Художник Кирилл Миллер: «Наступило время новых хунвейбинов»

Фото из личного архива Кирилла Миллера

Последняя неделя октября 2021 года сделала реальным интерес силовиков к художнику Кириллу Миллеру и галерее «Свиное рыло». Глава Следственного комитета Александр Бастрыкин лично потребовал проверить на оскорбление разнообразных чувств картину «Живые и мёртвые», которая выставлялась в галерее в честь 30-летия ГКЧП. Некоторые россияне ещё в сентябре разглядели в картине глумление над акцией «Бессмертный полк». В галерею, которая за несколько лет стала новым центром контркультурного притяжения, пришли следователи. В большом интервью «Новому проспекту» знаменитый художник-философ рассказал, что и он был на допросе в СК, а причина его неприятностей в том, что в России были, есть и будут люди, которым проще разговаривать на языке вражды, чем пытаться вести диалог.

Кирилл, прошёл месяц с нашего прошлого разговора, где вы популярно всё разъяснили, однако градус истерики только нарастает. Вопрос первый: вы вообще ещё не под следствием, не под подписками о неразглашении?

— Пока нет. Пока только первичные следственные действия прошли в виде опроса в СК. Как я понял, это всё потом было отправлено в Москву. Дальше пока ничего.

Фото: группа в VK.com «Воспоминания ветеранов»

Вас вызвали в СК, и вы под видео объяснялись?

— Без видеокамеры. Но провели опрос: кто, что, когда. Первичные данные. Пока всё было мирно и по-человечески: без наездов, без эмоций. Я им сказал, что картина называется «Живые и мёртвые», а не так, как написали в интернете. Их больше интересовали вопросы про галерею: кто там выставляется, как она устроена, кто главный, какой порядок приёма картин в галерее.

Я им сказал, что галерея эта — вещь неформальная, собрание друзей в мастерской. Это не контора, не бизнес.

Следователь вам в сыновья годится? По возрасту.

— Молодой, да. Поснимал в галерее, поговорил со мной, написал бумаг каких-то. И, похоже, что их торопили. Очень быстро набросились. Какую именно статью Уголовного кодекса они проверяют, не говорили. Пока непонятно это. Оскорбление ветеранов, наверное. Оскорбление чувств…

К слову, про скорости. Пришли ведь в галерею на следующий день после того, как на сайте СК сообщили про личное распоряжение Бастрыкина провести проверку…

Фото: СК РФ

— Не на следующий, нет. Через 2 часа после объявления на их сайте они уже были в галерее, причём искали картину «Бессмертный полк». «Есть у вас тут картина с изображением Бессмертного полка?» — спрашивали. Естественно, им сказали, что такой картины нет и никогда не было.

Была картина, где живые несут портреты мертвецов, а бессмертного полка нет и не было. Зафиксировали, что смогли, пофотографировали какие-то другие мои картины. А утром мне позвонили, вызвали в СК на Басков переулок (Следственный отдел по Центральному району, Басков пер. 33. — Прим. «НП»).

Там недалеко молодой Владимир Путин жил (Басков пер. 12. — Прим. «НП»).

— Я не знал об этом. Значит, соседи. Никакого злого умысла я тем не менее не увидел. Никакой агрессии в глазах. Почему заинтересовался Бастрыкин? Мне кажется, что это всё-таки какие-то у них служебные истории. Кто-то перед кем-то хочет выслужиться, доказать свою правильность. «Я свой, буржуинский». Есть какой-то элемент личной заинтересованности. На мой взгляд, и Бастрыкин заинтересован. Я слышал, что Путин болезненно воспринимает всё, что связано с ветеранами. Нашли ветеранов — и давай их прокачивать. А Путин бережно это контролирует всё. Мне так кажется. Лишний раз на любимой теме обозначиться.

Мол, они небезразличны. Нашли ассоциацию, схватились за жалобы, которые к ним пришли. Решили «раздавить на корню».

То есть получается, что это инициатива не снизу, а сверху?

— Я бы сказал, сбоку тоже. Потому что в этой истории далеко не сразу, но появился такой человек, как Астахов (адвокат, уполномоченный по правам ребёнка в РФ в 2009—2016 годах. — Прим. «НП»). Говорят, что у него не очень карьера дальше пошла. Но я деталей не знаю, где он облажался. Знаю только, что он Высшую школу КГБ прошёл. Ориентация ясна. К нему жалобщики обратились, чтобы он взял дело на свой контроль, помог в составлении бумаг. Потрясающий карьерный шанс. Он схватился со всей яростью. Это здорово ситуацию усложнило. Он человек системный — знает, куда нажимать, болезненные точки, чтобы проталкивать это в русле актуальных подавительных трендов.

Тренд в чём?

— Раздавить вражину, найти врага. Тренд на воинственность: расчищать, уничтожать. И найти воплощение этого тренда среди интеллигенции им было бы сейчас очень здорово. То Ахеджакова непонятное для силовиков говорит в театре — нажаловались. То в фильмах что-то непонятное, то в картинах. Какая-то часть современного искусства не очень укладывается в их сознание. Им это не нравится. Решили искусство подпугнуть, чтобы искусство наполнилось страхами. Им кажется, что так будет правильнее. Но мне кажется, что, по большому счёту, охранителям наплевать на искусство. Их скорее интересуют свои карьерно-системные дела.

Было бы интересно послушать про это Астахова…

— Вот! Но у него на публику объяснения другие. Он вывесил видео, там всё сказано. Вся современная риторика про «раздавить гадину», агрессивная риторика. И опять призывы к жалобам. Призывает людей писать в прокуратуру.

Вспоминая известную цитату Довлатова про миллионы доносов, вас не пугает, что эти миллионы готовых писать доносы на своих местах до сих пор? Или наше общество это пережило, извлекло уроки?

— Сейчас это всё только актуализируется. Люди стали агрессивны — настолько полярно настроены. Есть люди цивилизованные, которые понимают, как это работает. Есть люди дикие, которые наполнены ненавистью, боевым духом. С кем-то сражаться надо, когда ущербность проходит через агрессию, когда по жизни чего-то не хватает, когда ты ограничен. И вот эта агрессия канализируется так, иначе ещё куда-нибудь выльется. Регулируемое канализирование агрессии. При этом параллельно провоцирование новой агрессии. Если сейчас это спустить, всё превратится в бешеный маразм. Жаловаться начнут на всё, что шевелится, на всё, что почему-то раздражает раздражённых. И следственные органы, вместо того чтобы расследовать серьёзные дела, будут заниматься расхлёбыванием идиотских жалоб. У маразма конца не будет.

По ТВ идут ток-шоу с правильной пропагандистской подачей. Вас не звали высказаться на той территории или вы отказались?

— Не звали. Дал небольшой комментарий «России24». Они вроде выслушали, сказали, что благодарны. Но сказали, что будут и оппоненты. Оппоненты, естественно, со всей понятной риторикой говорят только одно. Призывы, причитания, как будто с одного листа прочитаны. Человеческого от себя там мало. Но где независимый комментатор? Позвали бы снова, пошёл бы я? Если исходить из того, что разговаривать люди не хотят, а хотят воевать, то я бы, скорее всего, отказался. Я бы пошёл, если бы можно было разговаривать. Но я вижу, что люди там не для разговаривания, а для коллективного избиения. Они любят боевые действия с огромной силой, которая прикрыта государством. И я один, конечно, проиграю.

Ваша работа «Живые и мёртвые» — это часть серии, где толпы что-то носят на транспарантах и древках.

Фото из архива Кирилла Миллера

— Кстати, другие мои картины из этой серии были показаны по ТВ. И кто-то там даже связал моих свиней со «Спартаком»! Заявили, что свиньи ассоциируются с болельщиками «Спартака», а таким образом можно натравить на себя недовольство фанатов! Как будто бы я про них рисовал. Пошёл уже дальше бред… Абсурдируется автоматическим способом.

Страшно представить, что бы было, нарисуй вы толпу в мешках! Стали бы своим для москвичей и врагом номер один для тех, кто называет себя «сине-бело-голубой».

— Да! Каждый вкладывает тот смысл, который есть в нём самом. И само по себе это даже правильно. Я задаю механизм «презентации». Я, как человек толерантный, уверен, что каждый вправе презентовать свою идею, если это не агрессивно, если это не носит воинственные формы. Каждый человек имеет право высказывать своё мнение, показывать его в рамках, принятых воспитанными людьми.

У вас появилась идея продолжения серии? Что можно было бы дать в руки толпе дальше, если есть задача примирить?

— (Пауза.) Сложно. Надо думать. Вообще, серия эта у меня очень широкая. Там масса вариаций: серые носят цветных, цветные носят серых. Так как все разные, у всех свои идеи, это тоже о том, что происходит. Каждый свои идеи пытается презентовать, носится с ними…

Фото из архива Кирилла Миллера

Мне кажется, что в любом случае кто-нибудь обидится, если пытаться нарисовать нечто примиряющее. Я тут выяснил, что вообще первый раз с портретами военных ходили ещё в Новой Зеландии, когда местные военные погибли от рук фашистов, сражаясь на стороне Англии. Первое шествие такое было в память ветеранов. Сейчас пытаются приватизировать. На НТВ какая-то барышня сказала, что это наша национальная святыня, чуть ли не главная скрепа.

Вообще-то в России этот марш придумали журналисты независимого телеканала из Томска. И потом, когда акция стала государственной пропагандой, они призывали участников шествий вспомнить изначальный смысл акции.

— Я знаю про Томск, конечно. Но вот узнал, что первыми были новозеландцы сразу после войны. Пронесли портреты своих погибших друзей. Надеюсь, что приватизация формы ношения своих мыслей на палках не станет экстремизмом. Я сам неоднократно делал такие перформансы. Несколько лет назад мы у «Русского музея» рисовали с детьми, чтобы потом на палках носить растопыренные какие-то картинки. Такая была художественная акция.

Фото из архива Кирилла Миллера

В лесу я раздавал палки на фестивалях. Просил людей фиксировать свои мысли, развешивать. Тоже форма презентации себя, своих мыслей. И потом было шествие, когда каждый нёс свой месседж. Буду выкладывать эти архивы у себя в facebook. Раз уж пошла такая пьянка, буду публиковать историю свою про это. Не ради просвещения, а чтобы было понятно, что это вообще не про ветеранов всё.

А нет желания пнуть тех, кто пытается вас укусить, кто хочет жить в мире стукачества как способа продвигаться? Что-то нарисовать в этой серии, чтобы потроллить их?

— Нет. Нет такого желания. Не хочу с ними связываться. Они неразговороспособны: что ни покажи — начинают воевать, лишь бы зацепиться, чтобы реализовать свою агрессию.

Вы видите в России тенденции к сворачиванию всего инакового и самостоятельного? Часто можно это услышать сегодня, но не всегда это видно сразу.

— Ну конечно, в том-то и ужас происходящего. Если сложить события, которые происходят одно за другим, получается нездоровая история. Получается, что мы живём не в обществе, которое ищет выход из тупиковых ситуаций, вопросов, которые ставит жизнь, а в обществе, которое решает это исключительно подавлением, агрессией. Моя история попала в этот список, она показательна. Время новых хунвейбинов наступило. Шаг за шагом. И очень быстро идёт. Тут же Моргенштерн, тут же Ахеджакова. Культура — всегда хорошая почва для таких процессов, культура же всегда неоднозначна. Она задаёт вопросы, но не всегда даёт ответы. Есть элементы провокативности всегда. Это не инструкция для жизни же! Это очень тонкая вещь. Любая культура очень сложна. А людям попроще надо попроще, посложнее вызывает агрессию. И, по большому счёту, всё идёт к уничтожению культуры как таковой посредством вот таких акций. Творческий человек начинает просто бояться творить! Сидит и думает: кто это как поймёт, пойди разбери… И человек замолкает, перестаёт творить. Страшно становится. Страшно за будущее…

Фото из личного архива Кирилла Миллера

Вам ещё месяц назад угрожали. Сейчас продолжается?

— Вроде бы конкретных угроз пока нет, они перешли на государственный уровень.

Цель атаки сместилась с Кирилла Миллера на галерею?

— Да, они нашли себе Павла Астахова, полководца в этом жанре, и явно настроились воевать. История с картиной не закрыта. Сейчас появился сложный юридический момент: название отдельно, картина отдельно. Как сочетается название и сама картина, непонятно, ведь в интернете любую картину можно назвать как угодно. Получается, автор картины, которого неправильно подписали, может попасть под уголовную статью? Автор и думать не думал об этом никогда.

Ваш коллега по галерее Андрей Кагадеев лаконичен: «Будьте вы прокляты».

— Да, он принципиальный и не чувствует себя виноватым ни в коей мере, естественно.

Это не опасно — оставаться самим собой?

— А вот это самая важная история, на которую надо смотреть и каждому делать свои выводы, а не придумывать ничего. Вот реальная ситуация, как она разворачивается, как устроена, в какой реальности мы живем: побеждает здравый смысл или абсурд.

И тот факт, что в галерею пришли ребята Бастрыкина, то есть в «Свиное рыло» пришли те, кто является вдохновителями «Свиного рыла», это же уже какой-то акционизм!

— Они не вдохновители, они просто следователи. Они не понимали, куда они пришли. В «Свиное рыло» ходят люди, которые интересуются искусством. Ветераны туда не ходили. Я вот читал, что осталось чуть больше 4 тысяч ветеранов, и им отказали в праве не платить каких-то платежей. Государство им отказало. Лучше бы вот этим занимались.

Фото из личного архива Кирилла Миллера

Кто высказался в вашу защиту? Пиотровские, отец и сын, молчат (Михаил Пиотровский — директор Эрмитажа, Борис Пиотровский — «культурный» вице-губернатор Смольного, назначен в январе 2021 года. — Прим. «НП»). Старший вот только за портрет Хармса на улице Маяковского заступился.

— Наверное, не дошло пока до них. Но мне прислал Борис Вишневский свой запрос Бастрыкину, чтобы он снял это позорное дело, которое бросает тень. Он депутат у нас авторитетный в человеческой среде.

У нас же есть люди, авторитетные в культурной среде. Почему они-то молчат?

— Не понимаю… Это следующий важный вопрос. Но вот на НТВ я ждал более жуткого разговора, а там какой-то диалог был. Даже Норкин в этой дискуссии не был столь категоричен, мог бы быть и жестче. Мне кажется, он чувствует, что тема уж больно скользкая, все приличные люди от него могут отвернуться.

Что страшнее потерять Петербургу: Хармса на улице Маяковского или «Свиное рыло» около цирка?

— И то, и то плохо для культуры. Это шаги назад. Хармс такой хороший на этом доме, сделан тактично, аккуратно. И «Рыло» потерять тоже очень плохо. Как правильно пишет Кагадеев, это первый настоящий народный музей. Без копейки государственных денег сделан самими художниками и народом. И существует для того, чтобы просвещать.

Картина «Живые и мёртвые» пока не продана? Наверное, скандал разогнал на нее цену?

— Нет, не продана. Надо учитывать, что картина серьезная и затрагивает тему жизни и смерти, и не всякий человек готов эту тему постоянно держать перед носом. Кроме того, следователь меня попросил, чтобы я картину нашел и по первому требованию мог ее принести. Потому что, как он сказал, в противном случае придется назначать обыски. И, как он логично сказал, если это будут обыски, это будет много неприятностей всяких и накладок.

Фото из личного архива Кирилла Миллера

Так они вам угрожают?

— Нет, он говорит, что просто это так устроено. Эта система. Если процесс будет запущен и будет обвинение, они будут брать картину на экспертизу.

После этого она, наверное, еще больше вырастет в цене.

— Хрен его знает. Пока ее из «Рыла» мне принесли, потому что им обыски совершенно не нужны.

Бэнкси отлично продал картину, которую порезал шредер. Я про механизм медийного скандала для стоимости произведения искусства.

— Это совершенно другой мир. У нас вся культурная среда больше диванно-виртуальная, реальности у нее мало.

