Академическая школа и творчество

Современное изобразительное искусство разнообразно в своих направлениях. Это его отличительная черта в сравнении с прошедшими эпохами. На мой взгляд, это счастливая особенность нашего времени. Именно эта особенность дает возможность раскрыться каждой индивидуальности. Конечно, в наше время есть и негативные факторы, но об этом позже.

Академическая школа художественного образования строится на трех базовых дисциплинах — рисунке, живописи и композиции. Однако даже самая консервативная школа не может не меняться во времени. Меняется эстетическое восприятие окружающего мира. Простые предметы натюрмортного фонда приобретают символический и философский смысл. Неизменным остается принцип обучения — от простого к сложному. Мы радуемся, когда первокурсники могут построить простой предмет в пространстве, и совсем не радует, когда на четвертом курсе студенты за построением головы не видят образ человека.

Думается, что в наше время нет людей, которые отрицают роль профессионального образования в становлении художника, хотя само по себе образование еще не делает человека художником.

Со временем личность набирается опыта, жизненных наблюдений, вкусовых предпочтений, естественно появляется потребность выражать свое отношение к жизни — и знания здесь помогут. Важно и логично наряду с рисунком, живописью и композицией изучение истории изобразительного искусства. Необходимо научить студентов отличать художественную эстетику каждой эпохи для того, чтобы чувствовать современность.

Сейчас очень часто звучит выражение «небанальное искусство». Этот термин определяется как «закон новизны», что является составной частью художественного образа. С понятием «закон новизны» студенты знакомятся в стенах учебного заведения. Именно образование не позволяет быть «эхом живописи других». Школа сама по себе консервативна, а обучение стереотипно. Чтобы изучить предмет и приобрести навыки его передачи изобразительными средствами, необходимо выполнять задания повторно. Нужно анализировать ошибки и оттачивать навыки изображения. Результаты обучения во многом зависят от выбранной методики.

Методика же — это результат опыта преподавателя.

Уже давно было сказано, что тот, кто неясно мыслит, тот неясно выражается. Необходимо четко представлять цели и задачи каждой из трех дисциплин: рисунка, живописи и композиции. Если для рисунка и живописи они более-менее очевидны, то в понимании задач композиции не прослеживается единого мнения. Композиция — понятие емкое, и однозначно трактовать ее задачи в обучении сложно. Начнем по порядку. Академический рисунок и академическая живопись по своим целям схожи. Это изучение природы и человека в пространстве графическими и живописными средствами и приобретение навыков изображения.

Постараемся ясно определить цели композиции. Композиция служит для выражения мыслей и эстетического отношения к окружающему нас миру. Организуя формат, мы практически выстраиваем движение и пластические связи, передающие смысл происходящего. «Не прибавить — не убавить», «сколько светлого — сколько темного» — эти крылатые фразы служат практическим руководством.

Огромное значение в композиции имеет движение. Это может быть движение человека, предметов, самой природы или окружающего пространства. Это динамичные темы труда, спорта, войны и т.д. Человек раскрывается в движении, именно оно характеризует происходящее. Например, в картине К.П. Брюллова «Последний день Помпеи» мы видим большой, разнообразный набор движений, но всех персонажей объединяет единая цель — это спасение в критической ситуации. Другой пример. В картине художника А.А. Дейнеки «Оборона Петрограда» композиция выстроена в замкнутый цикл. Движение мобилизованных и раненых имеет разный характер, но объединены они единой целью — это несокрушимая стойкость. Можно приводить еще много примеров, доказывающих, что движение и пластические связи говорят о сути происходящего.

Итак, мы определились с основными целями и задачами таких разных дисциплин как рисунок, живопись и композиция. Теперь самый главный вопрос: как учебные дисциплины перерастают в творчество?

Тяга к творчеству возникает еще в раннем детстве, выражается она по-разному: в лепке, рисовании, конструировании и т. д. Поступая учиться в ДХШ и ССУЗ, учащийся сталкивается с понятием «учебное творчество». Выполняя учебное задание, он стремится выразить свое эстетическое отношение к нему. Предмет «композиция» дает возможность погрузиться в образную часть изображения. Но учебная композиция часто построена на догматических правилах и стереотипах, поэтому учебные решения кажутся банальными.

