гавань Грейт-Ярмут, Норфолк», 1840 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Возвышенные изображения Венеции также широко используются в работах Тернера. Но более чем точное изображение венецианской сцены, художник попытался передать дух этого места.Однажды он сказал: « Моя задача — рисовать то, что я вижу, а не то, что я знаю, есть ».

Тернер также любил отображать литературу, мифологию и историю в своих произведениях. Он настолько преуспел в своем искусстве, что на пике своей карьеры был признан одаренным художником-акварелистом-топографом.

7. Уильям Блейк (1757–1827)

«Жалость», 1795 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Он более известен как один из величайших поэтов английского языка.Однако Уильям Блейк был также дальновидным художником, который часто публиковал свои собственные книги с раскрашенными вручную иллюстрациями. В свои 20 лет он семь лет учился у гравера и довольно хорошо овладел искусством гравировки текстов. Но вскоре он увлекся акварельной живописью и овладел техникой, получившей название «фреска». По сути, это была монотипная печать, когда Блейк сначала рисовал на плоской поверхности, а затем наносил ее на бумагу. Затем он заполнял каждую из них отдельно чернилами, чтобы сделать каждое изображение различимым.

«Сатана, поражающий Иова язвой», 1826 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Глубоко религиозный человек, Блейк вдохновлялся религиозными и мифическими историями, и эти темы часто были ясны в темах его картин. Фактически, многие его акварельные работы были основаны на «Божественной комедии » Данте Алигьери. Аспекты Микеланджело и искусства маньеризма также отчетливо видны в произведениях Блейка.

Художники акварелисты и их работы: 18 мастеров в одном месте. Блог школы рисования

Самые известные художники-акварелисты

Джозеф Збуквич

Стив Хэнкс

Мэри Уайт

Тьерри Дюваль

Сергей Андрияка

Мир глазами лучших акварелистов современности: 10 художников, чьи работы завораживают

Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic)

Мэри Уайт (Mary Whyte)

Валентина Верлато (Valentina Verlato)

Дима Ребус

Прафул Савант (Prafull Sawant)

Бланка Альварес (Blanca Alvarez)

Лю И (Liu Yi)

Эудис Коррейя (Eudes Correia)

Инки Ливз (Inky Leaves)

Популярные российские художники-акварелисты

Аквалерист П.

Также талантливы были работы братьев Брюлловых.

Сергей Алексеев.

Сергей Андрияка. Преподавание и живопись акварелью.

Елена Базанова.

Сергей Курбатов.

Игорь Горгоц

Александр Шумцов.

14 лучших акварелистов в Instagram

1. Kustova_anastasia

2. Qinniart

3. Lesya_poplavskaya

4. Kris__bez

5. Jongkie

6. Jj_illus

7. Poli.bright.art

8. Sanjsketches

9. Namwanpastel

10. Christophermaxwellart

11. Ihappygirl

12. Liviing

13. Matchboxart

14. Juliabarminova

Магия акварели | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Иллюстрации

Художник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. Лучшие акварели

Другие материалы из этой категории:

«Просто добавь воды»: ТОП-6 современных художников-акварелистов

Андрей Ковалик

Самира Янушкова

Meream

20 самых известных художников-акварелистов, которые вас вдохновят

Кто самые известные художники-акварелисты всех времен?

Кто был первым и самым известным художником-акварелистом?

Трудно ли рисовать акварелью

Простые техники акварели для начинающих

Факторы, которые следует учитывать при покупке акварели

Последнее слово

10 художников-акварелистов, которые вдохновят ваших учеников

1. Сара Хан

2. Эмма Ларсон

3. Элиза Моррис

4. Джастин Маргитич

5. Али Кавано

6. Клэр Коуи

7. Этч

8. Дженнифер Тайерс

9. Яакко Маттила

10. Эния Тодд

талантливых известных художников, которые продолжают влиять на акварельную живопись сегодня

Чтобы понять привлекательность акварельной живописи сегодня, узнайте больше о некоторых из самых известных художников-акварелистов на протяжении всей истории.

АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471 — 1528)

J.M.W. ТОРОНЕР (1775 — 1851)

УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757 — 1827)

ДЖОН ДЖЕЙМС ОДУБОН (1785 — 1851)

ТОМАС МОРАН (1837-1926)

WINSLOW HOMER (1836-1910)

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ (1856-1925)

ГРУЗИЯ О’КИФФ (1887–1986)

ПОЛ КЛИ (1879-1940)

ЧАРЛЬЗ ДЕМУТ (1883-1935)

РЕГИНАЛЬД МАРШ (1898 — 1954)