Вас не обижает, когда даже не ангажированные журналисты говорят: «Миллер — это кто-то, похожий на Васю Ложкина»? Может, у нас все проблемы оттого, что мы просто не в курсе собственной истории искусства? Вы ведь выставлялись задолго до рождения нынешних комментаторов.

— Обижает. Мне не нравятся сравнения. Люди часто не очень понимают, о чем они говорят. Они тем самым немножко роднятся с теми людьми, которые пытаются на меня нападать, ничего не понимая в предмете разговора. Не очень приятно, когда начинают говорить, что Миллер — это такой фрик. Я разный. Например, в репортаже на НТВ они нашли несколько кусков из моих фильмов, где я играю роль: язык показываю, веселюсь, дуркую, и сказали «вот его лицо». Это стыдно для центрального канала — так дешево передергивать.

Фото из личного архива Кирилла Миллера

Когда стартовал скандал, вы говорили, что если дело получит ход, значит мертвые победили живых. Уже побеждают?

— Что-то, конечно, будет не очень хорошее, но надо посмотреть, насколько это будет жестко. Им надо будет как-то этих защитников ветеранов успокоить. Наказание будет, но непонятно, будет ли это уничтожение или штрафом обойдутся.

Вы за этот месяц чаще стали думать об эмиграции? Если честно.

— Мне сейчас большинство друзей говорит: надо бежать, раздавят. Но у меня сейчас нет физических сил на это. Я уже не очень молод, чтобы вот так быстро убегать. Но задумываться приходится.

Где было понятнее развитие событий с «наездами» от государства: в Советском Союзе или сегодня?

— Сегодня непонятнее. Тогда было понятно, что можно, чего нельзя, и всё это не приходило в такой массовый размах. Даже мои конфликты в молодости с органами не доходили до крайней степени: мочить, сажать. Да, жестко пугали. Меня с 19 лет пугали, что раздавят — даже воспоминаний не останется. Когда я тогда вышел тогда из КГБ, я подумал, надо хоть ребенка сделать, не будут же они детей уничтожать. С таким вот настроением.

Успели?

— У меня в 19 лет уже родился сын.

А зачем тогда в КГБ таскали?

— Да тоже что-то не нравилось. Картинки где-то не там опубликовал. В женском журнале каком-то я нарисовал серию картинок про женщин. Куда предлагали, туда и рисовал. А оно оказалось какое-то неправильное, диссидентское. И завелись, и всех авторов стали чихвостить.

Фото из личного архива Кирилла Миллера

У вас есть ответ на вопрос, почему мы через 30 лет вернулись к стукачам, доносам и единообразию мыслей?

— Со многими говоришь об этом, а они отвечают: могло бы быть и хуже, могли бы и ножичком, и убить вообще, не убивают — и то слава богу. Мне кажется, что вот этот момент страха есть в генетике. Народ настолько боится, по сути, сам себя, что это и порождает такую систему. Что-то всё-таки в народе не то, исторически. И появляется это желание выскакивать, топтаться друг на друге, выживать. Не естественная человеческая жизнь у нас норма, а выживание. Не понимание свободы. У нас в обществе свобода и не успела зародиться — всё вернулось на круги своя.

Фото из личного архива Кирилла Миллера

Возвращаясь к теме войны. Я разговаривал с независимым демографом, которого уволили из Росстата за то, что он пытался говорить как есть. Он говорит, что этой осенью мы впервые по смертности за всё послевоенное время приближаемся к тем страшным цифрам. То есть так плохо не было со времён войны. Но про это не кричат патриоты…

— Об этом и разговор. Все построено на лжи, и люди это чувствуют и перестают вообще кому-либо верить. Они не доверяют даже самым близким. И есть люди, которые ещё больше прокачивают эту воинственность даже между самыми близкими людьми, вместо того чтобы искать возможность сосуществования. А государство вместо того, чтобы смотреть за этим объективно, принимает сторону только одной стороны населения. Диалогом не пахнет. Он сразу перерождается в хамство и в войну. Люди общение воспринимают агрессивно, им понятнее хамить, мочить.

Фото из личного архива Кирилла Миллера

Надежда есть?

— У меня надежда в том, что если история со мной обойдется, надежда есть. На диалог и на какую-то долю разума.

Николай Нелюбин специально для «Нового проспекта»

справка нового проспекта

Кирилл Семёнович Миллер — ленинградский и петербургский художник. Родился в 1959 году в Ленинграде. Окончил ленинградское ПТУ №61 по специальности «маляр альфрейно-живописных работ». Как говорил сам, образование художника получил в живом общении в музеях и мастерских художников. В позднем СССР провёл более 30 персональных выставок. Работал художником и сценографистом рок-группы «АукцЫон». Был организатором и куратором Галереи им. Сальвадора Дали в петербургском культурном центре «Пушкинская 10». Регулярный участник выставок в составе художественных объединений «Митьки» и «Колдовские художники». Снимался в фильмах Александра Сокурова и студии «Номфильм». Лауреат петербургской премии в области культуры «Люди нашего города» в номинации «Художник года» (2000). Известен активной гражданской позицией. Был одним из активных противников строительства небоскрёба «Газпрома» на Охте. Ведёт странички в Facebook, «ВКонтакте», Instagram.

10 известных картин, сюжеты и символы которых сегодня интерпретируют неверно: vakin — LiveJournal

Вы все неверно поняли… Музей обмана зрения на Чечжу.

В мире много картин, которые, казалось бы, известны даже дилетантам от искусства, но при этом истолковывают эти картины совершенно неверно порой даже авторитетные искусствоведы. В этом обзоре десятка картин, в которые их создатели вложили более глубокий смысл, чем может показаться с первого (а порой даже со второго) взгляда.

1. Счастливые возможности качелей

Картина «Счастливые возможности качелей», худ. Жан Оноре Фрагонар.

Эта знаменитая картина эпохи рококо даже была показана в «Холодном сердце» Диснея. Тем не менее, Фрагонар явно вкладывал в свою работу более глубокий смысл, чем Дисней. На картине изображена молодая женщина, которую раскачивает на качелях в романтическом саду пожилой мужчина. Этот мужчина явно не подозревает о присутствии молодого любовника девушки, который наблюдает за ними из кустов.

Мало того, что молодой человек смотрит прямо под платье женщины, так еще все действо происходит на фоне розовых кустов, которые в искусстве эпохи рококо были классическим символом женской сексуальности. Кроме того, молодой любовник засунул свою шляпу в кусты. Это может показаться странным, но в то время мужская шляпа часто использовалась, чтобы скрыть эрекцию. Таким образом, шляпа в кустах — довольно вопиющий каламбур.

Еще одна подсказка — женская туфелька, которая была сброшена с ноги во время раскачивания. Уже в течение многих веков голые ноги или лодыжки ассоциируются с сексуальными желаниями. Хотя «Качели» — бесспорно красивый образ, стоит узнать его историю перед тем, как начать показывать его в детских мультфильмах.

2. Завтрак на траве

Картина «Завтрак на траве», худ. Эдуард Мане.

Женская нагота довольно часто встречалась в классическом искусстве. Но даже в то время, когда рискованные художники осмеливались рисовать женщин во всей их обнаженной красе, работа Мане выделялась среди остальных. На этом шедевре импрессионизма изображен пикник двух полностью одетых мужчин с обнаженной женщиной, смотрящей на зрителя (а на заднем плане есть еще одна полностью одетая женщина). Изображение было уникальным в этом отношении, поскольку вплоть до того момента обнаженными, как правило, изображали богинь, таких как Венера или Афродита.

Мане же нарисовал обычную женщину легкого поведения, и он стремился изображать женщин не как бессмертных небожителей, а как вполне смертных и материальных существ. Но картину ассоциировали с проблемой необузданной проституции, с которой Франция столкнулась в то время. Когда полотно было представлено жюри Парижского салона 1863 года, оно было встречено насмешками и критикой. Картину Мане отвергли, поскольку ее смысл был полностью неверно истолкован.

3. Олимпия

Картина «Олимпия», худ. Эдуард Мане.

Очень похожая на «Обед на траве», «Олимпия» Мане также изображает обнаженную проститутку, и поэтому она немедленно столкнулась с критикой и отвращением со стороны арт-сообщества. Женщина на полотне смотрит прямо на зрителя самым «бесстыдным и сексуальным образом». Критики предпочли полностью игнорировать настоящие темы, которые хотел передать Мане, рисуя реалистичные парижские сцены.

Фактически, они были настолько поглощены игнорированием намерений Мане, что почти не замечали на картине присутствия темнокожей служанки, которая, как считается в наше время, создает контраст света и темноты. Но Мане просто не мог убедить современное ему общество в своих истинных намерениях.

4. Постоянство памяти

Картина «Постоянство памяти», худ. Сальвадор Дали.

«Постоянство памяти», которую чаще называют «Тающие часы», — это сюрреалистическая картина, являющаяся самым узнаваемым полотном Дали. Ее популярность настолько велика, что эту картину показывали даже в «Симпсонах», а в последнее время ряд компаний даже начали продавать часы, дизайн которых был вдохновлен этой картиной. Но, несмотря на ее популярность, смысл работы Сальвадора Дали неверно истолковывают многие искусствоведы еще с момента ее презентации в 1932 году.

Многие считали, что мягкие, стекающие со стола карманные часы представляют собой представление о текучести и податливости концепции времени и пространства. Эта интерпретация привела к убеждению, что Дали хотел передать эйнштейновскую теорию относительности. Однако, когда его спросили, почему он решил нарисовать свои знаменитые часы, художник ответил, что он был вдохновлен изображением сыра камамбера, плавящегося на солнце.

5. Похищение дочерей Левкиппа

Картина «Похищение дочерей Левкиппа», худ. Питер Пауль Рубенс.

Следующая картина примечательна тем, что ее неверно трактовали дважды. Сначала художник Томаш Кучеровский опубликовал комикс под названием «Не тот век» на своем веб-сайте. В комиксе была изображена тучная женщина, любующаяся картиной Рубенса, беззаботной наготой и красотой двух женщин, изображенных на ней. Название, очевидно, относится к глубокому желанию этой женщины жить во времена, когда ценились более «крупные» женщины, такие как она.

Однако после появления на таких сайтах, как Twitter и Tumblr, комикс быстро удалили из-за шквала критики. Картина Рубенса, как следует из названия, безусловно, не является восхвалением крупных форм, как это показалось Кучеровскому. Фактически, на картине изображены Феба и Гилаира, дочери греческого царя Левкиппа, которые были похищены Кастором и Поллуксом, желающими взять их в жены.

Второе заблуждение относительно картины более глобальное. По понятным причинам на Западе считают, что картина называется «Изнасилование дочерей Левкиппа» (на английском она называется The Rape Of The Daughters Of Leucippus, а слово «rape» обозначает как изнасилование, так и похищение). На самом деле, нужно рассматривать латинское происхождение этого слова — «rapere» означало именно похищение.

6. Ночная терраса кафе

Картина «Ночная терраса кафе», худ. Винсент Ван Гог.

Это скорее теория, но у нее есть довольно убедительные аргументы. «Ночная терраса кафе» — одна из самых известных картин Ван Гога, и по всему миру есть миллионы ее репродукций. Тем не менее, предполагается, что полотно на самом деле является некой визуальной интерпретацией «Тайной вечери» Да Винчи. Ван Гог, сын пастора, был глубоко религиозным человеком, поэтому логично будет предположить, что он передавал в своем искусстве некоторые религиозные образы.

На картине изображен простой вид на уличное кафе, в котором сидят 12 человек, а еще выходит в дверь (от него видна только темная тень). Человек, который стоит в центре, одет в белый цвет, а остальные одеты в красный или черный цвета. Считается, что белая фигура символизирует Иисуса, а темная — Иуду. Теория была поддержана различными учеными, но правдивость ее подвергается сомнению.

7. Портрет Тео Ван Гога

Картина «Портрет Тео Ван Гога», худ. Винсент Ван Гог.

«Портрет Тео Ван Гога» — маленькая картина, изображающая бедно одетого мужчину, которая на протяжении многих лет считалась автопортретом самого Винсента ван Гога. Однако спустя 120 лет после написания картины искусствоведы во всем мире были потрясены открытием, когда оказалось, что картина не является автопортретом, а на ней нарисован брат художника Тео, который был очень похож на Винсента. Это показывает, что иногда даже профессиональные историки могут ошибаться.

8. Полуночники

Картина «Полуночники», худ. Эдвард Хоппер.

На самой известной работе Хоппера, «Полуночниках» изображены несколько одиноких фигур, сидящих в закусочной ночью. Улица возле закусочной пустынна, и от картины буквально исходит сильное чувство одиночества. Еще более усиливает это чувство изоляции, лишения свободы и беспомощности отсутствие видимого выхода из здания. Критики предполагали, что художник хотел передать чувство одиночества в большом городе. Однако, когда репортеры спросили Хоппера о том, что он подразумевал, когда писал картину, тот ответил: «Вы что, издеваетесь? Я просто нарисовал закусочную ночью».

9. Природа ковки ребенка

Иллюстрация «Природа ковки ребенка» к «Роману о розе» Гильома де Лорриса.

Об этой картине, которая была иллюстрацией к поэме XIII века Гильома де Лорриса и Жана де Мена, известно мало что. Это привело к тому, что изображение часто демонстрируется вне контекста. На картине ясно показана женщина, бьющая ребенка молотком, а в стороне лежат несколько серых, явно мертвых младенцев. Однако, как видно из названия, женщина не является убийцей ребенка. Она на самом деле является аллегорическим изображением Матери-Природы, которая «кует» своих детей.

10. Черный ирис

Картина «Черный ирис», худ. Джорджия О’Кифф.

О’Кифф, вероятно, является самым неверно истолкованным художником в этом списке, исключительно из-за реакции общественности на ее большие картины с цветами. «Черный ирис», как и все другие цветы, нарисованные О’Кифф, считались представлением женских гениталий.

Это не надуманное предположение, поскольку в истории искусства ассоциации женщин с цветами встречаются часто, но О’Кифф решительно опровергла все утверждения о том, что ее произведение было каким-то образом предназначено для передачи сексуальности. Она даже пыталась развеять слухи, увеличивая уровень детализации в своей работе, но это только добавило споров.

Бонус

Источник — kulturologia.ru

художник Антон Тимченко — о пиксель-арте

За последние три года многие стены таганрогских зданий были украшены знаменитыми лицами. Фаина Раневская, Антон Чехов, Екатерина II, Петр I, Юрий Дудь, Виктор Цой — вот лишь малый список героев, которые появились на улицах города. Теперь в Таганрог приезжают туристы не только, чтобы пройтись по Каменной лестнице или увидеть дворец Алфераки, но, и чтобы познакомиться с работами местного художника Антона Тимченко, выполненными в авторском стиле. «Городской репортер» поговорил с художником и узнал, каким образом выбирается место для новой картины, как реагируют на его творчество прохожие и как так получилось, что по работам Антона Тимченко уже делали экскурсию.

Художник Антон Тимченко специального художественного образования не получил — он закончил Институт радиотехнических систем и управления ЮФУ в Таганроге и стал специалистом по защите информации. Как признается, в школе и университете тоже не рисовал. Творчеством начал заниматься лишь в 28 лет — учился по открытым источникам в интернете.

Первую картину Антон Тимченко написал рядом с офисом своей работы. Это была Фаина Раневская с подписью «Я знаю самое главное: я знаю, что надо отдавать, а не хватать». Так как стена была кирпичная, он решил нарисовать ее пикселями. Таким образом появился новый метод художественной работы — пиксель-арт. Интересно, что вблизи рисунок кажется размытым — и только на расстоянии складывается в картину. Теперь в этой технике художник выполняет все свои работы.

— Начинать писать картины на улице было страшно?
— Нет, наверное, потому что это было соседнее здание, расположенное рядом с работой, и не фасадная стенка. Я просто выходил в свое свободное время и по чуть-чуть рисовал. Было даже интересно, как получится. Жаль, что позже рядом со зданием появилась пристройка, которая заслонила картину. Сейчас она практически закрыта.