Самый интересный и трудный период жизни – это время, когда студент оканчивает институт и пытается войти в творчество, участвовать в выставках, определить свое творческое кредо, авторский стиль. Чаще всего это складывается не за один год. Тут нужны и жизненный опыт, и тяга к самовыражению. Не все проходят этот тернистый путь. Сказывается невостребованность изобразительного искусства, отсутствие мотивации.

Но когда приходит осознание, что твое творчество имеет право быть, что оно будит мысли и чувства, несет эстетический заряд, то вопрос выбора отпадает. Искусство вечно, как извечная потребность человека.

Курс академической живописи | Художественная школа

Курс ориентирован на профессиональный уровень работы и предполагает всестороннее изучение техник и приемов живописи. Для начала занятий по данной программе необходимо иметь базовые навыки рисования и живописи.

ПРОГРАММА ЗАНЯТИЙ

Программа обучения живописи состоит из четырех циклов.
На первом цикле основной задачей является детальная проработка базовых принципов живописи. Особое место отводится гармонии цвета, умению составлять правильные цветовые гаммы. Большое внимание уделяется навыкам передачи тональных отношений. Изучаются специальные приемы изображения прозрачных и отражающих поверхностей. В конце цикла учащиеся пишут серию сложных составных натюрмортов.

На втором цикле учащиеся учатся передавать сложные тональные отношения, пишут этюды античных гипсовых голов, изучают художественную анатомию. Работают с передачей сложной фактуры. На этом этапе начинается формирование собственного художественного стиля. Итогом является серия сложных натюрмортов и длительная живопись натуры.

На третьем цикле основной темой является пейзаж. Рассматриваются специальные приемы изображения воды и неба. Изучается воздушная перспектива. Вводится маcтихиновая техника. Учащиеся посещают бесплатные пленэры. Проводятся лекции в музеях, целью которых является анализ технических приемов признанных мастеров.

На четвертом цикле учащиеся творчески работают с формой и цветом, находят креативные композиционные решения, развивают системное художественное видение.

ЗАПИСЬ НА ПРОБНОЕ ЗАНЯТИЕ

→ по контактному телефону: +375 (29) 675 84 05

→ +375 (29) 675 84 05

В настоящий момент записаться на пробное занятие можно на:
→ понедельник с 14:00 до 22:00
→ вторник с 9:00 до 22:00
→ среда с 11:00 до 22:00
→ четверг с 9:00 до 22:00
→ пятница с 11:00 до 22:00
→ суббота с 10:00 до 18:00
→ воскресенье с 10:00 до 16:00

ВОЗМОЖНО, ВАМ БУДЕТ ИНТЕРЕСНО

→   Посмотреть программу обучения академическому рисунку.

→   Узнать о курсе живописи для начинающих.
→   Узнать о принципах обучения, акциях, скидках.

 

Художники по направлению: Академизм — WikiArt.org

направление

Академи́зм (фр. academisme) — направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.

Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. «Салонные» художники, насаждали в искусстве пышность, эротику, эклетику, поверхностную развлекательность и внешнюю виртуозность.

Словом «академизм» часто определяют два различных художественных явления- академический классицизм конца XVIII — начала ХIХ века и академизм середины-второй половины ХIХ века.

К представителям академизма относят Жана Энгра, Александра Кабанеля, Уильяма Бугро, Шарля Барга во Франции, Луиджи Муссини в Италии, Фёдора Бруни, Александра Иванова, Карла Брюллова в России.

Для русского академизма первой половины XIX века характерны возвышенная тематика, высокий метафорический стиль, многоплановость, многофигурность и помпезность. Были популярны библейские сюжеты, салонные пейзажи и парадные портреты. При сюжетной ограниченности тематики картин работы академистов отличались высоким техническим мастерством.

