В то время как критерии Бретона для создания сюрреалистических объектов были относительно бойкими, главной заботой — хотя поэт не озвучил ее — были острые, если не сатирические отсылки объектов к фрейдистскому символизму, включая часто гротескно-эротические и комично-антропоморфные. Дали сразу же воспринял идею сюрреалистического объекта, когда он впервые присоединился к движению в 1929 году. Он особенно наслаждался и часто пародировал некоторые концепции Фрейда, в основном из «Трех эссе о сексуальности» Фрейда , которые в то время приобрели огромную известность благодаря своим связям с проблемы кастрации, генитальный символизм объектов и сексуальный фетишизм.Дали также явно увлекся идеей объектного анимизма, описанной Фрейдом в его эссе 1919 года «Жуткое».

В дополнение к созданию ряда ныне известных сборок, Дали также много писал о сюрреалистических объектах в начале 1930-х годов, например, его эссе 1931 года «Сюрреалистические объекты», опубликованное во французском авангардном журнале Le Surréalisme au Service de la Révolution. . В этом эссе он создает общий каталог шести типов объектов, в том числе «Объекты, функционирующие символически», «Объекты, которые нужно бросать» и «Объекты-машины».Год спустя он опубликовал аналогичное эссе для журнала This Quarter под названием «Объект, обнаруженный в сюрреалистическом эксперименте», в котором он обрисовывает концептуальный рост объекта и предполагает, что он прошел четыре различных этапа. Они, по-видимому, варьировались от антропоморфных предметов до «предметов из состояния сна», от кинетических или интерактивных предметов, которые Дали описывает как «предметы, функционирующие символически», до предметов, которые имеют тенденцию «приводить к нашему слиянию с [ими] и заставляют нас стремиться к формированию». единения с [ними] (жажда предмета и съедобных предметов).Последние, пишет он, отражают стремление «составить с ними единое целое» из-за « нового голода », от которого «мы» страдаем. «По мере того как мы обдумываем это, — поясняет он, снова указывая на вопросы потребления, — мы вдруг обнаруживаем, что недостаточно пожирать вещи глазами, и наше стремление активно и действенно присоединиться к их существованию приводит нас к хочу съесть их ».

В 1932 году Дали выставил два объекта в галерее Пьера Колле в Париже, один из которых под названием Гипнагогические часы воплощал то, что можно было бы назвать его идеалом съедобного.По словам художника, он «состоял из огромной буханки французского хлеба, поставленной на роскошный пьедестал». На обратной стороне буханки Дали отмечает, что «прикрепил в ряд дюжину бутылочек с чернилами, наполненных чернилами «Пеликан», и в каждой бутылочке была ручка разного цвета». Из-за своей эфемерной природы этот объект не сохранился, но, как и другие его сюрреалистические сборки, такие как его известная конструкция обуви под названием Скатологический объект, функционирующий символически (Сюрреалистическая обувь) 1931 года, часто где-то в письме Дали неизменно туманное или донкихотское «объяснение» этих работ или того, как их «использовать».В этом случае Тайная жизнь снова проливает свет на то, как можно предположительно относиться к хлебным конструкциям Дали, шутливо или иначе. Описывая в своей автобиографии создание объекта, похожего на Гипнагогические часы , Дали пишет:

Однажды я полностью выдолбил конец буханки хлеба, и как ты думаешь, что я в него положил? Я поставил бронзового Будду, металлическую поверхность которого я полностью покрыл мертвыми блохами, которых я прижал друг к другу так плотно, что казалось, что Будда целиком состоит из блох.Что это значит, а? Поместив Будду внутрь хлеба, я закрыл отверстие деревяшкой и зацементировал все, включая хлеб, герметично запечатав его таким образом, чтобы образовалось однородное целое, похожее на маленькую урну, на которой Я написал «Horse Jam». Что это значит, а?

«Меня постоянно спрашивали, — пишет Дали, — что это значит? Что это значит?» — вопрос, который художник якобы, путем кажущихся абсурдными или невыполнимыми разъяснений или просто обходя вопрос, оставляет открытым.Дальнейшие исследования, однако, продолжают приводить к богатому разнообразию значений, которые Дали приписывает хлебу, выраженным должным образом, хотя и загадочно.

Рассматривая использование хлеба в своем творчестве, ученый Дали Дон Адес утверждает, что «Дали переворачивает идею хлеба как «посоха жизни» с ног на голову», что художник и сделал с одним из своих самых известных сюрреалистов. объекты, работа 1933 года под названием « Ретроспективный бюст женщины » (рис. 1). Этот bricolage состоял из коммерческого фарфорового бюста fin-de-siècle , изображавшего женский торс и голову, которая использовалась для демонстрации шляп и накидок.Дали украсил найденный предмет в перевернутой пародии на парижскую моду колосьями сушеной кукурузы, напоминающими палантин. На шею он прикрепил ошейник, сделанный из полоски бумаги детской игрушки девятнадцатого века «Зоотроп», на которой были напечатаны мультяшные изображения танцующего мальчика. Голова фигуры кишит фирменными муравьями художника и щеголяет пернатой тюбетейкой, которая сама украшена большой буханкой хлеба; в буханку художник вставил бронзовую чернильницу, изображающую французскую крестьянскую пару с знаменитого полотна Жана-Франсуа Милле 1859 года « Ангелус » в их характерном молитвенном позе.

Благодаря абсурдному сопоставлению маловероятных атрибутов этот объект имеет непосредственную визуальную привлекательность, и Дали подрывает любую возможную экзегетическую серьезность в замечании, которое он делает в подписи к фотографии работы в Тайная жизнь . В то время как этот объект может быть истолкован как нечто сверхъестественное, или как метафора потребления женского образа, или как мода, воплощенная в причудливых нарядах манекена, Дали обыгрывает его комический потенциал. Написав о том, что Ретроспективный бюст женщины впервые был выставлен в Салоне Surindépendents в Париже в 1933 году, он объясняет, что Пикассо посетил выставку со своей собакой.Хотя реакция Пикассо на работы Дали не зафиксирована, его собака, блаженно не знающая галерейного этикета и лишенная почтения к предмету искусства, по-видимому, «набросилась на буханку хлеба и сожрала ее», эффективно стирая грань между искусством и искусством. повседневный предмет.

КРАСНЫЙ ХЛЕБ

Как он описывает в своих мемуарах, Дали был сильно озабочен хлебом в ранние сюрреалистические годы, и в 1932 году, в том же году, когда Гипнагогические часы были выставлены, он написал по крайней мере пять полотен, на которых хлеб является основным символом. Или, скорее, учитывая неизменно антропоморфный аспект упомянутого хлеба и повествовательный смысл содержания, возможно, эти произведения можно было бы более точно описать как хлеб в качестве главного героя. Действительно, художник перенес многие несочетаемые, причудливые и, должно быть, комедийные аспекты сюрреалистического предмета в изображении различных хлебов маслом на холсте, в которых все его багеты имеют определенные личности. Они также, по большей части, однозначно фалличны, поскольку Дали обыгрывает длинную тонкую форму хлеба и даже инсценирует их в эротических сценариях.

Первым из них является его Антропоморфный хлеб , около 1932 года, на котором изображена фаллическая и, несомненно, прямостоящая буханка, завернутая в белый мешок, похожий на крайнюю плоть (рис. 2). Это миниатюрное масло, выполненное в палитре с преобладанием выжженного оранжевого и лазурно-голубого, театрально освещает то, что можно было бы назвать головой хлебной «фигуры». Прислоненный к стене, этот метко описанный «посох жизни», кажется, готов к действию, а название работы « Антропоморфный хлеб » прямо объясняет сверхъестественное чувство буханки, повторяя образ Дали о «живом хлеб, или хлеб как суррогат человеческой фигуры.

Дали выполнил вторую картину хлеба в 1932 году, Антропоморфный хлеб — Каталонский хлеб , на котором изображена аналогичная буханка, расположенная горизонтально, свисающая с одних из фирменных мягких часов художника, а также знакомая чернильница и появившаяся белая бумага или одеяло. в Антропоморфный хлеб , отодвинутый назад, чтобы его можно было удерживать с одной стороны веревкой (рис. 3). Изображая сложную и очень резонансную конструкцию, сделанную, по большей части, из простых повседневных материалов, эта работа ясно намекает на сюрреалистический объект, представленный в двух измерениях, и на то, что Дали работал с похожей идиомой в другой среде.В этом рендеринге объект явно стал вялым, а стоячее перо в чернильнице служит фольгой для вспучивающегося хлеба, для удержания которого требуется веревка. Это предположение подкрепляется присутствием мягких часов Дали, свисающих над сковывающим хлебом и завернутыми в карман, похожий на презерватив. По сравнению с Антропоморфным хлебом , в котором фигурирует жесткий и энергичный багет, эта работа предполагает полную противоположность, мобилизуя различные образы вялости в метафоре полового бессилия. То, что Дали цитирует специфически каталонский хлеб, также предполагает, что эта работа является самореферентной, указывая на Дали, каталонца, и выражая его собственные сексуальные страхи и дисфункции острым, хотя и карикатурным образом.

В третьей картине о хлебе, написанной в 1932 году, фаллизм буханки хлеба представлен еще более комично прямолинейно, а сюжет картины заметно преодолел любую сексуальную дисфункцию. Точное название, возможно, исключает необходимость в описании: Средний французский хлеб с двумя яйцами на тарелке без тарелки, верхом, попытка содомизировать крошку португальского хлеба (рис. 4).Как и в случае с предыдущими упомянутыми картинами, Дали снова рисует работу, используя резко атмосферную светотень, выделяя хлеб драматическим, застенчиво постановочным освещением и используя приглушенную палитру, напоминающую картины голландских старых мастеров. Французский хлеб Дали с парой похожих на яички яиц, взгромоздившихся на его нижнюю часть и корку португальской буханки, поднимает фаллическую сатиру Дали на уровень порнографии. Наиболее показательно, что здесь художник также предлагает националистическое соперничество, противопоставляя французский багет португальскому хлебу, тем самым индексируя фаллические сравнения, присущие культурной конкуренции, графически представленные в спорте и политике, и, вероятно, как это было принято во всем творческом корпусе Дали, ссылаясь на конкретное событие в текущих делах периода.

