Это популярный запрос, и, конечно же, у нас есть лучшие художники, которые специализируются на этом. Чтобы запросить этот тип живописи, просто загрузите фотографию произведения искусства, которое вы хотите воссоздать, а затем загрузите хедшоты себя или своих объектов в тех же позах и положениях. Затем напишите в коробке с инструкциями, где рисовать каждого человека. И это не обязательно должны быть другие картины или произведения искусства. Вы также можете рисовать людей на других фотографиях! Вы можете посетить нашу галерею, чтобы увидеть несколько примеров картин, перекрашенных в обратную сторону.

Instapainting

Предварительная информация Общая информация

Если перед заказом вам нужна общая информация, свяжитесь с нами по электронной почте [email protected] (обычно мы отвечаем в течение 1 рабочего дня или раньше) или через чат в правом нижнем углу нашего веб-сайта. Обратите внимание, что наши агенты в чате могут отвечать только на общие вопросы и не имеют возможности запрашивать информацию о заказе или помогать с существующими заказами. Информацию о поддержке по заказу см. Ниже.

Техническая поддержка и поддержка платформы

По вопросам, связанным с веб-сайтом, с нашей платформой в целом или технической поддержкой, обращайтесь по адресу [email protected]ainting.com. Если вы обнаружили ошибку на нашем веб-сайте, мы предлагаем скидку на вознаграждение за обнаружение ошибок за сообщение и помощь в решении проблемы.

Существующие заказы

Поскольку все заказы выполняются напрямую независимыми художниками и студиями, , пожалуйста, обращайтесь напрямую к своему художнику по всем вопросам поддержки, как только ваш заказ будет принят художником .Мы упрощаем контакт с вашим художником через страницу проекта (вкладка сообщений) или отвечая на наши автоматические уведомления по электронной почте, когда они пишут вам. Вы можете получить доступ к странице своего проекта через страницу подтверждения заказа.

Мы рекомендуем вам хранить все сообщения на странице проекта, чтобы мы могли разрешить любые возникающие споры (например, сроки завершения или доставки, особые запросы, о которых вы просили, и т. Д.). Сообщения за пределами нашей платформы (например, телефонные звонки или прямые электронные письма) не будут рассматриваться нашими следователями.

Получить ваш заказ

Вы можете автоматически входить на страницы своего проекта, а также управлять своим заказом и отслеживать его с помощью ссылки подтверждения заказа. Если вы потеряли ссылку на страницу подтверждения заказа, заполните эту форму, чтобы повторно отправить вам ссылку.

изменения статуса

Ваш художник обновит страницу вашего проекта с указанием предполагаемого времени завершения, как только художник примет ваш заказ. Instapainting не требует от них обновлять ход вашей картины до запланированного завершения.За дополнительной информацией обращайтесь напрямую к художнику.

Информацию о статусе доставки см. В информации об отслеживании на странице вашего проекта. Все доступные статусы немедленно обновляются на странице, когда они доступны.

Изменения в заказе

Если вам нужно изменить детали заказа или адрес доставки до того, как художник примет , обратитесь по адресу [email protected] Может потребоваться дополнительная плата. Укажите идентификатор вашего заказа или отправьте электронное письмо с адреса электронной почты вашего заказа. Если художник уже принял ваш заказ , свяжитесь с ним напрямую через страницу проекта.

Проблемы с вашим художником

Если ваш исполнитель не отвечает (не отвечает вам в течение 2 рабочих дней), не может или отказывается решить проблему или не может выполнить заказ в соответствии с вашим заказом, вы можете связаться с [email protected], чтобы подать спор. Мы незамедлительно начнем расследование и предпримем корректирующие действия, если исполнитель нарушит какие-либо соглашения, заключенные с вами, или нарушит наши условия обслуживания.

Все заказы полностью защищены нами, что означает, что если вы получите поврежденный продукт или художник значительно пропустит срок, ваш заказ будет дисконтирован, перекрашен или имеет право на невозвратный возврат, в зависимости от серьезности их неправильных действий.

Повреждение при транспортировке / недостающие предметы

Все заказы Instapainting.com застрахованы от повреждений во время доставки. Если вы подозреваете или замечаете повреждение вашей картины, сделайте фотографии повреждений упаковки и фотографии повреждений предмета крупным планом. Тогда просто свяжитесь с нами, и мы сможем подать иск о возмещении ущерба по вашему заказу и предоставить замену картины.

Если ваш художник забыл выполнить часть вашего заказа, например, обрамление, просто свяжитесь с нами, чтобы открыть спор по заказу и получить возмещение за любые не оказанные услуги или предметы, которые не были доставлены.

Free Picture Of Art Painting, Download Free Picture Of An Artist Painting PNG, Free ClipArts on Clipart Library

художник живопись клипарт

рисунок домик клипарт

художник клипарт

живопись клипарт

краска картинки

моя милая графика

Маляр и декоратор

живопись искусство клип арт

картинки

краска клипарт

художник клипарт черно белый png

кисть картинки

кисть и краски клипарт

artwork клипарт

кисть и палитра клипарт

живопись клипарт

художник художник картинки

слез художника

казимир малевиц

художников

мишель фарлонг искусство

картинки

прозрачная палитра красок клипарт

тату машина flash art

оптическая иллюзия лицо иисуса

мультфильм

плакат

друзей. . . живопись на американском языке жестов

современное искусство

ширли джаффе художник

мультфильм рисунок жирафа

иллюстрация

бутылка с краской клипарт черно-белый

новая жизнь — абстрактное пейзажи

анализ цвета ван гога

без названия от мэрилин монро (мэрилин)

кристофер шерстяной принт апокалипсис сейчас

Скарабей

декоративно-прикладного искусства клипарт

мультфильм

кубизм робот

зеленый / 2 оранжевых x окраска

картина по стеклу павлин контур

лист искусства для средней школы

Хотите знать, кто нарисовал эту картину? Есть приложение (или два) для этого номера

Недавно в галерее Бетти Кунингем в Нижнем Ист-Сайде я заметил поразительную картину: на ней была изображена обнаженная женщина, свернувшаяся у окна, спящая в старом отеле New Yorker Hotel и Empire State. Здание в поле зрения и рыба над ней, висящая или плавающая.Я открыл приложение для смартфонов под названием Magnus, быстро сделал снимок и нажал «Использовать». Через несколько секунд я получил тот захватывающий, удовлетворяющий щелчок. Приложение нашло совпадение.

Картина была написана Филипом Перлстайном, согласно приложению, известному тем, что возродил традицию реалистичной рисования фигур. Она называлась «Модель с Эмпайр Стейт Билдинг». датированный 1992 годом, размером 72 на 60 дюймов и продавался за 300 000 долларов. Приложение сообщило мне, что в 2010 году оно было продано за 170 500 долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке.Затем Магнус поместил эту информацию в папку с пометкой «Мое искусство» для цифрового хранения — и на будущее.

Magnus является частью волны приложений для смартфонов, которые пытаются каталогизировать физический мир как способ предоставления мгновенной информации о песнях, одежде, растениях или картинах. Сначала появилось Shazam, приложение, которое позволяет пользователям записывать несколько секунд песни и мгновенно определять их. Огромный успех Shazam — его более миллиарда скачиваний и 20 миллионов пользователей ежедневно, а в прошлом году он был куплен Apple за 400 миллионов долларов — породил бесконечные подражания. Есть Shazam для растений или Shazam для одежды, а теперь Shazam для искусства.

В приложениях, ориентированных на искусство, используются технологии распознавания изображений, каждое из которых отличается особым характером. Магнус создал базу данных, содержащую более 10 миллионов изображений произведений искусства, в основном созданных с помощью краудсорсинга, и стремится помочь потенциальным покупателям произведений искусства ориентироваться на широко известной информационной арене галерей и ярмарок.

Другие приложения ориентированы на посетителей музеев: Smartify, например, использует образовательный подход, объединяясь с музеями, а иногда и галереями для загрузки оцифрованных версий своих коллекций, текстов на стенах и информации о художниках.Google Lens — передовая технология распознавания изображений Google — делает новые набеги на мир искусства. В июне Google Lens объявила о партнерстве с Музеем де Янга в Сан-Франциско, чтобы показать части коллекции музея. В июле Google начал сотрудничество с Wescover, платформой, ориентированной на объекты дизайна, общественное и местное искусство, мебель и ремесла, что позволяет вам узнать название этой анонимной картины в вашем пространстве WeWork или кафе.

Есть некоторые препятствия на пути создания Shazam для искусства.Магнус Реш, основатель приложения Magnus, так сказал: «В мире намного больше искусства, чем песен». Каталогизировать отдельные произведения искусства, основанные в уникальных местах, намного сложнее.

Закон об авторском праве также создает проблемы. Воспроизведение произведений искусства может быть нарушением авторских прав владельца. Магнус утверждает, что, поскольку изображения создаются и передаются пользователями, приложение защищено Законом об авторском праве в цифровую эпоху. Г-н Реш сказал, что галереи и конкуренты жаловались на загрузку изображений и данных в приложение; в 2016 году он был удален из Apple Store на пять месяцев, но Apple в конечном итоге восстановила Магнуса после удаления некоторого спорного контента.

Другая проблема заключается в том, что технология распознавания изображений все еще часто отстает, когда дело доходит до идентификации 3D-объектов; даже известная скульптура может сбивать с толку приложения своими углами, что приводит к бесконечному витку технологий, которые «думают» до бесконечности.

Тогда есть более важный вопрос для этих платформ: какую информацию может предоставить приложение, которое улучшит восприятие пользователем искусства при просмотре искусства? Что на самом деле может добавить Shazam для искусства?

Ответ г-на Реша прост: прозрачность.Галереи редко публикуют цены и часто не предоставляют основной текст на стене, поэтому часто приходится спрашивать название или даже имя художника.

Елена Коэн, бренд-менеджер Colgate-Palmolive, купила свое первое произведение искусства, фотографию, в Frieze после использования Магнуса. По ее словам, перед тем, как попробовать приложение, препятствием было отсутствие информации. «Раньше я ходила на эти художественные ярмарки и чувствовала себя смущенной или стеснительной, потому что ничего не значилось в списке», — сказала г-жа Коэн. «Мне понравилось, что приложение может сканировать изделие и предоставлять вам точную историю его продажи, дату последней продажи и цену, по которой он был продан.Это помогло мне договориться ».

Магнус не дает вам урока истории искусства или даже не дает оснований для краткого изложения произведения; как и Shazam, это небольшой всплеск информации в темноте. Smartify, с другой стороны, хочет применить то, что когда-то входило в компетенцию аудиогида. Поднесите его к натюрморту Gustave Caillebotte, как это сделал я, и приложение предоставит информацию, которая уже размещена на стене, в том числе возможность нажать, чтобы узнать больше. Часть миссии приложения — простота использования и доступность.Люди с нарушениями зрения могут использовать Smartify со встроенными настройками звука на своих телефонах, а приложение работает над интеграцией звука. Приложение элегантное и простое, а источник обычно цитируется и проверяется фактами.

Основное ограничение Smartify состоит в том, что приложение работает напрямую с музеями и работает хорошо только в некоторых местах. Лондонская национальная галерея, где я ее тестировал, была одной из них; не пропустила ни одной картины в постоянной коллекции. Но в Met, куда Smartify загрузил ограниченный набор изображений, я провел разочаровывающий день, размахивая приложением над картинами, поскольку оно не возвращало даже фактов, которые я мог прочитать в текстах на стенах.

Это, возможно, говорит о том, что даже когда эти приложения создают свои базы данных, некоторые музеи начинают вообще отказываться от приложений. Музей Метрополитен, который с помпой запустил собственное приложение в 2014 году, закрыл его в прошлом году.

«Несмотря на то, что приложение многое делало хорошо, мы хотели создать что-то более плавное», — сказала Софи Андерсен, временный директор по цифровым технологиям в Met. Это переводится в контент, который загружается прямо в браузер вашего телефона в качестве веб-сайта, загрузка не требуется.Точно так же в июле Еврейский музей представил новый набор аудио-туров, все с веб-интерфейсом.