Карл Брюллов, соблюдая академические каноны в композиции и технике живописи, расширил сюжетные вариации своего творчества за пределы канонического академизма. В ходе своего развития во второй половине XIX века российская академическая живопись включила в себя элементы романтической и реалистической традиций. Академизм как метод присутствует в творчестве большинства членов товарищества «передвижников». В дальнейшем для российской академической живописи стали характерны историзм, традиционализм и элементы реализма.

Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.

В последние годы в западной Европе, США и России возрос интерес к академической живописи XIX века и к её развитию в XX веке. Современные интерпретации академизма присутствуют в творчестве таких российских художников, как Илья Глазунов, Александр Шилов, Николай Анохин, Сергей Смирнов, Илья Каверзнев и Николай Третьяков.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Академизм

Факультет живописи

Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова
при Российской академии художеств

Это самое крупное и авторитетное подразделение вуза пользуется особой популярностью среди абитуриентов из России и со всего мира. Здесь обучаются граждане Белоруссии, Украины, Грузии, Германии, Голландии, США, Японии, Китая, Южной Кореи и других стран ближнего и дальнего зарубежья. На протяжении всего существования факультета складывалась и оттачивалась уникальная методика преподавания живописи, рисунка и композиции, которая позволяет в пределах нескольких лет обучения приобрести глубокие знания в области изобразительного искусства и овладеть высотами профессионального мастерства. Образовательная система факультета, формировавшаяся в течение многих лет, продолжает развиваться с учетом актуальных потребностей нового времени. Уникальность сегодняшней академической школы заключается в объединении заветов великих мастеров русской классической живописи и современных технологий. Традиции обучения основаны на богатейшем наследии классиков русского искусства — А. К. Саврасова, В. Г. Перова, А. Е. Архипова, в. д. Поленова, А. М. Васнецова, В. А. Серова, К. А. Коровина, и. и. Левитана, К. Ф. Юона. На факультете преподавали такие видные живописцы, как И. Э. Грабарь, П. Д. Корин, А. А. Дейнека, С. В. Герасимов, Б. В. Иогансон, А. А. Осмеркин, К. Н. Истомин.

И сегодня практически все педагоги института — активно работающие художники, имена многих из них известны во всем мире. Они показывают свои произведения на российских и зарубежных выставках, принимают участие в реставрации памятников архитектуры, привлекая студентов.
Первый выпуск художников-живописцев состоялся в 1942 году в Самарканде, где в эвакуации, в тяжелейших условиях Великой Отечественной войны работал институт. Большинство выдающихся мастеров живописи второй половины ХХ века являются выпускниками факультета, среди них — Т. Т. Салахов, Т. Б. Назаренко, Н. И. Нестерова, П. Ф. Никонов, д. д. Жилинский, А. Д. Шмаринов, В. М. Сидоров, Б. М. Коржев, в. и. Иванов, С. Н. Андрияка, Э. В. Булатов, А. Б. Гросицкий и многие другие.

Основы академической школы предоставляют выпускникам института возможность работать в самых разнообразных направлениях и техниках. Картины выпускников факультета живописи можно встретить в галереях современного искусства, на престижных международных бьеннале, в частных собраниях и коллекциях музеев. Столь широкие возможности во многом обеспечиваются именно высоким авторитетом известного института, где молодые художники приобщились к классической школе.

Для всех мастерских разработаны учебные программы, включающие помимо основных занятий живописью, рисунком и композицией специальные и факультативные занятия. Основное внимание в мастерских уделяется работе с моделью.

Кроме мастерских станковой, монументальной и театрально-декорационной живописи нашего факультета с 2003 года в институте действует объединенная творческая мастерская под руководством выдающихся мастеров изобразительного искусства — З. К. Церетели, Президента Российской академии художеств, академика Французской академии изящных искусств, Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо (Испания), Т. Т. Салахова — вице-президента Российской академии художеств и Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо (Испания).

