Размышления художника-модельера о покрое одежды. Статья Д.П.Глаголева

АЛЬМАНАХ

Д.П.Глаголев

преподаватель кафедры композиции Московского технологического института

РАЗМЫШЛЕНИЯ ХУДОЖНИКА-МОДЕЛЬЕРА О ПОКРОЕ ОДЕЖДЫ

источник — журнал МОД 1/71 Москва

Несмотря на «наступление» всевозможных нетканых материалов и пленок, ткань — одно из величайших изобретений человека — все еще удерживает свои позиции, а принцип ее выработки остается неизменным — таким же, каким был много веков назад. Изобретая ткань, человек использовал силу трения. Вспомните, как вы играли в детстве: шесть лучинок можно скрепить только в том случае, если они переплетены. Плетенка из лучинок подчиняется тем же законам, что и ткань. Попробуйте согнуть ее вдоль или поперек: вы ощутите упругость лучинок. Согнуть плетенку с угла на угол легче — в этом случае упругость уменьшается.

Вот почему косые диагональные складки образуются на ткани легче других.

Когда же и как изобрели ткань?

Возможно, что идею ткани человеку подсказали сплетения волокон, паутина, кружева из коры деревьев или кактусов, подобные тем, которые и сегодня используются в Мексике. А, может быть, одно из самых древних ремесел — плетение корзин из прутьев предвосхитило ткачество? Точного ответа на этот вопрос нет. Мы можем об этом лишь догадываться. Вероятно, созданию тканей предшествовало другое изобретение — искусство скручивания волокон в нить — прядение. Вспомним, что и папирус древних египтян расположением стеблей напоминал непереплетенные основу и уток.

Самый способ выработки ткани обусловил ее прямоугольные очертания. Заметим, что ткачество — работа очень трудоемкая. Поэтому первый творец одежды поступил весьма разумно: не стал резать ткань, а использовал прямоугольный кусок полностью. Так возникла

одежда из одного полотнища, которое набрасывали на плечи, на бедра или драпировали им всю фигуру с головы до ног. Разумеется, в разных странах, у различных народов, в разные эпохи решения костюма не были сходными. Египтяне носили передники, арабы придумали бурнус, римляне— тогу, индийцы — дотисы и сари. Вспомним украинскую плахту, русскую «занавеску», которые и сегодня имеют схожие очертания. Многочисленные виды одежды из одного куска ткани оказались очень жизнестойкими — их носят и сегодня. Как и много лет назад, женщины Индии обертываются сари, а некоторые жители Востока носят набедренную повязку, один конец которой перекидывают через левое плечо. Женщины Мадагаскара наряду с современными модными юбками носят и старинную национальную одежду — ламбе — прямоугольный кусок ткани с неширокими цветными полосами. Индонезийский саронг — это тоже прямоугольное полотнище со скрепленными концами, образующими юбку, излишки которой смещают на один бок и обертывают ими ногу. В несколько измененном виде этот прием используется в национальной киргизской одежде — бельдемче. Это вышитая юбка — прямоугольное полотнище, обертывающее фигуру, концы которого расположены спереди и не скреплены друг с другом, что дает возможность киргизке, когда она садится на коня, превратить юбку в шаровары, обернув каждым концом бельдемче левую и правую ноги. Одежда полинезийцев представляет собой согнутое пополам полотнище, концы которого не скреплены друг с другом, а в середине оставлено отверстие для головы. Мексиканское пончо — тоже прямоугольный кусок ткани с отверстием для головы посередине: два угла прикрывают соответственно спину и грудь, а два других — плечи.

Первый шаг в «швейном производстве» был сделан, когда, не нарушая прямоугольной формы куска ткани, скрепили его края: сначала их скалывали булавками, аграфами, пряжками. Современная юбка-портфель — пример такой одежды. Со временем появились более сложные формы: полотнище ткани стали перегибать вдоль основы или утка. На куске ткани, сложенном вдвое, края (боковые срезы) сшивали, оставляя в верхней части прорези для рук и головы. Так возник новый этап в истории костюма. Со временем для большего удобства начинают подкраивать рукава, другими словами, сложенное вдвое полотнище убавляют по ширине, еще более приближая одежду к телу. Так появляются египетский калазирис и рубаха древних скифов почти одинакового покроя.

Забота об удобстве и целесообразности заставляла искать новые формы, новые решения покроя. Создавая новые виды одежды применительно к изменяющимся условиям жизни, необходимо было принимать во внимание круг деятельности человека, его движения, характер труда. Говоря современным языком, портные начинают считаться с требованиями эргономики (наука, изучающая взаимосвязи системы «человек — машина»). У одежды китайского императора и его мандаринов были широчайшие насборенные рукава, потому что занятия этих вельмож сводились в основном к отращиванию длинных ногтей.

Крестьянину-труженику нужна была одежда с более узкими рукавами, не стесняющими его движений. Однако неширокие рукава покроя кимоно мешают поднимать руки. Вероятно, людям пришлось заштопать немало рукавов, прежде чем средство, позволяющее решить задачу, было найдено. Деталь, которая обеспечивает свободу движений в некоторых вариантах кимоно и его разновидности — цельнокроеном рукаве, — ластовица. Это небольшой кусок ткани в форме клина, квадрата или ромба (в современном покрое могут встречаться и более сложные ее формы), вшивающийся в нижнюю часть проймы. Русская пословица признает ее важность: «без ластовки и рубаха не шьется». И, действительно, в русской рубахе она сохранилась до наших дней. Когда ученым понадобилось реставрировать рубаху царевича Федора, сына Бориса Годунова, они не могли определить назначение квадратных деталей из красной тафты. Разгадка пришла, когда они увидели современную мужскую рубаху, привезенную с Севера нашей страны, где в одежде еще сохранились некоторые древние традиции. У этой рубахи были те же цветные детали — ластовицы.

Одну и ту же задачу, связанную с покроем, можно было решать по-разному. Так, древние халдеи с той же целью — для большей свободы движения руки (они были отличными стрелками из лука) делали один подкройной рукав, но его шов не стачивался, а скреплялся завязками внизу. Позднее, в средние века, появляются отрезные рукава. Но они «приживались» к костюму очень долго. Поначалу их не пришивали наглухо, а только привязывали, затем приметывали «на живую нитку».

Вообще, система крепления деталей разрабатывалась весьма медленно. Одним из древнейших способов следует считать шнуровку, при помощи которой соединяли все части костюма. Приходится только удивляться ее жизнестойкости — ведь она сохранилась в нашей обуви, нередко применяется в спортивной одежде и сравнительно недавно процветала в моде. Античное изобретение — пуговицы — не одну сотню лет пребывали в безвестности, прежде чем не были заново открыты. Но застежка существенно изменилась: вместо воздушных петель стали применять прорезные — это помогло добиться большого прилегания одежды.

Возникновение понятия «покрой» — во всей его сложности и многообразии — так, как мы трактуем его сегодня, историки костюма склонны связывать с развитием конструкции рыцарских доспехов. «Железный костюм» приспосабливали к формам человеческого тела и делали из подвижных деталей. Носить их на себе было нелегко и неудобно. Потребовалась мягкая одежда, которая в буквальном смысле сгладила бы острые углы. Ее стали делать из толстых, но мягких шерстяных тканей, согласуя покрой со сложными деталями доспехов, которые экономно выкраивали из стальных листов. В одежде из тканей также появляются отрезные лифы, рукава и другие детали.

Особую важность покроя подчеркивает происхождение слова «портной». Во французском и немецком языках этот термин ведет начало не от слова «шить», — как можно было бы предположить, а от слов «кроить», «покрой». Любопытно, что во французском языке само слово «кроить» происходит от слова «рост».

«Кроить» — это значит «делать по росту», «по мерке» — искусство, которого люди до 14 века не знали. Таким образом появляется искусство покроя, когда одежда, по выражению историка костюма Эрики Тиль, «перестает зависеть от ширины ткацкого станка».

Чем более углубляемся мы в историю костюма, тем яснее представляем себе, что современная одежда с ее отрезными рукавами, запахивающимися полами, воротником, пуговицами является непростым изобретением, на совершенствование которого ушло много времени. Некоторые элементы покроя сохраняются в одежде не только многие годы, но даже века, И — кто знает, — может быть, тысячелетия. Ученые считают, например, что манера запахивать одежду у женщин и мужчин соответственно на левую и правую стороны ведет свое начало с доисторических времен. Женщина держала в левой руке ребенка, а правой готовила пищу — подкладывала поленья в костер, мешала варево в котле. Мужчина был охотником и воином — в левой руке он держал щит, а в правой — оружие.

В том и другом случае одежду запахивали в сторону, противоположную занятой руке (возможной опасности): женщины — на левую, мужчины — на правую. Мудрое, всесторонне продуманное решение народной и исторической одежды, скорее всего, объясняет тот факт, что современные художники все чаще обращаются к ней в поисках вдохновения.

Большой опыт по созданию костюма, накопленный разными народами, изучают не только модельеры, но и специалисты других областей. Так, в свое время английский полярный исследователь капитан Скотт перед походом к полюсу учил свой экипаж собственноручно шить меховые куртки — анораки. Покрой этих эскимосских курток хорошо отвечает условиям суровой зимы: куртка с капюшоном, без застежки и надевается через голову. Идея анорака широко используется в современной спортивной одежде. Много поистине талантливых решений форм, покроя, а также колорита и особенностей отделки мы находим в традиционном костюме.

Например, с точки зрения современных требований целесообразности и эстетики в русской рубахе-косоворотке можно найти немало интересного и поучительного.

При раскрое многих видов народной одежды «раскладку лекал» не делали, а резали ткань с таким расчетом, чтобы отходов не оставалось. Говоря языком технолога, их процент был равен нулю. Это можно сказать и о покрое словацких штанов, грузинских шальвар, платьев туркменок и узбечек и о многих других видах народного костюма. Так же кроилась и русская рубаха — «чтоб петуху негде было клюнуть!». Обычно кроили ее по старой рубахе. Об ответственности самой кройки говорят пословицы: «кроеного не перекроишь», «семь раз примерь, а один отрежь». В покрое не забывались и требования гигиены. В народной одежде часто прибегали к складкам, сборкам, защипам; все это способствовало и хорошему воздухообмену.

Характерно, что в народном костюме линии покроя издавна служили и средством художественной выразительности. Их не стремились скрыть, а напротив, подчеркивали, выявляли: «как ни крой — все швы наружу выйдут». Конструктивные линии нередко подчеркивались вышивкой, кантом или обтачкой. Отделка служила и практическим целям. В рубахе-косоворотке вышивка или кант, обычно красного цвета, зачастую располагалась по застежке (ее чаще трогают руками и она грязнится), а ластовицы тоже кроились из красной материи. Даже орнамент не был просто украшением — солнце, петух, конь, проросшие зерна овса — все эти декоративные мотивы были символами-оберегами, которые охраняли покой и счастье, приносили плодородие и достаток.

С тех пор как возникли элементы кроя и костюм «приблизился» к телу, — особенности фигуры, ее пропорции, ритм продиктовали особые требования к одежде и нередко разным народам и в различное время подсказывали близкие и сходные решения. Например, очень древняя линия покроя, кругообразно охватывающая плечевой пояс, известна на протяжении всей истории костюма. Видимо, благодаря своим эстетическим достоинствам она применялась в оплечьях древних египтян и в бармах русского духовенства. Мы находим ее в покрое рубах-воротушек», которые носили крестьянки, в плащах и накидках средневековья, а в современных куртках и пальто называем ее круглой кокеткой.

Очевидно, что во всех случаях такой покрой хорошо отвечает пропорциям человека и помогает широко варьировать форму одежды. Но, может быть, у него есть и другое значение? Зададим себе вопрос: что такое удобная одежда? Ведь главное, на что мы здесь обращаем внимание, — хорошая посадка на фигуре. Большинство видов одежды крепится, плотно прилегая, на плечевом поясе или на талии. Костюм «с чужого плеча» вызывает у нас чувство неловкости и недовольства. Проблема определения (на фигуре) участков плотного прилегания (специалисты называют их «опорными плоскостями») и правильного «ответа» им разверткой на ткани — до сих пор решается всеми конструкторами мира. От решения этой задачи и зависит правильная посадка костюма, а следовательно, и его удобство, элегантность, красота. Искусство массового изготовления одежды заключается в том, чтобы найти оптимальные решения ее основных конструктивных поясов, пригодные для большинства людей.

Практический вывод — одежду всегда надо подбирать «по плечу», «по косточке». В современном покрое мы часто видим всевозможные кокетки, складки, вытачки, подрезы, горизонтальные и вертикальные рельефы. Конструктивное назначение этого арсенала портновских средств — обеспечить хорошую «посадку». Линия круглой кокетки, с которой начался этот разговор, как раз и отвечает границе «опорных плоскостей» плечевого пояса и потому очень «удобна» для модельеров.

Изучая историю костюма, не следует считать, что случайные причины, вызывающие возникновение того или иного покроя, объясняют и его устойчивость в дальнейшем. Многие из привычных нам сегодня видов одежды выдержали подобное испытание временем, когда создавалась удачная их конструкция, находилась гармония объемов, линий и деталей.

Так было, например, с широко известным сегодня покроем рукава реглан. Название это произошло от фамилии некоего английского лорда Раглана, вернувшегося с Крымской кампании с тяжелым ранением в плечо. Он заказал портному просторное пальто, рукав которого не тревожил бы грубыми швами болезненную рану. Тогда безвестный портной и изобрел ставший теперь классическим и никогда не выходящим из моды покрой рукава.

Другой пример — фрак и один из видов одежды жителей Крайнего Севера. Казалось бы, что может быть общего в их покрое? Однако, если заглянуть в историю, станет ясно, что возникновение этих форм костюма вызвано почти одинаковыми условиями.

Вспомним, что фрак произошел от одежды военных, а точнее— от камзолов всадников, разъезжавших на лошадях. Полы камзола, отгибавшиеся ветром назад, мешали всаднику. Тогда их стали пристегивать на пуговицы, а позднее совсем срезали. Так возникли динамичные линии покроя фрака. По тем же причинам динамичной и как бы обтекаемой стала одежда эскимоса, которому часто приходится мчаться на оленьей упряжке навстречу ветру.

Точно так же в классическом английском костюме, который прошел длинный путь от военного камзола до современной повседневной одежды, нашли выражение художественные и утилитарные требования длительного периода, включающего и наше время. Подвергаясь изменениям моды, варьируя силуэт, детали, колорит, классический костюм сохраняет свои основные признаки и характер, что позволяет всегда его отличать от других видов одежды.