«Несколько лет назад было повальное увлечение приложениями, и теперь все входят в фазу постприложений в музейной индустрии», — сказал Цзя Цзя Фей, директор по цифровым технологиям Еврейского музея. Она отметила, что подавляющее большинство приложений, которые люди скачивают, не используются на их телефонах. «Вы просто используете свою электронную почту и Instagram».

После нескольких недель опробования приложений для искусства в музеях и галереях, на углах улиц и иногда в кофейнях я обнаружил, что они не улучшают качество моих визуальных встреч.Хотя уровень информации в Smartify довольно высок, когда он работает, я смог узнать больше о конкретных фигурах в J.M.W. «Улисс, высмеивающий Полифема» Тернера — простое действие, когда я поднимаю телефон, чтобы сделать снимок, превратило яркую физическую картину в плоскую репродукцию. Дополнительная информация не стоила того, чтобы передавать мои музейные впечатления через экран.

И телефоны уже повсюду в музеях, превращая посещение в каталогизацию по ходу дела. Г-жа Фэй назвала это «отстойным экраном», и это одна из причин, по которой звук является предпочтительным средством передачи информации в Еврейском музее.Как и сам Shazam, приложения лучше всего использовать для быстрых ответов — спасательный круг в бесконтекстной галерее. Что это? Сколько это стоит? Кто сделал это? (Здесь Магнус — лидер.)

Шазамификация искусства — это продукт времени, когда информация преобладает над невооруженным глазом. Но приложение не должно быть нашим единственным проводником по визуальному миру. Прогуливаясь по Новому музею с приложением Magnus, я обнаружил, что прохожу мимо картин, не слишком вглядываясь в детали, потому что камера искала меня, а приложение знало гораздо больше, чем я.Это был тот небольшой захватывающий, удовлетворяющий щелчок признания. Остановиться было тяжело.

Картины этого художника, изображающие самого себя, сошли с ума вирусная | В тренде

Вас озадачил этот заголовок? Что ж, скорее всего, эти картины окажут на вас такое же влияние. И оставлю вас под сильным впечатлением. Художник Шеймус Рэй написал серию картин, на которых он изображает самого себя. Произведения искусства не только потрясающие, но некоторые из них могут заставить вас задуматься.

Рэй поделился своей первой картиной из этой серии 17 июля. «Автопортрет, рисующий себя», — подписал он пост, в котором есть фотография, в которой может казаться, что вы смотрите на художника и его отражение в картине. зеркало.

Он поднял свою работу на ступеньку выше, дополнив ее новой версией, опубликованной на следующий день.

«Идея возникла из-за того, что я рисовал себя через автопортреты за последние несколько лет, и является естественным продолжением этого», — сказал он Hindustan Times, добавив: «Большинство людей правы в том, что речь идет о бесконечности, рекурсии и пространстве / время».

19 июля в Instagram сразу же появилась другая версия. «Я нарисовал картину, на которой я рисую картину, на которой я рисую себя. Холст, смешанная техника », — написал он в подписи к себе.

Но Рэй был далек от завершения. На следующий день он поделился еще одной версией, на этот раз представив свою кошку в миксе.

И, наконец, вот последняя версия, которой он поделился в этой серии… пока что.

Начало? Петля? Бесконечность? Что приходит в голову, когда видишь работы Рэя? Что ж, люди в Instagram оставили массу комментариев к каждому портрету.

«Это бесконечный цикл? Мне это нравится », — написал один человек. «Живопись-начало. Мне это нравится », — поделился другой. «Paintception», — добавил третий.

Наряду с этим люди тоже не сдерживались, когда хвалили работу.

«Заткнись и забери мои деньги», — написал пользователь Instagram. «Я очень заинтересован в этом», — ответил другой. «Абсолютная легенда», — гласит еще один комментарий, мало чем отличающийся от многих других.

Картины, несомненно, стали вирусными, чему художник очень рад.«Я прекрасно отношусь к этой похвале… очень унизительно», — сказал он Hindustan Times.

Что вы думаете об этих портретах?

4 шага к фотографированию вашего искусства как на

И затем, после нескольких часов работы над картиной, измученных и опережающих сроки, мы часто пренебрегаем самой важной частью процесса: фотографированием работы. Слишком многие из нас теряются, когда дело доходит до деталей, и соглашаются на несколько небрежных снимков перед отправкой работы.

Поскольку художники должны представлять свои работы в цифровом виде для выставок, грантов, переговоров и вашей общедоступной страницы профиля, хорошая фотография предлагает первое впечатление о вашем искусстве и вашем профессионализме.

Мы часто видим художников с невероятными произведениями искусства, но есть изображения, снятые в тускло освещенной, неряшливой обстановке, искажающей исходные произведения искусства.

Знание того, как правильно сфотографировать свою работу, может означать разницу между принятием на выставку или завоеванием благосклонности важного клиента или директора галереи.

Мы составили несколько рекомендаций по фотографированию ваших работ, чтобы вы могли начать фотографировать как профессионал.

Ховард Шерман показывает, как он документирует свою работу в своем аккаунте в Instagram.

Мы регулярно видим сфотографированные произведения искусства, прислоненные к стене и снятые под углом. Найдите стену нейтрального цвета (белая, черная, серая) и повесьте свою работу на такой высоте, чтобы ее середина была параллельна месту, где будет находиться ваша камера — либо на штативе, либо на столе или другой поверхности.

Если вы снимаете свою работу в помещении, делайте это в комнате с большим количеством окон и естественным освещением. Некоторым художникам также нравится фотографировать свои работы на открытом воздухе в пасмурную или пасмурную погоду, поскольку наилучшее освещение обеспечивает непрямой солнечный свет. Естественный свет может быть прекрасным способом сфотографировать вашу работу, если он непрямой.

Если погода не благоприятствует или если вы приближаетесь к позднему сроку, вам нужно будет установить комплект освещения. Хорошая новость в том, что вам не нужно тратить кучу денег на профессиональную обстановку, если вы не готовы инвестировать в нее.

Все, что вам понадобится, это как минимум два фонаря для двумерной работы. Мы использовали осветительные стойки, которые вы часто видите в комнатах общежития (с тремя регулируемыми лампочками), или светильники с зажимами. Поместите источник света посередине между камерой и холстом под углом 45 градусов к стене (это поможет устранить тени и «горячие точки» на картине). Если у вас есть зонтики для фонарей, прикрепите их сейчас.

Arthur Brouthers показывает, как он использует белые панели для отражения света, и готовую работу «Slipping II» в своем Instagram.

LIGHT HACK : Если у вас нет профессионального комплекта освещения, вы можете легко взломать рассеивание света с помощью белого листа или белого пластика между лампами и вашей работой. Это помогает равномерно распределить свет. В качестве альтернативы можно установить несколько листов белой пенопластовой сердцевины для имитации эффекта «падающего света», когда свет направлен на пенопластовую сердцевину, а белая доска отражает свет обратно на деталь.

Как только ваше произведение искусства будет прикреплено к стене, дважды убедитесь, что камера установлена ​​так, чтобы линза была на одной линии с серединой картины. Вы хотите расположить камеру так, чтобы рамка была заполнена большей частью картины, с небольшим количеством фона, который вы можете обрезать позже. Многим жюри важно видеть края картин, чтобы получить представление о масштабе.

ISO и диафрагма вашей камеры очень важны для получения четких, четких и ярких изображений ваших работ.ISO указывает, какая светочувствительность пленки использовалась для измерения. Чем выше число, тем более чувствительна пленка к свету и тем грубее изображение. В данном случае, поскольку нам нужны очень четкие изображения, нам нужен низкий ISO. Студийные снимки обычно делаются при ISO 100.

Значение диафрагмы диафрагмы вашей камеры регулирует количество света, пропускаемого через объектив, увеличивая или уменьшая отверстие. Чем выше число, тем меньше света проходит. С цифровой зеркальной камерой идеальный диапазон для съемки произведений искусства составляет от f-8 до f-11.

СОВЕТ: Установите таймер камеры на четыре или пять секунд, чтобы нажатие кнопки спуска затвора не приводило к дрожанию изображения.

Существует множество бесплатных или недорогих альтернатив программному обеспечению для редактирования фотографий, которые помогут свести к минимуму любые несоответствия. В то время как Photoshop по-прежнему правит королем, Photoshop Elements или Gimp позволяют выполнять основные функции, такие как цветокоррекция, обрезка и другие незначительные корректировки.Lightroom также предлагает программу редактирования на основе подписки, которой клянутся профессиональные фотографы.

Конечно, есть много дополнительных нюансов и уловок, которые можно добавить в это начальное руководство. Однако, если вы хотите улучшить свои фотографии и профессионально представить себя на странице своего общедоступного профиля, это отличная отправная точка.

Знаки и ярлыки на картинах: справочник специалиста

От истории аукционов и выставок и происхождения до заметок художника о том, каким образом «ВВЕРХ», детали, найденные на «оборотной стороне», могут значительно повысить ценность картины.

Прежде всего, вам нужно знать, кто нарисовал вашу картину. Художники начали подписывать свои работы примерно в 15 веке, и хотя их подписи чаще всего находятся на лицевой стороне, в последнее время они стали применяться на оборотной стороне.

Специалисты Christie’s могут проверять подписи, просматривая их в резюмированном каталоге художника, и иногда даже сокращают дату написания работы, основываясь на эволюции подписи с течением времени.

Адрес Николсона в Корнуолле был добавлен в левом нижнем углу задней части фотографии

Художник обычно также указывает название или дату. А иногда и больше.

«Помимо подписи, наименования и датировки своих работ на реверсе, британский художник Бен Николсон (1894–1982) часто указывал свой адрес», — говорит Элис Мюррей, специалист по современному британскому и ирландскому искусству Christie. «Это прекрасное дополнение, которое поможет вам составить историю, стоящую за произведением искусства».

Художники начали переходить от работы с деревянными панелями к холстам в 15 и 16 веках, потому что это позволяло создавать картины большего размера.Роспись на медных листах также вошла в моду в 17 веке.

Марки и этикетки поставщиков этих материалов могут содержать названия и адреса их предприятий. Списки литературы, такие как «Справочник поставщиков материалов американских художников » Александра Катлана — , можно использовать для их отслеживания и, в свою очередь, сужения того, когда и где была сделана работа.

Реверс панели масляной живописи XVI века, на которой изображен бренд Антверпена — пара рук над замком. Знак датируется 1617 годом, когда в новом регламенте, разработанном гильдией столяров Антверпена, говорилось, что «каждый столяр с этого момента обязан штамповать свою метку на сделанных им рамах и панелях под страхом штрафа в размере

Сравнение даты покупки материалов с датой подписания художником готовой работы может даже дать вам представление о том, сколько времени потребовалось для завершения.

Типы материалов, из которых изготовлена ​​рабочая доска, колыбель или носилки, а также способ их изготовления также меняются со временем и в разных местах.

Мягкая древесина, такая как тополь, использовалась в Италии, а твердая древесина, например, дуб, использовалась в Великобритании и Нидерландах. Еще один ключ к разгадке можно получить из того, как полотно крепится к подрамнику — после 1940-х годов гвозди заменили скобы.

Когда в галерее или музее демонстрируется произведение искусства, они часто прикрепляют этикетку к его обратной стороне, в которой указывается имя художника, название картины и, как правило, дата, инвентарный номер и адрес.

«С появлением Интернета стало намного проще исследовать эти ярлыки», — объясняет Вероника Скарпати, специалист по импрессионистам и современному искусству. «Например, Музей современного искусства оцифровал все свои каталоги выставок, пресс-релизы и списки кредиторов еще в 1929 году».

Оборотная сторона картины Пьетро с трафаретами, наклейками и этикетками, в том числе лондонского дилера Thomas Agnew & Sons и нью-йоркской галереи Wildenstein & Co.

Другие ключевые игроки, на которых стоит обратить внимание, включают такие учреждения, как Королевская академия или Музей искусств Метрополитен, а также такие дилеры, как Ричард Грин, The Fine Art Society или Wildenstein & Co., как показано в правом верхнем углу на оборотной стороне картины. показано выше.

Другие лейблы, на которых записано путешествие картины, могут поступать от консерваторов, таможни и пограничного контроля, или даже от несуществующих бюрократических механизмов, таких как нацистская палата культуры, которая нанесла свой логотип с двуглавым орлом на обратной стороне украденного произведения искусства.