Первые два года обучение студентов проходит в мастерских рисунка и композиции, по окончании второго курса осуществляется переход в персональную мастерскую. Ядро факультета — несколько мастерских станковой живописи, их возглавляют В. М. Сидоров, Е. Н. Максимов, Т. Б. Назаренко, члены-корреспонденты РАХ Суховецкий А. Н. и Н. Н. Соломин. Каждый из мастеров наделен яркой творческой индивидуальностью, их работы представлены в крупнейших собраниях России, в том числе в Третьяковской галерее, Русском музее, зарубежных коллекциях. В мастерской монументального искусства студенты изучают технику фрески, мозаики, сграффито, витража, в театрально-декорационной — историю театра, костюма, сценографию, овладевают умением изготовления макетов. Руководитель монументальной мастерской, заведующий кафедрой живописи и композиции, академик Евгений Николаевич Максимов — создатель эскизов росписей купола и других элементов убранства храма Христа Спасителя в Москве. Работы над воссозданием величественного интерьера знаменитого храма были организованы и проводились Российской академией художеств во главе с президентом Академии З. К. Церетели. Над росписями трудились многие выпускники живописного факультета Суриковского института, что свидетельствуют о высоком уровне профессионализма, достигнутого ими в годы обучения. Творческий коллектив выпускников и студентов монументальной мастерской под руководством своего педагога осуществил также росписи кафедрального собора во имя Святителя Николая Чудотворца в Нью-Йорке (США). Обучаясь в мастерской монументальной живописи, студенты осваивают широкий спектр техник и технологий — от традиционных до самых новейших.

По итогам учебы выпускники готовят дипломные работы, в зависимости от интересов выбирая проекты оформления театров, гостиниц, ресторанов, банков, других общественных зданий или проекты росписей церковных сооружений.

Обучение в мастерской театрально-декорационной живописи под руководством действительного члена РАХ Чербаджи Дмитрия Афанасьевича начинается с 1 курса. В качестве диплома выпускники представляют оформление двух театральных постановок — эскизы декораций и костюмов, а также макет сцены. В процессе обучения студенты изучают историю театра, сценографии и театрального костюма.

Академик Валентин Михайлович Сидоров — выдающийся пейзажист и педагог, последователь классических традиций русской композиционной картины. Студенты его мастерской по итогам учебы представляют работы самых разных жанров — от пейзажа до большого сюжетного полотна.
Мастерская станковой живописи под руководством члена-корреспондента Российской академии художеств, народного художника РФ Алексея Николаевича Суховецкого продолжает традиции русского пленэрного искусства и станковой картины.

Приход в институт талантливого яркого живописца академика Татьяны Григорьевны Назаренко заметно раздвинул грани устоявшихся традиций. Самобытная творческая манера художницы, способности педагога-наставника оказали заметное влияние на активизацию образовательных процессов, повышение интереса студентов к освоению профессии.

Мастерская станковой живописи под руководством члена корреспондента РАХ Шишкова Юрия Алексеевича. Мастерская станковой живописи под руководством действительного члена РАХ, талантливого художника Салаховой Айдан Таировны.

На протяжении всех лет учебы студенты имеют возможность знакомиться и даже заниматься копированием в таких всемирно известных сокровищницах изобразительного искусства, как Государственная Третьяковская галерея и Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. В распоряжении молодых художников новые крупные музейно-выставочные комплексы — Московский музей современного искусства (Петровка, 25), его филиал в Ермолаевском переулке, 17, а также Галерея искусств Зураба Церетели (Пречистенка, 19), где помимо уникальных выставок в постоянной экспозиции находится множество слепков с прославленных античных скульптур. Это дает начинающим художникам возможность практиковаться в рисунке, без которого невозможно полноценное освоение мастерства.

Каждое лето студенты выезжают на практику в самые живописные уголки страны, где под руководством педагогов работают на пленэре.

В этом году на факультете открылась новая мастерская батальной живописи, которую возглавил член-корреспондент РАХ, опытный мастер Николай Николаевич Соломин. При формировании концепции мастерской в первую очередь учитывалась необходимость возрождения и развития традиций создания большой композиционной картины. Русская художественная школа имеет не только богатый опыт, связанный с этой формой изобразительного искусства, но и поистине уникальные методики обучения, открывающие художнику самые широкие возможности и перспективы.