Следует подчеркнуть, что мы рассматривали чисто формальное, если так можно выразиться, «механическое» развитие покроя. В действительности же оно было связано не только со свойствами тканей и требованиями удобства. История костюма показывает, что на его изменения наряду с внешними факторами — климатом, развитием ремесел, совершенствованием архитектуры и транспорта — влияют и другие, белее глубокие причины — образ жизни людей, их социальное положение, религия, мировоззрение.

Можно привести пример, когда одна и та же цель — показать свое превосходство, возможность праздно вести жизнь, не заниматься трудом — приводит к почти одному и тому же покрою одежды у столь отдаленных по времени и месту жительства людей — у знатного древнего египтянина и у русского боярина. Их одеяния отличались длинными рукавами, которые носили «спустя», а руки продевали в специальные прорези в полах. Многие сильные мира сего вводили ограничения и запреты на одежду того или иного покроя. Особы королевской крови иной раз бывали не в силах соперничать в роскоши с богатыми, но не знатными модниками. Это приводило к изданию специальных декретов и указов, ограничивающих право пользования одеждой того же покроя, что и у королевской фамилии. Так, во Франции появились дворцовые правила с указанием допускаемой длины шлейфов: для королевы —11 локтей, для королевских дочерей — 9, внучек — 7, принцесс — 5 и для герцогинь 3 локтя (локоть — древняя мера длины). В некоторых германских землях у городских ворот устанавливались даже особые камни с обозначением длины шлейфа, разрешаемой различным сословиям. Если длина шлейфа превышала дозволенную этикетом, стражник обрубал излишки алебардой. Такие правила родили афоризм: «одежда королей отличается не тканью, а покроем».

Изменение эстетических взглядов людей неизбежно сказывается в покрое их костюма. Было время, когда линии покроя тщательно скрывались вышивкой, лентами, тесьмой. Средства достижения формы оставались в тени, уступая главенствующую роль ее внешним украшениям.

Сегодня конструктивные линии становятся средством эстетической выразительности. В органической связи покроя и формы мы видим теперь большие художественные возможности. Логичный и оригинальный ход конструкторской мысли всегда производит эстетическое впечатление. Швы, вытачки, рельефы — вся эта «кухня конструирования», будучи обнажена и художественно организована, создает моду сегодняшнего дня.

Современный художник-модельер, как правило, разрабатывает модель совместно с конструктором. Но деятельность каждого специалиста не разграничивается «от сих до сих», и модель не представляет собой эстафету, которую художник передает конструктору. Именно в совместных творческих поисках новых линий покроя, сочетаний цвета и дополнений рождается эстетическое начало костюма, ибо красоту никогда нельзя привязать к готовому — она должна быть в основе вещи.

Современным мастерам швейного дела покрой помогает выявить назначение различных видов одежды: повседневная и официальная отличаются скромными, сдержанными линиями, в спортивных костюмах подчеркиваются стремительность, сила, молодость. В этом случае линии покроя нередко усиливают контрастной отделкой, строчкой, кантами, вставками. Динамичность и напряженность еще белее выражаются в покрое одежды для труда, где как бы отражаются активные движения работающего человека, его творческая энергия, красота созидания.

В рабочей одежде покрой бывает очень своеобразным, применительно к требованиям профессии. Например, застежка может быть перенесена на плечо, на спину, рукава значительно выдвинуты вперед, а воротник — высоко поднят. Здесь не руководствуются только общими принципами моделирования, а исходят из конкретных задач и специфики производства. Некоторые элементы производственного костюма с характерной для них логикой конструкции проникают и в нашу повседневную одежду. То же самое можно сказать о стремительных, динамичных линиях костюма для активного отдыха и спорта.

Вероятно, это происходит и от того, что развитие науки и техники заметно изменяет наши художественные воззрения. Промышленный пейзаж все плотнее окружает человека. Техника становится как бы естественной средой, без которой немыслимо наше существование. Это неизбежно сказывается и на эстетических взглядах. Мы предпочитаем видеть вокруг рациональные формы, простые, но остроумные решения технических задач, хороший художественный сплав материала с формой. Костюмы наших космонавтов (а ведь это — тоже «производственная» одежда) оказали очень большое влияние на моду и, в частности, на покрой.

Заботясь о художественной и утилитарной стороне покроя, нельзя забывать о простоте изготовления одежды: чем проще приемы, тем больше художественных достоинств мы видим в самом предмете. Громоздкое, неуклюжее техническое исполнение уничтожает самую эстетическую сущность вещи. Поэтому и в покрое мы хотим видеть несложные, доступные массовому производству решения. Идеальны прямые линии — они дают наибольшую скорость шитья, удобны в раскрое больших настилов. Линии резкой кривизны, острые выступающие детали в работе могут осыпаться, деформироваться; это приведет к искажению всего силуэта.

В тех случаях, когда покрой хорошо продуман и организован — шить легко и быстро. Например, рукав мужской рубашки вшивают в пройму, не скрепляя его шва. А затем «на одном дыхании» машины стачивают полочку со спинкой и шов рукава. Это принято в технологии наших дней. Вероятно, с точки зрения технолога у летней шляпы из соломки идеальный «покрой» — она представляет собой непрерывную длинную ленту, которая сшивается по спирали одним швом, образуя заданную форму.

Разумеется, не всегда возможна облегченная технология. Какие же новые методы работы применяют специалисты?

Художники по костюму начали работать со своими коллегами текстильщиками-набивнистами над проектированием модных тканей с купонными рисунками, в которых предусматриваются условия массового раскроя, требования технологии и эстетики. При разработке тканей можно заранее предусмотреть и раскладку деталей будущей одежды. В одних случаях это сделать легко, например когда одежда элементарна: фартуки, передники, платки. В других — более сложно: нужно учитывать изменения деталей в зависимости от размера и роста. Такое предварительное продумывание покроя дает свои плоды: выигрывает художественная стороне модели, облегчается и удешевляется производство.

Самое моделирование одежды для фабрик мы понимаем сегодня как начальный этап слаженного технологического процесса, результатом которого является массовый выпуск продукции. Поэтому передовые модельеры развивают в себе не только сугубо художественное, ко и производственное мышление. Это означает, что художественная идея рождается как следствие глубокого творческого изучения возможностей промышленности — швейной, текстильной, галантерейной. Новая модель представляет собой как бы сплав мысли художника и инженера. При этом разработка ткани является первым и наиболее ответственным этапом моделирования одежды. Именно благодаря всесторонне продуманному оформлению ткани можно достичь в модели высокого художественного эффекта, экономичности, легкости раскроя и обработки. При сравнении покроя прошлого (относительно недавнего) с современной одеждой наряду с другими отличиями эстетического и структурного порядка бросается в глаза «поправка на утюг», которую делали старые конструкторы. «Выбитая грудь, сутюжка, оттяжка, «отпаривание» посадки и многие другие приемы технологии достигались только утюжкой, которая требует больших затрат времени и труда. Все это заставляет конструкторов искать решение задачи в покрое.

Но сама идея — достижение выпуклой формы за счет сдвига нитей — еще не снята с вооружения конструкторов. Они хотят найти холодный способ превращения плоскости в объем, не прибегая к влажно-термической обработке. Однако эти опыты еще не получили применения в массовом производстве. Специалисты-швейники пересматривают ставшие привычными и как бы незыблемыми конструкции и с успехом заменяют их новыми. Сегодня много новых линий предлагают эластичные материалы. Так, они изменяют привычный облик нашего мужского костюма. Например, в брюках традиционно два шва: шаговый и боковой. Совсем недавно, используя новый материал, попробовали их заменить на передний и задний, соответствующие сгибам половинок, и получилось неплохо. Благодаря новым свойствам ткани пиджак можно шить без боковых швов и передних вытачек, а брюки — с одним швом (без боковых) и с подкройным поясом. А применение плавких прокладок и клеящих материалов позволило создать для них прочный и легкий каркас. Почему же раньше не «додумались» до этого? Потому что не было материалов такой структуры и эластичности, которые выдержали бы новый покрой.

Многие ведущие художники моды за рубежом сегодня разделились на два лагеря. Одни придерживаются старых традиций и видят эстетику одежды в тщательной отработке силуэта и всех элементов покроя. Другие, напротив, не особенно заботясь о портновском искусстве, делают акцент на ткани и дополнениях к костюму. «Не пора ли пересмотреть условности?»— заявляют они. Не пора ли «не замечать» небрежностей, чаще всего вынужденных, и видеть лишь достоинства новых тканей и материалов — их фактуру, рисунки, колористические эффекты. В известной мере такой пересмотр уже состоялся. В нашей одежде покрой уже не играет подчиненную роль, «приспосабливаясь» к клеткам, полоскам и другим рисункам, как это было раньше.

Художники, развивая современную моду, нередко предпочитают «резать», смещать раппорты, нежели скрупулезно их соблюдать. В какой-то мере непочтение к традициям замечается и в наших требованиях к посадке, когда мы прощаем складки, папортки, морщинки и общую неподатливость новых материалов за их внешний вид, прочность и долговечность.

За всю историю костюма покрой претерпел эволюцию от примитивных форм до очень сложных, требующих множества портновских ухищрений и мастерства, а сегодня мы приходим к более простым решениям. В общем изменении покроя одежды, когда она становится свободнее и легче, открывая к телу человека доступ воздуху и солнцу, некоторые ученые увидели причину изменения физического строения людей — увеличение роста и лучшее развитие. Если представить, как туго, в буквальном смысле слова, приходилось людям в корсетах, стоячих воротниках и узких рукавах, с этим нельзя будет не согласиться. Любопытно, что характерную для нашей современной одежды монолитность и удобство предвидел Кампанелла. В книге «Город солнца» он рассказывает об «одночастной» одежде, напоминающей наш комбинезон.

Каково же будущее покроя как средства достижения фор мы и основного ее художественного начала? И каково будущее ткани? Ведь с каждым днем у нее появляется все больше конкурентов. Уже давно применяются не тканые материалы. Прогрессивный метод получения этих материалов потребовал и новых приемов их обработки. Специалисты вполне обоснованно решили: если ткань — нетканая, то пусть и одежда будет нешитая. Изобретены бумагоподобные материалы, которые применяют и для повседневной одежды, и даже для нарядных и свадебных платьев. Изготовлять одежду из таких материалов можно буквально одним ударом штампа. Так же делают плащи из полиэтилена. Причем пуговицы, петли, воротник и карманы «возникают» от того же удара пресса.

Ученые заняты сейчас разработкой образцов одежды, в которой вообще не будет линий покроя. Такую одежду получат напылением, штамповкой, литьем. На первых порах одежду из синтетических материалов шили на обычных машинах. Это приводило к затягиванию швов и небрежности внешнего вида. Потом нашли другие, более совершенные методы: склеивание, сварку, пайку деталей. Можно ли по-прежнему называть швейником того, кто занимается литьем и штамповкой пластических материалов, сваркой швов и припаиванием пуговиц?

Новые материалы требуют новых силуэтов, новых средств достижения формы, нового подхода к массовому изготовлению одежды. Будем ли мы держаться за старые приемы — раскрой, шитье, утюжку? В ряде предметов — нет. И поэтому покрой как средство достижения формы будет вытеснен более совершенными способами. Но нам придется искать тогда эквивалент другим его качествам: выразительности линий, членений, которые издавна несут в себе эстетическое начало.

А как обстоит дело с эстетикой? Иногда можно увидеть нарисованную краской или сделанную при помощи штампа имитацию строчки. На литых резиновых ботиках такие строчки подчеркивают линии «покроя». Вряд ли эти приемы можно считать художественными — для новых материалов надо искать новые способы оформления. Но поиски художников пока еще весьма осторожны.

Казалось бы, все модельеры — провозвестники нового, и поэтому они должны только приветствовать новые методы изготовления одежды, о которых здесь говорилось. Однако эти методы пленяют далеко не всех. Многие художники не только не хотят расстаться с «доброй старой тканью», но и придерживаются традиционных методов ее обработки. Видимо, модельерам не так-то легко забыть эстетические качества ткани. Покрой предоставляет им прекрасные возможности для проявления своего мастерства и творческой индивидуальности. Недаром говорится: «всяк портной на свой покрой». Говорить о том, что покрой исчерпал себя или устарел, еще рано.

Усилия науки направлены сейчас не только на поиски новых материалов, заменяющих ткань, но и на ускорение способов ее производства и на дальнейшее совершенствование качеств этого любимого всеми материала.

Методы и орудия раскроя тоже прошли огромный путь — от кремневых рубил первобытного человека до современных закройных машин и штампов. Создаются скоростные станки, где вместо челнока нити протаскиваются особыми штангами, каплей воды или струей воздуха. Помогает закройщику и электронно-вычислительная машина — легко и уверенно, без предварительной разметки, расправляется она с настилом тканей, вырезая нужные детали. Проводятся опыты с использованием луча лазера — им можно «кроить» без всяких настилов — с куска ткани, разматывая его по мере надобности, И в этом случае благодаря вычислительной машине размеры и раскладка выкроенных деталей будут безошибочны. Все это большое подспорье в работе с тканями, а их производство и дальнейшее изготовление одежды (новейшие швейные машины могут делать до 6000 стежков в минуту) — не такие уж медленные процессы даже для нашего века скоростей. Это означает, что сохраняется и переходит «границу прошлого с грядущим» и покрой. Уж очень велики у него заслуги и стаж служения человеку, А что касается переоценки эстетических взглядов и «пересмотра условностей», то вспомним по этому поводу одну пословицу. И на этот раз примем во внимание не только совет, который она предлагает, но вникнем в ее более глубокий смысл «Крой новый кафтан, да к старому — прикидывай».

НАЧАЛО    НОВОСТИ   СОДЕРЖАНИЕ САЙТА

Last modified: 24.09.2020

От кимоно до твидового костюма: любимая одежда художников | by ArtFragment

Куратор и эксперт в области моды Чарли Портер выпустил книгу «What Artists Wear». Британец изучил гардероб известных художников, а мы вслед за ним решили посмотреть, как они одевались.

На ней художница была запечатлена в своей мастерской в свободного кроя грязно-белом комбинезоне. Эта простая функциональная одежда была любимой у Мартин.

Агнес Мартин в своей студии, Нью-Мексико, photo by Mildred Tolbert

Кроме этого, художнице нравились индийские рубашки, которая она носила до самой старости. Портер отмечал, что на той фотографии 1960-х годов самым интересным для него стала именно одежда Агнес Мартин. Она выглядела невероятно современно.