— Работу вы согласовывали с администрацией?
— Раневскую я не с кем не согласовывал. Но получилось так, что она понравилась и администрации, и жителям. Со мной связались из комитета по архитектуре города и сказали, что такие работы надо согласовывать. Их нельзя просто так рисовать. После этого я начал все делать так, как надо.
Конечно, в основном стену мне предлагают люди, которые живут в этом же доме. При этом они уже знают, что хотят, чтобы я нарисовал. Иногда я предлагаю несколько вариантов. Жители сразу свою задумку обсуждают со старшим по дому, с ТСЖ или УК. Когда все согласны, начинается согласование с администрацией. Если же мне нужна какая-нибудь стена, то я сам стучась в первую попавшуюся квартиру, узнаю, кто старший по дому, рассказываю, кто я такой и чего хочу. Дальше все то же самое.

— Это долгий процесс?
— От недели до месяца, грубо говоря. В администрацию я подаю макет рисунка. И они мне его согласовывают или нет.

— А сколько по времени занимает одна работа?
— Всегда по-разному. Михалыча (колоритный житель Таганрога, сапожник — прим. ред.) я три дня всего лишь рисовал, Екатерину Великую — три недели, Антона Чехова и Фаину Раневскую — месяц. Длительность зависит от сложности рисунка, от его размера, от внешних условий, от исходного состояния стены.

Фото: Антон Бакарюк

Иногда, например, только подготовка стены занимает несколько дней: старую краску нужно убрать, вычистить, загрунтовать. Бывает, правда, что стена уже готовая, когда дом после капитального ремонта. Все новенькое, то есть ты приходишь и сразу рисуешь.
Кроме того, если у меня есть подъемник, то он очень сильно ускоряет работу. Когда ты сам, убирать и двигать баллоны с краской — это дольше намного. Понимаете, я ведь рисую не баллончиками, а красками в банках. На большие работы может уйти довольно много — два десятилитровых ведра. Расход краски всегда больше, если работа сильно цветная или если нужно несколько слоев.

— На долговечность картин влияют погодные условия?
— Я рисую фасадными красками, как раз рассчитанными на то, чтобы на улице это делать. К тому же все сделанные работы я покрываю акриловым лаком сверху, который дает дополнительную защиту, оберегая рисунки от выгорания, погодных условий. Я стараюсь, чтобы это все была долговечная история.
Самая показательная работа в этом плане — это Чехов. Я его нарисовал три года назад, и он до сих пор никак не изменился. Были, конечно, и неудачные работы — Раневская оранжевая. Дело в том, что я ее рисовал зимой, использовал там непривычную для себя краску и неправильно рассчитал пропорцию. В результате она выцвела. В остальных же случаях рисунок может испортиться, если была сильно жуткая стена, которая начала осыпаться. Это не связано с красками и материалами.

— Во многих постах в Instagram вы говорите, что это физически тяжелая работа, поэтому чаще всего стрит-артом занимаются мужчины. Что усложняет процесс?
— Много всего. Ты физически стоишь на ногах целый день. Летом тебе жарко, зимой холодно, часто ветер. Весь день простоять на улице — непросто. Плюс лазить по лесам вверх-вниз — это тяжело. Наиболее комфортно рисовать весной, когда тебе и не жарко, и не холодно.
Да, я бы сказал, что заниматься стрит-артом — это больше мужская работа. Девочки мне помогали рисовать — это тяжело. Даже если ты находишься в помещении, целый день стоишь — все равно устаешь.

— Но бывает же так, что и внешние обстоятельства придают вдохновение? Я читала историю, как однажды прохожие вас угостили кофе и шарлоткой.
— Конечно! Так было, например, в прошлом году, когда я получил заказ от местных властей, — в отделе пропаганды ГИБДД придумали сделать социальный проект. Сотрудники нашли мой телефон и связались со мной. Финансировали работу местные депутаты. Так вот на последнем моем рисунке были изображены детская коляска и инвалидное кресло. Это было такое место, где рядом практически негде остановиться машине, потому что вблизи — перекресток, светофор, мост. И было очень классно, что люди просто на аварийках на перекрестках останавливались, сигналили, несли мне воду.

— Вообще люди тепло реагируют?
— В основном да. Правда, обязательно есть и те, кто скажет: «Зачем вы это делаете? Лучше оставьте нам серую стену»! Такие всегда бывают, хотя бы один, но обязательно. Конечно, положительных отзывов, пожеланий, помощи и угощений — больше.

— А пожеланий в стиле «оставьте как было» чаще слышно от представителей старшего поколения?
— Да! (улыбается — прим. ред.). Это больше характерно для старшего поколения: «Не было ничего и не надо тут, оставьте в покое!»

— Я видела, что иногда вы говорите, что к вам во время процесса создания картины можно присоединиться. Это какие-то местные художники?

— Вот именно художники ко мне никогда не приходят. Ко мне приходят помочь подписчики. У меня есть схемы что, где и как конкретно рисовать, разметки, макеты, все расписано обычно, заранее разложено. Я просто даю человеку кисточку, краску и говорю: «Ты выкрашиваешь этот участок».
Когда один-два человека приходят, это удобно. Если больше, то становится сложно, потому что я ж сам еще рисую и пытаюсь быстро это делать. А если люди приходят, то в первую очередь развлечься, время провести, потусить и пообщаться, а уже потом порисовать, приложить к работе свою руку. Нужно на всех отвлечься, всем показать, дать кисточку, рассказать, как и что делать. Я это воспринимаю, как развлечение, чтобы люди от процесса какое-то удовольствие получили.

— Правильно я понимаю, что это вообще не коммерческая история? И картины сделаны на пожертвования, а все остальное — это ваше свободное время и творчество?
— Чаще средства, которые идут на реализацию работы, составляют 50 на 50: половина моих денег, остальную половину собираю в Instagram. Сейчас, благодаря частным заказам, эта работа стала моей профессией. На зарплату я живу.

— Видела в Instagram, что по вашим работам делали экскурсию? Это был какой-то совместный проект с местным музеем?
— Да. Летом 2020 года от местного художественного музея поступил заказ. Они получили еще одно историческое здание в качестве филиала. Во дворе оказалось несколько боксов — гаражей. И сотрудники музея попросили меня их разрисовать. Мы решили сделать этот проект в виде старых открыток с видами города. После чего сотрудники музея придумали и сделали экскурсию по моим работам, по двору, по фотографиям.

— Вы могли предположить, что ваши работы так органично впишутся в город?
— Ну, я надеялся (улыбается — прим. ред.). У меня как раз была идея сделать какие-то достопримечательности, какие-то знаковые места в Таганроге, ради которых люди будут приезжать из других городов. Периодически туристы отмечают меня в Instagram с подписью: «Мы приехали в Таганрог посмотреть работы». Это, конечно, очень приятно!
Но, если честно, у меня не возникает такой мысли: «Ага, ура, так и надо!». Каждый раз удивляешься и думаешь: «Ничего себе! Люди приехали из другого города, заморочились, день или два ходили и смотрели работы. Это приятно очень!»

— В одном из интервью вы сказали, что у вас в планах — развитие Instagram. А есть какая-нибудь глобальная цель?
— Да, чтобы у меня появились заказы в моем пиксельном стиле с абсолютной творческой свободой. Чтобы мой личный стиль приобрел какую-то ценность, известность и популярность. Знаете, у меня был такой заказ. Люди попросили их трехэтажный дом полностью разрисовать пикселями. Я придумал всю концепцию, но это отложилось. Начался кризис из-за коронавируса, а проект предполагал большой бюджет. Это для меня сейчас самое большое желание — получить такой частный заказ с моим стилем. Чтобы люди оценили мои творческие идеи и способности, а не просто списанную технику из интернета.

---

Было интересно? Хотите быть в курсе самых интересных событий в Ростове-на-Дону? Подписывайтесь на наши страницы в Facebook, Instagram и ВКонтакте и канал в ЯндексДзен и Telegram.

Вы можете сообщить нам свои новости или прислать фотографии и видео событий, очевидцами которых стали, на электронную почту.

---

Сергей Гаврилов: «Я рисовал и был счастлив!»

‒ Сергей, ваше имя появилось в ряду востребованных иллюстраторов относительно недавно. Но «молодым художником» вас не назовешь. Как вы попали в мир книги?

‒ Я учился во ВГИКе на курсе Сергея Александровича Алимова. Его все знают по мультфильму «Каникулы Бонифация», где он был художником-постановщиком. Но вообще он много разного сделал – и как режиссер, и как сценарист, очень большой след оставил в книжной графике, проиллюстрировав всю классику, но самое главное, он был выдающимся художником и не менее выдающимся педагогом. И вот Алимов учил нас не только культурному рисованию, но и знакомил со своими любимыми авторами и художниками. Я получил специальность художника-постановщика анимационного кино. Но когда мы в 2001 году окончили институт, то выяснилось, что никому мы не нужны с нашим культурным рисованием. Распределения отменили, «Союзмультфильм» развалился, издательства закрыты ‒ короче, старый мир разрушен, а новый еще не построен.

Я немного поработал в британском проекте киностудии «Christmas Films». Работал художником-постановщиком на сербском игровом фильме «Живели», который снимали в Белграде, еще не восстановленном после бомбардировок. Как художник-монументалист расписывал стены, как художник-кукольник делал куклы и малые скульптуры. Все было интересно попробовать. А как художник-постановщик я сделал два полнометражных анимационных фильма: «День рождения Алисы» (по одной из повестей Кира Булычева) и «Чародей равновесия» (такая фантазия о Якове Брюсе ‒ сподвижнике Петра I, «русском Фаусте», как называл его Пушкин). Эти фильмы ‒ это 10 лет огромного труда. На плечах художника – раскадровка, экспликация, создание персонажей и разработка артикуляции, разработка фонов, создание и разработка реквизита, визуальных эффектов и еще много-много всего. Все должно подчинятся одной стилистике и одной палитре. Конечно, мне помогали прекрасные художники, без них бы ничего не получилось. Но все равно я чувствовал, что анимация ‒ это не мое.

‒ Но почему? Вы решили, что у российской анимации нет перспектив? Или это совсем не кормит? Или получается продукт, который вас не устраивает?

‒ И то, и другое, и третье. В анимации я столкнулся с тем, что называется «продюсерское кино». Продюсерское кино предполагает, что итоговый продукт надо во что бы то ни стало продать. И как можно дороже. Все время приходилось идти на какие-то компромиссы, а это очень плохо для искусства. Получается и не то, что хотел продюсер, и не то, что хотел ты. Нельзя сказать, что я совсем не горжусь результатом, нет. Я отдавал всего себя, как и многие художники, работавшие вместе со мной. Приходилось учиться в процессе, и осваивать новые технологии буквально на коленке (нас учили классической школе анимации, а на выходе столкнулись с 3D и флэш). И хотя анимационное кино ‒ коллективный труд, но прежде всего это, конечно, режиссер, и успех фильма зависит от него напрямую. Иными словами, я не чувствовал свободы в анимации, и решил уйти в книгу.

Сначала с книгами стала работать моя жена Ирина. Я ходил вокруг нее кругами, присматривался к ее работе ‒ она тогда делала «Алису в Зазеркалье» для «Махаона» ‒ и видел, как аккуратно работают книжные редакторы (сами прекрасные художники): ничто не навязывается, свобода художника приветствуется. В общем, мне очень захотелось иллюстрировать книги.

И тогда я пришел в «Махаон», где главным художником был Евгений Антоненков, показал свои работы, и он предложил мне иллюстрировать Хармса. Это была прекрасная работа! Трудная работа! Каждый разворот очень тщательно придумывался, в иллюстрацию прятались цифры и другие смыслы ‒ подчеркивая поэтический ритм. В общем, я рисовал и был счастлив. И я до сих пор ту свою книгу очень люблю.

Иллюстрации к книге стихов Даниила Хармса «Иван Иваныч Самовар». Издательство «Махаон»

‒ Вы уже проиллюстрировали 40 книг. Вряд ли можно одинаково любить все 40.

‒ Понятно, что-то мне больше нравится, что-то – меньше. Например, я очень люблю «Историю принца Реми, лошадки по имени Реми и принцессы Мирей» Пьера Грипари. Для меня было огромным удовольствием иллюстрировать эту книгу. Там есть все, что любят мальчишки – мундиры, драконы, фехтование, чудеса… И все это так остроумно закольцовано, что напоминает философскую притчу. И я прямо развернулся – погрузился туда с головой, и даже попросил увеличить количество страниц в книге, потому что все то, что мне хотелось нарисовать, не вмещалось в макет издательства.

Иллюстрации из книги Пьера Грипари «История принца Реми, лошадки по имени Реми и принцессы Мирей». Издательство «Лабиринт Пресс»

Еще в числе моих любимых работ книга Джеймса Крюса «Мой прадедушка, герои и я». Это смешные разоблачения разного рода «героических» личностей. Героями-то, по мысли автора, часто являются не они, а обычные люди – какой-нибудь булочник или пекарь… Такая глубоко гуманистическая книжка. Она состоит из множества баллад, песен, стихов, причем все они стилистически разные – поэтому тут пригодилась вся моя палитра.

Иллюстрации из книги Джеймса Крюса «Мой прадедушка, герои и я». Издательство «Лабиринт Пресс»

«Портной Зашивайка» Марины Тараненко – простая, но невероятно веселая история с очень яркими персонажами. В книге очень много воздуха, света, цвета ‒ сразу захотелось ее сделать акварелью по-мокрому, чтобы цвет разливался и перетекал и тоже был важным персонажем.

Иллюстрация из книги Марины Тараненко «Портной Зашивайка». Издательство «Архипелаг»

Интересная работа была для израильского издательства «Кадимах» – хорошо знакомая нам сказка «Аленький цветочек», но удивительно было видеть, что не только переведенный на иврит текст, но и иллюстрации повернуты справа налево…

В общем очень много любимых книг.

‒ То есть вам самому должно быть интересно и весело, когда вы работаете?

‒ Конечно. И еще есть персонажи и вещи, которые я люблю с детства: герои, рыцари, ландскнехты, и чтобы были шпаги, ботфорты, эполеты… Хотя сам я человек не воинственный, но парадная атрибутика меня совершенно завораживает.

‒ Наверное, вы бы с удовольствием иллюстрировали исторические романы?

‒ Да, но исторические романы, к сожалению, редко иллюстрируют – если это не детско-юношеская литература. В советское-то время можно было и «Войну и мир» с иллюстрациями встретить… Но я эту свою страсть к историческому использую и при иллюстрировании сказок. Я сразу думаю о том, в каком историческом времени это могло бы происходить, от чего бы мне оттолкнуться. Взять, например, Гофмана. У меня в памяти сразу всплывают гравюры его современников, их колорит, их изящество. Я сразу вспоминаю художника Каспара Фридриха… Или однажды мне нужно было иллюстрировать сказки про гномов и великанов. Я рисовал Европу XVI века, вдохновлялся Брейгелем и Босхом.

‒ А бывает ли так, что вы отказываетесь от работы? Есть ли такие тексты, которые вы никогда не возьметесь иллюстрировать?

‒ Я любое предложение воспринимаю как вызов и берусь почти за все, что предлагают. Если отказываюсь, то только по одной причине ‒ варварский по отношению к художнику договор, полное отчуждение прав, карательные меры при любой задержке и тому подобное.

Обращаюсь ко всем художникам: читайте договор! Настаивайте на своих правах. Хватит уже это терпеть!

‒ Случается ли у вас то, что называется «непопаданием в образ»?

‒ Если у меня есть чувство, что я в образ не попал, то я и показывать такое не буду. Я буду до тех пор копья ломать, пока внутри меня не щелкнет: вот оно! Бывает так: вот текст, вот лист. Надо придумать композиционное решение, которое позволит тексту «вписаться» в лист. А у меня его нет. Нет, нет, нет… Я мучаюсь, изрисую не один лист бумаги. И так это меня эмоционально выматывает, что я просто падаю и засыпаю. Минут 20 пребываю или во сне, или в полудремотном состоянии. А потом просыпаюсь с четким решением в голове. Тут существует какая-то магия, связанная с работой головного мозга, со всеми «внутренними библиотеками», которые там хранятся, со всем твоим опытом. И когда решение приходит, я уже не могу оторваться от работы.