Сегодня академическое художественное образование не только отвечает новым потребностям времени, но и обеспечивает каждому окончившему МГАХИ им. В. И. Сурикова широкий диапазон возможностей, необходимый для активной, уверенной жизни в большом искусстве и воплощение любых творческих идей.

Кандидат искусствоведения, консультант Научно-методического отдела
по вопросам художественного образования и эстетического воспитания
российской академии художеств М. В. Вяжевич

Мастерская реставрации станковой живописи

В 2004 году по инициативе Российской Академии художеств, для обучения молодых людей столь нужной, редкой и благородной профессии, как профессия реставратора, в составе факультета была создана мастерская реставрации станковой живописи. В настоящее время в мастерской, возглавляемой доцентом, художником-реставратором, искусствоведом А.А. Козьминым, собрана группа преподавателей — специалистов высокого уровня, представляющих научное и практическое направления реставрации произведений живописи.

Особенностью мастерской является углубленное и широкое изучение истории развития технологии и техники живописи. Кроме обучения по программе художника-живописца студенты мастерской осваивают мастерство реставрации произведений станковой масляной и темперной живописи, выполняют копии картин и икон в лучших музеях Москвы, получают знания в областях специальной химии, биологии, фотографии, изучают основы музееведения, палеографии, физических и химических исследований, более углубленно изучают иконографию произведений прошлого.

Студентам, также, дается курс теоретических и практических занятий по реставрации бумаги и картона.

Важным элементом обучения является проведение летних реставрационных практик в музеях Москвы и городов России, где будущим реставраторам под руководством педагогов доверяют выполнять ответственные реставрационные операции.

Студенты мастерской участвуют в различных творческих конкурсах, выставках и научных конференциях.

Во время обучения лучшие студенты отмечаются специальной стипендией имени основателя отечественной научной реставрации академика
И.Э. Грабаря.

Итогом обучения является защита дипломной работы: исследование и реставрация произведения станковой масляной и темперной живописи музейного уровня.

Студенты, показавшие особое трудолюбие, талант и освоенные навыки, рекомендуются руководством мастерской в лучшие музеи и реставрационные организации Москвы и других городов России.

В Вавилов Лофте открылась Санкт-Петербургская академическая школа рисунка и живописи им.

Б.В. Лесова

В Вавилов Лофте открылась Санкт-Петербургская академическая школа рисунка и живописи им. Б.В. Лесова.

В студии есть курс подготовки «В Академию Репина». Он подойдёт тем, кто изучает рисунок, живопись и композицию на профессиональном уровне: готовится поступать в Санкт-Петербургскую Академию Художеств или в СПбГУ на факультет искусств.

В рамках курса ученики получат систематизированные знания в области живописного изображения человека, познакомятся с традициями петербургской академической школы.

Существует детская группа, на которой раскрывают тайны акварельной живописи и делятся профессиональными хитростями. Учат детей думать, как художники.

Также, есть on-line курсы и базовый курс академического рисунка.

Алина Лесова из семьи потомственных художников. Ее папа и брат – все в сфере искусства. Закончила художественную школу, затем графический факультет Государственного Института им. И. Е. Репина. С 1998 года – член Союза художников России, с 1999 года – член Союза Акварелистов, с 2001 года – член Творческого Просветительского Центра «Русский Север. Художники России XX-XXI века».

Каждый месяц организовано по одному новому мастер-классу с Алиной Лесовой. Она пишет картину, ученики смотрят онлайн и пишут вместе с ней. Во время практики можно задать все интересующие вопросы и в итоге нарисовать хорошую картину.

В каждом уроке Алина показывает разные техники работы и делает что-то новое. А также делится своими секретами о материалах и красках.

Данные мастер-классы будут актуальны как для новичков, так и для опытных художников. 

Также, Алина Борисовна проводит очные мастер-классы в своей мастерской. Такие мероприятия проходят не часто. В мастерской кроме Алины могут комфортно работать только четыре человека, поэтому данный формат является почти индивидуальным.

Адрес: Кадетская линия, 5 к2Д.