Агнес Мартин в мастерской, 1960. Фото: Alexander Liberman Photography Archive

В ее гардеробе преобладали вещи черного и белого оттенков. В молодости она сама шила себе платья. Когда к художнице пришел успех, стала покупала наряды известных дизайнеров. Особое место в гардеробе американки занимали кимоно. Свое первое О’Кифф привезла из Японии в 1918 году и носила на протяжении всей жизни.

Джорджия О’Кифф в традиционном японском наряде

Но свой стиль отец поп-арта все же довольно тщательно продумал. Одной из фирменных вещей в его гардеробе были водолазки — темного цвета. Поверх он часто надевал короткую кожаную куртку. Еще художник любил джинсы. Он даже сетовал, что не он их придумал. Любимой моделью Уорхола были Levi’s 501.

Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския

Например, художник покупал многочисленные костюмы Giorgio Armani, в которых писал картины, не боясь запачкаться. Еще Баскии нравились длинные отверсайз-пальто, винтажные вещи, разноцветные носки и африканская национальная одежда. «Он любил шокировать. Иногда красной мексиканской шляпой, а иногда традиционной африканской рубашкой, которой поражал всех на торжественном открытии какой-нибудь выставки, где все были в смокингах», — рассказывала возлюбленная художника Сюзанна Маллук.

Жан-Мишель Баския на показе Comme des Garçons

Участники арт-дуэта, вырвавшиеся за рамки формализма в искусстве и откликающиеся в творчестве на злободневные темы, одежду выбирают крайне добропорядочную. Художники одеваются одинаково: в твидовые костюмы и дорогие рубашки. Единственное отступление от строгого стиля — яркие галстуки.

Гилберт и Джордж на кухне своего дома, photo by Christian Sinibaldi

Художник любит мягкие растянутые джемперы и кардиганы. Под них он надевает рубашку с расстегнутыми верхними пуговицами и сдвинутым в сторону галстуком или просто футболку. Хокни любит яркие цвета не только в живописи. И не боится носить вещи бирюзовых, фиолетовых и канареечно-желтых оттенков.

Дэвид Хокни, photo by Arnold Newman

А кроме них — одежду, которую носит. Художница наносила принт на платья, а еще вырезала идеально круглые дыры, причем порой на самых неожиданных местах. В 1960-х одежда авторства Кусамы продавалась в нью-йоркском универмаге Bloomingdale’s и пользовалась популярностью. Кроме этого, японка сотрудничала с Марком Джейкобсом и Иссеем Мияке и создала беспрецедентно успешную коллекцию для Louis Vuitton в 2012 году.

Яёи Кусама в платье в горошек

Больше про современное искусство — в telegram-канале ArtFragment.

Мода XX века: влияние русского искусства

В наше время дизайнеров не считают ремесленниками, однако раньше на художников, которые работали в этой области, именитые мастера смотрели сверху вниз. Илья Репин писал: «Делать ковры, ласкающие глаз, плести кружева, заниматься модами, — словом, всяким образом мешать божий дар с яичницей». Со временем отношение к модельерам изменилось — «Культура.РФ» рассказывает, как деятели русского искусства становились законодателями трендов.

Восточные мотивы

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету «Нарцисс» для роли Вакханки. 1911. Фотография: porusski.me

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету «Клеопатра». 1910. Фотография: artchive.ru

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету «Карнавал» для роли Эстреллы. 1910. Фотография: artchive.ru

Леон Бакст известен прежде всего как живописец и театральный художник. Однако именно он первым доказал, что деятельность художника по костюмам достойна внимания и восхищения.

Выступления балетной труппы Сергея Дягилева в Париже в конце 1900-х — начале 1910-х были ошеломляюще успешны и популярны. Экзотические декорации и костюмы, созданные Бакстом, производили на публику «гипнотический эффект». А с театральной сцены его идеи перекочевали в зрительный зал. Художник Мстислав Добужинский писал: «Изысканность ярких цветов, роскошь тюрбанов с перьями и затканных золотом тканей, пышное изобилие орнамента и украшений — всё это настолько поражало воображение, настолько отвечало жажде нового, что воспринято было и жизнью. [Чарльз Фредерик] Ворт и [Жанна] Пакэн — законодатели парижских мод — стали пропагандировать Бакста».

Цветные чулки, туфельки, украшенные стразами, шали, шарфы, броская бижутерия (длинные нити искусственного жемчуга, украшения с крупными камнями, многочисленные браслеты на руках и ногах), тюрбаны, цветные парики, яркая декоративная косметика и многое другое — мода 1910-х годов сформировалась под огромным влиянием Бакста и его «восточных» работ.

Вскоре Леон Бакст стал влиять на европейскую моду и изнутри индустрии: он создавал эскизы костюмов для домов моды, рисовал узоры для тканей и, как вспоминал живописец Кузьма Петров-Водкин, «одевал Париж плотоядными восточными шелками». Поль Пуаре, один из самых заметных кутюрье той эпохи, отрицал, что вдохновлялся работами Бакста, — однако он был первым, кто предложил русскому художнику сотрудничество. Именно в этот период цветовая гамма Пуаре стала неожиданно яркой — и в этом можно усмотреть влияние Бакста. В дальнейшем же Бакст и Пуаре работали в схожих направлениях, и многие модные новинки приписывали им обоим: например, шаровары в качестве вечерней женской одежды, экстремально узкие «хромые юбки» и многослойные наряды.

Леон Бакст сделал много для мировой моды и не считал это недостойным художника. Незадолго до смерти в одном из интервью он сказал: «Нет великого и малого в искусстве. Всё — искусство».

Авангардная мода

Наталия Гончарова. Эскиз костюма к балету Леонида Мясина «Литургия» — Серафим. 1915. Фотография: avangardism.ru

Наталия Гончарова за работой над эскизом костюма. 1916. Фотография: theartnewspaper.ru

Наталия Гончарова. Эскиз костюма к балету «На Борисфене» на музыку Сергея Прокофьева. 1932. Фотография: theartnewspaper.ru

Работы Наталии Гончаровой сегодня считаются самыми дорогими среди всех женщин-художниц, а она сама стала самой известной русской художницей за рубежом. Правнучатая племянница жены Александра Пушкина, Гончарова, поначалу собиралась стать скульптором. Однако художник Михаил Ларионов, за которого она впоследствии вышла замуж, посоветовал ей заняться живописью — и вскоре Гончарова обратилась к декоративно-прикладному искусству.

В 1913 году Александр Бенуа, художник, критик и искусствовед, писал в своем дневнике: «Очаровательна серия мод Гончаровой. Краски этих платьев художественные, а не приторные. Почему же только теперь узнаю о том, что художница посвятила свои силы обновлению женской одежды, почему знаменитые модницы Москвы не идут к ней и не учатся у нее?» Модницы опоздали: Сергей Дягилев пригласил Гончарову в Париж для совместной работы над декорациями Русских сезонов, и художница так и не вернулась на родину. Предполагают, что до отъезда во Францию Гончарова продавала эскизы нарядов прославленной мастерице Надежде Ламановой, ателье которой находилось неподалеку от салона, где в том же 1913-м прошла первая выставка художницы.

В эмиграции Наталия Гончарова продолжала сотрудничать с журналами и домами мод — сохранилось немало эскизов. В парижском музее моды хранятся и сами наряды от Гончаровой. К сожалению, ни имена модельеров, ни имена заказчиков этих работ сегодня не известны, однако очевидно, что яркие декоративные работы одной из основоположниц русского авангарда не могли не привлекать внимание в 1910-х годах. Даже внешний облик самой Наталии Гончаровой и ее стиль — кажущиеся небрежность и простота — были авангардными и несколько опережали время.

Читайте также:

Доступность и самобытность

Вера Мухина. Эскиз костюма, журнал «Ателье, 1923. Фотография: fashionblog.com

Вера Мухина и Наталья Ламанова. Эскиз домашнего платья из головного платка. Фотография: nlamanova.ru

Вера Мухина. Эскиз платья-бутона. Обложка журнала Ателье, 1923. Фотография: casual-info.ru

Автор легендарной статуи «Рабочий и колхозница» Вера Мухина занималась не только монументальным искусством. Она много рисовала, и еще до революции создала ряд эскизов для театральных костюмов и оформления постановок Камерного театра, к сожалению не состоявшихся. А в 1920-х годах она посвящала много времени прикладному искусству, в том числе созданию одежды.

Первый в СССР центр моделирования бытового костюма, «Мастерские современного костюма», секция костюма Государственной академии художественных наук — Мухина везде принимала активное участие. В 1923 году вышел журнал «Ателье» — первый советский журнал мод. Одной из самых ярких его моделей была модель Мухиной, одетая в пышную юбку-бутон и красную шляпу с широкими полями. Публиковали эскизы художницы и в журнале «Красная нива».

Вскоре Вера Мухина познакомилась с Надеждой Ламановой. В 1925 году они совместными усилиями выпустили «Искусство в быту» — альбом с эффектными, но практичными моделями, которые могла повторить в домашних условиях каждая советская женщина. Ламанова в этом сотрудничестве выступила как теоретик, а Мухина воплотила ее идеи на бумаге. Тогда же они приняли участие в Международной выставке декоративного искусства и художественной промышленности в Париже. Скромные модели из самых простых материалов с отделкой в народном стиле конкурировали с роскошными нарядами от европейских модельеров — и весьма успешно: Мухина и Ламанова получили Гран-при «за национальную самобытность в сочетании с современным модным направлением».

В 1933 году был открыт Московский дом моделей одежды, и Вера Мухина стала членом его художественного совета. Как подметил в свое время Леон Бакст, «впереди модниц идут художники».

Новая концепция одежды и унисекс

Александр Родченко. Варвара Степанова в платье из ткани по собственному эскизу, выпущенному на Первой ситценабивной фабрике. Фотография: jewish-museum.ru

Александр Родченко. Лиля Брик в платке с принтом Варвары Степановой. 1924. Фотография: jewish-museum.ru

Александр Родченко и Варвара Степанова. 1920-е. Фотография: jewish-museum.ru

Художницу Варвару Степанову обычно вспоминают вместе с ее мужем Александром Родченко — выдающимся художником и фотографом. Однако «неистовая Степанова», как называл ее Владимир Маяковский, была не только супругой и соратницей известного автора. «Амазонка русского авангарда», яркая представительница конструктивизма смогла, как и требовало это направление, отказаться от искусства ради искусства. Вернее, заставила его служить обыкновенным людям.

В 1922 году в Москве заработала Первая ситценабивная фабрика. На помощь производственникам пришли художники. Варвара Степанова и ее приятельница Любовь Попова стали текстильными проектировщиками и начали разрабатывать принты для тканей. Штапели, ситцы, байки, крепдешины украсили рисунки с четко очерченными контурами, абстрактные формы, беспредметные супрематические орнаменты. Всего за два года работы на фабрике Степанова разработала 150 эскизов, 20 из которых были напечатаны.

Александр Родченко. Студенты в спортивной одежде, разработанной Степановой. 1924. Фотография: avangardism.ru

Варвара Степанова. Эскиз спортивного костюма. 1923. Фотография: avangardism.ru

Александр Родченко. Евгения Соколова (Жемчужная) демонстрирует спортивный костюм спроектированный Варварой Степановой. 1924. Фотография: casual-info.ru

Одновременно с этим художница преподавала в текстильном отделении Высших художественно-технических мастерских. Степанова оказалась и блестящим теоретиком моды, разрабатывала новый подход к одежде. В статье «Костюм сегодняшнего дня — прозодежда» она писала: «Мода, психологически отражавшая быт, привычки, эстетический вкус, уступает место одежде, организованной для работы в различных отраслях труда, одежде, которую можно показать только в процессе работы в ней, вне реальной жизни не представляющей из себя самодовлеющей ценности, особого вида «произведений искусства». Декоративность и украшательство Степанова предлагала заменить удобством и целесообразностью. Новый советский человек нуждался в новой соответствующей одежде. Созданные ею спортивные костюмы с геометрическими узорами были удобными и равно подходили как мужчинам, так и женщинам.

Стильная геометрия

Любовь Попова. Прозодежда актера №3. 1921. Государственная Третьяковская галерея

Коллаж с использованием фрагмента эскиза Любови Поповой и фотографии Поповой, снятой Александром Родченко. 1924. Литография с журнала ЛЕФ

Люовь Попова. Эскиз ткани с орнаментом из цветных треугольников. 1923-1924. Государственная Третьяковская галерея

На послереволюционную моду оказали огромное влияние русские художники-авангардисты. Любовь Попова начинала со станковой живописи, однако затем, как и многие ее коллеги, перешла к производственному искусству. Когда дирекция Первой ситценабивной фабрики в поисках художников-конструкторов опубликовала в газете «Правда» соответствующую статью, на нее откликнулись Попова и Степанова.

О Поповой даже писал журнал «ЛЕФ»: «Дни и ночи просиживала она над рисунками для ситца, стараясь в едином творческом акте сочетать требования экономики, законы внешнего оформления и таинственный вкус тульской крестьянки. Никакие комплименты и льстивые предложения не могли ее соблазнить. Она категорически отказывалась от всякой работы на выставку, на музей. «Угадать» ситчик было для нее несравненно привлекательней, чем «угодить» эстетствующим господам от чистого искусства».

Геометрические орнаменты Поповой, вычерченные циркулем и линейкой, казались поначалу непривычными, и многие считали их не подходящими для женской одежды. Однако ткани с новыми рисунками имели такой большой успех, что летом 1924 года, во время «Съезда народов» в Москве, образцы раскупили «до аршина».

А в 1925 году в Париже проходила Международная выставка, та самая, где работы Веры Мухиной и Надежды Ламановой получили Гран-при. Участвовала в ней и Любовь Попова. Оформитель советского павильона, Александр Родченко, писал жене, Варваре Степановой: «Текстиля рисунков Любови Поповой 60, а твоих 4». Правда, сама Попова этого так и не узнала — она скончалась за год до выставки.

Автор: Марьяна Скуратовская

Одежда должна петься. Художник по костюмам – о тонкостях нарядов Дона | ОБЩЕСТВО:Люди | ОБЩЕСТВО

«Когда ты видишь, что всё гармонично в одежде – это же, как музыка!» – так считает художник по костюмам Нина Моисейченко, которая делает эскизы для исторических и народных костюмов, создавая их целыми коллекциями. Прошло уже тридцать лет с тех пор, как после окончания Ростовского художественного училища имени М. Б. Грекова Нина Моисейченко пришла работать в центр внешкольной работы «Досуг» Пролетарского района Ростова-на-Дону. Здесь она руководит театром костюма «Этно-Арт» и создаёт сценические наряды для детских вокальных ансамблей и хореографических коллективов.