‒ А как складываются ваши отношения с авторами книг? Бывало ли, что автор говорит: «Вы нарисовали не так, как мне представлялось. Должно быть совсем по-другому!»

‒ По-разному бывает. Примерно половина авторов так говорят. Но это всегда было. Я читал переписку Льюиса Кэрролла с иллюстратором «Алисы…» Джоном Тенниелом. Очень забавно – такое происходит и будет происходить между авторами и художниками всегда. Да, бывает, что приходится объяснять автору каждую завитушку. Но если автор начинает прямо художником руководить, это неправильно. Надо понимать, что это просто другой вид искусства. Художнику непременно нужна свобода. Он же рисует, исходя из своего видения текста, опираясь на свой внутренний мир. Он по-другому не может.

Вот, например, я рисовал для одной книги эпизод, где упоминался телефон. Мальчик говорил по телефону. Я нарисовал телефон с циферблатом и трубкой. Автору не понравилось: дети нас не поймут! Должен быть айфон. Я не против того, чтобы при случае изобразить что-то из области хай-тек, какой-нибудь черный квадратик. Но в том конкретном случае это было неправильно. В тексте говорилось, что мальчик звонил из квартиры профессора. Я представил, что этот профессор живет в окружении старинных вещей, среди венских стульев и канделябров, вещей не конвейерных. Почему нет? Это же интересно. И рисовать интересно, и рассматривать интересно. В той ситуации я смог убедить автора в своей правоте. Но вообще в таких ситуациях большая ответственность лежит на редакторе. Конфликты между автором и художником происходят в том случае, если редактор слабый.

‒ Когда вы начинаете рисовать, то мыслите сразу целой книгой или отдельными эпизодами, которые потом складываются в нечто цельное?

‒ По-разному бывает. Но, наверное, сначала должен возникнуть некий целостный образ. А потом, когда берешься за персонажей, то впечатления становятся более конкретными, оттачиваются, уточняются. И в процессе работы первоначальный образ может поменяться. Поэтому я не люблю, когда в каком-нибудь издательстве меня просят сделать пробную иллюстрацию. Это совершенно бессмысленно. Когда ты начинаешь работать, то никогда точно не можешь сказать, к чему в результате придешь. Иногда доберешься до конца книги – и приходится первые иллюстрации переделывать, потому что тебе открылось новое понимание текста, образов. Мне кажется, издатели должны художнику доверять. Они же его выбрали по каким-то причинам! Они по моим работам видят, что я могу. Так зачем им еще проба?

‒ Как издательства «обнаружили» художника Сергея Гаврилова?

‒ Ну, скорее, я сам к ним пробился. Я просто методично начал отправлять свое портфолио в разные издательства. И мне такие смешные комментарии в ответ присылали (если присылали)! «Что-то вы очень разный!» – говорили.

‒ Так это же хорошо! Это значит, что вы умеете по-разному рисовать.

‒ Мне тоже казалось, что это преимущество – и уж точно не недостаток. Есть художники, которые избрали для себя какую-то одну манеру и работают только в ней. У них формируется узнаваемый стиль. А я люблю работать в разных техниках. Иногда бывает, что текст ничего во мне не будит. Как тут рисовать? Тогда я выбираю для себя технику, в которой мне приятно работать. Это как музицировать, спокойно играть упражнения. Такая книга, конечно, не войдет в ряд моих любимых. Но я ее все равно сделаю. Она состоится… Но не будешь же все это объяснять, когда ищешь работу? А с неизвестным художником никто не хотел иметь дело – пусть у него и работы есть, и специальное образование. Мне говорили: а кто может за вас поручиться? То есть рисунки мои их не убеждали… Но потихоньку-полегоньку лед тронулся. Молодые издательства легче откликались на предложения. Сайт «Иллюстратор» мне сильно помог. Одну работу я получил, другую… И заработало сарафанное радио.

‒ И не только сарафанное радио. Все ваши книги теперь работают на вас. И должна сказать, свой узнаваемый стиль у вас есть. При взгляде на какие-то книги с вашими иллюстрациями сразу говоришь себе: так ведь это Гаврилов! Разве можно его не узнать?

Беседу вела Марина Аромштам

________________________________________

Книги с иллюстрациями Сергея Гаврилова:

Столярные рассказы, или Как Гриша игрушки мастерил »

Маяк — смотри! »

Земные приключения Марсоходика »

Современные поэты — детям »

Правильный робот Вася »

Маша и Аркаша-таракаша »

Друзья-приятели. Кыш, Двапортфеля и целая неделя »

Друзья-приятели. Веселое мореплавание Солнышкина »

Анька М и Анька П »

как татарстанский художник раскрашивает страницы истории

Волжская Булгария Рустема Хузина: как татарстанский художник раскрашивает страницы истории

Выставка работ живописца реалистической школы Рустема Хузина открыта в НКЦ «Казань». Художник известен благодаря своим полотнам на тему Волжской Булгарии («Принятие булгарами ислама в 922 году», «Ага-базар 10 века», «Базар в Булгаре 13 века», «За веру. За Булгарию»).

Его картины хранятся в альметьевской картинной галерее «Нефтяник».

На выставке — 160 работ, все написано в последний год-два. Согласитесь, работоспособность — фантастическая!  При этом художник — не затворник: много выезжает, участвует в выставках, форумах, биеннале. Творит постоянно, в любом месте, пишет прямо во время выставок, при большом скоплении народа. По темам — все тот же, как и раньше: обилие пейзажей, натюрморты. Все с натуры, как говорится, «по-шишкински»: Арбор (Балтасинский район), Средний Урал (художник оттуда родом), много изображений деревенских улиц, старых домов. Исторические полотна — по одному на стену выставочного зала — составляют ядро новой экспозиции. Слева от входа — вариация прославившей Хузина картины «Принятие булгарами ислама в 922 году», сделана в меньшем размере, для удобства перевозки. Рустем планирует организацию передвижных выставок, для этого восстанавливает исторические работы. На другой стене – триптих «О подвиге булгарского народа  в период монгольских завоеваний 1223-1237 годов».

Рустем на открытии устроил живой диалог со зрителями. Говорил обо всем, что было интересно присутствующим. 

Рассказал и о триптихе: «После знаменитой битвы на Калке монголы двинулись в сторону Волжской Булгарии. Булгары разбили монголов.

О том, где происходило сражение, единого мнения нет. Я исходил из теории И.Л.Измайлова. Он считает, что это было под Пензой на Золотаревском городище. Там до сего дня сохранились четыре крепостные стены. По городищу мы ходили с профессором Белорыбкиным. В рвах там до сих пор стоит вода. Археологи находили на этой территории наконечники монгольских стрел, эмблему чингизидов и много чего еще. Белые камушки, как объяснял мне профессор Белорыбкин, не что иное, как человеческие кости.

Эта битва вошла в историю как «баранья битва», так как уцелевших монголов обменивали на баранов. Этого унижения монголы не простили булгарам. И через 13 лет их войско вернулось и уничтожило булгарскую столицу Биляр. Булгары потеряли свою независимость.    

Мы были на раскопках Биляра. К 1236 году это был великий город. Его площадь составляла 700 гектаров. А Лондона тех времен всего лишь 150 га. Производство ювелирных, гончарных изделий шло в Биляре в промышленном масштабе», –  Рустем перешел к третьей стене, на которой разместилось третье историческое полотно, представленное на выставке: «Последние дни Биляра. Осада войсками Чингизхана столицы Волжской Булгарии в 1236 году». Написана в 2016-17 годах. Это центральная картина будущего триптиха. Две другие представят собой жанровые портреты нападавших и защитников.

По словам Хузина, он мечтает открыть художественную галерею в Арборе Балтасинского района, родине его жены. На выставке — огромное количество пейзажей оттуда. Это великолепные места, мне бы хотелось, чтобы там появились туристы. Предстоит написать портреты пожилых жителей Арбора, сюжетные вещи, воспеть людей труда.

Один мой знакомый художник говорит, что надо так писать, чтобы крыши срывало. А крыши и так сорваны. Сердца успокаивать надо. Такой я вижу задачу художника. Приступая к работе, начинаю с омовения, надеваю чистую одежду, бывает, что пощусь. Конечно, берусь за работу с именем Аллаха», – рассказывает Рустем на открытии выставки.

Расхожее мнение, что в исламе запрещено изобразительное искусство, в свое время чуть не толкнуло Рустема бросить Академию. Сегодня он объясняет появления хадисов, запрещающих музыку, изобразительное искусство, стремлением Британской империи разрушить Османскую. В конечном счете этот запрет не послужил на пользу исламу, а привел к его радикализации.

Рустем признался, что Министерство культуры РТ не купило у него ни одной картины. «Я за 14 лет так и не получил мастерской. Студенты получают, я нет. Им, правда, дают маленькие. Мне нужна большая. Я не знаю, что нужно делать, чтобы тебя заметили и с мастерской помогли», – оглядывая зал, полный картин, написанных всего-то за какой-то год-полтора, говорит художник. И в таком темпе – 14 лет. Действительно, что еще надо, особенно если учесть, что мастер создал полотна, в которых воплотил величественные и одновременно лирические образы далеких предков татарского народа — волжских булгар, возродил страницы славного и драматического прошлого. Фактически, художник своим творчеством заполняет образный вакуум в отношении этих тем. Представляется логичным, что на такие полотна должен быть заказ со стороны государства.

Хузин считает неправильным, когда художник — как было с Александром Ивановым или Константином Коровиным – превращается в затворника: «Их судьбы печальны. А человек должен быть частью мира, в том числе и художник. Если нет семьи, активной жизненной позиции, это неправильно». Надо сказать, для присутствующих на выставке стало новостью, что Хузин больше не преподает в Казанском художественном училище.

«Меня попросили уйти оттуда лет 5 назад. Я единственный из преподавателей ходил с учениками на постановку, писал вместе с ними на пленэре. Никто так больше не делает. Я не брал много предметов, потому что научить я могу, только когда сам работаю. Я вел один-два предмета. Ну и зарплата у меня была соответствующая – 1,5 тысячи. К сожалению, в современной системе преподавания при подготовке художников лежат серьезные методологические ошибки. Она производит дизайнеров. А жизнь показывает, что, если художник в состоянии реалистично написать пейзаж, он прокормит себя.

Как говорил Харис Якупов (в 2003-2006 годах Хузин проходил обучение и стажировку в творческой мастерской живописи академии художеств в Казани под руководством Якупова – прим. ред.), без натуры – ни шагу. Если не работать с натурой, то есть не писать с натуры, ничего нельзя создать».

Это парадокс. Художник-профессионал, пишущий в самой что ни на есть классической манере, не востребован учреждением, в котором как раз и преподают классическую живопись и рисунок.

Надо возрождать в Татарстане пленэрные практики, уверен Рустем — член Союза художников, и в данном случае он, видимо, ждет инициативы именно от союза.

«Не так давно мы собрались впятером, и за 7 дней по 15 работ написали, когда были на Урале. Ноги, конечно, страшно опухают, потому что с этюдником приходится лазать по горам, один этюд пишется 2-3 часа», – рассказал он. Любопытно, что натюрморты, входящие в открывшуюся экспозицию, писались прямо в выставочных залах, среди зрителей, как было на «Арт-Перми».

Мне нравится так работать. Одновременно я показываю зрителям, что такое реалистичное искусство – в противовес тем шарлатанам от искусства, которых сейчас много. Мы их не ругаем. Но зритель имеет право выбора. Должен его иметь. Когда работаешь на глазах зрителей, можешь написать то, что не мог, когда был один в мастерской», – отмечает живописец.

На открытии выступили заведующая выставочным залом НКЦ «Казань» Дильбар Газизова, художники Фиринат Халиков, Булат Гильванов, искусствоведы Розалина Шагеева, Дина Ахметова. По словам последней, выставка написана в традициях академической реалистической живописи и темами, подачей, традиционной развеской напомнила ей выставку передвижников. Шагеева назвала творчество Хузина как неопередвижничество, современный реализм и охарактеризовала автора как сильного портретиста, виртуоза и в натюрморте, и в рисунке. «А главное – от картин исходит этнический свет», – подытожила Розалина Гумеровна. 

Оставляйте реакции

Почему это важно?

Расскажите друзьям

«Прежде всего я художник».

Интервью с иллюстратором — Журнал «Читаем Вместе. Навигатор в мире книг»

– Русские художники не очень любят иллюстрировать классику, они мечтают о появлении нового большого современного героя. Есть ли такая проблема в Вашей стране?

– Нет, у нас слишком много героев, и новые появляются каждый день. Лично я никогда не делаю разделений: из какой страны мой персонаж, современен он или уже приличного возраста. Я могу вдохновиться и китайским, и русским героем. Иногда я даже подумываю, а не сделать ли мне книжку про Бабу-Ягу. Что же до классики, то я ее очень люблю и готов снова и снова иллюстрировать давно полюбившиеся детские книжки. Как-то я делал иллюстрации к «Пиноккио», «Питеру Пену». По-моему, возраст в принципе не мешает хорошей книжке жить новой жизнью.

– Наверное, современным художникам сложнее всего иллюстрировать классику, ведь у родителей (а соответственно и детей) полно старых книжек с прежними иллюстрациями. Что Вы об этом думаете?

– Да, такая проблема возникает все время, и это в основном вина Уолта Диснея. Его мультфильмы настолько популярны, что люди привыкли к определенному образу классических персонажей и часто совершенно не готовы воспринимать что-то новое. Но я стараюсь с этим бороться и всегда внимательно читаю оригинальный текст, а уже только потом рисую, как вижу. Но то и дело люди мне говорят: «Белоснежка должна быть только такой, как у Диснея». А я отвечаю: «Прочитайте настоящую “Белоснежку”, и вы поймете, что она именно такая, как нарисовал я». Иногда же проблема выглядит с точностью до наоборот. Мне говорят: «Ваш капитан Крюк слишком похож на диснеевского, вы его скопировали». Но я отвечаю: «Нет, именно так и прописано в тексте: у него букли, усы, крюк. Просто Дисней очень точно все нарисовал, и я сделал то же самое».

– Что возникает первым – рисунок или текст? И как Вы определяете, кто будет персонажем сегодня: мышка Лизи или мальчик Камаль?

– Для меня всегда все начинается с картинок. Ведь самое важное – это желание что-то нарисовать. То есть если я иллюстрирую «Русалочку», то делаю это только потому, что хочу изобразить подводный мир. А однажды мне просто захотелось нарисовать панду, и так появился мой герой панда-цыган.

– Существует ли герой, который, по-вашему, нарисован неправильно, и его срочно нужно перерисовать?

– Семь гномов из Белоснежки. В диснеевском мультфильме у них одинаковые красные шапочки, и все они изображены маленькими человечками. Но настоящие гномы – это карлики, то есть существа с совершенно иными пропорциями тела, что в мультфильме не отражено. Однако впечатление от диснеевского образа настолько сильное, что даже я, иллюстрируя эту историю, нарисовал их в красных головных уборах.

– А как Вы сами для себя определяете свой стиль рисования?

– Я бы назвал его содружеством сдержанности и элегантности. Например, когда я рисую спотыкающегося или падающего героя, я не изображаю его с торчащими во все стороны руками и ногами, глупым выражением лица, я лишь показываю момент перед падением. Или если в моей книжке кто-то тянется за стаканом, то он не хватает его, а берет элегантно.

– Психологи считают, что дети лучше воспринимают книжки более ярких цветов. Ваши иллюстрации в цветовом отношении очень спокойные…

– Я не рисую то, чего от меня ждут психологи, специалисты или даже дети. Более того, я не рисую по просьбе моей жены, моих дочерей или моего издателя. И рисую исключительно так, как чувствую. И даже если мне задают тему, я не люблю, когда мне четко расписывают, что и где должно быть на странице. Потому что для меня важна моя свобода. И если я считаю, что яркость необходима, я сделаю картинку жизнерадостной, но если изображаю печальную историю, то использую более приглушенные тона.