Следуя образу прямостоящей буханки, бессильной буханки и двух буханок хлеба, вовлеченных в половой акт, Дали еще глубже продвигает эротическую хлебную палочку на фаллическую территорию в еще одном маленьком масле того же года под названием « Женщина и каталонский хлеб». . На этот раз работа сосредоточена на более романтическом видении бестелесного испанского хлеба, который, кажется, ласкает грудь обнаженной до пояса блондинки, по-видимому, по собственной воле (рис. 5). Грубо выполненная и с небольшим количеством деталей, эта небольшая картина, скорее всего, является масляным наброском, а не законченной работой, хотя ее зернистая текстура и нехарактерно грубая и быстрая работа кистью также предполагают искаженное зрение, как если бы зритель был вуайеристом, смотрящим на это через стеклянное окно. странная эротическая сцена.Помещенная на этот раз в более знакомый контекст, взаимодействуя с человеком, а не просто сосредотачиваясь на тревожном и изолированном анимизме, эта картина, возможно, больше, чем предыдущие картины 1932 года, связанные с хлебом, предлагает буханку как суррогат человеческого присутствия. или, может быть, сам художник. Это делает работу не столько сюрреалистическим исследованием фаллического объекта, сколько анимированной виньеткой.

Пятая и последняя живописная работа того, что можно назвать сюрреалистическим «годом хлеба» Дали, называется «Человек-невидимка ».Это полотно смещает акцент с сексуальной символики, окрашенной современным интересом к трудам Фрейда, на научную фантастику и явно носит повествовательный характер (рис. 6). Действительно, придерживаясь своей приверженности поп-культуре, художник ссылается в названии работы на известную и чрезвычайно популярную научно-фантастическую повесть Герберта Уэллса 1897 года, по которой в следующем году будет снят фильм Universal Pictures с Уильямом Харриганом в главной роли. Здесь три буханки хлеба являются главными сюжетами картины, действие которой происходит в тесной комнате с крошечным окном.И снова Дали использует драматическое освещение с преобладанием теплых оттенков в полутеневой палитре, что подчеркивает театральный характер мероприятия.

Первая буханка представляет собой нарезанный багет, лежащий на столе; вторая, хлебная палочка, балансирующая на спинке стула, а третья, вертикальная буханка, сидит на самом стуле, на котором виден отпечаток человеческого тела. Что касается последнего, художник вполне мог быть вдохновлен утверждением Уэллса о том, что когда невидимый главный герой его книги ел, его пища можно было увидеть через его желудок, и она оставалась таковой до тех пор, пока не была переварена.Этот жест недвусмысленно превращает хлеб в означающее для невидимого сидящего и выдвигает на первый план поразительно металингвистическим образом саму функцию метафоры, где присутствие одной вещи указывает на существование другой. Ясно, что этот аспект творчества Уэллса, в котором пищу можно рассматривать сквозь невидимое человеческое тело, понравился Дали, поскольку он резонировал с его собственным «прозрением» о чудесной природе хлеба: что «он мог стоять, не быть съеденным!» Однако в этом случае хлеб мог подняться только после того, как был съеден.

ВЫПОЛНЕНИЕ ХЛЕБА

В руках Дали буханка хлеба могла стать тревожно антропоморфной и явно сверхъестественной, хотя, возможно, потенциал хлеба как конкретного и неизменно перемещаемого объекта привлекал художника больше всего, особенно с точки зрения комедийных возможностей, и особенно как опора в его бесконечный цикл производительности и перформативности. В то время как буханки могли тыкаться носом в женские груди, бороться с сексуальной дисфункцией, откидываться на стульях, дерзко позировать на женских головах и энергично изнасиловать друг друга, Дали тоже мог использовать энергию хлеба в своих целях, материализовавшись на сцене собственного маскарада как эксцентричный художник и непревзойденный сюрреалист.Действительно, для Дали антропоморфные элементы, вездесущие среди его сюрреалистических объектов, созданных из хлеба, и неизменно разумные буханки на его картинах 1932 года напрямую переходят в его собственное использование хлеба в перформативных аспектах его творчества, где сам художник становится катализатором анимизм объекта.

С точки зрения перформанса буханки хлеба появляются на протяжении всего творчества Дали в фильмах, постановочных фотографиях и публичных выступлениях, в основном сидящих на головах людей, подобно Ретроспективный бюст женщины .Ранний пример использования Дали хлеба в этом качестве в своей перформативной практике описан в его мемуарах. Этот эпизод начинается с его описания инструкций, которые он дал двум помощникам во время лекции, которую он прочитал в начале 1930-х «перед революционной группой с преимущественно анархистскими наклонностями». Запросив большую буханку хлеба и несколько кожаных ремней, художник направил своим помощникам:

В какой-то момент своей речи я сделаю жест рукой и скажу: «Принеси!» Затем двое из вас должны выйти на сцену, пока я говорю, и привязать буханку хлеба к моей голове ремнями, которые нужно пропустить под каждой рукой.Обязательно держите буханку горизонтально.

Наконец, художник настаивает: «Эта операция должна быть выполнена со всей серьезностью и даже с оттенком зловещего».

Во время выступления Дали, который описывает себя как одетый с «провокационной элегантностью», утверждает, что довел толпу до исступления, произнося «самые грубые непристойности», которые «никто никогда не слышал публично». В то время как зал начал «рычать, как лев», он махнул рукой, и помощники подошли и начали привязывать большой каравай к его голове, к заметному изумлению толпы.«Когда хлеб был прикреплен к моей голове, — продолжает он, — я вдруг почувствовал, что заражаюсь всеобщей истерией, и во всю силу легких начал кричать свое знаменитое стихотворение о «Гнилом осле». В этот момент в зале находился доктор-анархист с багровым лицом и седой бородой, якобы, охваченный «приступом настоящего безумия», и, наконец,

После тирады моих матов, которая еще звенела у всех в ушах, явления буханки хлеба на моей голове и приступа белой горячки старого доктора, вечер кончился невообразимым всеобщим смятением.

Абсурдно-церемонное «кукареканье» Дали буханкой хлеба послужило в данном случае катализатором путаницы, иллюстрируя творческую свободу и доводя анархию до художественной крайности. Ссылаться на него исключительно как на часть так называемого «завоевания иррационального» Дали или его характерной настойчивости на абсурдном или непостижимом — значит отрицать действие этого жеста с точки зрения саморекламы Дали или его попыток социального комментария. Действительно, подобные спектакли продолжали закреплять концепцию «далинского хлеба» как «бренда» или устройства Дали, а также резонировать с постдепрессивными рассуждениями об изобилии и бедности.Это, возможно, более очевидно в другом предложенном хлебном проекте начала 1930-х годов, который позже превратился в тщательно продуманный план, предложенный Дали, чтобы основать «тайное общество хлеба». В последующем описательном отрывке художник подробно описывает свой план грандиозного авантюрного хеппенинга, перформанса или искусства окружающей среды. Идея заключалась в том, чтобы испечь колоссальные буханки хлеба, длиной от пятнадцати до сорока пяти метров, и анонимно оставить их в различных элитных местах по всему миру, таких как внутренние сады Пале-Рояль, двор Версаля и в Нью-Йорке между Savoy-Plaza и отелем St. Мориц. Описание Дали проекта, как он писал о нем в начале 1940-х годов, было чисто предположительным, хотя следует отметить, что в 1958 году Дали удалось найти пекаря, способного выполнить часть этого проекта. У него художник заказал выпечку двенадцатиметрового багета, который использовал для иллюстрации своей лекции о теориях физика Вернера Зайзенберга в Театре Звезды в Париже.

По словам художника, этот тип операции был задуман как отправная точка,

в соответствии с моими принципами воображаемой иерархической монархии можно было бы впоследствии попытаться систематически разрушить логический смысл всех механизмов рационально-практического мира.

Несмотря на эту заумную рационализацию проекта и несмотря на тот факт, что Дали редко рассматривается с точки зрения политической активности или комментариев, предлагаемое размещение этих массивных батонов в самых известных центрах роскоши читается как заметное подчеркивание несоответствий между привилегия и бедность, то есть между грубым изобилием, которым наслаждаются богатые, и отсутствием у бедняков доступа к хлебу. Для последнего хлеб функционировал в его более широком, традиционном смысле, как символ базовой поддержки.Таким образом, «тайное общество хлеба» поднимает ряд вопросов, касающихся доступа к еде, расточительства и антиподов ее распределения, придавая новый смысл знаменитому выражению Марии-Антуанетты «пусть едят пирожные».

Насколько Дали был увлечен испанской политикой и событиями гражданской войны в Испании, он должен был хорошо знать книгу, которая была настоящей Библией для левой фракции до и во время конфликта. Это была книга «Завоевание хлеба », написанная русским анархистом-коммунистом Петром Кропоткиным и впервые опубликованная в 1892 году.В нем автор осуждает капитализм и называет его основной причиной бедности, предлагая различные решения, ориентированные на социализм. В то время как Дали должен был перейти от ярых коммунистических взглядов в начале-середине 1930-х годов к решительно реакционной, профранкистской позиции после гражданской войны в Испании, метафора, присущая фразе «Завоевание хлеба» и ее подразумеваемый комментарий к социальным неравенство, было то, что Дали хорошо знал, будет резонировать с его хлебным проектом, предполагая его личное «завоевание хлеба» в области художественной практики и потребления.