Частные коллекционеры на протяжении всей истории добавляли свои имена на обороте работы. Например, король Англии Карл I (1600–1649) заклеймил свои инициалы «CR», увенчанные короной, на реверсе произведений из своей королевской коллекции.

Ивон Хитченс (1893-1979), Холмы и темное небо: дождь над холмами .Масло на холсте. 12½ x 18½ дюймов (31,7 x 47 см). Продан за 32 500 фунтов стерлингов 23 января 2020 года на Christie’s в Лондоне. Работа: © Поместье Ивона Хитченса. Все права защищены, DACS 2020

Рукописное происхождение Аллена Фрира находится на дне носилок для Hills и Darkening Sky

«На обратной стороне этого пейзажа [вверху] Ивона Хитченса (1893–1979) есть печать его жены Молли, а также более поздняя рукописная записка, помещающая ее в коллекцию Аллена и Берил Фрир», — поясняет Элис Мюррей.

На оборотной стороне картины Конки есть написанная от руки надпись, указывающая, что она была подарком некоему Д. Доменико Гуастаферро

В 2019 году Christie’s продал картину [вверху] Себастьяно Конка (1680-1764), которая содержит старую рукописную заметку, в которой описаны ее название, дата и тот факт, что это был bozzetto — или набросок — для живописи, а также предоставляет сведения о происхождении — что он был подарен некоему Д. Доменико Гуастаферро в июле 1748 года.

Если вы решите добавить опору к обратной стороне вашей картины, возможно, стоит использовать Perspex, чтобы этикетки оставались видимыми, или попросить консерватора бумаги аккуратно перенести их на новую доску.

С начала 19 века Christie’s маркирует обратную сторону фотографий инвентарным номером. Первоначально эти числа были нанесены по трафарету черными чернилами, в то время как другие аукционные дома использовали мел. (Сегодня вместо цифр, нанесенных по трафарету на оборотной стороне изображений, чаще применяется наклейка со штрих-кодом. )

«Эти числа соответствуют записям, которые говорят нам, когда и где что-то было продано, а иногда и кто это продал и какая цена была заплачена», — объясняет библиотекарь и архивист Christie’s Линда Маклауд.«Архив Christie’s в Лондоне содержит подробную информацию о большинстве продаж, проведенных за 254 года работы аукционного дома».

«При каталогизации картин эти трафареты позволяют нам не только собрать воедино происхождение, но и увидеть, приписывались ли работы разным художникам в прошлом», — добавляет Оливия Гош, каталогизатор отдела старых мастеров Christie’s.

Реверс картины Рембрандта «Человек с мечом » с изображением его аукционных трафаретов, а в центре — этикетка выставки Амстердама 1898 года

В 2013 году Christie’s продал портрет Рембрандта (1606–1669) и его студии, на оборотной стороне которого был нанесен трафарет «272ER».«Это указывало на то, что в 1928 году на Christie’s состоялся аукцион коллекции, принадлежащей сэру Джорджу Линдси Холфорду, — объясняет Гош.

«Отсюда мы проследили происхождение картины до его отца, Роберта Стейнера Холфорда, который был основателем Burlington Fine Arts Club и владел тремя другими Рембрандтами, которые теперь находятся в музеях. Знание этих деталей может повысить ценность картины ».

Если тыльная сторона холста имеет следы клея по краям или кажется толстой и новой, картина могла быть облицована.Это относится к процессу прикрепления дополнительного слоя холста к исходной поверхности для устранения дыр и разрывов и стабилизации картины.

«Подкладка холста была и остается обычной практикой для картин старых мастеров», — говорит Гош. «Раньше это часто выполнялось тяжелой рукой, но теперь это можно сделать, не повредив поверхность краски».

Ф.СиБи Каделл оставил на обратной стороне своих работ четкие инструкции о том, как за ними ухаживать в будущем

‘Шотландский колорист F. C.B. Каделл (1883-1937) оставил четкие инструкции относительно того, как поддерживать состояние своих работ на их оборотной стороне, — говорит Алиса Мюррей. «На обратной стороне улицы The Avenue, Auchnacraig [вверху] есть слова« Впитывающий грунт / НИКОГДА не покрывайте лаком », потому что Каделл считал, что меловое качество его окрашенной поверхности имеет первостепенное значение.’

Крупные трещины на изделии могут указывать на то, что его повесили в жарком и сухом месте, например, над камином, а покоробленные носилки могут указывать на то, что он жил в ванной. «И то и другое не рекомендуется», — утверждает Гош.

Оборотная сторона картины Дибенкорна помогает понять, в каком направлении ее следует повесить.

Не решаясь даже указать, где их следует повесить, некоторые художники, например Ричард Дибенкорн (1922–1993), услужливо оставляют заметки, указывающие на их правильную ориентацию. На обороте работы выше Дибенкорн написал карандашом «TOP» со стрелкой, направленной вверх.

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал предоставляет лучшие функции, видео и аукционы
новостей на ваш почтовый ящик каждую неделю

Подписаться

Время от времени на оборотной стороне картины можно обнаружить что-то, что может сравниться по важности с произведением искусства на лицевой стороне, например, рукописную заметку художника или даже вторую картину.

«Исторически материалы были дорогими, поэтому бедные художники, как известно, пробовали разные композиции на одних и тех же подставках», — объясняет Гош.

На заднем плане сцены с птицами на ферме Писсарро 1878 года находится совершенно другая работа, изображающая двух женщин, стирающих белье.

Вероника Скарпати приводит пример.«В феврале этого года Christie’s продал работу Камиля Писсарро (1830–1903), у которой была вторая, подписанная Писсарро, на реверсе», — поясняет она.

‘Художественные мастера Christie’s установили его на изготовленной на заказ подставке, чтобы обе стороны были видны во время предварительного просмотра аукциона. Если бы он висел на стене, никто бы не догадался, что скрывается за спиной ».

Художник из США рисует картины наощупь (фото). Читайте на UKR.NET

К 30-ти годам художник Джон Брамблитт полностью потерял зрение. Но именно тогда и в таком состоянии ему и стала важна живопись.
Смешивая краски, Джон Брамблитт (John Bramblitt) сравнивает себя с кулинаром, который добавляет в блюдо нужное количество ингредиентов точно по рецепту. А все потому, что увидеть, каков же результат его стараний Джоан не может. Он слеп, но пишет картины, чувствуя на ощупь, какими красками пользуется и как кладет мазки.

Он потерял зрение из-за эпилепсии, симптомы болезни впервые появились в 11 лет, и к 30 годам он перестал видеть. Казалось, что жизнь потеряла смысл, ведь все мечты оказались несостоятельными, а планы на будущее были разрушены. Художник вспоминает, что у него была сильнейшая депрессия, и он не видел выхода из этого состояния.

Чтобы побороть отчаяние, Джону Брамблитту понадобился год. Он решил для себя, что найдет способ рисовать, чего бы это ему не стоило, и действительно научился работать с красками, накладывая мазки так, чтобы они были ощутимы на ощупь. По словам самого Джона, его первый рисунок был совершенно неуклюжим, но сам факт, что он сумел соединить разрозненные линии воедино и создать целостное изображение, вселил в него веру. Эта была искра надежды в темном мире его отчаяния.

Ранее мы писали: В Сумах дети-инвалиды помогают друг другу

Начал он писать быстрозасыхающим клеем из тюбика, что позволяло ему на ощупь чувствовать нарисованные линии. Сейчас же он освоил масляные краски.

Приступая к работе, художник вначале детально продумывает в уме композицию. Материалы Джон Брамблитт подбирает тоже особенно: он утверждает, что разные цвета масляных красок имеют различную консистенцию. Например, белая краска густая и напоминает зубную пасту, а черная более жидкая. Кроме того, тюбики в мастерской подписаны шрифтом Брайля, так что Джон может ориентироваться, какой цвет держит в руках.

Ранее мы писали: Ученые из США создали программу и определили самых креативных художников

С тех пор художник совершенствует свое мастерство, и сегодня в его коллекции немало ярких, динамичных картин, которые вызывают восхищение у зрителей. Джоан Брамблитт живет в Дентоне (штат Техас, США), он хорошо известен не только в Америке, но и за ее пределами.

Талантливый мастер пишет картины уже более 10 лет, за эти годы о нем неоднократно рассказывали в прессе, он получал награды на всевозможных конкурсах и выставках. А сам Джон Брамблитт признается, что в какой-то мере даже благодарен судьбе за то, что ослеп. Начав бороться с недугом, он открыл в себе настоящий талант, сумел самореализоваться и найти цель в жизни.

Картины из пыли, спермы и рвотной массы

Даже у самых известных произведений искусства бывают тайны, которые раскрываются только через десятки лет после создания. На днях стало известно, что Пабло Пикассо использовал для написания некоторых своих картин экскременты. Этот маленький секрет раскрыла миру внучка художника Диана Видмайер-Пикассо. По ее словам, мастер замешивал в краску фекалии ее матери Майи. Якобы они имели уникальный цвет и текстуру, поскольку девочка была на грудном вскармливании. Какие еще шокирующие материалы используют художники для создания своих произведений, смотрите в подборке «МИР 24».

На пятом месте рейтинга американец Джордан Иглз. Успехи даются ему потом и кровью. Причем в прямом смысле слова. Материал для картин эксцентричный художник добывает на скотобойне. С кровью чего он только не делает: запекает, выпаривает, смешивает с различными веществами. И в итоге получает абстрактные полотна.

На четвертом месте списка людей, использующих необычные материалы для картин, Элисон Кортсон. Она рисует портреты и делает это с помощью пыли, которая скопилась дома у заказчика. Элисон приходит в гости и забирает все содержимое пылесосов. Изображения людей Элисон рисует обычными масляными красками, а фон полностью состоит из пыли. Художница покрывает холст клеем, после этого вытряхивает на него весь мусор. По словам художницы, это идеальный материал для работы, ведь домашняя пыль на 70% состоит из отмерших клеток кожи жильцов.

На третьем месте опять американка — Рэйвен Джей Коллинз. Она принимает заказы на портреты умерших родственников. Причем создает их прямо из праха этих самых родственников. Черно-белый портрет стоит 500 долларов, цветной дороже — 800 долларов. Секрет приготовления краски из праха Коллинз держит в тайне. Для работы она просит лишь четкую фотографию и урну.

На втором месте топа — немецкий художник Мартин фон Островски. Он пишет картины своей спермой. Как утвержает автор, такие работы очень трудоемкие. Вначале нужно сделать набросок акриловой краской и только потом добавлять основной ингридиент. Причем использовать сперму нужно только самую свежую, иначе цвет пропадет.

Даже Мартин не сравнится по странности с лидером. Англичанка Милли Браун пишет картины своей рвотой. Она смешивает молоко с красителем нужного цвета, выпивает его, засовывает два пальца в рот и отправляет содержимое желудка на белый лист бумаги. Процедура повторяется несколько раз с разными красителями. Удивительно, но на таком «тошнотворном» искусстве художница немало зарабатывает. Так, например, одна картина, «созданная» публично, была продана за 2,5 тысячи долларов.

Российский врач пишет картины о буднях борьбы с COVID в «красной зоне» | В России | 02.10.2020

Мазок художника – словно шов хирурга. Холст – раненая плоть. Накладывая краску слой за слоем, рисовальщик лечит души зрителя своих полотен, как врач спасает тело пациента. Слияние двух профессий – настоящее земное чудо.

Врач в отделении челюстно-лицевой хирургии Кузбасской клинической больницы и художник-любитель Руслан Меллин как умеет, так и рассуждает. Главное, что его творчество кажется коллегам правдивым и честным.

У заведующего отделением Кузбасской клинической больницы, перепрофилированной под ковидный госпиталь, родная дочь сейчас в числе пациентов в «красной зоне». Доктор-художник только что отстоял 17-дневную коронавирусную вахту. Жил в больнице. В свободные минуты рисовал.

«Надо было разгружаться», – говорит он.

Дочь главврача, которую доктор-художник спасал от коронавируса, первой подбодрила его, сообщив, что на полотне вылитый отец. Такую пронзительную правду рисунков доктора Меллина отмечают в больнице все.