– В России сегодня очень популярны проблемные книги. Однако Вы не изображаете ничего подобного…

– Меня интересует все, что происходит вокруг нас, и я хочу иллюстрировать именно этот мир, а не свое мнение о каких-то проблемах. Все, что я рисую, вращается вокруг детства и того, что может произойти с ребенком. Возможно, когда-нибудь в одной из моих книг возникнет тема развода, и я проиллюстрирую ее. Однако и тогда я буду думать вначале о картинке и о том, как мне ее нарисовать, а не о самой проблеме. Я – прежде всего художник и только потом автор. Но на самом деле мой издатель периодически предлагает сделать книгу, то о ковбоях и индейцах, то о разных проблемах. И далеко не всякий раз я соглашаюсь.

– А Вы никогда не пробовали иллюстрировать взрослые книги?

– Нет, я никогда не иллюстрировал романов для взрослых. Однако мои книжки читают не только дети, но и их родители. Ведь я не стараюсь кому-то понравиться, и мне есть что рассказать. К тому же мой стиль растет вместе со мной. И если я начинал с рисунков, которые подходили малышам четырех–пяти лет, то теперь мои книжки читают 6–10-летние дети. Мои истории тоже повзрослели. Возможно, со временем я опять вернусь к более простым иллюстрациям и снова начну рисовать книжки для самых маленьких. Но не исключено, что дорасту и до взрослых работ.

– А что Вы читаете для удовольствия?

– Я люблю научно-популярные книги, мне нравится все, что связано с разными экспериментами. Что же касается художественной литературы, то моя любимая книга «Питер Пен», она очень тонкая, и читать ее можно между строк. Даже взрослые найдут для себя много интересного. Мне же посчастливилось еще и создать к ней иллюстрации.

– И последний вопрос. Есть ли художник, которого Вы бы хотели переплюнуть?

– Есть. Это австрийская художница Лизбет Зваргер (она иллюстрировала «Волшебника страны Оз» и многие сказки Андерсена). Я считаю ее своей учительницей, и сегодня меня очень радует, что мы рисуем в разных стилях и направлениях. Однако, когда я только начинал свою иллюстраторскую карьеру, то только и делал, что боролся с собой, стараясь не походить на нее, потому что ее работы для меня были совершенны.

Художник мила наумова: позвольте ребенку творить без границ: Образование

Чтобы найти любимое дело, нужно пробовать себя во многих разнообразных занятиях и обращать внимание на самочувствие во время процесса. Сейчас по любым видам творчества есть масса учебной литературы и видео-уроков в интернете, поэтому в наше время научиться чему-то новому – не проблема. Пробуйте, сравнивайте свои ощущения, и когда вы в процессе какого-то дела почувствуете огромное удовольствие, кайф, драйв, ощущение счастья – это ваше дело.

Умение найти время на творчество – это вопрос расстановки приоритетов, каждый человек сам выбирает, что для него важнее, у всех 24 часа в сутках. Шесть лет назад я поняла, что мое время утекает, когда я читаю новости, смотрю фильмы, обсуждаю политические события. До тщательного анализа своего дня думала, что телевизор работает как фон и совсем не отвлекает меня от дел, но это был настоящий самообман. Я перестала включать телевизор – и моя жизнь изменилась.

Для общения в социальных сетях я выделяю строго ограниченный лимит времени, и если что-то не успела посмотреть или кому-то ответить, то это переносится на следующий день. Если бы я шесть лет назад не перестала включать телевизор, то у меня бы не было своей художественной онлайн-школы для взрослых, не было бы половины написанных мной картин, я не разработала бы авторские программы обучения и до сих пор не написала бы ни одной книги.

Сейчас, в условиях экономического кризиса, многие мамы (да и папы тоже) опасаются бросать работу со стабильным, пусть и небольшим, заработком и заниматься творческим стартапом (рисовать, шить или печь печенье на заказ). Как Вы думаете, действительно ли выбор в пользу творческой деятельности – рискованное занятие?

Рискованно, только если поступать необдуманно. Ничего нельзя рубить сгоряча. Если вы нашли свое любимое хобби, не стоит сразу бросать работу и кидаться в омут с головой, все нужно делать постепенно. Сначала выделите 1-2 часа, которые посвятите ежедневным занятиям своим любимым делом – для самообучения и оттачивания мастерства.

Параллельно обязательно нужно учиться продвигать свой бренд или имя и продавать свои творческие работы. Потому что если вы не научитесь продавать, то не научитесь зарабатывать своим любимым делом. И только когда оно начнет приносить реальный доход, можно сжигать мосты, увольняться с работы и полностью посвящать себя творчеству.

Как вариант, – можно искать работу в непосредственной близости от известных профессионалов, которые занимаются тем, чем бы хотели заняться вы. Например, если мечтаете шить – наймитесь к успешному портному или модельеру в подмастерья. Даже если считаете, что вы шьете круче этого мастера, учитесь у него успешному ведению дел, это очень важная наука.

Какие, на Ваш взгляд, главные условия плодотворного творчества? И что может помешать человеку творить?

Единственное, что мешает человеку творить, это страх. Вернее, множество страхов. Люди боятся, что не получится, что они покажутся смешными или глупыми перед окружающими, что их не поймут, что они не станут великими и известными, что зря потеряют время, а еще боятся разочаровать или разочароваться. Обычно страшилки необоснованные, нереальные, выдуманные. Это из серии монстриков под кроватью, которых мы пугались в детстве.

Порой кажется, что мы живем шиворот-навыворот. Стесняемся улыбаться на улице, но не стесняемся ходить с недовольным лицом. Почему-то никто не боится, что его засмеют за то, что он меняет Жизнь (свою единственную!) на маленькую зарплату, которую он получает на нелюбимой работе. И никто не боится показаться несчастным. Наоборот, люди часто гордятся тем, что они – несчастные мученики-страдальцы, каждому знакомому, не стесняясь, жалуются на свои проблемы.

Вы не представляете, сколько мне приходит писем, в которых люди жалуются на жизнь, на обстоятельства, на нехватку времени, на безденежье и плохое здоровье. Такое ощущение, что слабыми и больными быть модно. По-моему, это стыдно, когда взрослый человек вместо того, чтобы решать свои проблемы, начинает на них жаловаться. А ведь всего лишь нужно изменить вопрос «Кто виноват?» на «Как это исправить или улучшить?».

Не бойтесь менять свою жизнь, делайте каждый день всего один шажок в сторону цели – и не заметите, как придете к ней. Обязательно!

Чего действительно нужно бояться, так это смаковать свои несчастья, потому что это вредно для здоровья и красоты. И особенно это вредно для детей – глядя на несчастливых взрослых, они учатся быть несчастливыми. Помните об этом, дорогие родители!

Нарисовал ли художник звезд футбола Роналду и Месси одновременно?

В сентябре 2021 года вирусным стало видео, на котором якобы изображен художник, одновременно рисующий звезд футбола Кристиано Роналду и Лионеля Месси, используя метод, напоминающий принтер:

Это видео, как правило, вызывало две реакции: удивление и скептицизм.

В то время как многие люди хвалили удивительный талант этого художника, другие скептически относились к тому, что видео было реальным.Кто-то действительно может рисовать как принтер? Может ли кто-нибудь действительно нарисовать два разных изображения, используя один и тот же метод печати?

Этот художник, DP Trương, опубликовал несколько других видеороликов, демонстрирующих этот метод рисования на принтере. В 2019 году, например, художник поделился этим видео, показывающим создание портрета Уилла Смита:

Это видео тоже вызвало скептицизм. Джозайя Алан Брукс, популярный художник YouTube, известный как Jazza, попытался воссоздать этот печатный метод рисования и пришел к выводу, что DP Trương может отслеживать при создании этих видео «рисуй как принтер».Это побудило художника выложить видео, в котором более подробно показан процесс.

В следующем видео вы можете видеть, что у DP Trương есть эталонное изображение рядом с его блокнотом. Что еще более важно, это видео показывает, что эти портреты «рисуй как на принтере» требуют гораздо больше времени, чем ускоренные клипы, размещенные в Интернете.

Мы связались с DP Trương, чтобы получить дополнительную информацию об этом видео, и мы обновим эту статью, если появится дополнительная информация. Однако на данный момент не похоже, чтобы для создания этого видео использовались какие-либо откровенно обманчивые приемы редактирования.

Стоит отметить, что художник возвращается к нескольким областям эскиза, чтобы улучшить затенение после первоначального прохода. Если вы внимательно посмотрите видео, то увидите, что чернила добавляются над карандашной линией.Вот один пример примерно с отметки 1:52:

.

Хотя не похоже, что этот эскиз с двумя принтерами был выполнен за один плавный проход, это видео, вообще говоря, действительно показывает художника, одновременно рисующего Роналду и Месси, используя метод, похожий на принтер.

Можно ли рисовать на публике?

Можно ли рисовать публично? Вопрос, который задают себе многие художники, и если вы никогда этого не делали, вы действительно не знаете, чего ожидать.Так как же реагирует общественность? В этом сообщении в блоге я поделюсь своим опытом как художник, который рисует на публике более 20 лет.

Большинство людей не замечают вашего присутствия и не проявляют интереса. Из тех, кто это делает, большинство слишком вежливо, чтобы прерывать, некоторые извиняются и просят разрешения посмотреть, некоторые задают вопросы, а ничтожное меньшинство отпускает глупые комментарии.

В этом посте рассказывается обо всем, с чем приходится сталкиваться художнику, когда он рисует перед другими людьми: как публика реагирует на них, что они говорят (или не говорят) и что они делают.Он также дает советы о том, как справиться с этими реакциями. Начнем.

(Я получаю комиссионные за покупки, сделанные по ссылкам в этом посте. Однако я продвигаю только те товары, которые мне нравятся и которые я рекомендую)

Почему художники рисуют на публике?

Прежде всего, мы должны спросить, почему в наше время художник должен рисовать на публике? Ну, есть ряд причин.

Зарисовки с натуры — отличный способ изучить и научиться рисовать.Художник вынужден работать с точки зрения реальной жизни. Это позволяет им действительно более интенсивно изучать предмет.

Это позволяет художнику выбирать наиболее важные элементы, не отвлекаясь на ненужные детали. Глаз редактирует ненужное так, как не может камера.

Эскиз заставляет художника использовать минимальное количество линий, чтобы произвести максимальное впечатление.

Еще одна причина рисовать на натуре — запечатлеть атмосферу момента.Практически невозможно воссоздать это по фотографии дома. Импульс и срочность потеряны.

Скетчинг также имеет более прозаическое преимущество перед фотографией. Никому нет дела до того, что ты рисуешь. Сидеть с блокнотом и делать заметки — это нормально, а наводить камеру на людей — навязчиво.

Представьте, что вы пытаетесь запечатлеть многолюдную сцену? Бывают случаи, когда фотографирование было бы либо неуместным, либо, возможно, незаконным. Что делать, если на вашей фотографии есть дети?

Не говоря уже о подозрительном поведении, наличие камеры заставляет людей чувствовать себя неловко, в отличие от блокнота.Художник может запечатлеть все те фантастические расслабленные позы, о которых мечтают фотографы, но приходится воровать.

Еще одна причина рисовать на публике — привлечь прохожих в качестве маркетингового инструмента. Вот почему я рисую перед людьми. Я не пытаюсь избежать публики, как раз наоборот, я хочу, чтобы люди остановились и увидели, что я делаю.

Это связано:

Я приглашаю зрителей и обращаюсь к ним. Мое намерение состоит в том, чтобы вызвать реакцию, а не уклоняться от нее. Я хочу продавать свои гравюры, и один из способов сделать это — нарисовать оригинал на месте (на пленэре) и заручиться поддержкой торгов.

Я работаю рядом с художником-портретистом, и он занимается тем же. Он привлекает больше клиентов, рисуя посреди всех. Это реклама.

Уличный портретист

Как вы рисуете на публике и при этом концентрируетесь?

Говоря лично, я могу рисовать всплески концентрации, потому что я рисую по ссылкам, когда я нахожусь перед публикой. Я демонстрирую свои навыки и поэтому могу остановиться и начать по желанию.

Я работаю по 10-20 минут и очень сосредоточен на том, что делаю. Когда я рисую, я могу отключиться от всех отвлекающих факторов вокруг меня.

Художник-портретист, которого я упомянул, должен отключаться на 30 минут и полностью посвятить себя поставленной задаче. Недостатком в его ситуации является то, что прерывание сбивает его с толку. Он хочет, чтобы аудитория привлекала клиентов, но в то же время не могла с ними взаимодействовать.

Это парадокс продаж.

Я, с другой стороны, брошу все, чтобы общаться со своими клиентами, и продолжу с того места, на котором остановился.

Мы активно продаем наши изделия, но художникам, которые просто рисуют на публике, проще остаться незамеченным и иметь больше времени для себя.

Рисование из реальной жизни заставляет вас сосредоточиться на том, что важно в любой конкретной ситуации. Меняется свет, меняются тени, люди приходят и уходят, а грузовики загораживают обзор. Вы должны быть быстрыми, и удивительно, как вы фильтруете шум.

Связанный пост: Стоит ли обучать своим художественным навыкам на публике? (за и против)

Если вы рисуете со стороны, вероятность того, что вас прервут, очень мала, но иногда композиция ставит вас в центр сцены, и в этом случае пара заметных наушников поможет.

Они не только отпугнут нежелательных приближений, но и заставят мир замолчать, чтобы вы могли лучше сосредоточиться.

Нужно ли спрашивать разрешения рисовать людей на публике?

Вам не нужно ни у кого спрашивать разрешения, чтобы нарисовать их, но было бы странно подходить слишком близко. Рисовать людей в обстановке и как часть общей сцены предпочтительнее.

В идеале ваш субъект не осознает, что вы делаете, и продолжает вести себя естественно.Избегайте зрительного контакта, носите солнцезащитные очки, если необходимо, и используйте небольшой альбом для рисования. Как только человек заподозрит, что вы на самом деле рисуете его, он станет застенчивым и напряженным, побеждая цель.

По большей части вы будете искать позу, а не точное сходство. Ваш набросок не будет похож на человека, на котором он основан.

Что люди говорят художникам на улице?

Если они что-то говорят, большинство людей добры.Для всех, кто интересуется искусством, очень заманчиво остановиться и попытаться мельком взглянуть. Часто любителям интересно узнать, чем вы занимаетесь.

По моему опыту, любители хотят знать, какой набор я использую, и поговорить о рисовании. Это нормально, если это достаточно короткая встреча. У меня нет секретов, поэтому я с удовольствием объясню то, что знаю. Вы встречаете нежных людей.

Иногда попадаются желающие вступить в дискуссию, но это бывает редко. Обычно это охваченный тревогой студент-художник, желающий знать, почему вы делаете то, что делаете.Это может быть утомительно, особенно если вы, как и я, склонны рисовать реалистично.

Я стараюсь сразу отсекать такой негатив. Это бесполезно.

Я больше отношусь к другому типу студентов, которые говорят мне, как они разочарованы своей степенью изобразительного искусства. Те, которые надеялись взять в руки кисть и действительно чему-то научиться. Есть много несчастных студентов, которые платят большие деньги за дипломы, которые они никогда не используют.

Прочтите это, чтобы узнать больше: Художественная школа W или нет? Это пустая трата денег?

Лучшие комментарии оставляют дети. Я люблю, когда меня прерывают дети. Это происходит постоянно, когда я рисую у своего прилавка на рынке. Во многих отношениях они являются лучшей аудиторией. Если им нравится то, что вы делаете, они скажут вам об этом. Если нет, то и вам скажут!

Дети любят смотреть на искусство. Особенно животные

По большей части дети очарованы. Им нравится то, что я делаю, потому что они знают, как трудно хорошо рисовать, и они очарованы реализмом. Более того, я рисую животных, поэтому не ошибаюсь.