Всё своё ношу с собой

Наталья Емельянова, «АиФ-Ростов»: Нина Сергеевна, правда ли, что для того, чтобы нарисовать эскиз костюма, особенно национального, нужно знать историю народа?

Нина Моисейченко: Конечно же! Тридцать лет назад я занималась донским армянским костюмом. Этот народ, 250 лет проживший на Дону, не просто ассимилировался, между нами произошёл обмен культурами.

У меня есть коллекция «Донской армянский костюм». Чтобы создать наряд, я купила итальянскую дорогую ткань – светло-молочный шёлк, вытканный маленькими фиолетовыми цветочками для девичьей блузки. В комплект также входила длинная фиолетовая юбка с жаккардовым чёрным рисунком и чёрный фартук с головным убором феской. Донской армянский костюм сильно отличается от классического национального. Он очень похож на казачий костюм: у них тоже юбки и блузки, отличие в том, что у армянок фартуки чёрного цвета. Все свадебные женские костюмы просто потрясающие! Представьте себе: красный шёлк, который отделан большим количеством чёрного кружева в память о геноциде армянского народа. Ведь почему армяне пришли на Дон? Потому что их преследовали турки. И Дон их принял. Поэтому они столько взяли от костюма донского казачества, при этом немало дав нам взамен.

– То есть одежда может рассказать о том, что довелось пережить народу?

– Конечно. Для создания максимально достоверной коллекции мне пришлось побывать в армянских селениях, в музеях, изучить старинные фотографии. А всё для того, чтобы понять все нюансы национальной одежды. Очень чувствовалось влияние турецкого национального костюма. Как мне рассказывали, когда армяне бежали от турков, то женщины надевали на себя все украшения. И когда приезжали на новое место, то отрывали кусочек от своей золотой цепи, продавали его или меняли на хлеб. И на это жили. С тех пор и повелось, что армянские женщины носят много украшений. Костюм дополнялся серебряными позолоченными кованными поясами.

Нина Сергеевна Моисейченко родилась в Ростове-на-Дону 2 января 1965 года. В 1991 году окончила Ростовское художественное училище имени М. Б. Грекова. Работает в центре внешкольной работы «Досуг» Пролетарского района г. Ростова-на-Дону художником по костюмам и педагогом дополнительного образования.

Свадебное платье было ярко-красного цвета. Потому что красный – это традиционно, это красиво, это дорого. Донские армянки носили маркрид коди – переводится как жемчужный пояс. Шили его чаще всего из чёрного бархата, украшая жемчугом с золотой или серебряной головкой-пряжкой в виде растительного орнамента. По краям обычно вышивали инициалы хозяйки пояса. По традиции маркрид коди мама дарила дочери на свадьбу в подарок, и так передавалось из поколения в поколение. Во многих семьях до сих пор как реликвия хранятся такие жемчужные пояса.

Никакого декольте!

– А что носили донские казачки?

– Что касается костюма донской казачки XIX – начала XX веков, то его основу составляют блуза и длинная юбка. Повседневная одежда состояла из длинной нижней рубахи с длинными рукавами и круглым слегка присборенным воротом, кофточки и юбки из ситца. Поверх рубахи надевали несколько юбок: нижнюю ситцевую, затем холщовую и одну или больше из ситца, а то и шёлка. Казачка всегда собрана, подтянута. Не допускалось оголять руки, плечи, носить одежду с вырезами. Юбку и кофту из одной ткани называли парочка.

На нарядных блузах кокетка отделывалась рюшами, тесьмой. Блузки часто имели вышивку на груди, плечах и манжетах. На летних блузках рукав был укорочен, они шились с прострочкой под грудью, были свободны в талии. Юбки имели складки либо оборку по низу. Обязательным считался платок для замужней женщины. Его носили даже дома – простой белый хлопковый. Для красоты на плечи накидывали нарядные шерстяные шали с кистями. Их носили и в холодное время года, повязывая на голову, под низ поддевали хлопковый платок. Шали были так же шёлковыми, с длинной плетёной бахромой, очень дорогими. Такой подарок дарили на свадьбу. И всю жизнь казачка бережно носила шёлковую шаль.

Головной убор многое говорил о женщине его носящей, он был «говорящей» частью национального костюма. Так, русская девица всегда носила одну косу и обязательно (в тёплое время года) открывала макушку и саму косу, а замужняя женщина должна была иметь две косы, но волосы должны быть всегда скрыты от посторонних глаз. Свадьба даже предусматривала ритуал переплётения косы: девичью косу распускали и затем переделывали под особую женскую причёску.

Цвет и орнамент костюма мог рассказать, из какой области, к примеру, приехала на ярмарку девушка. А возьмите мужские свадебные рубашки! Косоворотка откуда пошла? Там застёжка и вышивка с левой стороны, чтобы сердце оберегать. Длинные рукава все расшиты, чтобы руки защищать. А пояса? Существует даже свадебный обряд, когда невеста опоясывает своего жениха поясом. В народном костюме всё имеет смысл.

Так одна культура вливается в другую, затем берёт что-то от третьей и обогащается. В результате получается нечто оригинальное. Так что лучше и интереснее национального костюма ничего нет.

Коллекция, как диссертация

– Расскажите, пожалуйста, о своих коллекциях костюмов. Какая из них была самой первой и самой сложной?

– Свою первую коллекцию костюмов «Русь» я создала из технической марли сразу же после окончания грековского училища. Техмарля не красилась, её вымачивали, весь коллектив собирал луковую шелуху, чтобы у ткани был цвет. С этой коллекцией наш театр костюма «Этно-Арт» выступил на конкурсе модельного агентства «Имидж» из Ростова-на-Дону. Одна из сотрудниц этого агентства слёзно умоляла продать ей пальто из этой коллекции. Но если бы она только знала о том, что эта фантастическая вещь была сшита из мешковины и технической марли!

Самой сложной я считаю коллекцию славянского костюма XI–XIII веков «Гардарика». На тот момент, когда работала над этой коллекцией, то свободно могла диссертацию защитить. Потому что мне пришлось перелопатить научные труды, исследования российских академиков. У меня до сих дома стоят целые тома этой литературы. А всё потому, что очень мало информации по славянскому костюму этого периода.

На сегодняшний день у меня где-то 15 коллекций. Самая маленькая состоит из трёх нарядов «Донского армянского костюма», самая большая – из 13 костюмов «Уральского сказа». В коллекции «Триколор», посвящённой флагу РФ, девять и 11 костюмов в «Гернике» по картине Пабло Пикассо. Что касается последней – это мини-спектакль, длящийся 6,5 минуты. Чтобы создать «Гернику», мне пришлось прослушать 17 дисков немецкой метал-группы Rammstein: нужна была фонограмма для этого мини-спектакля.

А за коллекцию «Триколор» мы получили Гран-при на международном фестивале, который проводил Московский Дом национальностей. Нужно было обыграть главную идею – флаг России. В моём понимании, я это потом выразила с помощью костюмов, белый цвет на флаге – это вера, чистота, а значит это иконописный костюм. Синий – честь, стойкость, они воплощены в военном костюме. А красный – это наша гордость, самосознание, что получило отражение в красных с золотом костюмах.

Участники театра костюма «Этно-Арт» показывают мои коллекции на разных фестивалях и концертах. К моде мы не имеем никакого отношения, с помощью костюмов выражаем мысли и идеи. Дети у нас очень талантливые. Так, в прошлом году в наш театр пришла шестилетняя Лиза Макарьева, которая сегодня придумывает новые движения, используя классические элементы дефиле для демонстрации костюмов. А семилетняя Соня Ткач, несмотря на свой юный возраст, даст фору взрослым: может среди ночи проснуться и нарисовать композицию движения детей. К творческим людям идеи приходят внезапно. У меня, к примеру, целый фильм создаётся в голове, который я стараюсь реализовать на сцене. И так во всём.

Когда ты выкладываешь орнамент, то он должен петь. Одежда должна петься! Когда видишь, что всё гармонично в одежде – это же, как музыка! Я с содроганием смотрю на современную одежду в стиле унисекс – это ужас! Иногда, идя по улице, гадаю: это мальчик или девочка впереди меня?

…У Нины Моисейченко постоянно возникают новые идеи для коллекций, которые она записывает в свой «волшебный блокнотик». Их лет на 30, как говорит художник по костюмам, хватит! Вот и сейчас уже есть замысел сделать новую коллекцию, да только в сутках всего 24 часа.

Открытый фестиваль молодых художников-модельеров, дизайнеров одежды «НаМОДнение-2020»

183038 Мурманск ул. Коминтерна, д. 13

К участию в Фестивале приглашаются молодые художники-модельеры и дизайнеры одежды из Мурманской области, а также других регионов России и зарубежья, в возрасте от 12 до 35 лет.

СКАЧАТЬ ПОЛОЖЕНИЕ: Скачать положение Намоднения 2020

Для участия в Фестивале необходимо в срок до 10 февраля 2020 года оформить заявку в оргкомитет Фестиваля по адресу: 183038, г. Мурманск, ул. Коминтерна,13 или по электронной почте: [email protected]

Эскизные работы принимаются с 10 февраля по 10 марта 2020 года.

Фестиваль проводится в три этапа:

1 этап — Эскизный (заочный) – с 10 по 15 марта 2020 года. Проводится с целью оценки художественного замысла автора, оригинальности и индивидуальности.

Эскизы моделей должны быть выполнены в соответствии с темами конкурсов (на листах формата А 4, на оборотной стороне эскиза ставится подпись или авторский знак). На эскизный этап направляются эскизы всех моделей, предлагаемых на конкурс. Эскизы коллекции предоставляются обязательно. Использование эскизов моделей из журналов мод недопустимо.

Участникам, успешно прошедшим эскизный этап, до 23 марта 2020 года направляется официальное приглашение для участия в публичных конкурсных показах фестиваля.

*Эскизы не возвращаются.

2 этап — Публичные конкурсные показы – 11 апреля 2020 года.

Публичные показы конкурса «Откровение» и конкурса «ART-couture» пройдут на базе Мурманского областного художественного музея. В них принимают участие только конкурсанты, прошедшие эскизный тур и получившие официальное приглашение на Фестиваль. В ходе публичного показа жюри оценивает работы участников.

Лучшие коллекции каждого из конкурсов, обладатели специальных призов и дипломов жюри проходят в финал Фестиваля.

3 этап — Финальный показ моделей – 12 апреля 2020 года.

В программе финала:

— большой показ моделей и лучших коллекций — победителей конкурсов Фестиваля;

— церемония награждения победителей Фестиваля.

СКАЧАТЬ ПОЛОЖЕНИЕ: Скачать положение Намоднения 2020

Уличный художник Екатеринбурга обвинил бренд одежды в краже — URA.RU

По словам художника Ильи Мозги, Cropp без разрешения использовал его работу Фото: Александр Мамаев © URA.RU

Екатеринбургский уличный художник Илья Мозги обвинил польский бренд одежды Cropp в незаконном использовании его работы в коммерческих целях. Речь идет о граффити «Эта надпись сделана нелегально», которое художник создал в рамках фестиваля «Карт-бланш».

«Приятно, что за пределами нашей страны интересуются уличным искусством России, но, когда на этом пытаются заработать, используя без ведома художников их работы, картина сгущается серыми вонючими тучами», — написал Илья Мозги в Facebook (деятельность запрещена в РФ), пояснив, что компания выпустила куртку, на которой есть нашивка с его словами «Эта надпись сделана нелегально». При этом одобрение на использование граффити, как пояснил художник, он не давал.

Впервые работа «Эта надпись сделана нелегально» появилась с легкой руки художника в 2018 году. После чего граффити также нарисовали на заборе на улице Мамина-Сибиряка.

Cropp — это польский бренд, представляющий свободный спортивный стиль, вдохновленный хип-хоп культурой и стрит-стилем. Наибольшей популярностью линейка товаров этого бренда пользуется среди молодежи. Торговая марка Cropp наряду с брендами «Reserved», House, Mohito и Sinsay находится под эгидой польской фирмы LPP, занимающейся продажей одежды.

Фото: Илья Мозги, Facebook (деятельность запрещена в РФ)

Екатеринбургский уличный художник Илья Мозги обвинил польский бренд одежды Cropp в незаконном использовании его работы в коммерческих целях. Речь идет о граффити «Эта надпись сделана нелегально», которое художник создал в рамках фестиваля «Карт-бланш». «Приятно, что за пределами нашей страны интересуются уличным искусством России, но, когда на этом пытаются заработать, используя без ведома художников их работы, картина сгущается серыми вонючими тучами», — написал Илья Мозги в Facebook (деятельность запрещена в РФ), пояснив, что компания выпустила куртку, на которой есть нашивка с его словами «Эта надпись сделана нелегально». При этом одобрение на использование граффити, как пояснил художник, он не давал. Впервые работа «Эта надпись сделана нелегально» появилась с легкой руки художника в 2018 году. После чего граффити также нарисовали на заборе на улице Мамина-Сибиряка. Cropp — это польский бренд, представляющий свободный спортивный стиль, вдохновленный хип-хоп культурой и стрит-стилем. Наибольшей популярностью линейка товаров этого бренда пользуется среди молодежи. Торговая марка Cropp наряду с брендами «Reserved», House, Mohito и Sinsay находится под эгидой польской фирмы LPP, занимающейся продажей одежды.

одежда в стиле Роберта Мэпплторпа, Фриды Кало или Пикассо

Великие художники вдохновили многие поколения на настоящие подвиги в изобразительном искусстве. Мы можем наблюдать яркие и оригинальные работы последователей Ван Гога, Дали, Пикассо, удивляться продуманным сюжетам, очаровываться гармоничностью подобранной палитры. Но во все времена наибольший интерес вызывал стиль жизни известных людей, их привычки, прически, манера одеваться.

Естественно, что всегда находились люди, которые копировали образы художников. Да, не стоит вспоминать сейчас старых мастеров, ведь найти описание гардероба Микеланджело, к примеру, практически невозможно. А вот наряды художников ХХ и ХІХ веков можно повторить в малейших деталях.

Давайте посмотрим, что из этого получилось.

Дома моды очень часто отдают дань уважения знаменитым художникам и их произведениям. Так, Moschino под руководством Джереми Скотта представил мужскую коллекцию в стиле Роберта Мэпплторпа.