ДВЕ КОРЗИНЫ ХЛЕБА

В то время как Дали часто использовал образы или настоящие буханки хлеба в своей визуальной практике, он также включил символику хлеба в свои произведения. Это наиболее очевидно в его автобиографии, в которой художник использует хлеб для индексации своих сюрреалистических работ, от которых к моменту написания своих мемуаров он отказался в пользу новой эстетики. Назвав его «классическим», Дали основал этот новый стиль на академических и ренессансных моделях. В The Secret Life степень, в которой он связывал работу своего сюрреалистического периода с хлебом, становится ясной, когда художник обсуждает свое отношение к Америке и свой первый визит в Новый Свет в 1934 году.»Америка!» он пишет: «Я хотел пойти туда и посмотреть, каково это, принести свой хлеб, положить мой хлеб туда; скажи американцам, что это значит, а?»

Поэтому неудивительно, что во время своего первого путешествия в Америку на корабле Дали сумел заставить булочника на «Шамплейне» испечь ему буханку хлеба длиной два с половиной метра. Укрепленный деревянной арматурой, чтобы он не сломался, и завернутый в целлофан, художник хвастался попутчикам, что ему не терпится поговорить с репортерами на берегу.«Я люблю получать огласку, — объявляет он, продолжая — снова вызывая библейские образы, — и если мне повезет, и репортеры узнают, кто я такой, я дам им поесть немного своего собственного хлеба, как святой Франциск. делал с птицами». Прибыв на берег, Дали встречает толпа репортеров, все из которых, по словам художника, были «удивительно хорошо осведомлены о том, кто я такой». Однако в одном из своих комических оборотов он на самом деле оказывается безмерно разочарованным тем, что во время интервью ни один репортер не спросил об огромном багете, который он «держал на виду в течение всего интервью либо на моей руке, либо покоился на земле, как будто это была большая трость.

Согласно повествованию, изложенному в его весьма приукрашенных романистических мемуарах, в то время как Париж с энтузиазмом воспринял сюрреалистические работы Дали и, следовательно, его сюрреалистический «хлеб», Америка явно не отреагировала на этот особый художественный тариф. И это несмотря на то, что Дали описывает как «наиболее прямо эксгибиционистский способ показать свою одержимость хлебом», который заключался в том, чтобы выставлять напоказ свой огромный багет по улицам Нью-Йорка, пока он не стал безнадежно сухим и помятым. Дали снова церемонно использует символику хлеба; на этот раз, чтобы обозначить свой разрыв с сюрреалистической практикой в ​​Америке.

Когда его буханка рассыпалась на тротуаре перед «Уолдорф-Асторией», Дали пишет, что ровно в двенадцать часов дня он решил выбросить ее, хотя перед этим поскользнулся и упал. Это заставило хлеб расколоться пополам и ускользнуть на некоторое расстояние. Полицейский немедленно прибыл, чтобы помочь ему подняться с земли, и когда художник огляделся, он обнаружил, что две половинки хлебной палочки полностью исчезли. Согласно траектории «Тайная жизнь », которая отображает переход от парижского сюрреалистического периода Дали к началу его восьмилетнего изгнания в Америке, месте рождения его новой «классической» фазы как художника, в этот момент хлеб, как и сюрреализм, исчезает из The Secret Life . Хлеб Дали, как эмблема его сюрреалистической эстетики и карьеры, очевидно, не нашел места в Америке и, сухой, осыпающийся и израсходованный, он разломился пополам и исчез, как буквально, в виде его уклончивой буханки, так и символически, как присутствие в его мемуарах.

Параллельно с написанием своей автобиографии в начале 1940-х годов в Америке картина на тему хлеба, которую Дали написал около девятнадцати лет назад во время своего юношеского, досюрреалистического экспериментального периода, внезапно приобрела новое значение для художника.Это был номер «Корзина хлеба» 1926 года, на котором изображена деревенская корзина с несколькими кусочками нарезанного хлеба. Как и в своих картинах о хлебе 1932 года, здесь Дали снова применил поразительную светотень, поместив светящиеся центральные изображения на абсолютно черном фоне, чтобы обеспечить контраст корзине и ее содержимому, которые были благоговейно помещены на белую ткань, покоящуюся на столе. деревянный стол (рис. 7). Этот простой, недвусмысленный натюрморт, выполненный в стиле старых мастеров, стал образцом технических способностей Дали и показателем его мастерства в академическом изображении и предмете.

Корзина с хлебом была написана, когда художнику было всего двадцать два года, до этого момента его творчество было определенно абстрактным, уже прошедшим этапы импрессионизма, новой объективности, кубизма, пуризма и другие стилистические фазы, прежде чем он должен был вступить в ряды сюрреалистов в 1929 году. Следуя этой линии наследования, можно предположить, что в то время, когда художник выполнял Корзина хлеба , он испытывал пределы своего технического мастерства, решительно работая в технике старых мастеров, которая напоминал любое количество итальянских или, точнее, голландских картин эпохи Возрождения.Однако работа испанского художника семнадцатого века Франсиско де Сурберана, любимца Дали, является самым непосредственным ориентиром.

Эта картина не похожа ни на одну из других работ Дали до или после того периода, когда она была написана, и, по-видимому, лишена иронии, юмора или каких-либо современных влияний. Художник демонстрирует здесь бесспорное техническое мастерство, что произвело заметное впечатление на американскую прессу, когда картина была выставлена ​​на Двадцать седьмой Международной выставке картин в Институте Карнеги в Питтсбурге в 1928 году — это была одна из трех первых работ художника. Дали будет выставлен в США.Хотя нога Дали впервые ступила в Соединенные Штаты только четыре года спустя, эта картина, по сути, представила художника американской публике, которая в конечном итоге с энтузиазмом восприняла его как плодовитого и эксцентричного сюрреалиста. следующее десятилетие. Однако во время написания «Тайная жизнь » Дали ясно почувствовал, что сюрреализм исчерпал себя, и даже начал называть себя «анти-сюрреалистом». В этот момент он, очевидно, полагал, что сможет привлечь более широкую аудиторию в Новом Свете, вернувшись к работе, представленной в «Корзина хлеба» .«Стать классикой!» был его новым боевым кличем в каталогах выставок и его автобиографии, и, покончив со своим «сюрреалистическим хлебом», он теперь принял новый вид «хлеба», то есть новый художественный стиль: тот, в котором он продолжал активно исследовать хлеб как художественный предмет и средство.

Именно под этой эгидой Дали снова начал экспериментировать, почти два десятилетия спустя, со стилями старых мастеров, ренессанса и академического стиля, как он это сделал в картине маслом 1945 года под названием «Корзина хлеба », часто публикуемой с подзаголовком . Скорее смерть, чем позор , работа, которая сознательно возвращается к его эксперименту 1926 года (рис. 8).То, что это полотно предназначено для отсылки к его более ранней и довольно известной корзине с хлебом , установлено в эссе-каталоге, подготовленном для выставки, проходившей в ноябре и декабре 1945 года в галерее Биньоу в Нью-Йорке. Именно здесь Дали заявляет о своем увлечении хлебом, как описано в начале этой статьи, как о «старейшем фетишистском и навязчивом предмете» в его творчестве. «Я нарисовал тот же предмет девятнадцать лет назад, — объясняет он. «Проводя точное сравнение двух картин, можно изучить всю историю живописи, от линейного очарования примитивизма до стереоскопического гиперэстетизма.

Хотя утверждение Дали характерно заумно, при ближайшем рассмотрении становится очевидным, что художник не просто возвращается к традиционализму своего первого «Корзина хлеба» . Несмотря на внушительную и дотошную академическую технику, это и другие работы «классического» этапа, начавшегося примерно в 1939 году, на самом деле представляли собой своего рода карикатурную инверсию академического и ренессансного стилей. В них неизменно упоминались, с тонким и часто угрожающим юмором, темы, связанные в первую очередь с текущими событиями, и в первую очередь с гражданской войной в Испании и Второй мировой войной.Это очевидно в более поздней работе Дали «Корзина хлеба ». В этой работе художник отказался от тонкой белой ткани и подразумеваемого благоговейного отношения к предмету, а поставил новую корзину на суровый деревянный стол эпохи депрессии, куда корзина с пяткой хлеба была задвинута на стол. краю стола. Хотя такое позиционирование само по себе вряд ли может показаться примечательным, название работы предполагает, что это еще одна анимистическая интерпретация хлеба, в которой Дали объединил свой зурберанский стиль 1926 года с антропоморфным, «комедийным» хлебом своего сюрреалистического периода. придал этому хлебу своего рода «душу».Подзаголовок работы, Скорее смерть, чем позор , относится к «самоубийству чести», а хлеб — просто пятка, и поэтому, по-видимому, в конце своей полезности и жизни — взгромоздился на край стола. на мрачном черном фоне, как будто на краю собственной гибели.

В каталоге Bignou Дали пишет, что написал эту картину за два месяца, в течение которых «произошли самые ошеломляющие и сенсационные эпизоды современной истории». Картина была закончена, утверждает он, «за день до окончания войны.Следовательно, настойчивость художника в отношении политических рамок создания этого полотна и дат его исполнения явно предполагает, что «ошеломляющие и сенсационные эпизоды современной истории» должны быть учтены при любом его анализе. Таким образом, с точки зрения предмета, самым непосредственным упоминанием «самоубийства чести», произошедшего в последние два месяца Второй мировой войны, во время агонии Третьего рейха, был Адольф Гитлер.