Я довольно хорошо справляюсь с повседневными комментариями, меня больше смущают люди, которые появляются внезапно, бросают быстрый взгляд на мой рисунок и уходят, не сказав ни слова.Меня всегда немного обижает их увольнение, я ничего не могу с собой поделать.

Многие пытаются посмотреть на меня с почтительного расстояния и показать мне большой палец, прежде чем уйти, или сказать что-то ободряющее, например: «Продолжай в том же духе».

В наше время некоторые люди тоже хотят фотографировать. Было время, когда я не обращал на это внимания, но теперь я просто соглашаюсь с этим. В конце концов, это не имеет значения.

Как реагировать на похвалу

Есть разные виды похвалы, и не все приветствуются.Некоторые люди заходят слишком далеко и заставляют вас съеживаться, а затем слабая похвала. Я полагаю, что люди имеют в виду хорошо, но они не достигают цели.

На нежную похвалу отвечаю искренней благодарностью, это, конечно, приветствуется, но я преуменьшаю. Я признаю их доброту и в то же время даю понять, что не отношусь к себе слишком серьезно.

Иногда я отвечаю шуткой, чтобы всех успокоить. Я занимаюсь продажами, так что это хороший способ заставить людей расслабиться.Тем не менее, некоторые люди все понимают неправильно.

Есть люди, которые перебарщивают с похвалами и говорят в диких превосходных степенях. Они просто ЛЮБЯТ все, что ты делаешь, ты ЛУЧШИЙ, МАСТЕР, бла-бла-бла. Это неудобно и, в конечном счете, удручает, потому что вскоре вы понимаете, что это неискренне, и они так со всеми разговаривают.

И тут же проклятье со слабой похвалой…

• «Неплохо»
• «Вы почти так же хороши.».
• «Ты доберешься туда»
• «Они будут чего-то стоить, когда ты умрешь»
• «Ты заслуживаешь большего, чем это»

эффекты.

Я никогда не зазнаюсь, когда рисую перед публикой, это точно. Всегда есть кто-то, кто спустит тебя на землю. В некотором смысле это неплохо. Эго многих художников искажено, и доза реализма полезна.

И это подводит меня к следующему вопросу, кто-нибудь когда-либо был недобрым?

Бывают ли когда-нибудь люди жестоки по отношению к художникам на улице?

Пьяные — это профессиональная опасность, и не у всех есть полная колода карт, поэтому иногда приходится сталкиваться с нежелательным вниманием.

Пьющие хуже всех, у них нет сдержанности, чтобы сдерживаться. Огорчить вас могут не только заядлые уличные пьяницы, но и тусовщики на выходных тоже могут выйти из-под контроля.

Я работаю в городке для вечеринок, и летом темп меняется около 18:00. Именно тогда рабочие расходятся по домам, а люди выходят на вечер. Вот когда я иду домой. Художники — магнит для гуляк, «посмеявшихся».

Подумайте о бедных художниках-портретистах, окруженных группой пьяных друзей, и вам не нужно, чтобы я рассказывал вам, каково это.

Но не всегда дело в выпивке. Насилие происходит, как правило, когда молодые парни пытаются покрасоваться перед своими товарищами. Обычно это на уровне «Я мог бы это сделать» или «Вы проследили это», но иногда резкость может застать вас врасплох.

Этот пост предлагает дельный совет: Как художники справляются с отказом? 6 способов справиться с критикой

Многие из моих рисунков являются фотографиями, и, как ни странно, это вызывает в некоторых людях враждебность. Некоторые люди отказываются верить, что я рисую их, даже когда я сажусь рисовать перед ними оригинал.Меня несколько раз называли мошенником и лжецом в лицо.

Я больше опечален, чем обижен, потому что в их жизни чего-то не хватает, чтобы так реагировать.

И давайте не будем забывать, что у меня мужская точка зрения. Легко быть уродливым старым мерзавцем и остаться незамеченным. Подозреваю, что молодой женщине придется иметь дело с несколькими вредителями.

Эти и многие другие вещи, о которых я не буду упоминать, происходят потому, что я продаю свое искусство, а не просто рисую ради него самого.Они не возникнут в большинстве случаев. Кроме того, я торгую уже более 20 лет, и мои рассказы о горестях сжаты, все не так плохо, как кажется.

Каково это рисовать в другой стране?

Вы продукт своей собственной культуры, и когда вы путешествуете за границу, вы берете этот багаж с собой, нравится вам это или нет.

Одним из элементов нашего воспитания, от которого большинство людей не в состоянии избавиться, является пространство тела. В разных культурах разные правила.Конфиденциальность не везде одинакова.

Только когда садишься рисовать на чужбине, понимаешь, что это не всегда возможно. Я пытался делать наброски в развивающихся странах только для того, чтобы оказаться в окружении людей, молча наблюдающих за мной.

Иногда невозможно избежать зевак. Я помню, как в какой-то момент решил порисовать в своей комнате, но увидел, как две головы прижались к окну моего пансиона, когда стало известно, что я рисую внутри!

Если вы в пути, прочтите это: Как вы путешествуете с художественными принадлежностями? (Практическое руководство)

По крайней мере, западный мир дает вам некоторое пространство для работы, и я использовал его в своих интересах во время моего путешествия в Подземелье.

Я заплатил за большую часть своей 9-месячной поездки в Австралию и Новую Зеландию, сидя в общежитиях и рисуя перед другими гостями. Это был отличный способ растопить лед, познакомиться с новыми людьми, а также заработать немного праздничных денег.

Я ездил по общежитиям и рисовал портреты. Все впроголодь, но я был молодым человеком, а что еще нужно для пешего туризма?

Я делал что-то подобное в Кении. Я садился в пляжные отели, заказывал выпивку и заканчивал свои картины.Я ждал, пока гости проявят любопытство и придут. На эти деньги я совершил поездку в Уганду.

Есть много преимуществ в том, чтобы валяться перед людьми и рисовать.

Рисование на публике – последние мысли

Опыт рисования на публике странный. Вы рисуете посреди людной улицы, рисуете что-то, что может быть кому-то интересно, а может и нет, и в то же время вокруг вас ходят люди.

Некоторые могут остановиться на мгновение и посмотреть, но большинство просто пройдут мимо, даже не заметив этого.Иногда люди говорят что-то о вашей работе, и обычно это добрые слова.

Если вы на самом деле не собираетесь продавать, никто вас не побеспокоит. Конечно, недостаточно, чтобы вас откладывали.

---

«Страна Льва» Кевина Хейлера

Если вам нравится, как я рисую, и вы хотите попробовать сами, вот мой базовый набор: (партнерские ссылки Amazon)

---

Этот пост взят из моего руководства «Продажи искусства, сделанного просто».Если вы серьезно относитесь к тому, чтобы зарабатывать на жизнь, вам предстоит еще многому научиться. Взгляните!

Если вы хотите продать свое искусство

Проверьте это!

Тсс… всего 12,99 долларов !

---

Если эта статья оказалась для вас полезной, вам могут понравиться и эти:

---

ПРИКРЕПИТЕ И СОХРАНИТЕ

КОММЕНТАРИЙ: Почему художник не умеет рисовать — и почему нам должно быть все равно своего полного банкротства.Ответственность за это возложена на разных преступников. Одно из основных нарушений, по мнению многих, заключается в том, что сегодня слишком мало художников умеют рисовать.

В общем, под жалобой подразумевается, что немногие из сегодняшних молодых, широко известных художников научились рисовать в традиционной, академической манере. Строгая расширенная техническая подготовка ручным навыкам рисования в значительной степени исчезла из учебных программ ведущих художественных школ. Искусство, думается, от этого хуже.

В последнее десятилетие возникло множество жалоб на предполагаемую атрофию современных навыков рисования.Он был на волне возобновления интереса к фигуративной живописи, которая была отличительной чертой 1980-х годов. Традиционно рисунки чаще всего были этапами длительного процесса, грандиозным финалом которого была картина. Таким образом, неоэкспрессионистская грубость большей части фигуративной живописи 80-х была объяснена скептиками как результат прискорбного «неудачи» в базовых навыках рисования.

Подходящим ответом на этот бесцеремонный выпад будет просто койка . В сегодняшней художественной жизни «упавшее» место традиционных концепций рисунка является ложным вопросом. Совершенство в навыках академического рисования является гарантией великих картин не больше, чем неудача в этих навыках обещает плохие картины. В Художественном музее округа Лос-Анджелес восхитительная выставка под названием «Почему художники рисуют: шесть веков мастерских рисунков из коллекции» содержит множество рисунков графитом, мелом и пастелью, исключительных в академическом смысле, выполненных художниками явно меньше, чем звездная репутация или достижения.

Искусный набросок красным мелом аллегорической фигуры Африки, предназначенной для украшения перемычки, представляет собой живое и искусно составленное изобретение Карло Маратты; тем не менее, художник, который был самым модным римским художником конца 17 века, сегодня считается просто приятным художником эпохи барокко, чья звезда быстро угасла.Поскольку не существует идеальной и вечной модели, по которой можно было бы судить обо всех картинах, обращение к рисованию как к вечному якорю художника является фиктивным.

Эстетические стандарты, которые многочисленны и иногда даже противоречат друг другу, также временны. Не случайно книга «Почему художники рисуют» охватывает именно шесть столетий, а не четыре или десять или какое-то другое число. Ибо традиционный рисунок — это ценность, выкованная в горниле эпохи Возрождения.

Микеланджело — один из величайших рисовальщиков всех времен.В 1563 году, за год до своей смерти, он также взялся за новую работу. Вместе с герцогом Козимо I Медичи Микеланджело был содиректором новой Accademia del Disegno — первой официальной художественной академии в мире, основанной в том же году во Флоренции художником и историком Джорджо Вазари. У Академии дизайна была особая цель, которая сформировала будущие программы государственных, королевских и даже частных академий, которые возникнут в Риме, Лондоне, Париже и других местах в последующих поколениях.

Просто академия имела в виду поднять до сих пор довольно низкий статус художника, подняв его над рангом простого ремесленника.Легендарная титаническая борьба между Микеланджело и его папским покровителем в Риме Юлием II является наиболее яркой демонстрацией того, почему ощущалась такая необходимость. Микеланджело — и Козимо, и Вазари — представляли художника чем-то иным, чем он был на протяжении всего Средневековья: наемным работником, как и в любой гильдии, чья работа заключалась в добросовестном воплощении чужих художественных идей.

Как должно было быть достигнуто это преобразование, можно увидеть, отчасти, в видах рисунков, которые начали распространяться.Как свидетельствуют отдельные категории, разработанные для выставки в окружном музее, рисунки со времен эпохи Возрождения были разных видов и имели несколько применений.

Композиционный эскиз был предварительным шагом в реализации художником готовой работы в другом носителе, таком как картина или скульптура. Исследование фигур предназначалось для проработки точных деталей фигур, которые должны были появиться в окончательной композиции. Иногда изучение фигуры проводилось просто как упражнение, поскольку гимнастика для рук и глаз предназначалась для оттачивания навыков рук художника.Затем был bozzetto , окончательная, тщательно законченная композиция, часто используемая в качестве виртуального образца для переноса фрески или гобелена.

Безусловно, разнообразие типов рисунков отражает академический акцент на практическом обучении — на традиционно сложном ремесле, связанном с созданием произведения искусства. Но это новое, слабо упорядоченное разнообразие отражает и кое-что еще, что-то, что имело решающее значение для устремлений формирующейся академии.

Статус художника нельзя повысить, просто требуя практических занятий и опыта в мастерстве.Если бы художники должны были делать больше, чем просто пассивно выполнять художественные программы, изложенные другими, то отныне необходимо было бы требовать глубины теоретических и интеллектуальных исследований и от художников и скульпторов. Этого можно было бы достичь путем изучения истории, мифов, церковных учений, природы, математики и многих других предметов, все из которых способствовали бы углублению и обогащению языка искусства. Но это можно представить и по-другому.

Рисунок в большей степени, чем любое другое средство в репертуаре, является тем, в котором деятельность ума художника может проявляться самым непосредственным образом, без вмешательства, в визуальной форме. Вырабатываются точки зрения, проверяются возможности, делаются визуальные предположения, принимаются решения. Рисунки — это своего рода «эстетическая электроэнцефалограмма». Они обладают живостью, непохожей на любой другой носитель, потому что, как правило, их можно охарактеризовать как прямую транскрипцию художественной мысли.

Композиционные наброски, этюды и т.п. фиксируют процессы, посредством которых эта мысль расцветает, развивается и совершенствуется. Новый акцент на рисовании был одним из нескольких способов сделать теоретические исследования явно неотъемлемой частью искусства.

Излишне говорить, что в академической попытке трансформировать статус художника из ремесленника в творца определенная степень успеха подразумевается неофициальным титулом, который Микеланджело (и некоторые другие): Его называли «Божественным». Божественность примерно так же высока, как пьедестал. И если сегодня некоторые считают, что традиционные представления о рисовании далеко «упали», так это с пьедестала, воздвигнутого полтысячелетия назад.

Без каких-либо объяснений шесть столетий, рассмотренных в статье «Почему художники рисуют», исчерпали себя после Второй мировой войны и резко остановились к 1960 году.Самые последние работы — это небольшие абстракции того года скульпторов Дэвида Смита и Евы Хессе. Поскольку художники не просто так внезапно перестали делать композиционные наброски или эскизы фигур, дата окончания опроса может показаться более чем простым совпадением.

Отчасти причины, по которым художники рисуют, сильно изменились в послевоенных поколениях. Другая категория рисунков, выявленных на выставке, — это те, которые сделаны не как прелюдия к какой-то другой цели, а выполнены как самоцель.Это не новая идея, как показывают листы Тьеполо, Энгра, Брака и других на выставке. Но, бесспорно, этот жанр занимает видное место в 20-м веке и распространяется в современном искусстве в такой степени, как никогда раньше.

Почему? В 1960-е годы произошла глубокая встряска в иерархии художественных средств. Как бы то ни было, не было причин, по которым рисунок должен был считаться первым, вторым или третьим шагом на пути к чему-то другому, включая путь творца к легитимности как добросовестного художника.Можно предложить ряд полезных объяснений этой встряски, но одно из них, в частности, связано с самим рисованием.

Основа для перестройки была непреднамеренно подготовлена ​​в предыдущее десятилетие знаменитым успехом капельной живописи Джексона Поллока. Художник делал их, разумеется, капая краской линейными струйками с конца кисти или, чаще, палочки на разложенный на полу ненатянутый холст. К концу 1950-х эти мерцающие мотки краски были признаны во всем мире монументальным достижением.

Капельный метод Поллока описывался по-разному, но ни один из них не был столь проницательным, как тот, который был подчеркнут в прошлом году Стивеном Найфехом и Грегори Уайтом Смитом, биографами художника. Паря над плоскостью холста, двигая телом, рукой и запястьем в непрерывной и импровизационной хореографии, буквально подвешенной в воздухе, Поллок, как говорили, рисовал в пространстве. Там, где этот рисунок упал на землю, он стал картиной.

В этих потрясающе красивых работах нельзя выделить никакой иерархии рисунка и живописи.Напротив, рисунок и живопись неразделимы, одно безвозвратно слито в другом. Ни «до», ни «после» не разберешь. И, пожалуй, самое главное, живость рисунка как прямого воплощения художественной мысли теперь текла и через живопись, порождая неизбежное электричество.

Распространение с 1960-х годов рисования как самоцели, поэтому не должно вызывать удивления. Не должно быть и неуместности традиционных форм рисунка для целых сегментов художественной практики, включая многие разновидности живописи.По сути, Джексон Поллок положил конец европейской традиции рисования.

Сегодня значение ручного труда или ремесла в рисовании полностью зависит от цели отдельного художника. Кому-то это нужно, кому-то нет. В конце концов, эпохальный триумф Поллока наступил, несмотря на пресловутый «неудача» с его стороны: в академическом смысле художник не мог ни черта нарисовать.

О чем думал Энди Уорхол?

Энди Уорхол Дебби Харри 1980 Частная коллекция Филлис и Джерома Лайл Раппапорт© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./ Лицензия DACS, Лондон.