«Это труд, подхвачены чувства, которые не скроешь», – рассказал заведующим отделением Николай Малков.

В художку ходил из-под палки. Последние два года доучивался там из чистого упрямства. И только пандемия, точнее человеческое горе, связанное с ней, вернуло ему в руки кисть. Его вдохновение – самоотверженность коллег, совершающих ежедневный подвиг во имя клятвы Гиппократа. Позвал долг, и в кемеровской клинической больнице надели костюм химзащиты и самоотверженно шагнули в «красную зону» врачи самых разных специальностей.

«Мы работаем сутками – тяжелых много, мы выдернуты из семьи, выходные отсутствуют», – рассказала акушер-гинеколог Лариса Меховская.

Масло и холст в «красной зоне» – не всегда под рукой. Приходится рисовать ручкой и чернилами. Вдохновение приходит, когда совсем тяжело.

Когда кемеровский художник-хирург изображает лица коллег на классических сюжетах из Рембрандта, он возводит их повседневный труд в ранг событий мировой значимости, какими были для современников великого голландца открытия в области анатомии. Но правда в том, что нынешняя работа коллег врача из Кемерова, как и всех остальных докторов, противостоящих пандемии, стоит вровень с самыми важными открытиями медицины. 

Шведский художник рисует картины пеплом жертв Холокоста — РТ на русском

8 декабря 2012, 16:44

Шведский художник Карл Михаэль фон Хауссвольф создал свою новую картину из пепла жертв Холокоста, который он украл во время посещения бывшего нацистского концлагеря в Майданеке в 1989 году. Еврейское сообщество обвиняет автора в осквернении памяти погибших.

Картина, которую фон Хауссвольф нарисовал, смешав пепел с водой, выглядит весьма незамысловато: нечто в виде серого прямоугольника, однако, по мнению художника, она несет в себе огромный смысл.

«Эта работа стала для меня символом воспоминаний и душ людей, которых замучили солдаты вермахта в одной из самых жестоких войн ХХ века», — пишет автор на сайте галереи шведского города Лунд, где и выставлена его работа.

С ним согласен и владелец галереи Мартин Брюдер, который не видит «ничего оскорбительного» в картине художника.

Однако члены еврейской диаспоры Швеции с этим мнением не согласны.

«Это возмутительно! Как кому-то вообще могло придти в голову брать пепел погибших, — восклицает глава Антидиффамационной лиги в Нью-Йорке.- Использовать пепел людей для такого «искусства» неуважительно и оскорбительно в принципе, но еще хуже, что фон Хауссвольф делает это с прахом жертв гитлеровского режима».

Майданек — лагерь смерти Третьего рейха на окраине польского города Люблин. В общей сложности в Майданеке погибло около 360 000 человек, большую часть которых сотавляют пленные евреи. Лагерь был ликвидирован Красной армией 22 июля 1944 года. В настоящее время возле крематория и расстрельных рвов сооружён мавзолей с бетонным куполом, под которым собран прах жертв.

Представители мавзолея также негативно отозвались о «творчестве» художника.

«Это провокация, которая заслуживает лишь осуждения» — говорится в комментарии администрации.

Между тем, узнав, что фон Хауссвольф завладел пеплом нелегально, полиция города Люблин заявила о начале расследования по данному делу.

В свою очередь накануне газета «Sydsvenskan» опубликовала письмо писателя Соломона Шульмана, чьи родственники стали жертвами Холокоста. Шульман написал, что никогда не посетит данную выставку, которая, по его мнению, оскорбляет чувства его родственников, погибших в результате Холокоста.

«Кто знает, может она нарисована из пепла и моих родственников», — написал Шульман.

В Мариуполе 16-летний художник пишет картины, которые вызывают овации, — ФОТО, ВИДЕО — Новости 29 июня 2021 г.

 В Центре развития стартапов «1991» открылась персональная выставка мариупольского художника Владислава Олейника. Она  сразу же приковала внимание как профессиональных художников, так и горожан.  И те, и другие прочат Владиславу большое будущее в  живописи.

Работы мариупольца настолько поражают своим мастерством и точностью деталей, что, глядя на его картины, трудно поверить, что их создал 16-летний подросток.

Выставка получила название «Эволюция». Картины экспонируются таким образом, что по ним можно проследить,  как изменялась техника живописи  молодого человека.

В экспозиции представлены 15 работ практически во всех жанрах. Здесь и  реалистичные пейзажи, и натюрморты, и портреты. 

Выставка стала первой персональной для молодого мастера. 

«Мы заметили работу Владислава «Всевидящее око» на предыдущей выставке, которая прошла у нас в центре.   Он нарисовал эту картину в период локдауна. Поэтому решили устроить для него персональную выставку», — рассказала PR-менеджер «1991» Мария Кутнякова.

Преподаватель Владислава руководитель изостудии «Аква» Татьяна Молокова отмечает, что работы ее ученика особенно притягательны, так как он творит в технике старых мастеров.

«Он рисует маслом. Но не жирненько мастехином накладывает краску, а начинает с подмалевка. Потом с  помощью техники лессировки (это техника получения глубоких переливчатых цветов за счет нанесения полупрозрачных красок поверх основного цвета) тонкими мазками  уходит  на ту цветовую гамму, которую вы видите. Работы он покрывает лаком. Его живопись не совсем современная, но этим и отличается от всех», — рассказала  преподаватель. 

Как выяснилось, в изостудию Влад пришел не так давно —  в 2017 году. Но ранее  рисовал дома самостоятельно. Он хорошо чувствует форму, композицию, гармонию. Кроме живописи, Влад хорошо лепит из полимерной глины, создает украшения и оригинальные подарки.

Самого Влада воодушевляют на создание старшие товарищи по кисти и краскам. «Я хочу быть, как современные художники. Я не знаю их имен, но знаю, как они подписаны в  Instagram»,  — отмечает молодой автор.

 Герои портретов на выставке — как реальные люди, так и собирательные образы. 

К примеру, на картину «Сара» автора вдохновила мариупольчанка на улице, у которой  на голове было что-то невообразимое.

Сам автор еще не решил, будет ли поступать на творческую специальность в вуз.  Возможно, он не станет профессиональным художником, а будет врачом, который мастерски рисует картины. В любом случае, выставка заслуживает внимания.

Она продлится до 11 июля.  Вход — свободный.

Читайте также: Море, гори, вулички Львова та терикони. Неймовірна виставка у Центрі Куїнджі, — ФОТОРЕПОРТАЖ

Фото со страницы в Facebook «Маріуполь- туристичне місто», Мариупольского городского совета.

Лис-художник рисует картины стоимостью 1000 долларов

У животных, наверное, тоже есть свое видение искусства. Когда в них просыпается вдохновение, они создают удивительные картины. И не важно, видит ли в этом кто-то шедевр или нет. TengriMIX рассказывает о лисе, стоимость картин которого доходит до тысячи долларов. 

Домашний лис по кличке Флаффи родился на меховой ферме под Винницей (Украина). Он видел столько жестокости, содержался в клетке и должен был в возрасте восьми месяцев стать чьим-то воротником. Благо в сентябре 2018 года в 1,5 месяца его забрала домой супружеская пара — Мария Петровская и Владимир Чистяков.

Флаффи в 1,5 месяца. © instagram.com/fluffy_black_fox

Сейчас он живет с семьей в украинском Киеве. «Теперь я счастливый лис, который живет как хочет, кушает вкусно и сытно, роет норы в саду и просто любит свою семью», — говорится в Instagram лисенка. 

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Happy happy birthday to me ???????? Waiting for your congrats ???? But for now I will relax and eat my cake with chicken and rice ????

Публикация от BLACK FOX (@fluffy_black_fox) 28 Апр 2019 в 7:44 PDT

А еще Флаффи рисует. Впервые он это сделал в ноябре прошлого года. Свои шедевры питомец создает во время игры, бегая с красками на лапах по холстам и создавая оригинальные узоры.

Лисенок рисует. © instagram.com/fluffy_black_fox

Картины Флаффи. © instagram.com/fluffy_black_fox

Посмотреть эту публикацию в Instagram

This is how we do ???? #fluffy_black_fox #weeklyfluff #WHPscale #WHPkindness #tongueouttuesday #инстаграмзверят #инстаграмнедели #инсталис #instafox #blackfox #thehappiestfox #foxeshappytogether #petfoxlive #foxlife #foxtattoo #foxesneverquit #furfarmrescue #petsoftheday #petsofinsta #photooftheday #animallovers #totuesdayfeatures

Публикация от BLACK FOX (@fluffy_black_fox) 30 Мар 2019 в 11:09 PDT

Еще лисенок рисует совместно с так называемой мамой, то есть его хозяйкой.  

© instagram.com/fluffy_black_fox

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Kind of process ???? Sometimes I have a mood to paint, sometimes no ???? U think it is so easy to make it? So stand on your knees and try ???? #fluffy_black_fox #weeklyfluff #WHPscale #WHPkindness #tongueouttuesday #инстаграмзверят #инстаграмнедели #инсталис #instafox #blackfox #thehappiestfox #foxeshappytogether #petfoxlive #foxlife #foxtattoo #foxesneverquit #furfarmrescue #petsoftheday #petsofinsta #photooftheday #animallovers #totuesdayfeatures

Публикация от BLACK FOX (@fluffy_black_fox) 20 Апр 2019 в 12:54 PDT

На произведения двухлетнего хищника уже есть спрос. Его работы оцениваются от 250 до 1000 долларов. Ради такой красоты покупатели не жалеют денег.  

Эту картину мужчина приобрел за 650 долларов (250 415 тенге). © instagram.com/fluffy_black_fox

А это произведение искусства девушка купила за 700 долларов (269 678 тенге). © instagram.com/fluffy_black_fox

Это одна из самых дорогих работ в коллекции художника, стоит она 1000 долларов, по нашим меркам 385 255 тенге. © etsy.com/FluffyFoxx

Супруги между тем отмечают, что лиса — друг, а не воротник. Семья участвует в акциях по защите животных и призывает людей разумнее относиться к природе. 

«Если бы мне сказали, я бы не поверила, еще в детстве подавив внутри себя тягу к творчеству, что в 24 года я буду причастна к самому нестандартному и новомодному виду искусства. Я  уже давно решила, что наша миссия должна идти в массы. Животные умеют самовыражаться и творить! И я очень хочу, чтоб наше искусство стало символом свободы для животных, которых держат в ужасных условиях, выращивают на фермах, заранее определив их судьбу.  Давайте же будем осознанными! Начинайте с себя! Мы уже начали, присоединяйтесь к нам», — пишет «мама» лисенка. 

Как вам творчество необычного художника? 

Чему мы можем научиться у писателей, которые оба являются

Во многом изобразительное искусство породило литературу. Первыми записанными рассказами были наскальные рисунки. В течение многих лет наш алфавит состоял из пиктограмм, что просто означало, что рассказывать истории могли только те, кто умел рисовать.

Хотя нашему нынешнему алфавиту уже несколько веков, мы по-прежнему понимаем то, что читаем, в основном, «рисуя» картинки в голове. По этой и многим другим причинам стремление писателя рисовать и художника писать не является чем-то необычным.

В своей замечательной книге « Писательская кисть » Дональд Фридман исследует художественные произведения около 200 писателей. Гюнтер Грасс, Энн Секстон, Курт Воннегут, Фланнери О’Коннор, Э. Каммингс, Джеймс Эйджи, Сьюзен Майнот, Макс Джейкоб, Джеймс Тербер, Марк Твен, Элизабет Бишоп, Шарлотта и Эмили Бронте, Шервуд Андерсон, Кисть писателя , ( которую я рекомендую прочитать всем писателям), предлагает уникальный взгляд на синергию между литературой и искусством и на то, чему мы можем научиться у тех, кто практикует и то, и другое.

Биограф Джеймса Эйджи, Виктор А. Крамер, отметил, что одним из даров Эйджи как писателя было «раскрытие того, на что другие обычно не тратили время». Сам Эйджи приписывает свое внимание к деталям своей практике визуального художника. О рисовании он однажды сказал следующее: «…Я бы никогда не узнал, насколько даже немного этого обостряет ваш взгляд и дает вам больше понимания и привязанности даже к какой-то небольшой части человека или архитектурной особенности…».