Кудрявые симпатичные модели вышли в куртках и рубашках с открытым воротом, а на голове у них были черные кожаные кепки. Именно таким увидел Боб Коласелло, редактор журнала Interview, Роба Мэпплторпа в 1971 году. «Он был красив, как женщина, но при этом крепок и силен».

Французский дом моды Céline решил показать всему миру, как одевалась Ли Миллер. Модель, участница сюрреалистического движения, модный фотограф, подруга Пикассо, она во время войны кардинально сменила имидж и стала военным фотожурналистом.

Миллер носила стиль милитари и в ее гардеробе были грубые мужские ботинки, штаны на толстом ремне, рубашки с закатанными рукавами и жилетки. В наши дни таким набором в женском арсенале не удивить, но для середины ХХ века это было смело.

Невозможно пройти мимо яркого и неординарного Пабло Пикассо. Человек, который заставил громко говорить о своих картинах весь мир, умел красиво и стильно одеваться.

Один из его образов использовал фотограф Ютака Сакано еще в 1983 году, когда сделал фотосессию американскому художнику Жан-Мишелю Баския. Теплое пальто, берет, шарф, перекинутый через плечо, и кисть — узнаваемый образ, не правда ли? Таким мы часто видим Пикассо на фотографиях.

Самый эксплуатируемый образ в индустрии моды — стиль Фриды Кало. Неоднозначная, эксцентричная, красочная и такая темпераментная.

В разные годы различные дома моды посвятили Фриде свои коллекции — это Жан-Поль Готье, Валентино, Стелла Джин, Dolce & Gabbana, Alice + Olivia и даже журнал Vogue. Очень благодатная почва для создания нестандартной и вечно модной одежды.

Отчет о стиле

: что артисты носят в студии

Нет, чтобы нарисовать шедевр, не обязательно наряжаться в традиционную мексиканскую одежду… но, наверное, не помешает.
В наши дни стритстайл-блоги и социальные сети уничтожили практически все оставшиеся в мире секреты портняжного дела. Арсенал вдохновения среднестатистической модницы больше не ограничивается страницами Vogue и тем, что Пэрис и Ники носили в клубах.
Сегодня я могу стилизовать себя, чтобы смешаться с субкультурой по своему выбору, в любой точке мира.Сегодня я могу одеться как мама, занимающаяся пилатесом из Беверли-Хиллз, а завтра — школьница из Нью-Йорка. Чтобы узнать, что надеть, чтобы попасть в Berghain или на андеграундный рейв в Киеве, достаточно пары кликов.

Кажется, фаворитом является… как вы уже догадались!… черный, черный и еще раз черный.
И все же одна граница моды остается неизведанной. Какие носят артистов в студии?
Произнесите фразу «студийная одежда», и в фокусе всплывают те же образы: забрызганный краской комбинезон, потрепанные футболки, поношенные конверсы.Что ж, я здесь, чтобы сказать вам, что это правда; искусство может быть грязным делом, поэтому выбор студийной одежды часто является практичным. Но это не значит, что при правильном отношении и небольшом воображении студийные наряды не могут также представлять собой безграничную площадку для модной одежды.
Если вы застряли в рутине «та же самая белая футболка, в которой вы спали», мы здесь, чтобы немного подтолкнуть вас — и из фанка в кроличью нору студийной моды. Мы проанализировали множество возможных студийных нарядов, углубились в почему и как за каждым, так что вы можете с такой же тщательностью относиться к искусству, которое вы носите на своем теле, как к искусству, которое вы нанесите на свой холст (Вспомните вечно мудрые слова Найджела: мода даже «больше, чем искусство, потому что вы живете в ней своей жизнью. »).
Хотя Найджел, возможно, зашел слишком далеко, одежда, в которую мы одеваем свое тело, оказывает глубокое влияние на наше настроение, нашу энергию и наше творчество. Целые миры могут возникнуть из пары ковбойских сапог и пластинки Спрингстина; целые персонажи из расшитого блестками платья и тонкой сигареты. Итак, отправляясь в студию, задумайтесь на секунду: какое альтер-эго вы собираетесь надеть сегодня?

Возьмите пример с Дэвида Боуи, правящего мастера альтер-эго, и давайте танцевать танго.

Комбинезон, комбинезон и еще раз комбинезон.

Для начала поговорим о карманах? Если вы женщина или любите носить женскую одежду, вам в основном нужно вызвать хорошо укомплектованную поисковую группу, чтобы выследить одежду с карманами приличного размера.
Только подумай о простом удовольствии засунуть руки в карманы и откинуться на одну ногу, как бы говоря: «Да, я ученый и образованный джентльмен, но я также могу надрать тебе задницу, сопляк, так что смотри». Что ж, женщины были лишены власти и привилегии этого господского чувства на протяжении большей части истории — по моему скромному мнению, это одна из самых больших гендерных несправедливостей на сегодняшний день.
А как художнику карманы нужны больше, чем обычному человеку. Футболки и шорты для мальчиков милые и все такое, но куда вы собираетесь положить две камеры, мастихин, ножницы, бутылку чайного гриба, скотч, гуашь (черную и белую), угольный карандаш, телефон и пакет с закусками? миндаля? В вашем комбинезоне, вот где.

В вопросе о скромных комбинезонах есть и политический аспект.

New York Tribune , Нью-Йорк, 26 ноября 1917 года. антимодная и протестная одежда. В 1890-х годах они стали одним из первых гендерно-нейтральных предметов одежды, которые считались приемлемыми как для маленьких девочек, так и для мальчиков. Однако для взрослых женщин они оставались запретными почти столетие спустя.Одна орегонская газета сообщила, что ношение комбинезона считалось поводом для развода, и даже во время войны женщина в комбинезоне обязательно поднимала настроение, хотя за смех можно было уволить.
В 1970-е годы феминистки второй волны восприняли комбинезоны как символ сопротивления — они скрывали женские изгибы, позволяли им свободно двигаться и, что самое главное, помогали им не носить бюстгальтер. Спортивные комбинезоны были настолько далеки от эстетики домохозяйки «Безумцев», насколько это вообще возможно, и феминистки доили их изо всех сил.

The Oregon Daily Journal, Портленд, 23 января 1921 года.
Так что в следующий раз, когда вы наденете свою пару Дики и отправитесь в студию, сделайте паузу и почувствуйте тяжесть на своих плечах. Нет, это не ремни, впившиеся в ключицу, — это работа поколений активистов, которые были до вас. Создайте соответственно.

Образы, которые нам нравятся:

Классическая модель с одной бретелькой из лукбука Kilo Shop. Kilo Shop — это экстравагантный бутик винтажной роскоши, который нельзя не посетить во Франции.Они покупают одежду и аксессуары со всего мира (некоторые из моих любимых находок имеют японские таблички с именами) и продают их на развес, как следует из названия. Загляните за милыми винтажными нитками, и, скорее всего (смайлик с подмигивающим лицом), очень милый кассир проверит вас.

Принцесса Ри-Ри в джинсовой оправе, 8 сентября 2015 года в Трайбеке.

Fenty x Puma Весна 2018 только что официально разрешила заклеивать изолентой ваши любимые изношенные комбинезоны, чтобы дать им вторую жизнь — и третью, и тринадцатую.Продолжайте с полным осознанием экзистенциального блаженства. Кроме того, когда всех карманов в мире недостаточно для хранения вашего изобилия художественных инструментов, пришло время развернуть комбинезон мира аксессуаров: поясную сумку.

Джиллиан Хольцманн из «Охотников за привидениями» доказывает, что брызги краски только делают комбинезон еще более крутым; художники повсюду вздыхают с облегчением.

Я надену все, что одобрено Джорджем Харрисоном, но если это будет пара великолепных комбинезонов с широкими штанинами, тем лучше.

Дамы и детеныши аллигаторов, Зоопарк Луна-Парк, Лос-Анджелес, 1927 год. Возможно, комбинезоны еще не были в моде (или в Vogue ), но что еще вы наденете, чтобы справиться с детенышем аллигаторов?

Винтажное белье

Когда вы находитесь в студии, вы, вероятно, хотите чувствовать себя по-разному: непринужденно, вдохновенно, полно, но не слишком, плавно, безгранично и похоже на богиню — вот лишь несколько слов, которые приходят на ум. Но я бы сказал, что это также помогает чувствовать себя сокрушительно, сногсшибательно, сногсшибательно сексуальной.Мы говорим о такой сексуальной привлекательности, которая нарушает законы физики и отправляет Землю в неизведанные ранее измерения. Мы говорим о музыкальном клипе Бритни Спирс « Toxic » на уровне сексуальности.
Почему? Что ж, согласно многим древним духовным традициям, от индуизма до шаманской практики, творческая энергия проистекает из божественного женского начала. Присутствующий в каждом человеке, этот архетип богини отвечает за все виды творения, включая искусство и, мать всего творения, секс.
Хотя западная патриархальная культура проделала большую работу по уничтожению образа сильной, сексуальной, творческой женщины, пора вернуть ее домой. Далекая от дихотомии девственница/шлюха (Мария Магдалина может быть ближе всего к нам на Западе), она в основном то, что мы сейчас называем сукой-боссом — вспомните Бейонсе, Майю Энджелос и Леди Гага в мире. Женщина, которая не ляжет и ни от кого не возьмется; женщина, которая направляет свою сексуальность как часть своего мастерства. Если подумать, женская творческая сила — это буквально та сила, которая поддерживает жизнь нашего вида.А теперь представьте чудеса, которых может достичь такая сила, если направить ее в искусство.
К чему мы клоним? Ах да, винтажное белье.
Суть всего отступления от богини заключалась в том, что одеваться сексуально для себя — это мощный способ восстановить свою женскую силу, которую затем можно направить в свое искусство. Ничто так не кричит о сексуальности, как нижнее белье. Поверьте мне, в студенческие годы я без разбора и часто неуместно надевала черные шелковые комбинезоны на всевозможные светские мероприятия, так что я должна знать. И хотя оно традиционно ориентировано на мужской взгляд, почему бы не перевернуть повествование и не сделать нижнее белье символом творческой свободы и расширения возможностей?
Давайте сделаем это, дамы.

Образы, которые нам нравятся:

Разве Dominant Damsels не звучит как название извращенной панк-рок-группы, состоящей только из девушек? В любом случае, мы любим рыболовные сети.

Надевайте, когда хотите почувствовать себя легким и неземным, готовым уплыть в эфирное облако чистого света и идей в любой момент.

руб., отменяя все социальные обязательства, которые требуют от меня носить что-либо кроме этого.

Назовите более культовый вид комбинезона, я подожду.

Викторианские времена, как известно, были удушающими для женщин во всех отношениях, но они на самом деле выглядят очень удобными, чтобы бездельничать. Разработаны Boué Soeurs, сестринским домом платьев и нижнего белья, действовавшим во Франции с конца 1800-х до 1930-х годов.

Ладно, может быть, это не так практично для твоего разбрызгивания краски в стиле Джексона Поллока, но, боже, где это было, когда я покупала выпускное платье?

Кадр из фильма Professional Sweetheart (1933).В 1920-х и 30-х годах мода на нижнее белье полностью отошла от викторианского стиля. Женщины больше не тонули в бесконечных слоях нижних юбок; силуэты стали гладкими и простыми, поразительно похожими на современную моду нижнего белья.

Лилиан Харви в неизвестном фильме до-кодовой эры.
Из-за отсутствия обязательных правил цензуры непристойная эра голливудских фильмов до Кодекса полна кадров сочного кружева и скандальных разрезов бедер того дня, и мы здесь для этого. Эти комбинезоны, бралетты и ночные рубашки горячи, горячи, горячи — и достаточно удобны, чтобы таскаться по студии.Тем не менее, лучше сохранить их для ваших дней фотосъемки или редактирования видео; вы не будете слишком счастливы, когда прольете масляную краску на свое безумно дорогое винтажное неглиже.

От Наши краснеющие невесты (1930)

Костюм на день рождения

Почему бы и нет? В некоторые дни все, что вам нужно, это краски и вдохновение.

Гигантская фланелевая рубашка на пуговицах из корзины стоимостью 1 доллар в местном комиссионном магазине

Если собаки — лучший друг человека, а бриллианты — лучший друг девушки, то кто лучший друг художника? Гигантская фланель, конечно.Он подойдет ко всему — я имею в виду ко всему. Вложите деньги в одного из этих плохих парней, и вы получите не только новый костюм для рисования, но и новый трюк для вечеринки: «Сколько друзей мы можем поместить в мою фланель?» (текущий рекорд: 17, Трайбека, 1972 г.).
Вы никогда не почувствуете ни малейшего сожаления из-за того, что испачкали его, порвали, загорелись на рукаве, случайно разорвали все это как часть вашего нового выступления, что угодно. Единственная опасность заключается в том, что они настолько удобны, что могут начать просачиваться в ваш нестудийный гардероб, вынуждая ваших друзей планировать вмешательство, когда вы появляетесь на вечеринке в честь рождения ребенка, выглядя так, как будто вы носите окровавленную рубашку Лео Джонсона из Twin. Пикс (Сезон 1, Эпизод 5).

Образы, которые нам нравятся:

Скай Феррейра покидает Chateau Marmont или художник покидает студию в 4 утра?

Дайте волю своему внутреннему капризному лесорубу.

Если вы не можете решить, какую фланель надеть, наденьте их все, а также пару одеял.

Если вы слишком щеголеваете для фланели, вот небольшое напоминание об обратном. Если Моне мог надеть его перед Бриджит Бардо в Каннах в 1956 году, вы можете ходить во фланелевом костюме, когда остаетесь совсем одни.

Винтажная футболка на каждый день недели

Винтажные футболки — это тост студийной одежды: простой, полезный, непритязательный и уютный, но он помогает, когда вы спешите утром и не удосужились приготовить «легкий» пудинг с чиа. (самая большая ложь, которую мне сказали веганские блогеры: «время приготовления 5 минут»).
Чтобы внести ясность, мы не предлагаем вам тратить все свои сбережения на редкие оригинальные футболки с гастролями группы на eBay — если только это не ваше дело, и в этом случае я искренне поддерживаю вас и знаю имя хорошего юриста по банкротству. Я говорю о маслянисто-гладких Hanes, оттенок синего, который говорит вам, что он прошел через отжим, а не пару раз, как вы.
Оттенок синего, который нашептывает секреты вашей коже, трансмутирует волшебство и тайну своих прошлых жизней через осязание. Оттенок синего, которому есть что рассказать, как и вам.
И, как ты на выпускном вечере, эти малышки дешевы и просты (шучу…). Нет, но на самом деле вы можете собрать завидную коллекцию винтажных футболок, просто сделав хобби рыскать по местному благотворительному благотворительному магазину, всего 20 долларов в кармане а-ля Маклемор.Вы будете стильно кататься (и рисовать) быстрее, чем сможете сказать: , это чертовски круто, .