Нацистский диктатор, предмет хорошо задокументированного увлечения Дали, на самом деле выбрал смерть, а не неизбежный позор пленения, ожидавший его от рук советской армии, которая собралась у его бункера, продвигаясь по улицам города. Берлин.В результате Гитлер принял решение покончить жизнь самоубийством 30 апреля 1945 года. То, что Дали изобразил Гитлера в виде пятки буханки хлеба, отсылает к «моральным голодам», которым, как он утверждает, подвержены люди в эпоху современности. . В одном из своих самых известных эссе «Завоевание иррационального» 1935 года Дали цитирует немецкий народ, страдающий от такого голода, и утверждает, что его обращение к Гитлеру и национал-социализму заполняет нишу, ранее занятую религией. Последователи Гитлера, пишет он, «систематически кретинизированные машинизмом» и «идеологической неустроенностью», помимо прочих недугов, «тщетно пытаются вгрызться в старческую и торжествующую мягкость пухлой, атавистической, нежной, милитаристской и территориальной спины любого гитлеровского няня.Этот «иррациональный голод, — продолжает он, — ставится перед культурным обеденным столом, на котором находятся только… . . холодные и невещественные остатки». Как таковая, эта интерпретация драматически подчеркивает степень, до которой Дали расширяет простую иконографию банальной буханки хлеба от комедийной, фаллической и антропоморфной до метафоры самоубийства самого ужасного и влиятельного человека. политический деятель ХХ века.

Словно для того, чтобы еще больше продемонстрировать необычайную многогранность своей иконографии, в том же каталоге выставки галереи Бигноу Дали снова обращается к хлебу как к метонимии чего-то, что не могло быть дальше от текущих событий того периода.Это относится к написанной им в 1944 году картине с изображением его любимой жены Галы под названием Галарина (рис. 9). В очередной раз в скрупулезном «классическом» стиле Дали, отсылающем к эпохе Возрождения и академической живописи, эта работа изображает Галу на уже знакомом абсолютно черном фоне. Она изображена выше талии, со скрещенными руками, а ее мягкая белая хлопчатобумажная рубашка оставлена ​​открытой, чтобы обнажить идеальную обнаженную грудь.

В каталоге Дали объясняет, что работа называется «Галарина» в связи со знаменитой картиной Рафаэля около 1518 года « Форнарина », на которой было похожее изображение любовницы художника эпохи Возрождения, Маргариты Лути, дочери пекаря («форнарина» в отношении муки). и выпечка).Никакого другого упоминания или изображения хлеба на холсте не появляется явным образом, но, по словам художника, «без предварительного обдумывания здесь снова… . . хлеб!» В пояснении к произведению он продолжает: «Скрупулезный и проницательный анализ выявит на свет скрещенные руки Галы, выглядящие как сплетение корзины, ее грудь, как конец хлеба». Далее Дали объясняет в нехарактерно бойкой интерпретации собственных работ свое «подсознательное желание поглотить ее» и тем самым слиться с объектом своей преданности и постоянно питаться ее любовью.«Теперь, когда Гала поднялась в геральдической иерархии моего дворянства, — пишет он, — она стала моей корзиной хлеба».

ХЛЕБ И ТЕЛО СПАСИТЕЛЯ

После «классического» этапа Дали, который длился примерно до 1948 года и был представлен в «Корзине хлеба — скорее смерть, чем позор», художнику предстояло перейти к новому этапу своей карьеры, который он назвал «ядерным мистицизмом». Это единоличное движение объединило религиозные образы, вдохновленные его обращением в католицизм примерно в 1940 году (ранее он всю жизнь был атеистом), с своего рода эстетикой научной фантастики, вдохновленной интересом Дали к недавним исследованиям в области ядерной физики и квантовой механики. , в авангарде научных исследований в 1940-х и начале 50-х годов.В этот момент хлеб снова появляется в качестве значительного присутствия в творчестве испанского художника, но на этот раз в связи с его решительно религиозными темами, где анимистический хлеб «Старого Мастера» был иконографически воскрешен как евхаристическое воинство.

Это было дуалистическое тщеславие Дали, представляющего не только тело Христа-спасителя, но и самого художника, объявившего в «Тайная жизнь» , что он должен стать «спасителем современного искусства». оправдано самим фактом его собственного имени Сальвадор, что в переводе с испанского означает «спаситель».В этом смысле раннее обращение художника к хлебным образам в 1926 году было удивительно прозорливым, поскольку его поворот к религиозному искусству был бы бессовестным для сюрреалиста Дали, атеиста и левого, погруженного в религиозный скептицизм авангарда. Тем не менее, отношение Дали к хлебу как личному приему или иконе, после его «прозрения» в парижском бистро, должно было продолжаться по удивительно плавной траектории того, что можно было бы назвать хлебной практикой, от ренессансного натюрморта к сюрреалистическому смещенному объекту к живописный натюрморт в академическом стиле к религиозному объекту поклонения.

Первое из изображений периода ядерного мистицизма Дали, основным сюжетом которого является хлеб, — это «Мадонна из Порт-Льигата» (вторая версия) 1950 года (рис. 10). Это огромное масло размером примерно двенадцать на восемь футов основано на моделях религиозных картин эпохи Возрождения, и в первую очередь на картине Пьеро делла Франческа «Мадонна с младенцем со святыми и герцогом Урбино » 1472 года, которая имеет аналогичную архитектуру и подвешенное страусиное яйцо. над головой Мадонны как символ чистоты.В равной степени эта работа отражает увлечение художника в тот период молекулярной наукой и квантовой физикой. Это отражено в прекрасно прорисованных объектах, в основном морских ракушках и подвешенном яйце, а также в центральном алтаре, который образует сетку работы, и все они свободно парят в пространстве, как будто их мягко разрывает отсутствие гравитации.

В алтарной нише сидит любимая жена художника Гала в образе Мадонны среднего возраста, закутанная в белые одежды, с вырезанным из туловища и живота квадратом пустого пространства. В этом пространстве уютно устроился обнаженный светловолосый младенец Христос, внутри груди и живота которого плавает пятка хлеба. В интервью для прессы, взятом во время первой выставки этой работы в галерее Карстэйрс в Нью-Йорке в ноябре 1950 года, Дали объясняет, что существующая версия картины резко изменилась по сравнению с более ранней визуализацией 1949 года. Он описывает, как он изменил фокус первоначальной концепции с Мадонны на младенца Христа, в центре тела которого появился евхаристический хлеб, символизирующий тело Христа.Дали описывает это изображение как не что иное, как «скинию, наполненную небом».

Использование Дали образов таинства в его работах становится еще более схематичным в следующие несколько лет, как, например, в его Евхаристическом натюрморте 1952 года, представляющем собой решетчатое изображение непреходящих символов христианства, рыбы и хлеба. хлеба и, наконец, его строгий и внушительный Nuclear Cross 1952 года (рис. 11). Здесь художник передал элементы Мадонны из Порт-Льигата до их самого простого синтаксиса: благоговения перед верой и веры, находящейся в центре всех вещей, обозначенной круглым ломтиком причастного хлеба, представляющим тело Христа. Этот хост окружен решетчатым крестом, состоящим из девятисот пятидесяти крошечных кубиков, которые окружают центральную пластину, служащую фокусом работы. Новый для его творчества, этот кубический аспект отражает интерес Дали к современным экспериментам с геометрической абстракцией, хотя, что характерно, художник объединил этот модульный стиль с дотошной, почти ренессансной техникой, запечатленной в искусно выполненной потрепанной ткани. из шелка и золота, аккуратно сложенный под крестом, как алтарь.

В рамках своего «ядерно-мистического» интереса к науке Дали также изобразил хлеб в манере, напоминающей луну или планету, а золотое сияние, которым залито все полотно, указывает на божественную природу этого блестящего шара, который , окруженный своими решетчатыми лучами, кажется, парит в темном и бесконечном космосе. Общий образ с планетоподобным кругом хлеба в центре сияющего и излучающего кубического креста постулирует хлеб как тело Христа, как подателя света, изначальный источник духовной поддержки и центр всех вещей.

Nuclear Cross ознаменовал снижение появления хлеба в живописных работах Дали, возможно, как окончательное завершение цикла, который фактически исчерпал тему, которую Дали использовал широко и с ярко выраженным и универсальным символизмом. В то время как хлеб должен был исчезнуть, по большей части, из картин Дали примерно в 1952 году, художник время от времени воскрешал буханку хлеба в своих инсталляциях, конструкциях и перформансах на протяжении оставшихся трех десятилетий своей карьеры. Это было особенно очевидно в 1960-х и 1970-х годах, когда он увлекся поп-артом, что привело к его воссозданию таких работ, как Гипногогические часы в 1964 году, и включению хлеба и его изображений в различные фильмы и спектакли.Возможно, самым причудливым из этих последних хлебных «актов» был заказ на изготовление нескольких хлебных скульптур у самого известного парижского пекаря Пьера Пулана, включая салонную мебель, люстру и птичью клетку, из которой, как предполагалось, могла вылететь птица. кушать.

Возможно, одним из самых ярких и устойчивых проявлений хлеба, выполненных в более позднем периоде карьеры Дали, является экспозиция музея, посвященного его творчеству, который художник основал в 1972 году в своем родном городе Фигерас, Испания.Это Театр-музей Дали, спроектированный самим Дали и описанный в рекламной литературе как «крупнейший в мире сюрреалистический объект». Дали украсил это здание десятками гигантских бетонных яиц и, в качестве архитектурного орнамента, аккуратно разложенными по всему фасаду здания из красного кирпича, сотнями одинаковых керамических буханок каталонского хлеба, традиционно по форме напоминающих шляпу матадора. Поскольку это здание было виртуальным памятником Дали и его работам, а сегодня местом, где находится его могила, можно предположить, что художник хотел предложить «таинство» своего тела и творческого духа тем, кто посещал место, где он мог бы, как он заявил в своей автобиографии, «утолить на несколько сотен лет духовный, образный, нравственный и идейный голод нашей эпохи. Это также является свидетельством отождествления Дали с самим хлебом, как с изображением духа Дали или «бренда».