Некоторые писатели буквально использовали рисование как средство видеть.Достоевский рисовал портреты своих персонажей. Его рисунок главного героя в Идиот был найден прямо в его рукописи и точно напоминает персонажа, которого он изобразил словами.

Джек Керуак использовал свой подход к письму и перенес его непосредственно в свои картины. Его «Основы спонтанной прозы» имеют поразительное сходство с его «теорией живописи»:

1. Используйте только кисть.
2. Использовать кисть спонтанно
3. Рисунок встречается с фоном или наоборот [так в оригинале] кистью
4. Нарисуй то, что видишь перед собой, никакой «выдумки»
5. Остановитесь, когда захотите его улучшить — дело сделано.

С.Дж. Перельман начал писать, когда подписи к его рисункам стали слишком длинными. «Я начал писать, главным образом потому, что подписи к моим мультфильмам становились все длиннее, длиннее и длиннее».

Для Сильвии Плат письмо и рисование служили трамплином друг для друга. Ее стихи вдохновляли рисунки, а рисунки рождали стихи.

Патти Смит нашла свой путь к музыке, а затем к поэзии через искусство. «Стоя перед большими листами бумаги, прибитыми к стене, расстроенный изображением, я вместо этого рисовал слова; ритмы, которые бежали со страницы на штукатурку.

Поразительное количество писателей также были карикатуристами: Джон Апдайк, Габриэль Гарсиа Маркес, С.Дж. Перлман, Шон О’Кейси, Фланнери О’Коннор, Джеймс Тербер. Как художники-мультипликаторы, они улавливали суть своих предметов как можно меньшим количеством строк, и эта способность проявляется и в их письме.

Дуглас Коупленд, который в равной степени известен своими визуальными работами и писательством, имеет следующее понимание:

«Самое главное в написании — это «рендеринг», и это хорошо, но это все, о чем идет речь большую часть времени.Это как картины с волками и орлами. Никто не спорит, что это может быть хороший рендеринг, но он ничего не говорит о нашей культуре и не обладает преобразующей способностью».

В том, что он говорит, есть смысл. Почему бы писателю не попытаться нарисовать небо столь же яркое и запоминающееся, как « звездная ночь» Ван Гога. А почему бы не нарисовать таким образом весь свой мир?

«…Нет лучшей школы [для писателя], — сказал Джон Апдайк, — чем графическое изображение с его стремлением к живости, точности и экономии.

Не могу не согласиться. Искусство и литература бесчисленным образом пересекаются, и практика одного из них укрепляет оба. Мой лучший совет писателям: отложите книги, возьмите карандаш и рисуйте.

*Примечание редактора: все цитаты в этой статье приведены в книге Дональда Фридмана «Кисть писателя» (Mid-List Press, 2007).

Правильно ли нарисовать чью-то фотографию и назвать ее своей? — Дрю Брофи

26 мар Разве неправильно рисовать чью-то фотографию и называть ее своей?

Не могли бы вы нарисовать это, не спрашивая?

Многие художники, особенно иллюстраторы, используют что угодно в качестве «справочного материала» и «вдохновения» для своих картин, включая фотографии.И в большинстве случаев никто никогда не узнает, какая фотография или фотографии использовались в качестве «референса» для картины. Если подумать, знают они об этом или нет, художники используют все, что видят, как ориентир. Это называется «испытывать жизнь и воссоздавать ее». Точно так же, как писатели (такие как я) пишут то, что знают, художники делают это своей кистью.

Но есть еще смелый художник, который рисует ТОЧНО (не воссоздавая заново) то, что он видит на фотографии, защищенной авторским правом.Это незаконно? Это неэтично? Это обычный плагарит?

Если вы спросите фотографа, он, скорее всего, почувствует себя обманутым, так как он, возможно, рисковал своей жизнью, чтобы сделать эту фотографию, или плавал с акулами, или выпрыгивал из самолета, или потратил годы кровавого пота и слезы в свое ремесло, просто чтобы кто-то скопировал его тяжелую работу на холст.

Если художник хочет воспроизвести (c) изображение фотографа ТОЧНО КАК ОНО ЕСТЬ (без каких-либо изменений), он должен сначала обратиться к этому фотографу за разрешением и указать фотографа где-нибудь в своих материалах, на веб-сайте, во всем, что связано с этой картиной.Это правильно, справедливо и этично. Все остальное — это воровство.

Есть много горячо обсуждаемых сообщений в блогах на эту тему. Вот хорошая дискуссия для обзора в блоге Art News.

На немного другую тему: Идет ЖАРКАЯ дискуссия по поводу знаменитой фотографии Обамы, воссозданной художником Шепардом Фейри. Судя по всему, Associated Press (AP) заявило права на исходную фотографию, которую Фейри использовала для этого арта. Затем, в стиле мыльной оперы, история приняла другой оборот, когда вышел настоящий ФОТОГРАФ (Мэнни Гарсия) и заявил, что ОН владеет правами на фотографию.Здесь замешаны большие деньги и много горячих мнений. Вы можете прочитать часть дриблинга здесь, а также здесь. Если вы хотите узнать, что обо всем этом думает сам Шепард Фейри, нажмите здесь.

Что вы думаете? Должен ли художник получать разрешение, прежде чем копировать фотографию, сделанную кем-то другим? Должны ли искусство свободно распространяться, и все должны любить друг друга? Или это плагаризм? Дайте свои комментарии ниже — дайте нам знать, что вы, прекрасные люди, думаете!

Мария «Спанк» Брофи xxoo

(Подпишитесь на меня в Твиттере!)

Ознакомьтесь с моим другим блогом об искусстве, образе жизни и вдохновении здесь.

Вам понравилась эта статья? Заставило ли это вас задуматься, рассмеяться или разозлиться? Пожалуйста, поделитесь им с другими!

Знаменитая картина Крик содержит скрытое послание

“ Kan kun være malet af en gal Mand! » («Может быть нарисован только сумасшедшим!») появляется на самой известной картине норвежского художника Эдварда Мунка «Крик ». Инфракрасные изображения в Национальном музее Норвегии в Осло недавно подтвердили, что эту заметку написал сам Мунк.

Надпись всегда была видна невооруженным глазом, но инфракрасные изображения помогали более четко отличить надпись от фона.Сопоставление его с почерком художника тогда явно доказывало авторство Мунка.

«Находка закрывает вопрос о том, кто был автором надписи», — говорит Май Бритт Гуленг, куратор Национального музея. «[Инфракрасное] фото давало четкое изображение приговора, и это позволяло систематически сравнивать почерк, который идентичен почерку Мунка. Размер букв также слишком мал, чтобы кто-то написал их как акт вандализма».

Впервые надпись была замечена в 1904 году, через 11 лет после ее создания.В то время произведение искусства было выставлено в Копенгагене. Критики предположили, что картину испортил возмущенный зритель. Экспрессионистская работа с самого начала вызвала дискуссию, а душевное состояние Мунка открыто обсуждалось даже в его присутствии. Искусствовед и директор музея Хенрик Грош писал в начале 20-го века, что эта картина указывает на то, что Мунка «больше нельзя считать «серьезным человеком с нормальным мозгом» — мнение, которое разделяли и другие, помимо Гроша.

Инфракрасное изображение надписи.Предоставлено: Børre Høstland National Museum

Дневниковые записи и письма Мунка показывают, что художник страдал от этого восприятия. Они показывают «человека, который одновременно готов провоцировать, но в то же время уязвим», — говорит Гуленг. Мунка беспокоили наследственные болезни. Его дед и отец страдали меланхолией, как тогда называли депрессию. Сестра Мунка Лаура тоже иногда лечилась в психиатрической больнице. «В семье Мунка были наследственные заболевания — психические, нервные заболевания и туберкулез», — говорит Гуленг.«Мунк и его братья и сестры были обеспокоены этим».

Крик впервые был выставлен в октябре 1895 года в частной художественной галерее в Христиании, ныне Осло. (Есть четыре версии картины, только одна из которых содержит записку.) Возможно, она была написана после мероприятия студенческого клуба, где участники обсуждали Крик и психическое состояние Мунка. Гуленг говорит, что то, что написал Мунк, было ироничным. «Надпись гласит, что картина могла быть написана только сумасшедшим», — говорит Гуленг.«Исходя из самого художника, который явно не считал себя сумасшедшим, [это] иронично. Надпись также можно рассматривать как способ взять под контроль собственную жизнь и собственные чувства. Это неортодоксально — писать на собственной картине. Однако таким образом он показывает, что владеет ситуацией».

Инфракрасная технология обнаружила, что надпись на картине принадлежала Мунку. Предоставлено: Аннар Бьоргли Национальный музей

Первоначально эта статья появилась в Spektrum der Wissenschaft и была воспроизведена с разрешения.

«История одного художника»

С наступлением темноты дверь открылась один раз, чтобы впустить крупную женщину с двумя огромными пластиковыми мешками. Художник попытался протиснуться за ней, но многочисленные руки и ноги вытолкнули его. У него сложилось впечатление, что в шкафу сидят не менее пяти человек, уложенные на мешках и сумках до потолка.

Художник лег у своей двери, дрожа от холода и тоски. Внутри храпели двое, еще двое спорили, а младенец плакал — должно быть, только что родился.

«О, это звучит ужасно — я могу только представить, как ты себя чувствуешь».

Утром въехали еще три родственницы, нагруженные мешками, — они просто перешагнули через бедного маляра и скрылись внутри. Тут же вестибюль наполнился ароматами болонского хлеба и чеснока. Маляр постучал и попросил еще денег, но получил ответ в виде огромного кулака. Кулак махнул ему вслепую, и наконец художник понял безнадежность своего положения. Сообщение было усилено приходом новых гостей, которые заполнили весь вестибюль мешками и матрацами.Дети осторожно обшаривали карманы художника; кто-то дергал его за пальто. Бывшему хозяину шкафа едва удалось вырваться и убежать.

Вот он. Программа дня, похоже, была такой же, как и всегда. Сначала воображаемая живопись, потом воображаемый завтрак и так далее — счастливая жизнь нищего, только этот нищий, измученный и унылый после бессонной ночи, не мог чувствовать большого счастья и ругал себя за то, что он доверчивый болван, потерявший все. дважды.

Легкая морось окутала город сиреневым туманом и разбила краски на маленькие радуги, так что далекие предметы теперь казались таинственными и волшебными. Он любил рисовать такие городские пейзажи: достаточно было обмакнуть лист акварельной бумаги в лужу, затем одним широким мазком создать золотое небо над серыми перспективами, вставить разноцветные кубики домов, а на переднем плане автомобиль изумрудный оттенок, которого нет в природе, и отражение этого химически чистого цвета в рябистой луже. А теперь голодный, мокрый, бездомный маляр волочился по улицам, не обращая внимания на туманный воздух и сырые переливчатые стены. Не имея крова под своим именем, он не мог предаваться прекрасным мечтам, которые раньше поддерживали его: не мог представить, что выиграет дело против Адика или продаст картины музеям мира. . . . Он больше не мог притворяться, что его жизнь не была полной неудачей и что его ничего не интересовало, кроме искусства.

Он спотыкался, ненадолго отдыхая на порогах, прокрадываясь в магазины, чтобы немного согреться, и, наконец, когда его силы были на исходе, когда он был готов лечь и умереть, инстинкт подсказал ему вернуться в свой старый дом .Он лег перед дверью своей бывшей квартиры и задремал. Он проснулся утром, когда в квартире залаяли собаки, а лестничную клетку наполнил вкусный запах свежего кофе. Кто-то красиво играл на рояле. Отклеив веки, художник увидел рядом с собой банку с горячим кофе и коричневый мешок, полный жареной картошки, хот-дог, пластмассовую вилку и огромный кусок хлеба.

О, как долго и радостно смаковал бедняга эти дары! Как он плакал, присев к стене, над своей загубленной жизнью! Как он пообещал себе, что все преодолеет, еще раз увидит эту замечательную семью и подарит им свою картину, ту, что нарисовал на асфальте, совместную работу со всеми детьми в парке!

Как только наш бездомный герой позавтракал, скрипнул замок.Маляр быстро схватил сумку и бросился вниз по ступенькам, чтобы не видеть любезных жильцов. Его смущала их благотворительность.