Образы, которые нам нравятся:

Вы никогда не ошибетесь с Juicy. Если вы не собираетесь на благотворительный бал, похороны или мероприятие в Белом доме, Juicy Couture — это гарантированно надежный гардероб. На самом деле, вычеркните это: Juicy Couture — это самый наиболее подходящий наряд для Белого дома.

Отличный.

Дети Ларри Кларка, возможно, не возглавляют ваш список фильмов, вдохновленных модой, но просто найдите секунду, чтобы впитать эти чудесные суровые образы футболок.

Свирепая надутая губка в комплект не входит.

Выбрав классическую белую футболку, вы не ошибетесь, если согласитесь, что она недолго будет оставаться белой…

Ваш/вашей мамы/дяди/двоюродный брат/партнер/бывший/старый друг лучшего друга детства что угодно

Ностальгия может стать мощным стимулом для творчества. Конечно, есть что сказать о том, чтобы жить настоящим и улавливать чувства, пока они свежи, но я бы сказал, что небольшое здоровое зацикливание на прошлом может быть конструктивным (все в меру, конечно).
Музыка творит чудеса, перенося нас в определенный момент, но в следующий раз, когда вы попытаетесь передать дух прошлого, поэкспериментируйте с другим подходом: буквально облачитесь в прошлое. Если вы творите искусство из своего детства, вернитесь в себя шестнадцатилетнего, надев свою старую школьную форму, или толстовку с капюшоном, в которой вы всегда катались на скейтборде, или свою любимую майку Abercrombie, в которой вы ходили в торговый центр. со своей подругой Шэрон, чтобы поглазеть на сумки Coach и старшеклассников.Что угодно, лишь бы это вернуло тебя.
Вы также можете использовать тот же подход, чтобы призвать дух другого человека. Никакой магии вуду (это отдельная статья 😉 — просто прижаться к их нитям, желательно с запахом их духов/потных подмышек, все еще сохраняющимся в ткани. Вдохните, сублимируйте и позвольте эмоциям выплеснуться на экран или на холст.

Текст Катя Лопатко
Изображения через Bored Panda, BBC, Tumblr, Kilo Shop, Haus of Rihanna, Vogue, Where to get, CR Fashion Book, She and Reverie, The Lingerie Addict, Zimbo, Lookbook, Fitness, ASOS Маркетплейс, Depop, журнал IGGY, Who What Wear.

Искусство одеваться | Мода

Писатель мод Чарли Портер всегда был навязчивым читателем языка одежды, его взгляд непреодолимо притягивался к цвету пальто незнакомца; к покрою костюма или логотипу на кроссовках. «Я думаю, что все немного похожи на это», — говорит он. «Мы все делаем это постоянно. Одежда — это информация. Форма полицейского говорит вам, чем он занимается. Если вы чувствуете угрозу или чувствуете себя не в своей тарелке, часто именно одежда вызывает у вас это чувство в первую очередь.Но поскольку я работала в сфере моды, я полагаю, что особенно хорошо к ней отношусь». Не утомляет ли его бегущая лента в голове иногда? «Не совсем.» Он смеется. «Но пандемия дала мне неплохо отдохнуть от нее».

Я встречаюсь с Портером, автором эклектичной, но воодушевляющей новой книги об одежде художников, в сквере Arnold Circus, недалеко от его дома в Шордиче, Восточный Лондон, и, естественно, мой первый вопрос касается его собственного Смотреть. Не говоря уже о его живописцах и скульпторах.Что он носит сегодня? Портер считает себя «обычно неряшливым», но да, он признает, что сегодня утром он немного обдумал свой внешний вид. «Это Крейг Грин, молодой лондонский дизайнер, — говорит он, — тяжелый хлопковый жакет синего цвета Yves Klein, украшенный зеркальной отделкой. Открывая ее, он обнаруживает не совсем белый халат художника от Labor and Wait, хипстерского поставщика всего функционального, от фартуков до лейок, который он предпочитает за свободу передвижения, которую он допускает, а также за его «космическую эру». воротник.Это сочетается с парой полосатых брюк, происхождение которых он не может точно вспомнить. Наконец, есть его лоферы от Gucci, которым около 15 лет.

47-летний Портер всегда любил моду. Будучи подростком, он ездил в Лондон из своего дома в сельской местности Нортгемптоншира и рылся в корзине со скидками в Sign of the Times, культовом магазине клубной одежды в Кенсингтоне. «У меня была футболка Big Jesus Trash Can с ангелами в противогазах — я носил ее все время».

Сара Лукас Автопортрет с яичницей, 1996, C-print.Фотография: Сара Лукас / Предоставлено штаб-квартирой Сэди Коулз, Лондон,

. Но его новая книга родилась (по крайней мере, изначально) из разочарования в моде, а не из любви к ней. «Сочинение о моде часто воспринимается как чепуха, а иногда так оно и есть. Но я всегда чувствовал, что это способ писать и о других вещах: об экономике, психологии, обществе, общении, желаниях». В модной журналистике индустрия устанавливает искусственные ограничения; те, кто сообщает об этом, по необходимости одержимы тенденциями. Но гардероб большинства людей больше связан с их эмоциональной жизнью, чем с бесконечным поиском новизны.«Некоторая одежда утилитарна, — говорит Портер. «Некоторые сентиментальны. Некоторые из них связаны с сообществом, к которому человек принадлежит или хочет принадлежать. Надеюсь, моя книга говорит об этих вещах. Его не интересуют списки самых одетых людей или так называемые иконы, хотя многие артисты в нем знамениты».

Но зачем выбирать художников? Это потому, что он считает, что их эстетические чувства более тонко настроены, чем наши? «Нет, дело в том, что художники в своей жизни лучше понимают одежду.Большинство людей должны одеваться определенным образом — или мы чувствуем, что одеваемся. В рабочее время мы не общаемся с нашей одеждой. Мы можем даже относиться к ним негативно: мы можем ненавидеть свою работу, мы можем чувствовать себя ограниченными. Художники — хороший пример, потому что, находясь в одиночестве в студии, они свободны от этих внешних сил». Герои его книги — в ней есть такие, как Фрида Кало и Энди Уорхол, а также менее известные имена — по его мнению, освобождены так, как мы все хотели бы быть, если только мы была возможность (или смелость).«Мода жестока к тем, кто старше», — говорит он. «Что безумно, потому что население стареет, а пожилые люди не просто перестают заниматься одеждой или интересоваться тем, что она может сделать для тела. Но в моей книге у вас есть Луиза Буржуа, которая не встречает Гельмута Ланга [с которым она становится большими друзьями и чью одежду она носит] до тех пор, пока ей не исполнится 80».

Буржуа стоит несколько особняком от некоторых других своих подданных по той причине, что любила нарядную, дорогую одежду.«Фонд Истона сохранил ее дом в Нью-Йорке точно таким, каким он был в ее время, — говорит Портер. «Это необычно. Вот эти две вешалки с одеждой, одна в подвале — такую ​​повесил бы для тебя твой отец, — а другую рядом с ее камбузом, с плитой с двумя конфорками и засаленными стенами. Второй рельс — потрясающая вещь, потому что он показывает, какой частью ее жизни была ее одежда. Их нужно было носить — даже тафтинговая обезьянья шуба, которую она носила на своей фотографии 1982 года, сделанной Робертом Мэпплторпом, которая села при стирке.

«Одежда средней пожилой женщины ужасна»: скульптор Барбара Хепворт в Сент-Айвсе, 1957 год. Фото: Пол Поппер/Popperfoto/Getty Images был сделан для модели Стефани Сеймур, которую она наденет на весенне-летнем показе 1999 года в Париже. Но кричащая или нет, для буржуазии одежда была еще и хранилищем памяти. «Она снова и снова писала, что не может с ними расстаться, — говорит Портер.«В конце концов, она начала использовать их в своей работе. Микроавтобус доставил их всех в ее студию — экстремальное действие для нее, нарезка аккорда — и это положило начало невероятно творческому периоду в ее карьере».

Некоторые художники используют одежду как униформу, чтобы лучше освободить свой разум для размышлений о других вещах – и, возможно, сделать себя мгновенно узнаваемыми. «Это определенно случай с Йозефом Бойсом», — говорит Портер [немецкий художник, прославившийся своими хеппенингами и инсталляциями, провел последние 25 лет своей жизни в одном и том же: фетровая шляпа, рыбацкая куртка, белая рубашка и синяя джинсы].«Но с Гилбертом и Джорджем, которые всегда носят тяжелые твидовые костюмы, это больше связано с замкнутостью и строгостью. Это создает контраст с их работой, противоречие, которое их восхищает».

Молодой Дэвид Хокни, с другой стороны, использовал свой внешний вид — противоположность униформе, даже его майки и галстуки придавали ему вид очаровательного школьника-переростка — чтобы показать свою сексуальность. «В мире моды его так часто называют иконой стиля, — говорит Портер. «Но не поэтому он носил одежду, которую он носил [приехав в Лондон из Брэдфорда студентом в 1959 году, Хокни предпочитал яркие цвета; он также покрасил свои черные волосы в блондинку]. Он принадлежал к этой новой волне послевоенного рабочего класса, умевшего делить свою территорию. Квирность в 20-м веке всегда относилась к высшему классу — немного пижонски, — потому что только люди с определенным доходом могли позволить себе жить вне закона. Но Хокни был из семьи активистов, и его отец тоже был человеком, который имел обыкновение наклеивать горошек на свой галстук-бабочку. Одежда Хокни была его способом сказать: «Я гей».

Яркая вспышка: Дэвид Хокни дома в Лондоне в 2015 году. Он всегда предпочитал яркие цвета с тех пор, как приехал в столицу в качестве студента в 1959 году.Фотография: Бен Куинтон/Ben Quinton (по заказу)

На мгновение Портер смотрит на мой длинный полосатый шерстяной шарф, который тоже яркого цвета. «Другое дело в том, что люди доставляют себе удовольствие и комфорт, помещая цвет в поле своего зрения».

Но наиболее захватывающим чтением являются главы его книги, посвященные художницам, их одежда освобождает их, давая им возможность быть другими в мире, где все остальные одеты в двойные комплекты и жемчуга: художница Агнес Мартин, в ее забрызганные комбинезоны и телогрейки; скульптор Барбара Хепворт в комбинезоне. «Хепворт выбрала одежду, которая позволила бы ей работать на улице на морозе и защитить ее от вещей, летающих вокруг, когда она создавала свои скульптуры», — говорит Портер. «Но это тоже было застенчиво. Она всегда выглядела фантастически».

В 1944 году, в возрасте 41 года, Хепворт написала своей подруге Маргарет Гардинер о своем желании найти одежду, которая больше соответствовала бы ее внутреннему самочувствию. «Одежда среднестатистической пожилой женщины ужасна», — отметила она. «Мы должны разработать какой-то личный стиль, который будет вдохновлять нас самих… развитие личности в одежде очень важно и так сложно сейчас.Портер наслаждается этим письмом не только из-за того, как в нем описывается, как она будет одеваться в следующие десятилетия (эластичная талия, куртки на молнии, брюки, туфли на плоской подошве), но и из-за небольших признаков смущения («все это звучит немного глупо»), проявляет она интерес к таким вещам. «Нам все еще трудно честно говорить об одежде. Мы опасаемся, что это тривиально, поверхностно».

Другие художницы в книге используют одежду как часть своей практики. Портер пишет о Саре Лукас и о работах, которые она сделала из изношенных Doc Martens и старых колготок; Антеи Гамильтон, чей перформанс The Squash , поставленный в галерее Tate Britain, включал безликого персонажа в шлеме в форме сквоша, сделанном в сотрудничестве с модным домом Loewe, и 14 различных костюмов.

«Одежда очень важна в моей работе», — говорит ему художница Синди Шерман (замаскированная в парики, густой макияж и костюмы, которые она находит в секонд-хендах, она принимает несколько образов на своих огромных фотографиях). «Они играют важную роль в раскрытии личности персонажа».

Все изменения: Хромогенный принт Синди Шерман «Без названия», 2008 г. Художник часто носит парики и яркий макияж, а также одевается в одежду из благотворительных магазинов. Фотография: Cindy Sherman/Courtesy the artist and Hauser & Wirth

Больше всего очаровательна Линн Хершман Лисон, перформансистка, которая в 1973 году превратила себя в произведение искусства по имени Роберта Брейтмор, женщина, чьей жизнью она будет жить следующие пять лет. Роберта каждый день носила одну и ту же одежду: узорчатое платье и коричнево-кремовый кардиган, купленные на распродаже за 5,99 долларов (бирка осталась на одежде, видна всем, кого она встречала). Эта статья была о «ловушке» женского опыта Америки 1970-х — хотя по иронии судьбы ее альтер-эго дало Лисон новую волнующую свободу («У меня было много одежды, — рассказывает она Портеру в его книге. — Слишком много одежды. »)

Портер, чьи родители оба художники, изучала философию в Королевском колледже Лондона.Он сделал опыт работы в Vogue . Затем работал в Guardian , GQ и FT , где он был критиком мужской одежды до 2018 года. Но он думает, что, вероятно, уже покончил с этим миром (закончив роман, он надеется написать еще одну книгу о моде). . «Я сказал все, что хотел сказать. Вспышки! Они были такими захватывающими в первый раз. Затем вы понимаете, что расклешенные джинсы часто следуют за парой сезонов, когда были более узкие джинсы. Вы узнаете все его хитрости.«Сейчас, по его мнению, слишком мало места — в коммерческом плане и на страницах — для молодых дизайнеров; слишком много внимания уделяется знаменитостям. Но это не значит, что он менее остро чувствует важность моды. «Если кто-то говорит об эпохе, часто первым делом упоминается одежда. Это вход. Так будет всегда».

Когда он учился в колледже, мода была захватывающей: такие дизайнеры, как Александр МакКуин и Хусейн Чалаян, прорывались вперед, и те, кто писал о них, обладали, как он настаивает, определенной «интеллектуальной строгостью».Сейчас Портер скорбит по тем дням и беспокоится о том, куда мода пойдет в Интернете. Но он считает, что вещи также меняются. Люди больше думают о том, откуда взялась их одежда и куда она пойдет, когда умрет. Со своей стороны, он полон решимости носить столько своей старой одежды, сколько сможет, и так долго, как только сможет (отсюда и старинные мокасины от Гуччи).