Этот последний монумент объединяет лишь некоторые из многих тем, которые Дали исследовал в своем восприятии хлеба как сущности и образа на различных этапах своей работы: как смещенный и сверхъестественный объект, как анимистический суррогат, как опора для перформанса, как христианин/далинец. таинство, а также как метонимия далийского тела и тела работы. Как утверждается в этом эссе, пренебрегать преобладанием и актуальностью образов хлеба в творчестве Дали означает упускать из виду сильно нагруженный символ, который устанавливает фундаментальный смысл ряда его наиболее важных работ.Тем не менее, несмотря на постоянное повторение и отождествление Дали с образом и объектом хлеба, его сложное и в высшей степени пластичное значение в значительной степени по-прежнему игнорируется как в научных, так и в популярных подходах к творческому корпусу Дали. Таким образом, в отличие от его фактической монополии на костыль, лобстера и злодейские усы в визуальном лексиконе западного искусства, попытка Дали усилить различие и охват «бренда Дали» посредством постоянного повторения образов хлеба явно не увенчалась успехом. Только оглядываясь назад, исследуя изменчивую иконографию хлеба в творчестве художника, можно начать ломать код множества хлебов «Спасителя» и проникать в суть того, что он в 1942 году назвал своим «яростно анти-хлебом». гуманный, аристократический, эстетический, параноидальный, изощренный, иезуитский, феноменальный, парализующий, сверхочевидный» и глубоко далинский хлеб.

Скачать .pdf здесь

ИЛЛЮСТРАЦИИ

Рисунок 1: Сальвадор Дали, Ретроспективный бюст женщины , 1933 год (некоторые элементы реконструированы в 1970 году).Расписной фарфор, хлеб, кукуруза, перья, краски на бумаге, бусины, подставка для чернил, песок и две ручки. 73,9 х 69,2 х 32 см (29 х 27,2 х 12,5 дюймов). Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Рисунок 2: Сальвадор Дали, Антропоморфный хлеб , 1932 год. Холст, масло. 24 х 33 см (9,45 «х 12,99»). Музей Сальвадора Дали, Санкт-Петербург, Флорида.

Рисунок 3: Каталонский хлеб — антропоморфный хлеб , 1932 год. Холст, масло. 24 х 16,5 см (9,45” х 6,5”). Ратуша Фигераса, на постоянном хранении в Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres.

Рисунок 4: Сальвадор Дали, Средний французский хлеб с двумя яйцами на тарелке без тарелки, верхом на лошади, попытка содомизировать крошку португальского хлеба , 1932 год. Масло на деревянной панели. 16 х 22 см (6,29 х 8,66 дюйма). Муниципальный художественный музей Тойоты, Тойота Аити.

Рисунок 5: Сальвадор Дали, Женщина с каталонским хлебом , 1932 год. Холст, масло. 16 х 22 см (6,29 х 8,66 дюйма). Fundació Gala-Salvador Dalí, Фигерас.

Рисунок 6: Сальвадор Дали, Человек-невидимка , 1932 год.Масло на холсте. 16,5 х 24,5 см. (6,5 х 9,66 дюйма). Музей Сальвадора Дали, Санкт-Петербург, Флорида.

Рис. 7: Сальвадор Дали, Корзина с хлебом , 1926. Лак, средний рисунок на панели. 31,5 х 31,5 см (12,4 дюйма х 12,4 дюйма). Музей Сальвадора Дали, Санкт-Петербург, Флорида.

Рисунок 8: Сальвадор Дали, Корзина с хлебом — скорее смерть, чем позор , 1945 год. Масло, панель, 34,7 x 43,5 см (13,6 x 17,1 дюйма). Fundació Gala-Salvador Dalí, Фигерас.

Рисунок 9: Сальвадор Дали, Галарина , 1945 год.Масло на холсте. 64,1 х 50,2 см. (25,2 х 19,76). Fundació Gala-Salvador Dalí, Фигерас.

Рис. 10: Сальвадор Дали, Мадонна из Порт-Льигата (вторая версия) , 1950. Холст, масло. 275,3 х 209,8 (12 футов х 8 футов). Художественный музей Фукуока, Япония.

Рис. 11: Сальвадор Дали, Nuclear Cross , 1952. Холст, масло. 78 х 58 см (30,70 х 22,83 дюйма). Частная коллекция.

Хлеб и искусство — Лионская пекарня

Есть две вещи, которые существовали почти с начала времен.Хлеб и искусство.

Согласно датировкам, объявленным в 2014 году, самым ранним из известных наскальных рисунков/изображений животных не менее 35 000 лет, и они были найдены в Индонезии. (1.)

1. Гош, Паллаб. «Наскальные рисунки меняют представления о происхождении искусства». Новости Би-би-си . Новости BBC. Проверено 8 октября 2014 г.
.

С этим покончено.

Хлеб, как мы уже писали в предыдущем посте, был впервые приготовлен около 8000 г. до н.э. в Древнем Египте, так что он появился намного позже, чем искусство.Вскоре он появился на многих картинах.

И искусство, и хлеб стали основными продуктами питания, и в этом посте будет рассказано о появлении хлеба в искусстве на протяжении веков. Обратите внимание, что это не высокоинтеллектуальная критика каких-либо работ художников; это беззаботная публикация в то время, когда большинство новостей кажутся плохими.

Хлеб + Искусство = Счастье

Доярка, Ян Вермеер

Вермеер, наиболее известный своей картиной «Девушка с жемчужной сережкой», написал «Доярку» между 1658 и 1661 годами.Это похоже на прекрасное тесто на закваске, которое она сделала.

Тарелка с рулетами Винсента Ван Гога

Более известный своими цветами, чем своими булочками, Ван Гог написал это в 1887 году. Я вижу багеты так же, как и круассан. Художник был в Париже, когда писал это, поэтому неудивительно, что он решил нарисовать свой обед. Где еще в мире можно найти такую ​​эстетически приятную боль? Боль, как во французском слове «хлеб», bien sur.

Завтрак Диего Веласкеса

Окрашенный c.1618 г. и озаглавлен просто «Завтрак». Поднятые вверх пальцы и улыбки говорят сами за себя. Хлеб — это счастье, а также якобы самая важная еда дня.

Пост Святого Карла (фрагмент) Даниэле Креспи

Окрашено около 1625 г .; хотя Сент-Чарльз постился, у чувака все еще был хлеб. Доказательство того, что хлеб относится к категории предметов первой необходимости и, таким образом, свободен от любых правил.

Портрет собаки Джованны Гарци

Когда-то можно было поставить собачку на стол рядом с хлебом и ничего не случилось.Эээ, НИКОГДА? Это похоже на кусочек белого хлеба. Не могли бы сделать с медом, если вы спросите нас.

Мальчик с корзиной хлеба Эваристо Башенис

Корзина с разным хлебом, которую несет несколько устрашающий мальчик. Не принимайте хлеба от незнакомцев, особенно от этого парня. Я вижу фичелле, несколько кренделей, может быть, даже цельнозерновой… Я могу рискнуть.

Хлеб и нож, 1934, Вальтер Кун

Просто красиво.В картине все сказано. Мягкий белый?

Хлеб, 1969, Джаспер Джонс

Доказательство того, насколько велика роль хлеба, этот кусок — всего лишь его кусочек. Ни больше ни меньше. Откровенно говоря, мы бы хотели видеть его хотя бы с капелькой масла, но искусство, как известно, субъективно.

Желаю всем прекрасных выходных, в которых есть хотя бы один или пять ломтиков хлеба.

Сальвадор Дали.Ретроспективный бюст женщины. 1933

Идея этой работы возникла, когда Сальвадор Дали обнаружил чернильницу, на которой была изображена молящаяся пара (с картины Жана-Франсуа Милле «Ангелус» [1857–1859]). Он вонзил чернильницу в буханку хлеба и поместил их обе на портретный бюст женщины. Полоса изображений из ранней кинематографической игрушки, называемой зоотропом, обвивает ее шею.

В 1931 году Дали описал сюрреалистическую скульптуру как «созданную полностью с целью материализации фетишистским образом, с максимальной осязаемой реальностью, идей и фантазий бредового характера.» ¹   Ретроспективный бюст женщины  представляет женщину не только как объект, но и как объект потребления. Ее голову венчает багет, на шее свисают початки кукурузы, а вдоль лба копошатся муравьи, словно собирая крошки.

Сальвадор Дали, Тайная жизнь Сальвадора Дали , перевод Хокона М. Шевалье (Нью-Йорк: Dial Press, 1942), 312

Трехмерное произведение искусства, созданное различными способами, включая резьбу по дереву, долбление по камню, литье или сварку металла, лепку из глины или воска или сборку материалов.

Докинематографическое устройство, состоящее из цилиндрического барабана с равномерно расположенными вертикальными прорезями, прорезанными по бокам. Его внутренняя часть содержала бумажную полосу, на которой были напечатаны последовательные нарисованные или фотографические изображения, которые казались анимированными при вращении барабана.

Художественное и литературное движение, возглавляемое французским поэтом Андре Бретоном с 1924 года до Второй мировой войны. Опираясь на психоаналитические теории Зигмунда Фрейда, сюрреалисты стремились ниспровергнуть то, что они считали гнетущим рационализмом современного общества, путем доступа к сюрреализму (высшей реальности) подсознания.В своем «Сюрреалистическом манифесте» 1924 года Бретон выступал за свободный способ выражения, основанный на непроизвольных механизмах разума, особенно снах, и призывал художников исследовать неизведанные глубины воображения с помощью радикально новых методов и визуальных форм. Они варьировались от абстрактных «автоматических» рисунков до гиперреалистичных нарисованных сцен, вдохновленных снами и кошмарами, и сверхъестественных комбинаций материалов и объектов.

Изображение определенного человека, обычно предназначенное для передачи его сходства или личности.

подбираем багет и паспарту Как выбрать раму для картины маслом

Багет – необходимый элемент дизайна, который нельзя отделить от картины. Он служит естественным продолжением образа, не выбиваясь из общей композиции, а гармонично подчеркивая ее стиль и цветовую гамму. Если вы выберете багет не по особенностям картины, а по окружающему интерьеру и мебели, то можете ошибиться.Неуместный багет сделает картину невзрачной или нелепой в пространстве вокруг.