С наступлением темноты, после целого дня скитаний по улицам, замерзший бедняк устроился под навесом. Дождь все еще шел; деваться было некуда. Он никогда не вернется к своей старой двери, где лают собаки и играет пианино. И идти в чулан не было никакого смысла: новые жильцы просто отняли у него пальто, его последнее имущество.

Он сидел с закрытыми глазами, ожидая, что его в любой момент выгонят из-под навеса; ведь каждая крыша кому-то принадлежала.Действительно, вскоре он получил похлопывание по плечу. Нищий открыл глаза и увидел странного человека, толстого и радостного. Он представился как старый друг из художественного колледжа, который бросил рисовать, разбогатев. Художник не узнал его, но человек запомнил его имя. «Игорь!» он сказал. «Хотите мое старое снаряжение? Я разучился рисовать — и не хочу испортить свою новую одежду. Похоже, вам не помешала бы материальная поддержка.

«Оборудование? Краски и кисти?

«Конечно, Игорь.И все остальное».

«Холсты тоже?»

«Конечно. И многое, многое другое! А теперь пойдемте.

Художник был рад, что его куда-то зовут. Кто знает, может быть там тепло и сухо, а забытый одноклассник накормит его и даже приютит на ночлег. Что он может взять у меня? — с тоской подумал художник. Но потом ему вдруг стало совестно, что он согласился пойти с первым попросившим его незнакомцем, и он неуверенно ответил: «Право, не знаю.Я немного тороплюсь».

«Куда ты торопишься?» — возмущенно заревел старый одноклассник. Он даже исполнил возмущенную джигу. «Тебе некуда идти! Ты меня не помнишь? Я Извозя! Я брал твои деньги на обед в школе! Художник тотчас же вспомнил этого Извозя, редчайшего мерзавца, который был старше его на два года и всегда брал у него деньги, ластики и мелки.

«Правильно: нигде. Я остановился у твоего старого дома, искал тебя. Адик надул твою доверчивую задницу, да? А под лестницей, в твоем шкафу, он упакован.Был холодный, сырой вечер, чем, вероятно, и объяснялись клубы пара, идущие изо рта Извози.

«Извините. Я тороплюсь, — прошептал художник.

Лицо Извози словно растворялось в тумане. Вот так, подумал художник. Должно быть, я схожу с ума от голода.

— Конечно, иди и оставайся здесь, — крикнула ему Извозья, как бы издалека. «Каждый копает себе могилу!» И он исчез в сгущающихся сумерках.

Я точно схожу с ума, решил художник.Он встал и внимательно посмотрел на здание позади себя. Его окон и дверей не было; в вестибюле сквозь трещину в осыпающемся полу росло маленькое деревце. Бедный маляр нашел в углу ветхую кушетку, рухнул на нее и впервые за долгое время уснул на мягкой поверхности.

Утром его сон прервал страшный шум. Снаружи ревели бульдозеры, готовясь разрушить здание. Крыша рухнула как раз в тот момент, когда маляр выскочил за дверь.Он вздрогнул от утреннего холода и хотел было уйти, но его остановил один из бульдозеристов, торопливо спросил: «Извините, это ваше?» и показал чистый натянутый холст. — Это было в здании, в твоей комнате. Художник пожал плечами и честно ответил: «Нет, не моя, и комната тоже не моя», — и пошел дальше. Но он не мог помочь себе. Он обернулся. Он увидел одинокий белый холст и сложенный мольберт, прислоненный к бетонной стене, которую вот-вот снесут.Прежде чем он потерял самообладание, он бросился назад и собрал эти сокровища. Он помнил, что в школьные годы каждый день голодал из-за этого негодяя Извози, и поклялся никогда не брать чужого имущества, но в данном случае он спасал вещи от неминуемой гибели. Волоча тяжелый мольберт, с холстом под мышкой, он решил поискать находку.

Но не успел он уйти далеко, как дорогу ему пересекла веселая старуха. Художник спросил ее, знает ли она, кто жил в разрушенном доме.— Это сделал художник, — с готовностью сообщила она. «У него был контракт на написание портрета своего старого одноклассника, и он почти закончил, но внезапно умер. Не было наследников. Боже, какой беспредел последовал. Бандиты подъехали на своих танках, выставили охрану, все захватили. Беднякам, как всегда, ничего не досталось.

«Тогда возьми это». Художник предложил ей свои сокровища.

«Нет», — усмехнулась старуха. «Я набрал там много хлама: кисти, краски, два рулона холста. На рынке мне за них ни копейки не дали бы.Так что я просто бросил все. В наши дни художники не пользуются кистями. Используют какие-то спреи. А некоторые, я слышал, ставят себе клизмы с краской, а потом какают прямо на холст. Ты можешь в это поверить?»

Странно информированная старуха танцевала что-то вроде джиги, вроде Извози, и быстро скрылась за углом.

Художник тут же помчался к своему любимому месту, напротив пекарни. Золотые багеты плавали в руках людей и в сумках с продуктами; дождь прекратился, и бирюзовое небо стало ярким; розовые и желтые дома теснились друг к другу вокруг церквушки на узкой улочке; и старая ведьма в оранжевом домашнем платье ковыляла к пекарне.

Художник поставил мольберт и начал работать так быстро, что его движения были размыты. Кисти плясали в его руках, и очень скоро холст засиял и заблестел. Прохожие останавливались в изумлении, отпуская дружеские комментарии: «Небо не то», «Хлеб не тот» и так далее. Художник уже слышал подобные комментарии и игнорировал их. Мошенник Адик, кстати, при первом знакомстве поступил иначе. Он подошел к художнику и неумеренно похвалил едва начатый эскиз.Естественно, художник был польщен, что наконец-то нашелся чуткий ценитель его таланта, и пригласил Адика к себе домой посмотреть другие картины. Полный комплиментов Адик предложил помочь такому одарённому живописцу выгодно продать его квартиру и купить подешевле. В тот же день он выдал Адику доверенность на все свое имущество. Мы знаем, чем это закончилось.

Вскоре он закончил картину. Внезапно ему пришло в голову связаться со своим адвокатом по поводу его иска против Адика.Он направился в этом направлении, неся с собой картину, и через несколько шагов оглянулся, чтобы попрощаться с любимым местом. Но каким-то образом пятно исчезло. Облако густого тумана опустилось на перекресток и сделало его невидимым. Забавно, как быстро меняется погода, рассеянно подумал художник и пошел дальше.

«Нет, ты был прав — это намного лучше, чем было раньше».

К его удивлению, адвокат оказался за его столом и поприветствовал его невероятными новостями.«Ваше дело выиграно, афериста Адика сегодня выгонят из вашей квартиры. Ты должен мне десять процентов от его стоимости. Иди туда прямо сейчас. Не затягивайте. С каждым днем ​​ваш долг будет расти».

Художник, написавший Джеффри Эпштейну портрет Билла Клинтона в платье, объясняет, почему она это сделала

Каково это, когда художница за одну ночь становится вирусной и вдруг оказывается частью политического повествования, которое она не может контролировать?

Это реальность для Петрины Райан-Клейд, чья картина Билла Клинтона, неуместно одетого в синее платье, внезапно была тщательно изучена в Интернете на прошлой неделе после того, как Daily Mail сообщила, что она принадлежала Джеффри Эпштейну и была выставлена ​​на видном месте. , миллиардер, осужденный за педофилию, который недавно покончил жизнь самоубийством в Нью-Йорке.

Райан-Клейд говорит, что она была ошеломлена недельным безумием внимания. На выходных она поговорила с Artnet News по электронной почте, чтобы прояснить некоторые неверные толкования вокруг ставшего теперь вирусным изображения, которое она разработала, будучи студенткой, недавно приехавшей в Соединенные Штаты из Австралии.

«Я живу тихой жизнью, и у меня действительно только что была наивная, только что прибывшая иностранка, идея для диссертации», — пишет она о картине, известной как Разбирающий Билл , и связанной с ней картине Джорджа Буша-младшего.Буш играет с кубиками и бумажными самолетиками под названием «Военные игры ». «Это была просто дурацкая школьная работа, которая должна была наглядно показать сообщения, которыми нас засыпают в отношении этих президентов». Она подтверждает, что голубое платье является отсылкой к голубому платью Моники Левински, важной улике романа Клинтона с его бывшим стажером.

Сегодня Райан-Клейд говорит, что на самом деле ей не нравится содержание картины. «Поскольку я австралийка, я не была ни тогда, ни сейчас сторонником американской политики», — пишет она.«В то время большинство моих идей были свежими из Daily Show или из австралийского кабельного телевидения».

Петрина Райан-Клейд, Закон о разборе (2012). Изображение предоставлено Нью-Йоркской академией искусств.

Кажется очевидным, что картина Клинтон не высмеивает идею мужчины в платье, так же как ее картина Буша не высмеивает мужчину, играющего с детскими игрушками. Parsing Bill и War Games посвящены тому, «как оппозиционные партии карикатурно изображают президентов», — подчеркивает Райан-Клейд.«Ни одну из картин нельзя воспринимать буквально».

Райан-Клейд получила степень магистра искусств в 2012 году в Нью-Йоркской академии искусств. Картина с изображением Клинтон была куплена в 2012 году на Tribeca Ball, сборе средств для школы, хотя она сказала, что не знала, кто ее купил. Она считает, что она была продана примерно за 1300 долларов.

Нью-Йоркская академия искусств специализируется на традиционной фигуративной живописи, но поощряет своих студентов изучать широкий спектр предметов с этими навыками. Ее пара картин с изображением президентов США — результат этого обучения.

Модель Кристоф Найал позирует для Петрины Райан-Клейд Parsing Bill (2012). Изображение предоставлено Кристофом Наялем.

Над картиной Клинтона Райан-Клейд работал с Кристофом Найелем, моделью, которая позировала для Нью-Йоркской академии художеств с 2001 года. вспомнил, что с Райаном-Клейдом было «абсолютно приятно» работать, и сказал, что он тоже был потрясен тем, как всплыл Билль о разборе .

«Я был совершенно ошеломлен, когда узнал, что Эпштейн купил ее картину во время крупного мероприятия в школе», — сказал он в сообщении artnet News в сообщении на Facebook. «Некоторые бывшие студенты даже узнали мои ноги на этой картине».

Вид инсталляции на выставке диссертаций Петрины Райан-Клейд в Нью-Йоркской академии художеств. Изображение предоставлено Петриной Райан-Клейд.

Новостные агентства смогли связать изображение Клинтон с Райан-Клейд, потому что она разместила его на веб-сайте Saatchi Art, который позволяет художникам продавать репродукции произведений искусства напрямую потребителям.То, что оно там было, оказывается, является чем-то вроде счастливой случайности. «Я пробовал этот сайт Саатчи много лет назад, в 2013 году, и единственной фотографией, которую я мог загрузить, был Билл», — объясняет художник.

После взрыва интереса к работе Райан-Клейд безуспешно пыталась удалить листинг, но система не отвечала (возможно, из-за большого трафика, предположила она). По ее оценкам, от 100 до 150 человек купили копии этого издания с тех пор, как оно стало вирусным.«Саатчи берет большую часть денег, но, по-видимому, мне должны около 14 долларов за отпечаток», — говорит она.

Однако

Райан-Клейд добавляет, что ей неудобно из-за нового спроса на работу. Она еще не решила, останутся ли у нее деньги.

Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Художник Йенс Хаанинг получил 84000 долларов и отправил в музей 2 пустых холста: NPR

Посетители рассматривают чистый холст, являющийся частью картины Йенса Хаанинга «Бери деньги и беги», в Музее современного искусства Кунстен в Ольборге, Дания. Произведение является частью выставки под названием Work It Out , которая исследует отношение людей к работе. Нильс Фабек / Музей современного искусства Кунстен скрыть заголовок

переключить заголовок Нильс Фабек / Музей современного искусства Кунстен

Посетители рассматривают пустой холст, являющийся частью картины Йенса Хаанинга «Бери деньги и беги» в Музее современного искусства Кунстен в Ольборге, Дания. Произведение является частью выставки под названием Work It Out , которая исследует отношение людей к работе.