Торс Энди Уорхола, 1977 Галерея ZOYA, Словакия © 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Лицензия DACS, Лондон.

Энди Уорхол Автопортрет 1964 Частная коллекция© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Лицензия DACS, Лондон.

Введение

Энди Уорхол известен своими яркими, красочными картинами и репродукциями самых разных предметов, от знаменитостей, включая Мэрилин Монро и Мохаммеда Али, до предметов повседневного обихода, таких как банки супа и прокладки Brillo. Но за этими культовыми образами скрываются удивительные подходы и идеи. С помощью произведений искусства из коллекции ARTIST ROOMS узнайте, что сделал этот культовый художник.

Темы, идеи и вдохновение

Ранние эксперименты

Эндрю Уорхол (или Эндрю Уорхола, как его окрестили) родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в 1928 году. Его родители были карпато-русинами, иммигрировавшими из восточной Словакии. Энди был младшим из трех сыновей.Его отец признал художественные таланты своего сына и скопил достаточно денег, чтобы оплатить его обучение в колледже. Уорхол учился в Институте Карнеги и в 1949 году получил диплом по изобразительному дизайну.

Рисование и повторение

После окончания школы Энди Уорхол переехал в Нью-Йорк, чтобы стать коммерческим иллюстратором. Рисунки, которые он делал в 1940-х и 1950-х годах, были беззаботными и часто фантастическими. Многие из них использовали технику «кляксы», базовую форму гравюры.

Для того, чтобы сделать эти штриховые изображения, он начал с рисования (либо от руки, либо по найденному изображению). Затем он прошелся по линиям этого рисунка тушью или акварелью. Последним этапом в его процессе было прижатие чистого листа бумаги к мокрым линиям, чтобы сделать «печатное» изображение. Он делал это несколько раз, используя один и тот же «мастер-чертеж». Полученные образы были спонтанными и выразительными. Эта техника была первой из многих, которые Уорхол использовал для исследования творческих возможностей повторяющихся изображений.

Сотрудничество

Голова с цветами 1958 типичен для иллюстраций Уорхола.Но он не единственный художник, стоящий за работой. Он часто устраивал «вечеринки для раскрашивания», приглашая своих друзей добавлять цветные чернила к таким рисункам, как этот.

Это совместное, отстраненное отношение к созданию искусства мы наблюдаем позже в его карьере. В своей студии 1960-х годов, известной как «Фабрика», он нанимал ассистентов студии, чтобы они делали для него свою работу. Уорхол понял, что он может быстрее повысить коммерческую продуктивность своего искусства, привлекая к его созданию других.

На первый взгляд причудливый стиль ранних рисунков и гравюр Уорхола сильно отличается от изящных трафаретов и картин, которые сделали его сегодня таким знаменитым.

• Какие сходства вы видите в технике и предмете между этими ранними рисунками и его самыми известными шедеврами 1960-х годов, такими как Мэрилин и суповые банки?
• В это время Уорхол начал привлекать других к созданию своих работ. Какие вопросы это поднимает относительно оригинальности в искусстве?

Упражнение: Блотированные линии

Техника блотинга Уорхола означала, что он мог быстро создавать несколько версий одного и того же изображения.Попробуйте сделать свой собственный рисунок из клякс.

• Обведите изображение или нарисуйте рисунок от руки на бумаге.
• Обведите линии влажным материалом, например чернилами или краской.
• Промокните мокрые линии другим листом бумаги, чтобы создать «отпечаток» рисунка.
• Посмотрите, сколько раз вы сможете таким образом воспроизвести одно и то же изображение с исходного рисунка. Попробуйте использовать разные цвета и материалы для создания мокрых линий.

Слава, знаменитости и мода

Новый взгляд на необычную жизнь и творчество суперзвезды поп-арта

С юных лет Уорхол был без ума от славы, моды, знаменитостей и Голливуда.Будучи мальчиком, живущим в Питтсбурге, он находил выход из своей обычной жизни рабочего класса в популярных журналах для подростков и собирая автографы у кинозвезд.

В 1949 году, когда Уорхол впервые переехал в Нью-Йорк, художественный редактор модного журнала Glamour Тина Фредерикс купила один из его рисунков и заказала серию иллюстраций обуви. Один заказ привел к другому, и вскоре Уорхол стал пользоваться большим спросом в качестве иллюстратора для престижных клиентов, включая организацию Conde Nast , New York Times , Vogue и Harper’s Bazaar .Его участие в мире моды в это время отражает его увлечение гламурными знаменитостями Нью-Йорка, тема, которая будет важна в его более поздних работах.

В начале 1960-х, живя и работая в Нью-Йорке, он начал серию портретов звезд, включая Элизабет Тейлор, Элвиса Пресли и Джеки Кеннеди. Он использовал фотографическую шелкографию для создания своих портретов знаменитостей. Это означало, что он мог напрямую воспроизводить изображения, уже находящиеся в поле зрения публики, такие как рекламные снимки или фотографии из таблоидов.Эта техника также позволила ему легко создавать несколько версий и вариаций отпечатков.

Когда в 1962 году умерла кинозвезда Мэрилин Монро, Уорхол почти сразу начал делать портреты актрисы. Его картины и гравюры были основаны на фотографии, сделанной Джином Корнманом в 1953 году для рекламы фильма « Ниагара », в котором снялась Монро.

Энди Уорхол Долли Партон 1985Коллекция Дорис и Дональда Фишеров в Музее современного искусства Сан-Франциско© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./ Лицензия DACS, Лондон.

Мэрилин Диптих 1962, пожалуй, одна из самых знаковых работ Уорхола. Он был выставлен на его первой выставке в Нью-Йорке в 1962 году. Работа состоит из двух полотен, на каждом из которых изображено 25 Мэрилин, напечатанных в виде сетки. (Двухчастные произведения, подобные этому, часто называют диптихами). Ряды повторяющихся голов напоминают почтовые марки, рекламные плакаты или, что более уместно, киноленты.

Одно из полотен яркое и наполненное энергией, олицетворяющее яркую публичную личность звезды. Другой монохромный и мрачный, из-за неравномерного нанесения чернил ее лицо медленно исчезает. Две противоположные стороны этой работы отражают контраст между искусственным публичным образом Мэрилин слева и суровой реальностью ее беспокойной личной жизни справа. Изначально Уорхол не планировал показывать эти два полотна вместе как единое произведение искусства.Коллекционер, купивший произведение Уорхола, предложил эту идею: «[когда] я сказал, что думаю, что они должны быть представлены в виде диптиха, Энди ответил: «Ну и дела, да»»

Использование Уорхолом образов из популярной культуры сделало его одним из самых известных поп-исполнителей. Его работы имеют плоское графическое качество, похожее на то, что можно найти в СМИ и рекламе.

Как Уорхолу удалось сделать так, чтобы его работы вышли за рамки рекламы и стали рассматриваться и восприниматься как изобразительное искусство?

Деятельность: Знаменитости и иконы

Портреты знаменитостей Уорхола были мощными, поскольку он упростил элементы лица до их самых отличительных и основных элементов.

Выберите сильное изображение известного человека и подумайте, как можно использовать смелые цвета и плоские формы, чтобы подчеркнуть самые важные черты его лица.

Отсканируйте изображение или фотографию и загрузите на свой компьютер. Поэкспериментируйте с программным обеспечением для редактирования изображений, чтобы изменить изображение. Попробуйте упростить детали и заполнить области яркими плоскими цветами, чтобы они выглядели смелыми и плоскими, как портрет в стиле поп-арт.

Изображение и удостоверение личности

В будущем каждый станет всемирно известным на 15 минут.

Энди Уорхол, Каталог Moderna Museet, Стокгольм

Энди Уорхол теперь является иконой американской культуры, и его изображения так же известны, как и произведения искусства, которые он создал. Арт-дилер Иван Карп из галереи Лео Кастелли первым предложил Уорхолу сделать автопортреты. Карп сказал:

Люди хотят тебя видеть. Твоя внешность отвечает за определенную часть твоей славы, она питает воображение.

Уорхол понимал поверхностный характер знаменитости в американском обществе.Образы публичных личностей создаются маркетинговыми компаниями для заработка, но на самом деле мало что говорят о человеке за маской. Уорхолу удалось создать для себя мощный общественный имидж — «бренд» Энди Уорхола — с его фирменными прямыми светлыми волосами и темными очками. По мере того, как его слава росла, он стал мастером создания собственного профиля знаменитости. Он постоянно документировал свою повседневную жизнь с помощью фотографий и фильмов, ранней версии сегодняшних социальных сетей.

В своих автопортретах Уорхол часто преувеличивал, трансформировал или маскировал себя так, что образы становились карикатурами на его настоящее лицо.В его автопортрете с париком страха серии 1986 года его призрачная белая голова изолирована от тела темной одеждой, из-за чего кажется, что она почти парит на темном фоне, как череп. Он носит серебряный парик, который часто использовал в своих маскировках. Волосы парика взлохмачены и спутаны, а его пустые глаза смотрят прямо перед собой. Этот автопортрет — одна из последних серий автопортретов, которые Уорхол создал перед своей смертью в 1987 году.

Уорхол также часто использовал искусство для исследования своей гомосексуальной идентичности.В его ранних рисунках молодых людей мы видим его увлечение мужским телом.

Это также видно в его портретном фильме о поэте Джоне Джорно, Sleep 1963. К 1980-м годам гомосексуальность стал более приемлемым в некоторых частях Америки, и Уорхол Tongue in Ear 1980 с его более явным содержанием отражает этот сдвиг. .

Вспомните известную цитату Энди Уорхола: «Каждый станет всемирно известным на 15 минут» применительно к сегодняшнему обществу.

Как вы думаете, это оказалось правдой?

Попробуйте создать серию автопортретов.

Исследуйте способы подчеркнуть самые отличительные черты своей индивидуальности — с помощью прически, одежды, очков или макияжа — чтобы создать узнаваемый культовый образ.

Деньги

Мне нравятся деньги на стене. Скажем, вы собираетесь купить картину за 200 000 долларов.Я думаю, тебе следует взять эти деньги, связать их и повесить на стену. Тогда, когда кто-то придет к вам в гости, первое, что они увидят, — это деньги на стене.
Философия Энди Уорхола (от А к Б и обратно) (1975)

Деньги были одной из любимых тем Энди Уорхола, и он открыто говорил о том, как сильно он их любит. Родившись в бедной семье, он решительно проложил себе путь в высшее общество, которое всегда боготворил в детстве. В начале своей карьеры он осознал потенциал заработка на искусстве.В 1962 году он сделал работу 192 долларовых купюр , в которой ряды напечатанных долларовых банкнот нанесены трафаретной печатью на поверхность холста. Он вернулся к этой теме в 1981 году с набором рисунков и картин, в том числе Знак доллара 1981. Изображение сделано из рисунка маркером и тушью, который был напечатан трафаретной печатью на белом холсте. В этих работах Уорхол откровенно представил идею искусства-как-денег.

Художественные работы, которыми, пожалуй, больше всего известен Уорхол, — это его картины с банками супа «Кэмпбелл».В декабре 1961 года Уорхол якобы заплатил декоратору интерьеров и владелице галереи Мюриэль Латоу 50 долларов за идею использовать это культовое изображение. По словам его друга Теда Кэри, Латоу сказал:

.

Вы должны найти что-то узнаваемое почти для всех. Что-то вроде банки супа Кэмпбелл.

На протяжении всей своей карьеры Уорхол продолжал создавать произведения искусства, изображающие упаковку Кэмпбелла, исследуя их простой графический дизайн как символы обычной американской жизни.Он часто повторял изображения банок с супом в виде сетки, превращая эти повседневные предметы в минималистичные произведения искусства.

Художественные работы с консервными банками имели огромный успех и принесли Уорхолу много денег. В 1985 году компания Campbell’s Soup поручила Уорхолу создать серию картин, изображающих их супы из сухих смесей. Суповая коробка Campbell’s 1985 — одна из них. На нем изображена упаковка куриной лапши, в которой фотопечать сочетается с элементами, нарисованными от руки.

Когда Уорхол создал оригинальные картины Кэмпбелла в 1960-х годах, они были восприняты как мощное заявление о скучном повторении рекламы.Двадцать лет спустя многие критики сочли, что эти образы потеряли свою остроту и что Уорхол продался. Но Уорхол утверждал, что на протяжении всей своей карьеры он «всегда был коммерческим художником».

Что ты думаешь? Искусство и деньги

В отличие от многих художников до него, Уорхол прославлял свою способность зарабатывать деньги своим искусством. Он также был счастлив покупать или брать идеи у других людей.

• Почему другие художники не хотят признавать это в своей работе?
• Делает ли это работу Уорхола менее подлинной?

Узнайте, как можно воспроизвести мгновенно узнаваемую графику, например упаковку коммерческого продукта, путем ее рисования, раскрашивания или печати.

Как можно изменить исходное содержание, чтобы превратить его в произведение искусства? Подумайте о цветах, которые вы могли бы использовать; выразительные приемы, чтобы сделать его менее массовым; или как насчет изменения названия или формулировки? (Вы можете сделать это в шутливой форме или сделать заявление, ставящее под сомнение коммерцию крупного бренда).

Смерть

Смерть была важной темой в творчестве Энди Уорхола с начала 1960-х годов вплоть до его смерти в 1987 году. Йорк. В 1962 году Гельдзалер сказал Уорхолу:

.

Довольно жизненных утверждений. .. Может быть, в Америке не всегда все так сказочно. Пришло время для какой-то смерти.

Громкие события, такие как смерть Мэрилин Монро и убийство Джона Ф.Кеннеди были так же интересны Уорхолу, как автокатастрофы, самоубийства, бунты и судебные казни. Его изображения человеческих или животных черепов представляют смерть как универсальную тему. В то же время он исследовал собственную смертность с помощью фотографий, гравюр и картин, на которых он соединил свой собственный образ с эмблемой смерти.

In Skulls 1976 Уорхол шесть раз повторяет одно и то же изображение, используя фотографию, которую он купил на парижском блошином рынке. Его интересовало историческое использование черепов как символа произведений memento mori («помните, что вы должны умереть»); а также в том, как современные художники, такие как Пабло Пикассо, обновили мотив черепа.Уорхол сопоставляет яркие, конфетные цвета с глубокими черными глазницами черепа, напоминая нам, что смерть является частью даже самой яркой жизни.

Ричард Аведон Энди Уорхол, художник, Нью-Йорк, 20 августа 1969Коллекция Николы Эрни© The Richard Avedon Foundation 

В 1968 году Энди Уорхол был тяжело ранен радикальной американской феминисткой Валери Соланас. Это сделало его еще более очарованным смертью.Оружие, изображенное в Gun 1981, похоже на курносый пистолет 22-го калибра, который использовал Соланас. Используя пистолет в своем искусстве, Уорхол привлекает внимание к объекту, ставшему иконой американской культуры. Он изображает ее так же холодно, безлично, как он изображал предметы потребления в своих ранних работах, предполагая пустоту современной жизни, представленную ее предметами.

Что вы думаете? Символы и значения

Уорхол часто использовал объекты в качестве символов в своих работах, чтобы рассказать нам больше о современной жизни.

• Что его Пистолет говорит нам об американском обществе?
• Этот образ актуален и сегодня?
• Он также исследовал скрытые значения некоторых предметов. Как он сделал это со своими Черепами ?

Попробуйте: объекты и символы

Найдите обычный предмет, который в современной культуре может символизировать смерть.

Подумайте, как бы вы могли воссоздать его по-новому, либо изменить, либо дополнить его первоначальный смысл. Попробуйте сфотографировать его с эффектным освещением, нарисовать или раскрасить яркими кислотными красками.