Багет и картина должны иметь взаимосвязанные признаки, а именно:

– общие или сочетающиеся друг с другом цвета;

— Стиль картины и багета относится к общему направлению в искусстве и дизайне;

— Продолжение линий, округлости от картины к раме.

Еще одним важным условием является преобладание рисунка над багетом.Это значит, что рамку нужно выбирать так, чтобы она не затмевала картину.

Основные принципы выбора багета

Размер.

Маленькие картины лучше смотрятся в широких багетах. При выборе багета важно обращать внимание на пропорции: слишком большой багет отнимет на себя больше внимания, чем картина. Поэтому стоит обратить внимание на простые однотонные варианты, без излишеств. Еще одним важным параметром является глубина багета, который должен скрывать подрамник картины.Багет должен выделять изображение, создавая наилучшие условия для того, чтобы оно хорошо смотрелось, поэтому ширина рамы может варьироваться в зависимости от того, какой фон создает стена, на которой будет висеть готовое изделие. Например, светлая картина на светлой стене одного тона может просто потеряться и не выглядеть как самостоятельный элемент декора, чтобы между ними этого не произошло, стоит использовать багет правильного размера.

Тон.

В цветовой гамме картины необходимо определить преобладающий тон, который будет теплым или холодным.В этот же тон подбирается багет. Но также можно выделить основной предмет, элемент, цвет, который можно подчеркнуть оттенком рамки. Например, картины на морскую тематику часто имеют холодные тона, исходящие от воды и неба, но теплая деревянная рама, подобранная в тон изображенному на картине кораблю, сможет раскрыть его детали, продолжая контраст.

Цвет.

Багет подбирается только на полтона темнее или светлее основного оттенка цвета картины.В редких случаях можно использовать контрасты, но это требует профессионального мастерства и обычно приемлемо для особых, нетрадиционных стилей живописи.

Материал. №

Багет под древесину подходит для украшения большинства картин. Для черно-белых изображений в стиле графика можно подобрать гипсовые или металлические багеты. Но, конечно, это лишь поверхностные рекомендации, так как рисунок может иметь свою специфику, которая будет либо подходить только к одному материалу, либо даст возможность выбрать любой вариант багета.

Стиль.

Багет подбирается в зависимости от стиля и какими материалами выполнена картина. Множество возможностей в производстве багетов и широкое использование различных техник позволяют максимально полно отразить стиль картины в раме.

Паспарту.

Иногда, чтобы картина не потерялась на стене или в раме, используют такой вариант оформления, как паспарту. Он способен создать необходимый баланс между рамой, картиной и стеной.Он почти всегда используется для акварельной живописи. Также с помощью широких или узких полей паспарту может оживить движение или подчеркнуть статику, отображаемую на картине. Багет не должен сливаться с паспарту.

Несмотря на то, что багет принадлежит только картине, если в помещении есть другие изображения и фото, стоит рассмотреть их багеты. Таким образом, идеальный выбор начинается с учета всех особенностей картины, а уже после других элементов интерьера.

Видео на тему «Как выбрать багет»

В этом видео есть полезные нюансы, которые следует учитывать. рекомендую к просмотру.

Рамка необходима для живописи — она ​​усиливает глубину, фиксирует взгляд на холсте и дает полное представление о художественном замысле. Учимся выбирать багеты для картин.

На фото:

Как купить багет и не ошибиться?

По стеклу. Для покраски, требующей защиты стекла, подойдет традиционный высокий или обратный профиль.Правда, некоторые картины маслом прекрасно обходятся без стекла, так как покрыты защитным лаком.

На фото: модель Green City от фабрики Roommy.

Обратите внимание на профиль. Так называют рельеф деревянных, пластиковых или алюминиевых реек, из которых сделан каркас. Любой вариант профиля может быть украшен позолотой, патиной или лепниной.

• обратный профиль. Имеет высокий внутренний край. С ним картина как бы выходит из рамы.
• Прямой (классический) профиль. Высокий подол, сужающийся к изображению. Классический профиль «собирает» образ на полотне и существует во многих вариациях: лакированный, тонированный, тонированный, окрашенный, позолоченный.
• Вогнутый профиль. Показана разница в толщине отдельных участков и декоративной обработке.

Вогнутый профиль багета подчеркивает глубину картины.

• Кассета или шкаф. Вариант классического профиля с плоской полосой посередине или ближе к внутреннему краю рамы. В таком профиле особенно эффектно смотрятся старинные гравюры или карты.

На фото:

Кассетный (кабинетный) багет хорошо подходит для гравюр и черно-белых фотографий.

Учитывайте стиль изображения и динамику

Современные крепления для подвешивания картин позволяют перемещать произведения искусства по стенам, не касаясь отделки.Вешалки можно расписывать, а полотна сопровождать индивидуальной подсветкой.

На фото: система направляющих Discreet Picture Hanging Solution от Slimline.

абстрактные картины требуют лаконичного оформления: скромная рама соберет фрагменты полотна в единое целое.

Для классической сцены подойдет деревянная рама, декорированная под старину, или качественный пластиковый багет (неотличимый от дерева) в одном из классических стилей.Найти аутентичные багеты из карельской березы, дуба и красного дерева несложно. Некоторые европейские антикварные магазины специализируются только на таких изделиях. При этом стоит помнить, что цена багета должна разумно соотноситься с ценой полотна.

На фото:

Качественная пластиковая рама с рельефным декором может быть оформлена в любом классическом стиле (ампир, барокко, модерн или классицизм), а пластик удачно имитирует дерево.

Комментарий в FB Комментарий к VK

Также в этом разделе

Рисунки, поделки и подарки, сделанные ребенком, позволят надолго сохранить трогательные и важные воспоминания. Существуют разные варианты хранения детских поделок.

Как возникла идея создания стеновых панелей и панно? Каков фирменный стиль проектов Fitch Design? Рассказывает основатель компании Александр Ленков.

Детская комната должна отражать внутренний мир ребенка.Решение о том, как его украсить, родители принимают вместе с ним. Какие элементы декора будут оптимальными, а о каких лучше забыть?

Современный плакат — модный арт-объект, совсем не похожий на своих бумажных предшественников. Идеально подходит для выражения вкусов владельца, но требует уважительного отношения.

Все родители мечтают о том, чтобы у их детей был хороший вкус и тонкое понимание прекрасного. А умение видеть и ценить искусство необходимо воспитывать с раннего возраста.

Сегодня этот вид настенного искусства находится на пике популярности. Какие конструктивные особенности и технологии изготовления нужно учитывать, чтобы постер смотрелся органично и прослужил долго?

В начале моей карьеры багета было время, когда меня попросили выбрать багет для конкретной картины, и я чувствовал себя ребенком в кондитерской. Я понимал только одно — вариантов оформления бесконечное множество, и совершенно не знал, как должна выглядеть идеальная оправа. У меня не было плана действий, поэтому процесс вербовки занял гораздо больше времени, чем должен был. Даже сегодня я считаю, что результат тогда мог бы быть намного лучше, если бы я знал заранее, что делать.

Простые советы помогут выбрать цвет в оправе и добиться поставленных целей

Красная рамка хорошо сочетается с красными, но, к сожалению, красный является фокусом, и рамка конкурирует с картиной, мешая ей выделяться. Красный будет идеальным выбором для тех, кто купил картину только из-за присутствия этого цвета и хотел бы добавить больше красного в свой интерьер.Во всех остальных случаях есть лучшие варианты кадрирования.

Рамка темнее коричневого цвета на картине, поэтому акцент делается на монотонности черного, из-за чего картина выглядит слабее. Это может быть подходящим вариантом, если картина будет висеть в комнате рядом с другими черными или насыщенными цветами предметами интерьера. Если выбран черный, то подойдет узкий багет, как на фото

Прежде чем приступить к выбору багета, вы должны усвоить мысль о том, что существует какая-то одна-единственная идеальная рама для картины. В очень редких случаях только какой-то вариант является единственно возможным для картины. Гораздо чаще бывает, когда можно выбрать несколько вариантов дизайна, которые будут одинаково хорошо смотреться с рисунком, а вкус заказчика и дизайн внутри его дома помогут сделать правильный выбор.

Кстати, в оформлении дизайна нет строгих правил. Многие отрасли пытаются регулировать производственные процессы, но багетная промышленность обходится без этого. Опытному дизайнеру, уверенно чувствующему себя в подборе материалов, приятно осознавать, что правила работы никто не диктует.С другой стороны, новичок, только начавший заниматься багетом, или инспектор, впервые выбирающий дизайн для картины, столкнутся с большой проблемой в понимании, с чего начать.

Я сразу понял, что есть простой способ подобрать цвета и стили, а также нашел аргументы, чтобы объяснить коллегам свою концепцию. Когда я начал думать о лучшей системе выбора дизайна, я решил полагаться на логику, а не на эмоции. По моему опыту, именно эмоциональные факторы отнимают больше всего времени.Также при эмоциональном подходе я получил правильные на тот момент результаты, но потом пожалел о них. Поэтому я пришел к решению сформулировать практические советы по созданию дизайн-проекта.

Мой практический совет больше похож на дорожную карту. Другими словами, они показывают вам множество способов добраться из точки А в точку Б. Но выбор дороги все равно остается за вами! Практические советы создавались параллельно с тщательным процессом изучения причин, по которым я выбрал тот или иной дизайн. Я также собирала информацию от других мастеров, почему они выбрали конкретное дизайнерское решение для той или иной картины.Когда конструкция была завершена (на случай, если работа показалась мне действительно удачной), я вернулся к своим заметкам, и оказалось, что я сформулировал логические доводы, почему эта конструкция работала лучше всех остальных вариантов. Вскоре я создал описание для каждого шага процесса проектирования.

В этой статье я приведу 10 практических советов , которыми пользуюсь сама при выборе цветовых сочетаний в оформлении картин. Если вы с ними согласны, то используйте их, если нет, то можно руководствоваться другими логически выстроенными методиками.Суть в том, что когда у вас есть план, дизайн проще, быстрее, а результаты намного лучше, чем если бы процесс выбора был неорганизованным и основанным на эмоциях.