Нильс Фабек / Музей современного искусства Кунстен

Деньги должны были пойти на создание современного искусства. Так оно и было, но не так, как ожидал датский музей, когда он дал художнику сумму, эквивалентную 84 000 долларов. Взамен она получила два пустых холста.

Художник Йенс Хаанинг говорит, что пустые холсты составляют новое произведение искусства под названием «Бери деньги и беги», которое он называет комментарием к низкой заработной плате.Он говорит, что это не воровство.

«Это нарушение контракта, а нарушение контракта является частью работы», — сказал он, по сообщению датской общественной телекомпании DR.

«Дело в том, что я взял их деньги», заявил Хаанинг.

Музей современного искусства Кунстен в Ольборге не удовлетворен этим объяснением, но это не помешало ему показать два полотна в рамках своей выставки под названием Work It Out , которая исследует отношения людей к работе.

Неожиданная поставка художника вызвала смех и вопросы

Haaning взял деньги в рамках соглашения с Kunsten, в котором говорится, что он одолжил Haaning более полумиллиона крон, чтобы он мог оформить наличные в репризу более раннего произведения искусства. Ранее художник использовал два полотна, одно больше другого, чтобы проиллюстрировать разницу в среднегодовых доходах в Дании и Австрии на конкретных примерах — или, точнее, на бумаге.

Компания Haaning отправила в музей два больших ящика, поскольку они готовились к выставке, посвященной работе, которая открылась в минувшие выходные.Но когда сотрудники открыли коробки, они с удивлением обнаружили два чистых холста.

«Я действительно смеялся, когда увидел это», — сказал генеральный директор Kunsten Лассе Андерссон в электронном письме NPR, добавив, что музей сначала заподозрил, что все может пойти не так, как планировалось, когда Хаанинг сказал им, что создал новое произведение искусства с Название «Бери деньги и беги».

Доставка быстро вызвала шквал электронных писем и сообщений в музее. Андерссон говорит, что хотя первоначальная работа Ханинга превратила деньги в искусство, «новая работа напоминает нам, что мы работаем ради денег.«Это также вносит новый виток в дискуссию о том, как следует оценивать работу художника, — сказал он.

Работа Йенса Ханинга «Бери деньги и беги» выставлена ​​в Музее современного искусства Кунстен. На пустом холсте должны были храниться тысячи долларов наличными, но художник предпочел сохранить деньги. Нильс Фабек / Музей современного искусства Кунстен скрыть заголовок

переключить заголовок Нильс Фабек / Музей современного искусства Кунстен

Работа Йенса Ханинга «Бери деньги и беги» в Музее современного искусства Кунстен. На пустом холсте должны были храниться тысячи долларов наличными, но художник предпочел сохранить деньги.

Нильс Фабек / Музей современного искусства Кунстен

Художник призывает общественность: берите деньги и бегите

Хаанинг сказал P1 Morgen , что решил оставить деньги себе после того, как отказался от идеи воспроизведения произведений искусства, которым более десяти лет. Вместо этого, по его словам, он хотел создать работу, которая непосредственно касалась бы его собственной рабочей ситуации.

«Я призываю других людей, у которых такие же ужасные условия труда, как и у меня, сделать то же самое», — сказал он, согласно переводу Artnet. «Если они сидят на какой-то дерьмовой работе и не получают денег, а их на самом деле просят дать денег, чтобы пойти на работу», им следует брать деньги и бежать, — сказал он радиопрограмме.

Хаанинг говорит, что ему пришлось бы заплатить 25 000 крон (около 2900 долларов США), чтобы воссоздать свое произведение искусства — несправедливое бремя, сказал он датскому радио. Но Андерссон говорит, что контракт с музеем предусматривает до 6000 евро, или почти 7000 долларов, на покрытие расходов на работу Ханинга.По соглашению художник также получает гонорар в размере 10 000 крон плюс «плата за просмотр», установленная правительством.

Музей не подает в суд, но

Хаанинг подписал контракт с Кунстеном, обещая доставить произведение искусства и вернуть 84 000 долларов. Теперь у художника есть крайний срок, чтобы вернуть музею деньги 16 января, когда выставка работ закроется. В музее говорят, что обсуждают с ним крайний срок; он также признает, что Хаанинг действительно создал провокационную работу.

« Это не то, о чем мы договорились в контракте, но мы получили новое и интересное искусство», — сказал Андерссон.

Хаанинг — известный художник в Дании, где его привлекающие внимание проекты включали перевод Даннеброга, красно-белого национального флага Дании, в зеленый цвет, по данным общественной телекомпании DR. Он также «переместил автосалон и массажный кабинет в выставочные здания», сообщает информационное агентство.

Повторение в искусстве — Быть одним и тем же снова и снова

Без сомнения, ритм в искусстве можно считать одним из фундаментальных принципов искусства и его производства. повторение в искусстве , заинтересованное в дальнейшем изучении и глубоком понимании еще одного его элемента, вполне возможно, является одним из самых интересных методов, которые художники используют для создания определенного движения , неподвижности , дизайна , путаница , , чтобы восстать против понятия традиции , переопределить идею оригинала и копии , или сосредоточить внимание на одной части произведения искусства, которая либо делает произведение более заметным, либо намеренно невидимым. Повторение считается одним из наиболее важных приемов сокращения , в равной степени используется как в музыке, так и в изобразительном искусстве ^[1] и рассматривается как эстетический и поэтический прием ^[2] .

Зачем повторять? Используют ли художники повторения одни и те же мотивы снова и снова, чтобы достичь совершенства, или в искусстве повторения есть нечто большее? Это и многое другое мы исследовали для вас, поэтому, пожалуйста, читайте дальше.

Энди Уорхол — Мэрилин Монро, диптих.Изображение с сайта studyblue.com

Определение повторения в статье

Прежде чем мы вернемся к некоторым наиболее запоминающимся повторениям в искусстве и обратим внимание на их историю, нам нужно сделать шаг назад и упомянуть определение повторения в визуальном произведении. Повторение, рассматриваемое как одна из основ творчества, подобно ритму помогает создать ощущение движения в произведении искусства. В визуальном производстве это повторение определенной линии , рисунка , формы или других визуальных элементов в одной или части серии ^[3] .Производство чего-то повторяющегося, но в то же время захватывающего, является сложной задачей, так как многие считают повторение скучным и все же . Элемент повторения в искусстве используется многими авторами специально для того, чтобы прокомментировать состояние окружающего нас мира и призвать общественность замедлить гонку за достижением потребительства богов и идолов. Иногда повтор используется для создания ощущения напряжения, если не реализованы вариации, и часто именно в тонких деталях кроется ключ к пониманию таких произведений ^[4] .

Существует множество способов повторения в искусстве. Это может быть ровный или неравномерный , правильный или неправильный , он может формировать излучение , возникающее при распространении повторения элементов от центральной точки, или форму градуировки , где части медленно становятся меньше или больше ^[5] . Работа с повторяющимися узорами, и это высоко ценилось в период модерна и его производства по изготовлению моделей, поверхность работы улучшается , поэтому она становится более интересной для публики, и в то же время, ощущение заказ добавлен в состав . Как инструмент повторение в искусстве помогает построить не только визуальную часть произведения, но часто придает более глубокое значение произведению , скрывая более философскую и концептуальную идентичность.

Слева : М.К.Эшер — Рыба-птица. Изображение с wikiart.org/ Справа : M.C.Esher — Artwork. Изображение через i.dailymail.co.uk

История искусства повторения

Если мы откажемся от определения повторения в искусстве и не будем комментировать каждую повторяющуюся линию, поверхность, цвет, узор и образ в изобразительном творчестве, сегодня с помощью компьютерных изображений, наше внимание, несомненно, обратится к концепция и внутренняя работа художника или конкретный период производства и решение о том, почему они использовали повторение.Мы вступаем в мир, который говорит о повторении в выборе сюжета , очевидным в постановке Клода Моне , Василия Кандинского , Казимира Малевича , которые сформировали некоторые из самых влиятельных авангардных движений , или мир, который использует повторение в искусстве как инструмент комментирования потребительства и массового производства, украшая творчество Энди Уорхола или различных художников минимализма .

Смотрите больше работ Энди Уорхола на нашей торговой площадке!

Определение повторения в искусстве менялось с годами.Немногие из основных опасений, возникающих, когда кто-то говорит о повторении, наверняка связаны с оригинальностью, аутентичностью и присвоением . Это является серьезной проблемой для философии постмодернизма, и реди-мейды Дада отмечены как важные образы, которые высмеивали необходимость традиции придавать особое значение производству и выбору материалов. Поп-исполнители, минималисты, авторы перформанса и концептуальные авторы приняли концепцию , подорвав подлинность и ценность . Присвоение в искусстве , основанное на повторном использовании и повторении существующих изображений, вызывает опасения по поводу авторских прав, поскольку многие современные художники используют доступные изображения с небольшим изменением оригинала или без него. Такие тонкие изменения вызывают вопросы об идентичности, и если новые детали упрощают исходные ^[5] .

Джаспер Джонс — Три флага. Изображение через jasper-jhones.org

Известные художники-репетиторы

За последние два тысячелетия многие художники как прошлого, так и настоящего сосредоточились на постоянном изображении одних и тех же сюжетов и мотивов в своих работах, поскольку это повторение закодировано в самой ДНК художественного творчества — практика делает совершенным.Поскольку древние художники и скульпторы снова и снова создавали одни и те же произведения, пока не овладели своим мастерством, эта практика была перенесена во времена Возрождения и барокко. Однако художники раннего авангарда были первыми, кто начал повторять одни и те же мотивы, не подчеркивая цель овладеть живописью, а вместо этого стремясь к другим намерениям. С тех пор 90 313 повторений стали концепцией, благодаря которой улучшение не было результатом, к которому стремился художник. Это радикальное концептуальное изменение оказалось превосходным сочетанием с антитрадиционными формами искусства 20-го века, когда многие люди полагались на постоянное представление одних и тех же предметов и мотивов для достижения желаемой цели. Сейчас мы представим вам список наиболее интересных художников, которые работали или продолжают работать в концептуальных границах повторения в художественной практике, и все они стремились к разным результатам с такими творческими стратегиями.

Рене Магритт — Голконда, 1953 г.

Клод Моне

Кто лучше возглавит этот список, чем тот самый человек, который установил современную концепцию повторения без намерения просто стать более опытным? Клод Моне был легендарным французским художником, который был ведущей фигурой во времена импрессионизма, возможно, первого авангардного движения, хотя это утверждение часто оспаривалось.Однако то, как импрессионисты подходили к своим визуальным эффектам, настолько радикально отличалось от классического искусства, что все движение, включая Моне, можно смело отнести к категории авангарда без особых проблем. Клод стремился рисовать одно и то же зрелище снова и снова, , чтобы уловить различное состояние вида в зависимости от времени суток, в которое Моне их рисовал. Благодаря этому повторению он создал серию таких картин, из которых наиболее известными являются изображения кувшинок, вокзалов, зерновых стогов и соборов.Сосредоточившись на естественном свете, Моне не менял ни перспективы, ни технику, а только время, в котором он писал. Эти произведения важны не только для феномена импрессионизма, но и являются знаковыми за их очевидную роль в представлении авангардного мышления художника, который хотел разорвать связи с традиционными формами.

Клод Моне — Стога сена, конец лета. Изображение через mondomuralsanddesign.com

Пит Мондриан

Еще один художник-авангардист из нашего списка, Пит Мондриан был художником, теоретиком и писателем, который считал, что искусство должно отражать лежащую в основе духовность окружающей нас природы.Чтобы хоть как-то отразить в своей эстетике такое мнение, он упростил сюжеты своих картин до самых элементарных элементов, раскрывая сущность мистической энергии в равновесии сил, управляющих природой и мирозданием. Благодаря таким стратегиям Мондриан в конечном итоге установил строгий визуальный словарь квадратов и линий, представляя предметы в базовой вертикальной и горизонтальной манере. Это методичное продвижение его художественного стиля от традиционного изображения к полной абстракции не произошло за одну ночь, но однажды установленное, вся продукция Пита состояла из повторяющихся изображений квадратов разных цветов, разделенных строгими жирными линиями.Дисциплина Мондриана в представлении квадратов — одна из самых известных повторяющихся концепций в искусстве, а стоящая за ними теория неопластицизма была ключевым моментом абстракции в живописи.