Время

Одной из навязчивых идей Уорхола было время, и большую часть своей карьеры он посвятил поиску способов запечатлеть его течение. В своих фотографиях, гравюрах и картинах он мог останавливать мгновение во времени и повторять его снова и снова, а в своих фильмах он документировал и замедлял время.В 1974 году Уорхол сохранил время в своей серии автобиографических « капсул времени». Он заполнил 612 коробок вещами, собранными из его повседневной жизни, такими как журналы, книги, квитанции такси, фотографии и деловые файлы. Он запечатал их и положил на хранение. (Сейчас они хранятся в Музее Энди Уорхола в Питтсбурге.)

Фильмы и фотографии

Картины слишком сложные. То, что я хочу показать, является механическим. У машин меньше проблем.Я хотел бы быть машиной. Не так ли?
Энди Уорхол, журнал Time , 1963 год

В период с 1963 по 1968 год Уорхол снял около 650 фильмов. Его фильмы были экспериментальными и были вызваны его желанием запечатлеть обычный жизненный опыт. Он сказал: «Что мне нравилось, так это кусочки времени вместе, каждый настоящий момент». Его фильмы теперь признаны радикальными исследованиями, выходящими за рамки обычного кинематографа.

В 1970 году Уорхол, как известно, изъял из обращения все свои фильмы.Это означало, что критики и ученые должны были писать о них по памяти, из рецензий или словесных описаний. Четырнадцать лет спустя он подарил все свои оригинальные фильмы Нью-Йоркскому музею современного искусства для каталогизации в рамках кинопроекта Энди Уорхола Музея Уитни. Он сделал плакат Фильмы Энди Уорхола в 1988 году для выставки, открывшейся в Музее современного искусства, на которой были представлены его обширные работы в кино.

Помимо создания фильмов, Уорхол был увлеченным фотографом.В 1976 году, получив камеру, он начал документировать, казалось бы, незначительные аспекты своей жизни. Они варьируются от фотографий самого себя или его друзей до повседневных абстракций, таких как следы на песке и граффити на улицах.

В 1986 году он разработал серию изображений, которые стали известны как его сшитые фотографии. Они были созданы путем сшивания нескольких одинаковых изображений вместе, как в Автопортрет 1976–86. Нити, используемые для соединения фотографий, остаются висящими, что придает им грубый вид.Как и его ранние экранные отпечатки, они расположены в виде повторяющейся сетки. На этом произведении Уорхол сидит в драматически освещенной обстановке, в своем узнаваемом серебряном парике «устрашения».

Уорхол провел большую часть своего времени, документируя свою жизнь с помощью фотографий автопортретов и фильмов своих друзей. Он видел эти фотографии и фильмы как произведения искусства.

Документируя таким образом свою жизнь, он создал публичную личность.

• Каким образом мы создаем такую ​​же публичную идентичность в нашей собственной жизни? (Подумайте о том, как мы фотографируем или снимаем видео о том, что мы делаем, и о том, как мы, например, делимся этим.)
• Всегда ли это дает нам представление о реальном человеке за «маской»?

Подумайте, как вы могли бы документировать в цифровом виде какой-либо аспект своей жизни как произведение искусства, чтобы сохранить важный момент во времени.

Это может означать нарядиться для фотографии или снять короткометражный фильм о ком-то из ваших близких.

Вы также можете создать более длинный документ, чтобы показать течение времени, например, видеодневник или серию фотографий, документирующих путешествие или деятельность, в которой вы участвуете.

Вера

Энди Уорхол был воспитан византийским католиком и в детстве регулярно ходил в церковь со своей семьей. Став взрослым, он продолжал ходить в церковь почти каждое воскресенье, хотя держал этот аспект своей жизни в тайне и редко говорил об этом публично. Однако он обсуждал эту тему в интервью, опубликованном в мартовском номере журнала Interview за 1975 год. Он просто сказал: «Я думаю, это действительно красиво — ходить в церковь. Церковь, в которую я хожу, красивая церковь.У них так много масс».

Один из ближайших друзей Уорхола Джон Ричардсон написал в панегирике Уорхолу после его смерти:

Знание [его] тайного благочестия неизбежно меняет наше представление о художнике, который одурачил мир, заставив поверить, что его единственными навязчивыми идеями были деньги, слава [и] гламур.

Только в последние 10 лет жизни Уорхола религия стала важной темой в его творчестве. Последней серией, созданной перед его смертью, была группа картин, гравюр и рисунков, основанных на «Тайной вечере » Леонардо да Винчи (1495–1498). Примерно в 1985–1986 годах Уорхол также работал над серией под названием «Реклама » и «Иллюстрации », которые были основаны на черно-белых газетных вырезках.

Многие из этих работ исследовали евангельские декларации, такие как Покайся и больше не греши! (1985–86) и Рай и ад на расстоянии одного дыхания (1985–86). Заявления в этих произведениях искусства предполагают, что искупление доступно для тех, кто ищет его, так же, как церковные плакаты, призывающие новых членов. Их ни разу не показывали при жизни Уорхола, что является еще одним примером частного характера его религиозных убеждений.

Что ты думаешь? Уорхол и религия

Уорхол держал свой интерес к религии в тайне, и только после его смерти он стал широко известен.

• Изменяет ли знание того, что он был религиозным, наше представление о нем как о художнике? Каким образом?
• Почему он мог чувствовать необходимость держать эту часть своей жизни в таком секрете?

Попробуй: текст и сообщение

Текст использовался многими художниками для передачи мощных сообщений, в том числе религиозных, таких как Энди Уорхол.

Найдите утверждение, которое имеет для вас что-то личное, и подумайте, как вы могли бы превратить его в произведение искусства. Это может быть использование определенного типа текста, использование жирного графического или нарисованного от руки стиля шрифта или экспериментирование с различными средствами для создания текстового фрагмента.

Исследуйте текстовые произведения искусства из коллекции Тейт в слайд-шоу выше, чтобы получить вдохновение.

Что можно и чего нельзя делать при заказе произведения искусства

Вы придумали произведение искусства, которое хотели, или нашли художника, который идеально подходит к вашему стилю.Итак, как вы можете попросить их создать произведение специально для вас?

Если вы подумываете о том, чтобы заказать изделие в первый раз, это может испугать. Но это также может быть веселым и совместным опытом!

Следуйте этим рекомендациям и , чтобы вы могли уйти довольными своим произведением искусства и поддержать художника, которого вы цените.

DO позаботьтесь о важных деталях при первом контакте.

Свяжитесь с художником, чтобы узнать, берут ли они комиссионные и примут ли вы тот тип работы, который вы хотели бы сделать. Со многими художниками можно связаться по электронной почте, или галерея может помочь установить связь для вас.

У вас никогда не будет второго шанса произвести первое впечатление. Итак, сделайте первоначальный контакт приятным. Сообщите художнику, почему именно вы хотите, чтобы он сделал это произведение.

Что вас заинтриговало в их работе? Приготовьтесь ответить на эти вопросы, которые художники могут задать вам, рассматривая возможность принятия вашего проекта.

НЕ предполагайте, что каждый артист захочет принять ваш запрос.

И не ждите начала работы, чтобы обсудить важные детали. Есть много причин, по которым артист может отклонить предложение. У некоторых художников в прошлом был ужасный опыт работы с заказами, в настоящее время они работают над другими проектами или могут чувствовать, что они не подходят для вашего проекта. Это может успокоить художника, если вы заранее спросите о средствах, которые они могут использовать, цене и сроках.

ОБЯЗАТЕЛЬНО предоставьте художнику как можно больше подробностей о произведении, которое вы хотите.

Им нужно будет знать, какие материалы потребуются для изготовления изделия, которое вы хотите. Предоставление эталонных изображений — отличный способ сообщить им о том, что вы ищете.

Если произведение будет предназначено для определенной области вашего дома, дайте художнику представление о стиле, чтобы он мог понять, как это произведение соответствует вашей эстетике.

НЕ расплывчато говорите о том, что вы хотите, или ожидайте, что художник точно знает, что вам понравится .

Если художник соглашается работать над предложенным произведением без четкого представления о том, чего вы хотите, есть большая вероятность, что вы не будете довольны конечным результатом.

DO ожидать контракт. Или будьте готовы сделать один.

Перед началом работы у вас должен быть заключен договор между вами и художником. Контракт должен включать цену со всеми применимыми расходами, связанными с созданием изделия, и условия оплаты. Многие художники также просят пятьдесят процентов вперед или какой-то депозит.

Контракт также должен включать график с подробным описанием того, когда определенные аспекты работы будут завершены, чтобы вы знали, когда с ними связаться. График должен также включать дату завершения и процесс утверждения. В контракте также будет указано, какие права вы и художник имеете на использование произведения.

Think & Wonder Ink — отличный пример того, как может выглядеть контракт между вами и художником.

НЕ предполагайте, что условия, цена и сроки будут разработаны сами собой или изменятся в процессе.

Официальный контракт делает процесс заказа произведения искусства максимально профессиональным, поскольку устанавливает четкие ожидания от проекта.

DO общайтесь и получайте удовольствие, работая над заказным изделием.

Поддерживайте связь с художником, чтобы убедиться, что проект укладывается в сроки. Кроме того, посмотрите, не нужно ли им что-нибудь от вас. Нужны ли им дополнительные справочные изображения или материалы? Четко сообщая художнику о любых проблемах или вопросах, вы можете отбросить сомнения и получить удовольствие от проекта.

НЕ теряйте связь с художником.

Не ждите, пока работа будет близка к завершению, прежде чем зарегистрироваться. Если художник находится на неправильном пути, большие исправления могут быть дорогостоящими, своевременными и поставить под угрозу ваши отношения с художником. Большинство артистов ожидают, что вы будете довольно часто общаться и общаться — это должно быть частью процесса.

Каждый ценит признание и похвалу за свою работу. Заказ произведения искусства может быть полезен как для коллекционеров, так и для художников, если это сделано правильно.Как коллекционер, это ваш шанс стать частью творческого процесса и воплотить в жизнь то, с чем вы будете связаны навсегда. Для художников это шанс наладить прочные отношения с коллекционерами и расширить свои творческие границы.

Не знаете, где искать художников, которые могли бы заказать понравившиеся вам работы? Страницы Artwork Archive – это отличный способ найти художников, которые хотели бы услышать о вас.

Анри Руссо Картины, биография, идеи

Резюме Анри Руссо

Анри Руссо стал художником на полную ставку в возрасте сорока девяти лет после того, как уволился со своего поста в парижской таможне — работа, давшая ему известное прозвище , «Дуанье Руссо», «Сборщик пошлин. «Хотя Руссо был поклонником таких художников, как Вильям-Адольф Бугро и Жан-Леон Жером, он стал архетипическим наивным художником. Его дилетантская техника и необычные композиции вызвали насмешки современных критиков, заслужив уважение и восхищение современных таких художников, как Пабло Пикассо и Василий Кандинский, за раскрытие «новых возможностей простоты». Парижские сады и зоопарк.

Достижения

• Хотя у него были амбиции стать известным художником-академиком, Руссо вместо этого стал виртуальной противоположностью: квинтэссенцией «наивного» художника. В значительной степени самоучка, Руссо разработал стиль, свидетельствующий об отсутствии у него академической подготовки, с отсутствием правильных пропорций, одноточечной перспективы и использованием резких, часто неестественных цветов. Такие особенности привели к тому, что работа проникнута чувством тайны и эксцентричности.
• Необученный и своеобразный характер искусства Руссо высмеивался многими ранними зрителями его работ, а один парижский журналист незабываемо написал, что «месье Руссо рисует ногами с закрытыми глазами. Тем не менее, это качество нашло отклик у современных художников, таких как Пикассо, которые видели в работах Руссо образец искренности и прямоты, к которым они стремились в своих собственных работах, черпая вдохновение в масках африканских племен и других «примитивных» и традиционных формах искусства.
• Под влиянием сочетания «высоких» и «низких» источников — академической скульптуры, открыток, бульварных иллюстраций и поездок в парижский общественный зоопарк и сады — Руссо создал современные, нетрадиционные изображения традиционных жанров, таких как пейзаж, портрет и аллегория.Фантастические, часто возмутительные образы, возникшие в результате этих гибридных влияний, — самый известный из них — обнаженная женщина, полулежащая на диване, таинственно расположенном в тропических джунглях, — прославлялись сюрреалистами, чье искусство ценило удивительные сопоставления и сказочные настроения, характерные для творчества Руссо. .

Биография Анри Руссо

Анри Жюльен Феликс Руссо вырос в скромных условиях в маленьком городке Лаваль на северо-западе Франции. У его отца, кузнеца по металлу, были длительные финансовые трудности, и он накопил достаточно долгов, чтобы в 1851 году семейный дом был конфискован.Впоследствии молодой Анри поступил в интернат в среднюю школу Лаваля, которую посещал до 1860 года. Он был средним учеником, если не считать отличия в музыке и рисовании.

Рене Магритт. Ложное зеркало. Париж 1929

На зрителя смотрит огромный изолированный глаз. Его левый, внутренний угол имеет яркое, вязкое качество. Анатомические детали этой области и блеск ее поверхности контрастируют с матовым, мертвенно-черным зрачком глаза, который, не привязываясь, плывет на фоне прозрачного, заполненного облаками неба лазурно-голубого цвета.Хотя области, окружающие радужную оболочку глаза, тщательно заштрихованы и смоделированы, создавая иллюзию игры света на трехмерной форме, небо не имеет следов выпуклости; красиво переданы его пушистые облака, но не его голубая гладь. В результате небо выглядит так, как если бы его видели через круглое окно, а не как отражение в сферической жидкой поверхности глаза.

Глаз был предметом, который очаровывал многих поэтов-сюрреалистов и художников, учитывая его пороговое положение между внутренним, субъективным я и внешним миром.Фотограф-сюрреалист Ман Рэй когда-то владел картиной «Фальшивое зеркало» , которую он незабываемо описал как картину, которая «видит столько же, сколько и сама». Его слова передают тревожный характер работы: они ставят зрителя на место, застревающего между просмотром и наблюдением глазами, которые оказываются пустыми. Он открывается в пустоту, которая при всей своей лучезарной, наполненной кучевым облакам красоте, кажется, отрицает возможность человеческого существования.

Выдержка из публикации MoMA Highlights: 375 работ из Музея современного искусства, Нью-Йорк (Нью-Йорк: Музей современного искусства, 2019)

Дополнительный текст

Le Faux Miroir представляет собой огромный глаз без ресниц со светящимся голубым небом, затянутым облаками, заполняющим радужную оболочку, и непрозрачным черным диском вместо зрачка. Аллюзивное название, данное бельгийским писателем-сюрреалистом Полем Нуже, кажется, намекает на пределы авторитета оптического зрения: зеркало дает механическое отражение, но глаз избирательен и субъективен. Единый глаз Магритта функционирует на нескольких загадочных уровнях: зритель и смотрит сквозь него, как в окно, и смотрит им на себя, таким образом, видя и будучи увиденным одновременно. Фотограф-сюрреалист Ман Рэй, владевший этой работой с 1933 по 1936 год, осознал эту неотразимую двойственность, когда он незабываемо описал Le Faux Miroir как картину, которая «видит столько же, сколько и сама видится».

Этикетка галереи с Магритт: Тайна обыденности, 1926–1938 , 28 сентября 2013 г. — 12 января 2014 г.

Фальшивое Зеркало представляет собой огромный глаз без ресниц со светящимся голубым небом, затянутым облаками, заполняющим радужную оболочку, и непрозрачным черным диском вместо зрачка. Аллюзивное название, данное бельгийским писателем-сюрреалистом Полем Нуже, кажется, намекает на пределы авторитета оптического зрения: зеркало дает механическое отражение, но глаз избирательен и субъективен.Единый глаз Магритта функционирует на нескольких загадочных уровнях: зритель и смотрит сквозь него, как в окно, и смотрит на него, таким образом, видя и будучи увиденным одновременно. Фотограф-сюрреалист Ман Рэй, владевший работой с 1933 по 1936 год, осознал эту неотразимую двойственность, когда он незабываемо описал «Фальшивое зеркало » как картину, которая «видит столько же, сколько и сама».

Этикетка галереи с 2015 года.

Середина

Масло на холсте

Габаритные размеры

21 1/4 х 31 7/8 дюйма (54 х 80.