Белоснежная рамка может показаться странным выбором для такой картины. Однако белый цвет доминирует на картинке и его необходимо учитывать. Это идеальный вариант оформления, если картина будет висеть в пляжном домике или на чердаке.

Рисунок напоминает дорожный знак, много лет провисевший под снегом и дождем.Под словом «Inspire» («Воодушевить») нарисована звезда, выглядящая «заржавленной». Рама, окрашенная ржавчиной, выглядит точно так же. Создается впечатление, что рама все это время тоже находилась «снаружи» вместе с картиной.

Практические советы по выбору цвета дизайна.

Весь фокус на картинке. Эта задача должна быть основной.
Задача дизайна — улучшить картинку. Картина не должна конкурировать с рамой.

Используйте один из доминирующих цветов в изображении.
Художники обычно используют ограниченное количество краски при написании картины. Используя в кадре цвета, перекликающиеся с картинкой, можно усилить определенные акценты в сюжете.

Используйте яркое контрастное оформление для картин с ярко выраженным контрастом и делайте слабый контраст для картин нежных цветов.
Дизайн мягких, спокойных тонов визуально не поддержит лаконичный по цвету образ.С другой стороны, однотонная рамка перевешивает картину в пастельных тонах.

Выберите промежуточный тон для рамки, чтобы выделить больше светлых и темных тонов картины.
Если на картинке много светлых и темных тонов, то, скорее всего, они подчеркивают, осветляют или оттеняют детали сюжета. Выбор промежуточного тона для рамки сохранит цветовой баланс, созданный художником.

Эта рамка нейтрального цвета позволяет выделить самые светлые, самые темные и самые яркие цвета картины.Пестрая отделка багета сама по себе представляет собой палитру, составленную из различных тонов серого и серебристого, которые встречаются и в росписи.

Отличительной особенностью этой рамы, облицованной угольным шпоном, является то, что она по-прежнему создает впечатление темной черной рамы, но изображение остается на тон темнее. Белый и красный цвета выглядят шероховатыми по сравнению с рамой

Не выбирайте рамку, которая светлее, темнее или ярче, чем цвета на картинке
Самый простой способ убедиться, что изображение остается сильным элементом в кадре, — уменьшить интенсивность цвета кадра по сравнению с цветами изображения.Например, если вы обрамляете натюрморт апельсином, избегайте оранжевого цвета рамы, но подумайте о терракотовом цвете, который будет работать с тенью на апельсине.

Учитывать объект, изображенный на картинке
Две картины могут содержать одну и ту же палитру цветов, но основной предмет изображения приведет к двум разным вариантам багета. Пример: портрет бизнесмена и портрет ребенка.

Возьмем эпоху
До недавнего времени цветные рамки использовались редко.Рамы викторианской эпохи содержали бархатные панели и другие детали, но это были небольшие акценты в золотых или окрашенных деревянных рамах. Если ваша цель состоит в том, чтобы быть аутентичным для периода эпохи изображения, избегайте цветов и придерживайтесь стиля кадрирования, характерного для этой эпохи.

Сочетание теплых и холодных цветов
Картина с преобладанием красного, оранжевого или желтого цветов лучше смотрится в рамке теплых тонов. Картинка с голубыми, фиолетовыми или зелеными оттенками лучше всего подходит для рамки холодного тона.

Обратите внимание на настроение картинки
Цвета могут передать настроение. Некоторые кажутся мрачными и мрачными и будут хорошо сочетаться с пасмурными осенними пейзажами или портретом грустного человека. Есть багет в веселой и радостной расцветке, и он больше подходит для оформления детских рисунков или фото семейного отдыха.

Содружество с фоном картины позволит выделить центральные элементы
Если рама сливается с фоном картины, то центральное изображение, где обычно располагаются все детали сюжета, будет выделяться.

Грег Перкинс, CPF уже 35 лет занимается производством багетов, включая создание успешных багетных мастерских. Как специалист по дизайну витрин, Грег отвечает за выставочные стенды Larson-Jule и за разработку широкого спектра дизайнов витрин. Его книга «Практические советы по отличному дизайну обрамления» была опубликована издательством PFM Seminars и поступила в продажу в январе 2008 года.

В контакте с

Маслом кашу не испортишь.А вот фотка неудачно подобранная — запросто. Чтобы ваше полотно выглядело роскошно, а рама стала настоящей изюминкой этой картины, важно . Здесь и пригодятся чувство стиля, внутреннее чутье и профессионализм. Увидеть правильное сочетание цвета, фактуры и материала — это целый талант. Поэтому лучше доверить это дело профессионалу. Если вы все-таки решили подобрать багет самостоятельно, то вот несколько советов для вас.

Конечно же, цвет ваших штор, обоев или подушек на диване все равно должен соответствовать картинке.Но в первую очередь багет должен идеально гармонировать с самим полотном, а потом и с вашим интерьером. Ведь если вы подобрали багет под цвет ярко-зеленых штор и забыли, что ваша картина в нежно-розовых тонах, результат вас вряд ли порадует.

Узкий деревянный багет гармонично тонко гармонирует с легкими малодинамичными работами и тонкими карандашными и графическими рисунками, ненавязчиво и мягко создавая довольно стильный и органичный контраст.В то же время широкая багетная рама несет совсем другую декоративную нагрузку. Он позволяет определить масштаб динамичного, яркого и глубокого произведения, максимально интегрируя его в окружающую действительность.

Чем больше картина, тем шире должна быть для нее рамка. Выгодно подчеркнет значимость картины. Такие композиции принято размещать на видном месте и делать центральным элементом интерьера.

Небольшие изображения также оформляются широкими багетами: так, чтобы общая площадь рамы была больше площади картины.Выглядит эффектно, но подобный дизайн картин потребует такого же стиля для всех остальных изображений в комнате.

Важно, чтобы картина и багет были единым целым. Идеально, если фактура багета соответствует стилю картины: может быть, даже повторяет характер мазков краски или использованный на картине орнамент. Например, не будет смотреться современная абстракция в пышной позолоченной раме. Здесь вам больше подойдет современный багет.

Здесь важно, чтобы рамка была на тон темнее или светлее основного цвета картины.

Основной нюанс: для картин в холодных тонах нужно выбирать раму холодного цвета и наоборот. Исключение — натуральное дерево, подходит для любых оттенков.

Помните, что главным фактором успеха все же остается профессионализм. Поэтому советуем доверить выбор багета для картины профессионалу. У нас вы получите бесплатную консультацию дизайнера, который поможет учесть все нюансы и подобрать именно свой багет.

#CanvasNN — воспоминания в картинках 8-930-809-60-66

Слово «багет» дословно переводится с французского как гладкая деревянная дощечка, необходимая для изготовления рамы для картины. Рамы или карнизы из дерева также принято называть багетом.

В средние века багет изготавливался индивидуально для каждой картины.А на рубеже XVI и XVII веков, когда искусство обрамления достигло своего апогея, обрамление картины стоило даже дороже, чем произведение известного художника. Времена изменились, и багет уже не редкость. Сегодня в столице много багетных мастерских, где можно подобрать любую раму на свой вкус и цвет. Но неискушенному покупателю придется столкнуться с другой актуальной проблемой: как правильно подобрать раму к картине? Подбор багета к картине – это в первую очередь творческий процесс, поэтому полагаться нужно исключительно на свою интуицию и собственный вкус, а также на советы дизайнера багетной мастерской.В нашей статье мы постараемся ответить на основные вопросы, возникающие при выборе багета. Для начала разберемся, зачем картине вообще нужна рамка.

Багет одежда для картины. Ведь согласитесь, для красивой картины нужна красивая рамка. Одна из основных художественных функций рамы заключается в том, что она создает переход от окружающего реального мира к иррациональному миру фантазии художника. Таким образом, багет связывает картину с внешним миром, создавая декоративный эффект и подчеркивая границы картины.

Также очень важно правильно подобрать ширину багета, иначе рама не будет правильно смотреться на картине. Здесь следует соблюдать одно единственное, но очень важное правило: узкий багет подходит только для картин небольшого размера, а широкий багет подбирается только для больших картин. Широкие рамы добавляют изящества и солидности картине, как бы сливаясь с ней в одно целое. Например, картины – совершенные произведения искусства, украшающие музеи, совершенно невозможно представить без шикарного багета.Но иногда для обрамления небольших картин используют широкий багет, однако даже самые опытные дизайнеры делают это с осторожностью, так как массивная рама может затмить картину. Так делать ни в коем случае нельзя, поэтому к небольшим картинам к широкому багету подходят с осторожностью, и дизайнеры очень редко идут на этот ход.

Но тонкие рамки также имеют много преимуществ. Современные художники предпочитают оформлять свои работы тонкими рамами, так как массивные рамы в классическом стиле могут только испортить картину.Также паспарту лучше будет смотреться только с тонким багетом. Узкая рама придает картине изящество и стильность, подчеркивает индивидуальность и экстравагантные нотки, внесенные художником в произведение искусства. Кроме того, узкие рамы очень удобны для создания композиций из картин на стене, когда графика или фотографии группируются для создания одной смысловой композиции.

Одним из важнейших моментов, о котором ни в коем случае нельзя забывать при выборе багета, является цвет рамы.В первую очередь необходимо найти компромисс: рама должна сочетаться по цвету как с картиной, так и с интерьером. Цвет рамы должен подчеркивать преобладающий тон картины. Например, изображения, выполненные в теплых тонах, лучше будут смотреться в раме из орехового и красного дерева, а также в багете, окрашенном в неблестящее античное золото. Картины, в которых преобладают холодные тона, будут хорошо смотреться в блестящем золотом или серебряном багете, либо в некрашеных рамах из светлого дерева. Но тут стоит учесть, что багет, выполненный в золотом цвете, практически универсален, так как подходит к любой картине, вне зависимости от цветовой композиции картины и стиля ее написания.Черный цвет багета подходит для абстрактных картин или произведений искусства, выполненных в импрессионистической манере.