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

Академизм — авторитетный, виртуозный и консервативный стиль

Академизм (académisme) — самое «долгоживущее» направление в европейском изобразительном искусстве. Оно зародилось ещё в XVI веке, обрело силу в XVII-XIX столетиях, а отголоски звучат и в работах современных художников. Академизм:

• культивировал классические традиции;
• выполнял функцию трансляции великого наследия античности и Возрождения;
• поддерживал среди художников высокую планку технического мастерства.

 

По форме академизм как стиль представлял собой канонизированный вариант сначала ренессансного искусства, а затем классицизма. Но в границах этого художественного вектора выделяется немало ветвей. Например, для Франции характерна классицистически-академическая доктрина, на почве которой появились салонная живопись и пышный ампир. В Италии утвердилась барочно-академическая традиция.

Были и авторы, сочетавшие академичность с изящным рококо.

Академическая живопись, несмотря на свой консервативный характер, всё-таки развивалась, эволюционировала, впитывала художественные достижения талантливейших мастеров (но, как правило, после того, как они переставали быть новаторскими и обретали всеобщее признание).

Если взглянуть на произведения мастеров-академистов конца XVI и конца XIX столетий, разница будет очевидна: у первых больше ренессансных черт и элементов маньеризма, у вторых — заметно влияние неоклассицизма, ампира, романтизма и даже реализма.

Академическое направление не было абсолютно замкнутым и неизменным. Совершенствовалась техника, появлялись новые сюжеты. Но всё-таки эти изменения никогда не были революционными: основы академической традиции оставались неизменными.

Роль художественных объединений в развитии академизма

Возникновение направления напрямую связано с появлением в Италии Академий художеств — творческих объединений, выполнявших также и образовательные функции. Их открывали известные живописцы и теоретики, а покровителями выступали светские и духовные властители. Порой такие учреждения создавались при непосредственном участии высоких персон — вплоть до римских Пап.

К концу XVI века на Апеннинском полуострове действовало уже около пятисот таких учреждений, причём все они были созданы во второй половине столетия. Эпоха Возрождения уже практически закончилась, поэтому академизм — никак не ренессансное явление. Оно возникло на руинах Ренессанса, когда Европа разочаровалась в возрожденческих идеалах и переживала глубокий экзистенциальный кризис, а потому носило вторичный характер.

В XVII-XVIII веках аналогичные заведения начали появляться и в других странах, причём при государственной поддержке, что давало им ресурсы и повышало авторитетность. Самыми влиятельными были королевские и императорские.

Эти учреждения поддерживали художников, обеспечивали выполнение заказов двора и церкви, устраивали выставки (включая престижнейший парижский Салон — официальную экспозицию парижской Академии изящных искусств), выполняли образовательные функции. Роль их в развитии культуры была огромной.

Например, основатель российской Императорской Академии художеств Иван Иванович Шувалов так обосновывал свою инициативу: иностранные живописцы приезжают в Россию, чтобы зарабатывать деньги, обогащаются и уезжают, никому не передав свои знания. А потому для развития национальной живописи остро требуется создание отечественного очага художественного образования.

Но как же так случилось, что благое начинание превратилось в мишень для критиков?

Академические войны

Поскольку живописцы-академисты ориентировались на классические образцы и за их спиной стоял авторитет официальных учреждений (действовавших с одобрения и под покровительством властей), их творчество было востребованным. Потенциальному покупателю или заказчику было ясно, что работа качественная, отвечающая канонам живописного мастерства.

Принадлежность к академистам открывало живописцам широкие возможности для построения карьеры и обеспечивало не только кусок хлеба, но и, образно выражаясь, весьма приличный бутерброд с икрой.

В то же время вряд ли какое иное течение подвергалось столь жёсткой, а главное, продолжительной (можно сказать, вечной) критике. Академичность стала синонимом консерватизма и догмата формы над содержанием. Многие стили родились на почве протеста против консервативно-академических догм. Множество великих картин написаны вопреки академизму, в борьбе с ним.