Главным бенефициаром его лет в первом ряду является V&A, отделу костюмов которого он до сих пор пожертвовал 82 предмета. «Если вам посчастливилось работать в сфере моды, я думаю, важно не быть вовлеченным в алчность или алчность», — говорит он. «В музее Виктории и Альберта практически не было современной мужской одежды, когда я посетил его склады — всего несколько сшитых на заказ рубашек. Поэтому я связался с ними и спросил, не заинтересуются ли они некоторыми вещами, которые я собирал годами». Он улыбается. «Да, теперь у меня есть шкаф в галереях», — говорит он. Если его голос кривится, он также слегка окрашен гордостью.

Книга Чарли Портера «Что носят художники» выйдет 27 мая по цене 14 фунтов стерлингов.99. Купите экземпляр за 13,04 фунта стерлингов на сайте guardianbookshop.com

Удобно, практично, современно — постоянный стиль

Тони Сильвестр

Сегодня, когда я сажусь писать, я надел свой любимый предмет одежды из недавнего времени. Совершенно новый от Bryceland льняной халат Farmer’s Smock длиной до колен (ниже) может немного отличаться от того, что вы ожидаете от команды дизайнеров Итана Ньютона и Кенджи Ченга, но, тем не менее, он идеально подходит для их манеры ведения дел. Подобно их рубашке-полотенцу, она кажется неизведанной вещью, которая жаждет быть переосмысленной для современного гардероба, и я полностью согласен. 

Несмотря на скромное название, отражающее его скромное происхождение, этот халат кажется богемным по духу, а не будничным. Все элементы изделия, от передней части нагрудника и воротника-стойки до сборок на манжетах и ​​кокетке, больше напоминают о художнике fin-de-sie cle , чем о французских рабочих, которые изначально носили такую ​​одежду. .Но, возможно, это неудивительно, учитывая, как «рабочую одежду» использовали художники на протяжении многих лет.

В один день я примерила свободный и струящийся комбинезон поверх старых потертых джинсов и сандалий, а на следующий день заправила черные льняные брюки с высокой талией и бельгийские лоферы, подчеркнув их сходство с классической рубашкой. Или просто с пижамными шортами и греческими тапочками, как сегодня.

В главе «Одеваться как художник-авангардист» в своей превосходной степени История мужской моды Фарид Шанун отмечает, что на рубеже двадцатого века «произошла метаморфоза под тройной эгидой молодежи, спорта и искусства». .Начало этой современной эпохи было положено новым творческим поколением, уставшим от старого мира.

Как они одевались? Они «надевали одежду рабочих и торговцев — вельветовые штаны, синие халаты и комбинезоны», стремясь освободиться от буржуазных классовых представлений.

Не помешало то, что рабочая одежда была удобной и износостойкой, а также «народной»; это был как функциональный, так и творческий выбор.

Это наследие до сих пор с нами.Могу поспорить, что многим читателям может сойти с рук носить темно-синие «рабочие пальто» на основе bleu de travail вместо спортивных пальто или пиджаков, что, на мой взгляд, говорит об ассоциации с художниками, а не о происхождении куртки. .

Мне повезло, что у меня никогда не было работы, требующей кодекса или униформы — по крайней мере, с тех пор, как я был подростком, — так что одеваться всегда было вопросом личной эстетики, а не режима. Мне посчастливилось создать свой собственный образ.Имея это в виду, я многое украла у художников, когда дело доходит до моего гардероба.

Я украл Orcival Breton Stripe Пикассо (вверху), войлочную фетровую шляпу Joseph Beuys Lock & Co (также вверху), шнурованные эспадрильи Дали (верхняя часть статьи) и Weejuns Джексона Поллака (нижняя часть статьи). Но, наверное, ни один из них не занимал в моем гардеробе такого заметного места, как жакет Forestiere от, к сожалению, несуществующего парижского бренда Arnys (ниже).

Первоначально заказанный художником и архитектором Ле Корбюзье в 1947 году в качестве мундира, он взял за отправную точку классическую французскую молескиновую или вельветовую куртку (в данном случае ту, которую носил Гастон Модо в фильме 1939 года La Régle Du Jeu ).

Упрощая конструкцию, он добавил воротник-стойку, накладные карманы, налокотники и рукава кимоно для свободы движений. В течение следующих 50 лет Форестьер стал одним из основных продуктов французского «Бобо» (Богемская буржуазия), любимым как политиками, так и промышленниками.

Моя кремово-льняная летняя версия (ниже) олицетворяет простоту: свободный крой и «поношенность» (мягко говоря), тогда как зимние варианты — это плюшевые вещи в осенних тонах с контрастными подкладками. Мой поступил от парижского винтажного дилера Chato Lufsen, который также делает точную репродукцию под названием La Bores.

Это предмет одежды, который легко вписывается в гардероб, выполняя ту же роль, что и обычное пальто или неструктурированная спортивная куртка.

Большинство современных брендов, которыми я восхищаюсь, отдают дань этим художественным традициям, будь то неявное стремление к доске настроения или явные произведения, названные в честь художника или поэта.

Бренд Kentaro Nakagomi Coherence не скрывает своей миссии: серия качественных пальто, взятых непосредственно с портретов ремесленников и писателей 20-го века; Дюшан, Корбюзье (снова), Камю и Хемингуэй — все они широко представлены.

№

Одним из самых ярких примеров прошлого года является «Mitsou», пальто оверсайз из парусины, которое во многом обязано мастерскому плащу, как и пальто (внизу, вверху), и основано на особенно забрызганном, мятое и потертое пальто, которое носил польско-французский художник Бальтюс на портрете Ирвинга Пенна в 1948 году (внизу, внизу).

Мне всегда нравилось это фото. Демонстративно развязный художник полулежит с сигаретой во рту, его взлохмаченное пальто перевязано веревкой и застегнуто до самого горла, возможно, для того, чтобы уберечься от холода в его мансарде.

Гораздо более заманчивое вдохновение для покупки пальто, чем какой-нибудь аристократ, играющий в поло.

На эту тему модный журналист Чарли Портер только что опубликовал Что носят художники на сайте Penguin. На чистой обложке изображен костюм Джорджии О’Киф, который, кажется, парит в пустоте, а графический дизайн сознательно повторяет любимую школьную программу « Ways Of Seeing » Джона Бергера.

Здесь также много бергеровского тона в сочинениях Портера.У него свежий, разговорный стиль, тяжелый на мнения. Он предпочитает охватить много вопросов, а не углубляться, придавая книге ощущение расшифрованной лекции или мини-сериала BBC4.

Это, безусловно, книга об искусстве, а не о «стиле», но ее чувства перекликаются со многим из того, что мы обсуждали выше. Забота о практичности и функциональности, идея одеваться как ролевая игра, символизм того, как мы представляем себя миру.

Мне особенно понравилось изучать костюм для отдыха как «эталон авторитета» в мужской одежде — эталон, который нужно ниспровергнуть или принять, как выразился Портер.

Особо следует отметить тихий сюрреализм дополняющих друг друга, но не идентичных костюмов в клетку от Gilbert & George, а также «одежда мужской респектабельности: твидовый пиджак и фланелевые брюки» Альберто Джакометти (вверху): консервативный портновский выбор, подорванный посадкой и состоянием. скульптор решил надеть их. 

Как пишет Портер, «жакеты Джакометти отличаются стилем благодаря своему просторному крою, состаренной мягкости ткани, преднамеренной неряшливости, которая превосходит любую элегантность, расслабленному балансу его мешковатых брюк».

Как человек, который носит необычайно красивую одежду почти неэлегантным образом, это произвело на меня глубокое впечатление.

Искусство одеваться: как портновский выбор формирует художника карьера. В первую очередь среди них был ее муж, фотограф Альфред Стиглиц, который, представив ее искусство в возрасте 291 года, написал в октябрьском выпуске журнала

Camera Work за 1916 год, что ее рисунки углем «представляют большой интерес с психоаналитической точки зрения». и что галерея «никогда раньше не видела, чтобы женщина так откровенно выражала себя на бумаге».Часто цитируемый ответ О’Киф на интерпретацию анатомии в ее более поздних картинах, ее телесных складках и плавных изгибах, взят из интервью 1970 года: «Когда люди читают эротические символы в моих картинах, они на самом деле говорят о своих собственных делах». В своем гардеробе ей удалось отказаться от атрибутов женственности, с юных лет придерживаясь резкого, андрогинного стиля минималистской одежды, которая бросала яркий силуэт на ее красочные полотна: простые кимоно, белые рубашки и, начиная с 1940-х годов, когда она посещала крупные города, сшитые на заказ черные костюмы от мужских портных.

Альфред Стейглиц, портрет Джорджии О’Киф, 1921 г. Дар Джорджии О’Киф благодаря щедрости Фонда Джорджии О’Киф и Дженнифер и Джозефа Дьюков, 1997 г. Предоставлено: Музей Метрополитен и Викисклад

Последний купленный О’Киф костюм появляется на обложке Что носят художники (2021), проницательного отчета об одежде, которую носят современные художники, как в студии, так и за ее пределами, куратора и модного критика Чарли Портера. .В книге представлено более 300 фотографий, картин и кадров из фильмов. Портер посещает студии с живыми художниками и разговаривает с родственниками и стилистами покойных. Предлагая визуальный анализ или социальные наблюдения, он пишет ясно и остроумно. Он описывает «криперы для публичных домов», которые носила Сара Лукас в ее знаменитом «Автопортрете с яичницей-глазуньей » (1996), как «обувь прочной формы, которая на самом деле легкая, с креповой подошвой». Дизайн имеет военное происхождение, затем его переняли мужчины, которые чувствовали себя альфой, пока ползали. Две яичницы на груди художника лопнули пузырь мужественности.

Одежда, такая как костюм, который произошел от мужской одежды для верховой езды и военного обмундирования 17-го и 18-го веков, предназначена для художников, чтобы «использовать, использовать или бросать вызов». В подростковом возрасте Фрида Кало вызывающе носила костюмы. Семейный портрет изображает художницу с суровым лицом в костюме-тройке, с зачесанными назад волосами и острым, как бритва, пробором посередине. Когда она вышла замуж за коллегу-художника Диего Риверу, она обменяла его на традиционные платья техуана; через месяц после развода она отрезала себе волосы и нарисовала эффектный автопортрет в другом костюме (возможно, его) с раздвинутыми ногами.Художники-мужчины также носили одежду как средство подрывной деятельности: Гилберт и Джордж, например, в своих не совсем подходящих друг другу тяжелых твидовых костюмах (разное количество карманов подтверждает их самоопределение: «два человека, но один художник»). . «Мы поняли, что многие художники эксцентрично одеваются или имеют эксцентричный стиль, чтобы показать, что они художники», — говорит Джордж Портеру. «Мы хотели быть нормальными, нормальными, странными…» Гилберт заканчивает фразу: «… настолько нормальными, что мы стали странными!» Они позировали в своих костюмах, сшитых портными-иммигрантами в Спиталфилдсе, восточном Лондоне, а не портными из истеблишмента на Сэвиле. Ряд – среди изображений арендованных мальчиков.Как пишет Портер, «эта пара наслаждается противоречием».

Gilbert & George, Поющая скульптура , 1992. © Gilbert & George. Предоставлено: Белый куб 

Выбор одежды некоторых художников более практичен. Барбара Хепворт предпочитала вырезать свои монументальные формы снаружи, поэтому ей требовалась функциональная рабочая одежда — от тяжелых халатов до курток на молнии — чтобы оставаться чистой и теплой. «Важно помнить о физическом труде художника», — пишет Портер, также ссылаясь на Дерека Джармена, который ухаживал за своим садом в Дандженессе в мешковатых шнурах, с изношенными коленями и в солидной паре ботинок.

Хотя во многих смыслах это биография группы, What Artists Wear пестрят личными анекдотами Портера — из Венецианской биеннале, Британской библиотеки и даже из местного автобуса. Глава, посвященная рисованию на одежде, открывается признанием автора: «Я не в себе. На кремовом свитере, который сейчас на мне, так много пятен […] Мои кроссовки в грязи после прогулки с собакой. Для меня это нормально». Так же, как для некоторых художников нормально носить забрызганную краской одежду, часть их «инструментария, используемого изо дня в день, живой истории их практики».Есть заржавевшие туфли Ли Краснер (мокасины ее мужа, Джексона Поллока, поразительно безупречны) и грязные войлочные сабо Birkenstock, принадлежащие Шанталь Жоффе.

Работа художника просачивается на одежду, а одежда на работу. Во время своего первого пребывания в The Fabric Workshop and Museum в Филадельфии Ричард Таттл вырезал и нанес шелкографию на пару длинных черно-белых брюк с полосами в виде молний, ​​а затем надел их для фотографии, Pants (1979). Синди Шерман сделала карьеру, снимаясь в образах аристократок, домохозяек, клоунов; вместе с прической и макияжем одежда позволяет ей принимать альтер-эго и дает ключ к разгадке личности каждого. «Я чувствую, что это верно для всех, а не только для моей работы, — говорит она Портеру.

Ричард Таттл, в сотрудничестве с Мастерской и Музеем Ткани, Филадельфия, Брюки , 1979. Фотография: Уилл Браун/Коллекция Мастерской и Музея Ткани. Предоставлено: Penguin Random House

Это относится и к Дэвиду Хокни, приехавшему в Лондон изучать искусство в 1959 году, когда гомосексуальность еще считался уголовным преступлением.Он отсутствовал, и его кричащие наряды были безоговорочным признаком этого. «Хокни установил новый шаблон для выражения квирности через одежду, — пишет Портер. «Это было о свободе». Когда Антея Гамильтон устанавливала The Squash (2018) в галерее Tate Britain Duveen Galleries, она почти каждый день носила одно и то же платье с узором пейсли. Почему? «На художников оказывается давление, чтобы они выглядели правильно, что связано со всеми типами статуса, крутизной, молодостью и, безусловно, богатством. Я ищу вещи, которые обходят эти (то, что я рассматриваю) ограничения.

Барбара Хепворт, 1957 год. Фото: Пол Поппер/Getty Images. Предоставлено: Penguin Random House

То, что носят художники, свидетельствует об их работе и сосредоточенности. Со своим гардеробом они могут либо подчиняться статус-кво, либо отказываться от него. Одежда — это такой же язык, как и любой другой. Он рассказывает истории о том, кто мы, что мы делаем и во что мы верим. «Говорят, что реальное находится за пределами материальности самого мира», — говорит британский художник Прем Сахиб. «Но для того, чтобы выразить это, мы используем материальный мир.Одежда говорит обо всем, что находится за ее пределами».