Однако при выборе рамы стоит помнить, что ее цвет должен отличаться от цвета интерьера и стены, на которой будет висеть картина, чтобы картина легче воспринималась глазом, а не терялась на стене.

Иногда багет необходимо подобрать к декорированной картине, уже находящейся в интерьере. Но для этого вовсе не обязательно использовать тот же багет, что и в существующих картинах, достаточно будет подобрать схожую по стилю и цвету раму.Это же касается и подбора багета для мебели или для некоторых предметов интерьера. Например, часто рядом со светильником вешают картину или фотографию в рамке. В обоих этих случаях рама ни в коем случае не должна копировать мебель или детали интерьера, так как багет в первую очередь подбирается к картине, а уже потом является дополнением к интерьеру. Ведь картина – это отдельный мир, и багет создает границы перехода в этот нарисованный мир. А каркас ни в коем случае не должен напоминать стиль мебели или, того хуже, копировать его.Багет всегда и во все времена был отдельным и самостоятельным элементом оформления интерьера.

Passpartout (ПК) ОБЗОР — краска, багеты и розовые ирокезы

Passpartout: The Starving Artist — забавная маленькая инди-игра, выпущенная 6 июня 2017 года. Когда я впервые увидел игру, я был приятно удивлен, потому что это такая изящная и интересная идея для инди-игры. Идея заключается в том, что вы помогаете Паспарту, начинающему художнику, создавать «красивые» произведения искусства.Когда я говорю «помочь», я имею в виду, что вы делаете всю работу, а когда я говорю «красиво», искусство, которое вы делаете, так же хорошо, как и ваш талант.

С самого начала игры вы попадаете в какой-то парижский переулок, где живет Паспарту и зарабатывает себе на жизнь гаражом. Здесь вы видите его некачественные условия жизни и его мольберт, и пару столов за пределами гаража, на которых вы собираетесь представить миру свои творения, а за ними единственный кассовый аппарат на краю стола.Единственное, с чем вы можете взаимодействовать, — это мольберт, где вы начнете рисовать свои «великолепные» картины, кассовый аппарат, где вы можете увидеть еженедельные платежи и то, сколько Passpartout тратит на багеты, вино и аренду, а также картины, которые вы уже сделали для того, чтобы выбросить их в мусорное ведро или переименовать.

Ваша цель, так сказать, состоит в том, чтобы быть замеченным и подниматься в мире искусства, а также выживать еженедельно. Вам нужно проявить творческий подход и начать показывать это миру, очевидно, создавая картины и продавая их.Чем лучше ваши картины, тем дороже они будут продаваться, но, к счастью или к сожалению, это не так просто. Все, кто ходит вокруг ваших картин, которые, кстати, это все, что они делают, принадлежат к определенной аудитории, например, к хипстерам. Эта конкретная аудитория имеет свои собственные симпатии и антипатии. Вы не получаете никаких подсказок о том, что кому-то может понравиться, а что нет, вы должны сами догадаться об этом, судя по их модным вкусам и по тому, что они говорят, когда критикуют вашу работу.

Некоторые люди с розовым ирокезом наслаждаются картинами с большей «страстью», чем бы они ни были, в то время как этот старик с кофе, похоже, любит вещи, которые, по моему опыту, классифицируются как пейзажи.Таким образом, удовлетворить пристрастие Passpartout к багету не так просто, и если вы недостаточно хороши или быстры, вы разоритесь. Когда вы выполняете последовательную работу в течение некоторого времени, придет критик и сделает о вас пресс-релиз. Это позволило мне перейти из моего тенистого переулка в маленький магазин, и все, что я сделал, это сделал несколько цветных квадратов и соединил их вместе, но пока он сказал, что это выглядело фантастически, я не жалуюсь.

Ощущение прогресса есть, но в каком-то смысле его нет.Кажется, что меняется только место, в котором вы рисуете, которое меняется от одного акта к другому, и различные инструменты, которые вы получаете с течением времени. Механика рисования надежная. Вам предоставляется куча цветов, различные инструменты и их регулируемый размер.

Вы начинаете с обычной кисти, получаете аэрозольный баллончик, перьевую ручку и другие инструменты, которые позволяют сделать ваше искусство более причудливым, чем оно есть на самом деле. Тем не менее, в ядре он очень похож на базовый MS Paint, который позволяет неталантливым из нас делать наброски крупье 1-го класса, но этого достаточно для кого-то с некоторым талантом, чтобы сделать несколько действительно симпатичных рисунков. Картины, которые демонстрируют разработчики игры, выглядят очень хорошо по сравнению с моей клубникой, которая выглядит как деформированный помидор.

Что кажется действительно странным, так это то, что когда вы получаете много денег, вы не можете покупать инструменты, вы просто получаете их на ровном месте. Моя клубника и «абстрактные» картины принесли мне кучу дополнительных денег в Акте 1, которые я не мог использовать, но когда я добрался до Акта 2, эти дополнительные деньги определенно пригодились, потому что арендная плата сильно выросла, и появилось несколько новых клиентов. стал очень придираться.

Отсутствие ластика тоже показалось странным. Если вы знаете, что делаете, то можете просто исправить ошибку, добавив поверх нее краску, но иногда такой «прием» только усугубляет ситуацию. Ограниченное количество людей, которые ходят вокруг, тоже немного странно. На группу аудитории приходится всего пара человек, и их реакция довольно ограничена, и они часто повторяются.

В заключение хочу сказать, что Passpartout: The Starving Artist действительно очень милая и интересная игра, и вы можете получить от нее массу удовольствия.Тем не менее, возможность удовлетворить свои творческие потребности, нарисовав несколько рисунков, которые выглядят так, как будто их нарисовал трехлетний ребенок, — это приятный опыт. Если вам нравится рисовать или вы зарабатываете этим на жизнь и хотите не торопиться и получать от этого удовольствие, вы, безусловно, можете сделать это в Passpartout — лучшей игры для этого, скорее всего, не найти.

Копия куплена

Некоторые материалы, которые вы найдете на сайте Cultured Vultures, содержат партнерские ссылки, по которым мы получаем небольшие комиссионные за покупки, сделанные на нашем сайте. Мы освещаем игровые новости, обзоры фильмов, борьбу и многое другое.

Verdict

Passpartout: The Starving Artist — очень веселая и причудливая игра. Это отличная казуальная игра и фантастическая трата времени, которая оживит ваш детский рисунок. Но это несколько повторяется, и, к сожалению, чтобы испытать игру должным образом, вам нужен хотя бы некоторый талант к рисованию.

Художественный багет Fendi «Paint-Your-Own» (NOTCOT)

Художественный багет Fendi «Раскрась сам» — 03.06.08

Вау. Фенди. «Artist Baguette», недавно выпущенный всего за 1300 долларов, новая абсолютно белая версия их классики, разработанная Сильвией Вентурини Фенди в 1997 году, на холсте с покрытием? И он поставляется с 10 маркерами Pantone Universe! Похоже, что они берут пример с современных тенденций с виниловыми заготовками для игрушек… или книжками-раскрасками/салфетками/другими детскими вкусностями. И на самом деле довольно много сайтов кошельков кажутся немного потрясенными всем этим (блог кошельков, Bag Snob и т. д.)…

В любом случае, отбросив ценник, давайте подумаем об этом с точки зрения искусства… здесь ОЧЕНЬ большой потенциал для сотрудничества.Можете ли вы представить себе, что некоторые из них попадут в руки талантливых художников и дизайнеров игрушек и позволят им делать с ними все, что им заблагорассудится? Потенциал объединения модного классического аксессуара с искусством может иметь очень интересные результаты (что также может быть способом увеличить первоначальные инвестиции, не говоря уже о создании еще более уникального, единственного в своем роде, дизайнерского клатча). Так что я должен признать, что у меня есть искушение, хотя мне, возможно, придется продержаться, пока я не смогу нарисовать свою собственную Биркин… После прыжка вы увидите еще много изображений!

р.с.
Кажется, это одна из тех ситуаций, когда упаковка имеет огромное значение… если бы она была представлена ​​как великолепный новый белый клатч и ничего более, осмелился бы кто-нибудь взяться за него с шулером? Или заядлые модники будут жаловаться на нелепость? И это не *просто* белая холщовая сумка, она по-прежнему имеет все детализированные стили классического Baguette, а также имеет игривую разноцветную подкладку, похожую на мультяшную!

ОБНОВЛЕНИЕ 13. 03.08 — я проходил мимо магазина Fendi и не мог удержаться, поэтому зашел и побеспокоил их показать мне сумку… эта коробка НАМНОГО больше, чем я ожидал, и сумка довольно отвратительная… некрасивая на ощупь вообще… холст с покрытием напомнил мне скорее случайные творения художественной школы, чем дизайнерскую сумку.

Что вы получите за 1300 долларов?
(через eLuxury)
# Брезент с покрытием
# Съемный плечевой ремень с пряжкой; высота регулируется от 4,25 до 7,25 дюймов
# Внутренние застежки с поворотным замком позволяют снимать пряжки для переноски сцепления
# Аппликации с выгравированным логотипом из полированного золотистого металла с каждой стороны
# Акриловый логотип в виде двойной буквы F спереди
# Откидной клапан с застежка на магнитной кнопке
# Текстильная подкладка с разноцветным мультяшным логотипом
# Внутренний карман на молнии с кожаной отделкой
# 10. 5 x 5,5 x 1,75 дюйма
# Десять маркеров Pantone Universe включены для создания собственного дизайна на сумке
# Упаковано в разноцветную коробку Fendi
# Сделано в Италии

(также проверьте в Neiman Marcus)

Метки: Изобразительное искусство — мешок — мода — дары — поход по магазинам