Пит Мондриан — Композиция без названия. Изображение с сайта aretzandcrafts.com

Энди Уорхол

Неофициальный король репетиционного искусства, Энди Уорхол — легенда феномена поп-арта и одно из самых коммерциализированных имен 20-го века. Вдохновленный образами массовой культуры, Уорхол одновременно прославлял и критиковал выбор потребления и массовое (вос)производство , эффективно превращая свою работу в повторяющийся вихрь и закладывая основу для самого успешного художественного движения после Второй мировой войны. Работая в широком спектре медиа, включая гравюры, живопись, рисунок от руки, шелкографию, скульптуру, фотографию, музыку и кино, Уорхол прославился и оказал влияние благодаря своим повторяющимся изображениям банок из-под супа, бутылок из-под газировки, долларовых банкнот и культовых портретов таких знаменитостей, как Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Элвис Пресли, Джимми Картер, Принц и Элизабет Тейлор. Энди часто вставлял одинаковые картинки в одно произведение, дисциплинированно собирая их и различая только по цвету. Эти иллюстрации, гравюры и плакаты на одни и те же темы, повторяющиеся в регулярных рядах, являются одними из самых знаковых изображений 20-го века, которым приписывают переопределение многих концепций и установление новых стандартов в современном искусстве.

Энди Уорхол — Банки с супом Кэмпбелл. Изображение через bbc.com

Яёи Кусама

Несмотря на то, что японская художница Яёи Кусама творит в самых разных областях, от живописи до скульптуры, каждое произведение, которое она когда-либо создавала, имеет один и тот же мотив — бесконечные точки. Эти, казалось бы, 90 313 бесконечных повторяющихся мотивов 90 314 являются торговой маркой искусства Яёи Кусамы и в конечном итоге стали мгновенной раздачей того, что вы наблюдаете за одним из ее произведений.Своим искусством пятен Кусама доказала, что можно работать со смешанными концепциями феминизма, минимализма, сюрреализма, ар-брют, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, не подвергая опасности какой-либо один стиль. Кроме того, уровень повторения 90 313 психоделических цветов 90 314 стал самым стабильным в истории современного азиатского искусства, поскольку Яёи активно работает уже более шестидесяти лет. Благодаря своему уникальному художественному словарю эта провокационная художница-авангардистка из Японии стала одной из самых выдающихся фигур в современной культуре своей страны и прекрасным примером последовательности в современном искусстве.

Яёи Кусама — Горошек. Изображение через melissahuang.com

Юэ Миньцзюнь

Юэ Минджун можно с уверенностью назвать одним из самых юмористических артистов в этом списке. Этот пекинский художник и скульптор использует один и тот же мотив в каждой своей работе — его собственное лицо, обычно застывшее в состоянии истерического смеха. Независимо от того, в какой среде работает Минджун, его самоиллюстрации расположены в различных условиях, некоторые иронически обычные, а некоторые далекие от обычных, и все они полагаются на лицо Юэ как на фокус.С уникальными композициями, такими как сцена, помещенная в юрский период, с двумя Джуи, смеющимися рядом с BMW, или группа хихикающих минджунов, стреляющих в другую группу минджунов, у которых также широкие улыбки на лицах, легко понять, почему этот китайский художник пользуется таким большим уважением и имеет широкую базу поклонников. Непревзойденное чувство юмора Минджуна действительно является самым сильным аспектом его творчества, но тот факт, что он использует один и тот же мотив в каждой своей картине и скульптуре, обеспечил ему место в этом списке.

Юэ Миньцзюнь — «Завтрак на траве», 1995 год. Изображение с сайта blogfinger.net

Риусуке Фукахори

Сочетая области искусства и магии со своей работой, Риусуке Фукахори — японский художник, наиболее известный своими трехмерными картинами с золотыми рыбками , созданными путем заливки смолы. Фукахори оживляет этих очаровательных существ, изображая их до такой степени, что буквально невозможно понять, смотрите ли вы на фотографию или на настоящее животное, не говоря уже о картине с золотой рыбкой.Эти невероятные примеры являются результатом целенаправленного и последовательного изображения этих животных на протяжении всей его карьеры — все, что Фукахори делает, это рисует золотых рыбок, и это главное и главное в его работе. Ключевым аспектом его униформы является тот факт, что Риусуке основывает свое искусство на повторении заливки жидкой смолой и акриловой живописи , которые дают желаемый трехмерный эффект. Сказать, что эти рыбы изображены реалистично, было бы преуменьшением, поскольку объекты работы Фукахори достигли впечатляющего уровня, который лучше всего описать как оптическую иллюзию. Кроме того, Риусуке утверждает, что никогда не использует фотографии моделей в своих работах, утверждая, что все, что он рисует, исходит непосредственно из его памяти и воображения.

Риусуке Фукахори — Спасение золотой рыбки. Изображение с nyartbeat.com

Дэвид Бегби

Один из самых необычных художников в нашем списке, чей стиль совершенно уникален и не имеет себе равных, Дэвид Бегби — шотландский скульптор, который использует металлическую сетку для изображения человеческих фигур и выражений лица .Такая техника привела к многочисленным подобным произведениям, большинство из которых представляет собой человеческие торсы, которые можно с уверенностью назвать произведениями тонкой скульптуры. Эти мощные, эротические, тактильные и интимные произведения являются единственными в своем роде, и они настолько удивительны, насколько они есть, потому что Бегби был достаточно предан делу, чтобы посвятить всю свою карьеру созданию одних и тех же предметов одним и тем же методом. Это еще более впечатляет, когда вы понимаете, насколько тяжелой может быть работа с проволочной сеткой, особенно когда вы уделяете столько внимания деталям, как это делает Дэвид.Иными словами, Давид достиг того, что до него удавалось очень немногим художникам, – достичь скульптурного совершенства формы. И если сложить вместе, его изображения явно представляют собой последовательный результат, не похожий ни на что, что вы когда-либо видели.

Дэвид Бегби — Разреженный воздух. Изображение с сайта anoilaparola.it

Узор и повторение в фотографии

Поскольку шаблоны и повторения можно найти повсюду вокруг нас, фотографу довольно легко их запечатлеть. «Справедливо», потому что, хотя фотографу не нужно изобретать что-то с нуля, как это нужно художникам, он все равно должен иметь внимание к деталям и способность правильно интегрировать их в свою композицию.Успокаивающее ощущение рутины, которое повторение создает для любого произведения искусства, лучше всего выражается через контрасты, цвета и структуру на фотографиях, позволяя изображению вызывать чувство единства, согласованности и непрерывности, ритма, гармонии, яркости и общей организации ^[7] . Не так много фотографов, которые намеренно преследуют закономерности и повторения, обнаруженные в их непосредственном окружении; скорее, это часто случайная встреча с природными или архитектурными элементами, которые попадают в их кадр, иногда даже непроизвольно.Здесь мы говорим о художниках, работающих с природой и создающих абстрактные изображения, хотя натюрморты и аэрофотосъемка также известны своими потрясающими образами повторения в искусстве.

Эдвард Буртынский — Производство № 17, Завод по переработке курицы Дэда, город Дэхуэй, провинция Цзилинь, Китай, 2005 г.

Фотографирование повторяющегося

В истории фотографии есть новаторские изображения Эдверда Мейбриджа , который первым создал исследование движения.В 1878 году он был нанят владельцем скаковой лошади, чтобы дать ответ на дебаты о том, отрываются ли все четыре ноги лошади от земли одновременно во время рыси. Его серия изображений снова и снова показывает одну и ту же движущуюся фигуру, и хотя это не было точным повторением, вероятно, это была первая презентация таких изображений с момента изобретения камеры, и Мейбридж действительно неоднократно фотографировал одни и те же предметы. Соответственно, Берндт и Хилла Бехер задокументировали сельский пейзаж Германии на протяжении 20 века; на их фотографиях бензобаков и извилистых башен либо изображена одна и та же структура, снятая с разных ракурсов, либо сгруппированы похожие друг на друга ^[8] .

Отдельные повторяющиеся элементы также можно найти в производстве Gordon Parks , André Kertész и László Moholy-Nagy . В то время как Паркс делал портреты и использовал шаблоны в групповых фотографиях, таких как Этель Шариф 1963 года в Чикаго , Кертес и Мохой-Надь также были уличными фотографами, которые часто фотографировали линии, контрасты и геометрические узоры в городской среде. В 1930-х годах Маргарет Бурк-Уайт также надела несколько снимков рабочих и радиопередатчиков, что представляет собой прерывистое повторение как еще одну форму творчества, которая прерывает непрерывность элементов и делает изображение еще более динамичным. Другие изображения повторяющейся фотографии можно найти среди изображений Harry Callahan , Bruce Davidson , Ed Ruscha и Ansel Adams , которые наткнулись на множество закономерностей в природе во время своих путешествий. Совсем недавно мы можем говорить о творчестве Эдварда Буртынского и временами Андреаса Гурски , которые подчеркивают понятие массовых повторений.

Советы — Как создавать интересные узоры и повторения в фотографии

В бесконечность и дальше — Где сегодня повторение в искусстве?

Повторение в искусстве осталось в прошлом? Маловероятно, что это когда-либо будет.Это довольно просто: его способность выражать бесконечные, безупречные, пленительные образы никогда не выйдет из моды . Помимо обширного наследия, оставленного современными и ранними современными художниками, упомянутыми выше, многие творческие люди, работающие сегодня, заинтересованы в создании идеальных, кратких изображений с помощью повторения, поэтому мы все еще видим такое большое количество таких изображений в различных средствах массовой информации. , жанры и стили ^[9] . Вспомните сложные картины Чака Клоуза , который буквально создает большую картину, используя более мелкие повторяющиеся элементы, или многочисленные световые инсталляции Олафура Элиассона .Вдохновленный тесселяциями Эшера, художник Бен Паркер использует бумагу для создания завораживающих произведений искусства, а эколог Энди Голдсуорти объединяется с природой для создания радиальных скульптур и инсталляций. Повторение также было принято движением уличного искусства , в частности теми, кто работал с наклейкой и плакатами, такими как Шепард Фейри . С момента появления компьютеров и рождения Цифрового искусства для создания узоров использовалось множество программ, хотя, возможно, лучшим отображением повторения в этой области является изобретение .гифки. В заключение, искусство повторения предлагает определенный вид вечного вдохновения, которое нравится как художникам, так и зрителям, и сам этот факт заставляет нас поверить, что концепция воспроизведения обязательно будет повторяться и в будущем.

Автор Силка П , Андрей В . и Энджи Кордик .

Совет редактора: Повторение: письмо, перформанс и искусство

Исследуя атмосферу нашего настоящего, где повторение рассматривается как признак скуки и отчуждения труда, автор книги добавляет изюминку и внушает мысль, что повторение – это момент блаженства и отдыха.Изучая повторение в различных дисциплинах, таких как современное исполнение, танцевальные практики, ремесла и письмо, книга «О повторении: письмо, перформанс и искусство » предлагает новое лицо и оригинальность междисциплинарному исследованию повторения в современной культуре. в то же время опираясь на психоанализ, философию, лингвистику, социологию и исследования производительности.

Источники:

1. Аноним, Повторение , Укромный уголок [22 августа 2016 г.]
2. Конова Ю., Повторение , Чикагская школа теории медиа [22 августа 2016 г.]
3. Аноним, Что такое повторение в искусстве? , Ссылка [22 августа 2016 г.]
4. Кук, А. (2005), Повторение , Роберт Хенке [22 августа 2016]
5. Anonymous (2013 г.), Принцип повторения , Дизайн визуальной коммуникации [22 августа 2016 г.]
6. Сориано, Дж. Г., Лопес Альберт, К. (2014), Построение повторения в истории — мотивация и последствия , Mas Context [22 августа 2016 г.]
7. Anonymous (2011), Повторение в фотографии , tattahaara [23 августа 2016]
8. Хорн, К., Введение в фотографию 4: Повторение , Академия [23 августа 2016 г.]
9. Anonymous, Повторение, ритм и паттерн , flyeschool [23 августа 2016 г.