^{Основное изображение: Нэнси Холт в «Солнечных туннелях» после завершения работы, Люсин, Юта, 1976 г. Фотография: Ардель Листер © Holt/Smithson Foundation / DACS, Лондон и VAGA в Обществе прав художников, Нью-Йорк, 2021 г. Предоставлено: Penguin Random House}
_{Миниатюра: Барбара Хепуорт, 1957 год. Фотография: Пол Поппер/Getty Images. Предоставлено: Penguin Random House}

Длинное подробное исследование того, что на самом деле носят художники

Тони Эванс / Timelapse Library Ltd.

Что на тебе сейчас надето? Почему вы выбрали его? Что это говорит о вас? Эти простые вопросы лежат в основе новой книги писателя и модного критика Чарли Портера « Что носят художники »: увлекательное исследование одежды, которую носят бунтари, нарушители правил и аутсайдеры художественного мира, и что это значит для жить в нем.

Как и ее тема, книга сама по себе бросает вызов условностям в глянцевом царстве широкоформатных книг в твердом переплете; это издание Penguin, так что, конечно же, оно в мягкой обложке.Маленький, карманный, доступный, недорогой. «Это очень доступно», — говорит Портер. «И я надеюсь, что это побудит младших читателей открыть для себя этих художников. Одежда и разговоры об одежде — это путь».

Пингвин

Что носят художники

Чарли Портер amazon. co.uk

11,99 фунтов стерлингов

По словам Портера, невысказанный язык одежды — интуитивный, часто обыденный, повседневный выбор художников — может посылать сообщения, которые проливают свет на наш культурный и социальный ландшафт.«Последние несколько десятилетий художники ставили себя в центр своей работы с помощью видео, фотографии и перформанса, чего раньше никогда не было», — говорит он. «Поэтому одежда, которую они носят, тоже находится в центре работы. Они посылают сигналы зрителю».

Что это за сигналы? И как их расшифровать? Возьмите этот снимок Фрэнсиса Бэкона. Сфотографированный в своей студии в Южном Кенсингтоне в 1974 году, он сидит среди печально известного хаоса своего рабочего места, следы забрызганной краской брюк лежат на лохмотьях перед ним.И все же его одежда «свежая, сексуальная, модная, чистая». Почему? «Бэкон был художником неослабевающего контроля и хотел представить себя ответственным», — пишет Портер. «Когда он заканчивал работу, он переодевался и отправлялся в Сохо, готовый быть общительным и гламурным».

Бэкон в своей мастерской, 1974 год

Поместье Фрэнсиса Бэкона

На этом снимке изображены Гилберт и Джордж, совместный творческий дуэт, известный своими традиционными однобортными костюмами.Когда Портер замечает, как они гуляют по улице Ист-Энда летним вечером, он спрашивает себя, почему, учитывая, что они носят вполне обычную одежду, они выглядят такими причудливыми, вырванными из контекста и «странными»? «Какое влияние на нашу психику оказывает пошив одежды и зашифрованное в нем значение мужской силы?» он спросил.

Гилберт и Джордж в Поющая скульптура , 1992

Соннабенд/Методакт

А как же Жан-Мишель Баския, еще один художник, почитаемый за свой личный имидж? Он смешивал пошив одежды с покупками в комиссионных магазинах, работал моделью для Comme des Garçons и был одним из очень немногих художников, которые могли позволить себе дорогие дизайнерские тряпки, но при этом носили их, чтобы рисовать, курить, веселиться, принимая брызги краски и ожоги от сигарет как части. художественного процесса.«Язык того, что он носил — негабаритный, нестандартный, хаос под контролем — был сформирован задолго до его внезапной славы», — говорит Портер.

Жан-Мишель Баския на показе Comme des Garçons

Comme des Garçons

Любопытство Портера к предмету заразительно. Он красноречиво рассуждает об актуальности поразительного образа яркой молодой штучки Bloomsbury Group, Дункана Гранта, одетого в спортивный костюм, бросающего вызов «предположениям о том, что на самом деле носят некоторые мужчины», о свежести и современности Ричарда Гамильтона в джинсовом комбинезоне с поясом и белых одеждах. носки и «выступление против классификации» Ричарда Таттла в его слишком длинных брюках с молниями.Образы, безусловно, наводят на размышления. «Эта книга — не попытка обожествить то, что носят художники», — говорит он. «И это книга не о моде. Меня интересует грязная, грязная, обычная одежда, которая так много говорит нам о том, кто ее носит».

Что носят артисты Чарли Портера уже в продаже

Понравилась статья? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать больше подобных статей прямо на ваш почтовый ящик. Подпишитесь на Esquire прямо сейчас, чтобы получать новости о стиле, фитнесе, культуре и советы от экспертов

ПОДПИСАТЬСЯ

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти дополнительную информацию об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

Архивы одежды — Искусство мужественности

Последние новости

/ / /

Как сложить костюм для упаковки

Если вы путешествуете с костюмом, лучше всего доставить его в пункт назначения чтобы это не стало …

Полная статья

Как носить водолазку (и при этом не выглядеть слабаком)

Забавная штука с мужской водолазкой.Большинство предметов мужской одежды, которые были рождены в мире …

Полная статья

Минимальный гардероб: как выбрать швейцарскую армейскую шинель

Теперь, когда в нашем архиве более 3500 статей, мы решили переиздавать классическую вещь каждое воскресенье. к …

Статья полностью

Спортивные куртки, блейзеры и пиджаки: в чем разница?

Спортивные куртки. Костюмные пиджаки. Спортивные куртки. Большинство мужчин используют эти термины как синонимы, как и многие мужчины в одежде…

Полная статья

Полное руководство по закатыванию рукавов рубашки

Теперь, когда в нашем архиве более 3500 статей, мы решили переиздавать классическую статью каждое воскресенье. к …

Полная статья

Как и когда заправлять рубашку

Теперь, когда наш архив насчитывает более 3500 статей, мы решили переиздавать классическую вещь каждое воскресенье, чтобы …

Полная статья

Сколько раз можно носить Ваша одежда между стирками

Вам не нужно стирать все, что вы носите, после одного использования. На самом деле, стирая одежду после носки…

Полная статья

Осенняя куртка: рекомендация

Приближается осень, а это значит, что утром и вечером будет свежо и прохладно.В этом сезоне …

Статья полностью

Для чего нужен этот маленький карман на джинсах?

Нет ничего более американского, чем пара синих джинсов. Они являются таким элементом стиля, что вы, вероятно, …

Полная статья

Лучший путеводитель по мужским футболкам в Интернете

Теперь, когда в нашем архиве более 3500 статей, мы решили переиздать классическую каждую пятницу, чтобы …

Полный текст статьи

Как должна сидеть мужская классическая рубашка

Классические рубашки — это основной элемент мужского гардероба и рабочая лошадка в пошиве одежды, которые могут превратиться из нарядного в строгий повседневный стиль…

Статья полностью

Наглядный пример 10 распространенных моделей мужской одежды

Когда большинство мужчин покупают одежду, они делают ее простой, используя однотонные цвета и избегая узоров. Это не …

Статья полностью

Как сделать шорты из брюк (Шить не нужно!)

У вас есть пара старых штанов цвета хаки с потрепанными низами, пятнами и/или изношенными коленями…

Статья полностью

Руководство для мужчин по чистке и уходу за замшей

Замша — это кожаный материал, используемый для изготовления ремней, ремешков для часов, сумок и многого другого. Мужчины, скорее всего, …

Статья полностью

Как носить джинсовую куртку

Леви Страусу потребовалось десятилетие после создания первых в мире синих джинсов, чтобы понять, что материал …

Полная статья

Путеводитель для мужчин Тренч

  Пожалуй, ни один предмет одежды не романтизирован так, как тренч; из Южной Африки во Францию ​​до …

Полная статья

Как ухаживать за костюмом (и сделать его долговечным)

Костюм — один из самых дорогих предметов одежды или просто предметов одежды, которые вы когда-либо покупали .Таким образом, это …

Полная статья

Что можно и чего нельзя делать при ношении свитера с V-образным вырезом

Свитера являются неотъемлемой частью мужского гардероба в холодные месяцы; теплые и текстурированные, они оба …

Полная статья

4 спортивных пальто в гармоничном гардеробе

Мы много раз подчеркивали преимущества спортивных пальто здесь, на AoM: они делают вас лучше, больше . ..

Статья полностью

Как правильно выбрать воротник классической рубашки для вашей формы лица

Воротник классической рубашки, возможно, является ее основным центральным элементом, поскольку это не только самая заметная часть . ..

Полная статья

Искусство мужественности
Copyright © 2022 Все права защищены

Искусство мужественности участвует в программах аффилированного маркетинга, что означает, что мы получаем комиссионные за выбранные редакцией продукты, приобретенные по нашим ссылкам. Мы рекомендуем только те продукты, которые нам действительно нравятся, и покупки, сделанные по нашим ссылкам, поддерживают нашу миссию и бесплатный контент, который мы публикуем здесь, на AoM.

Когда одежда становится произведением искусства

Неустанно вдохновляясь миром искусства, дизайнеры и люксовые бренды всегда черпали вдохновение в работах величайших художников, а некоторые даже воспроизводили настоящие произведения искусства на текстиля и, таким образом, стирая границы между двумя дисциплинами, модой и искусством.Доказательство на пять.

Эльза Скиапарелли и сюрреализм Дали

С 1930-х годов коллекции Эльзы Скиапарелли неоднократно акцентировались сотрудничеством с Сальвадором Дали. Буйный итальянец обязан буйному воображению Дали реальными творениями, такими как пудровый циферблат «телефонный набор», «туфля-шляпа» или «платье-скелет». Без сомнения, самым известным творением остается платье Lobster, представленное во время коллекции Haute Couture Summer 1937.

Это далеко не одностороннее сотрудничество, это скорее обмен между двумя художниками. В свою очередь, Dali вдохновлен инновационными творениями Schiaparelli . В своей картине « Ночное белье и день » в 1936 году он наложил на холст два знаковых творения Скиапарелли: платья на молнии и очень заметные плечи.

С Эльзой Скиапарелли границы между искусством и модой настолько размыты, что ее современная соперница Коко Шанель описывает ее как «художницу , которая делает одежду ».Ее окружают величайшие художники своего времени, включая Энди Уорхола, Пабло Пикассо и Жана Кокто. Сегодня, после 90 лет существования, дом Haute Couture не утратил своей привлекательности к искусству, о чем свидетельствует каждая из его коллекций, часто перемежающихся принтами в стиле trompe-l’oeil , дорогими дизайнеру. .

Культовое платье-лобстер на показе Schiaparelli весна-лето 2017. Фото: Дефиле — Getty Images

Ив Сен-Лоран и абстракция Мондриана

Символическое платье Мондриана, придуманное Ивом Сен-Лораном в 1965 году, сразу же становится событием во время осенне-зимнего показа высокой моды «Дань Мондриану».Непосредственно вдохновленный абстрактной работой художника Пита Мондриана, он демонстрирует ярко выраженный вкус к искусству того, кого уже прозвали «, маленький принц моды ».

В отличие от стиля того времени, Saint Laurent предлагает прямых и красочных платья, которые вытесняют код . Хотя оно является частью коллекции из десяти вещей, вдохновленных голландской художницей, платье Мондриана — единственное, которое вызовет столько эмоций.

Великий коллекционер произведений искусства и меценат, французский кутюрье регулярно погружается в работы художников, которыми он дорожит.Результатом стали такие творения, как платье, посвященное американскому художнику Тому Вессельману в 1966 году, платье, вдохновленное картинами Матисса в 80-х, накидка, посвященная Жоржу Браку в 1988 году, или кубистическое платье, вдохновленное Пикассо.

Модель Катуча в платье, вдохновленном Пабло Пикассо, во время показа Yves Saint Laurent весна-лето 1988 года. Создатель дома Versace был любителем современного искусства.Его коллекция «Весна 1991» — идеальный пример: на подиуме платья и комбинезоны с принтами , вдохновленные красочными полотнами Энди Уорхола , такими как знаменитый двухцветный портрет Мэрилин Монро, сменяют друг друга.

Наоми Кэмпбелл в 1991 году на показе Versace.
Фото предоставлено Джорджем Роузом — Getty Images

Четверть века спустя Донателла Версаче отдала дань уважения своему брату во время Парада Весна-Лето 2018, переиздав из архивов Дома эти платья с явно выраженным духом поп-арта.

Миучча Прада и уличное искусство

Увлеченная современным искусством, Миучча Прада сотрудничала с шестью художниками для своего показа Весна-Лето 2014, включая художников Эль Мака, Меса, Габриэля Спектера и Вонючку, а также иллюстраторов Пьера Морне и Жанну Деталланте. . Их работы заполонили не только стены места, где проходил парад, но и сумки и одежду итальянского бренда. Присвоив городское искусство таким образом, дизайнеру удалось добиться успеха на улице .

Иллюстрация барселонского уличного художника Месы на платьях Prada для показа весна-лето 2014.
Фото: Imaxtree

В 1995 году вместе со своим мужем она создала фонд Prada в Милане, целью которого является предложить новое видение современного искусства, поддерживая его. Миучча Прада по прозвищу « интеллектуал моды » вкладывает в каждую из своих коллекций свою любовь к искусству и исследует все его грани, о чем свидетельствует его весенне-летний парад 2018 года, вдохновленный миром комиксов.

Парад весна-лето 2018, вдохновленный американской космикой. Фото: Даниэле Оберраух — Imaxtree

Louis Vuitton и современное искусство Джеффа Кунса

С 2014 года Фонд Louis Vuitton в Париже также поддерживает современное художественное творчество, как французское, так и международное, и стремится сделать его доступным для как можно большего числа людей. насколько это возможно. В истории сотрудничества между миром роскоши и миром искусства сотрудничество между французской компанией по производству изделий из кожи и американским художником по пластике, несомненно, является самым спорным.Некоторые критики даже ставят под сомнение легитимность Джеффа Кунса как художника.

В этой серии под названием «Мастера» шедевры Леонарда Де Винчи, Клода Моне, Винсента Ван Гога или Поля Гогена надевают на сумки и аксессуары парижского молотильщика. Дань величайшим именам в живописи, которую современный художник Джефф Кунс хотел воздать, превратив сумки Louis Vuitton в шедевры живописи.