Со своей стороны, академисты-консерваторы порой жёстко боролись с художниками-новаторами или, как минимум, отказывали в признании. Так, упомянутый Федерико Цуккаро (Federico Zuccari) отказал Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio) в приёме в Академию Святого Луки — несмотря на то, что основатель караваджизма был уже известен и обладал весомыми рекомендациями. Причиной оказался именно новаторский подход живописца. Цуккаро полагал, что успех достался Караваджо благодаря «оттенку новизны», который привлекал состоятельных заказчиков, а контрастная и экспрессивная техника — результат… буйного характера!

Впрочем, караваджизм впоследствии всё же оказал влияние на академистов-итальянцев. Это вообще довольно характерно для академического подхода: брать всё лучшее у великих… но только тогда, когда они уже обрели признание.

И подобных примеров «междоусобных войн» в творческой среде было немало. В борьбе с консервативно-академическим сообществом создавались объединения, союзы, студии, частные «мини-академии». Так в России возникло, к примеру, Товарищество передвижников.

А в 1863 году жюри парижского Салона отказало в приёме 3 000 картин из 5 000. Среди отвергнутых оказался и Эдуард Мане (Édouard Mane). Вспыхнул крупный скандал, оскорблённые нанесли ответный удар — организовали «Салон отверженных».

Основные черты академизма, его слава и критика

Интересно, что отличить творчество академистов от работ художников, творивших в других стилях, особенно в рамках классицизма и его второй волны, неоклассицизма, порой бывает довольно сложно. Например, на первый взгляд не так-то просто сказать, чем отличаются исторические картины Жак-Луи Давида (Jacques-Louis David) и Жана Огюста Доминика Энгра (Jean Auguste Dominique Ingres). Но первый — неоклассицист, а второй — академист.

Где же пролегает водораздел?

• Художники-академисты консервировали каноны и практически не давали им развиваться.
• Им были чужды эксперименты и новаторство. (Более того: регламентировались стилистические, цветовые и композиционные (вплоть до разворота фигур), указывались одобряемые способы наложения мазков, была составлена иерархия жанров, указывались предпочтительные сюжеты и мораль, которую должен был извлечь зритель, а также допустимый уровень эротизма).
• Образы у авторов-академиков были идеализированными, драматизм — театрализованный, в эмоциональности не хватало искренности.
• Поскольку власти брали Академии под своё крыло, эти заведения поддерживали господствующий режим и порой превращались в рассадник реакции (это выражалось и в сервильном характере творчества, и в отношении к «неблагонадёжным» коллегам).
• Академисты были консервативны в выборе тем и сюжетов, избегали «сомнительной» тематики, которая могла бы шокировать и возмутить великосветскую публику.

Так, например, знаменитый «Плот “Медузы”» Теодора Жерико (Jean-Louis-André-Théodore Géricault) был выставлен в парижском Салоне под «нейтральным» названием «Сцена кораблекрушения», чтобы снизить политический накал темы (картина была написана по следам реальной и резонансной катастрофы). «Плот» критиковали за «недостойный» сюжет, тёмную палитру и «монотонное» освещение, нестандартную композицию… И даже за то, что это полотно не подходит для дворца монарха или кабинета высокосветского ценителя!

В стремлении понравиться обществу авторы-академисты выбирали востребованные сюжеты.

Именно в рамках этого направления создавались бесчисленные парадные портреты и исторические полотна, служащие прославлению власти.

Не чуждались живописцы и модных тем (разумеется, безопасных с идейно-политической точки зрения). Например, в XIX веке возникла мода на изображение обнажённой натуры в антураже восточных сералей и рабских рынков — и художники-академисты буквально оккупировали эту нишу.

Такой подход, который можно даже назвать коммерческим, вызывал обоснованную критику художников-нонконформистов.

Некоторые академические ветви критиковались особенно сильно. Например, понятие «салонное искусство» стало практически ругательным, поскольку участники Салонов, подстраиваясь под вкусы публики, демонстрировали высочайшую степень конформизма и буквально «штамповали» полотна на популярные темы в классической манере (но надо признать, что исполнение зачастую было виртуозным).

А понятие «пожарное искусство» (Les Pompiers) и вовсе возникло как насмешка: во второй половине XIX века во Франции были популярны помпезные и пафосные полотна с персонажами в античных шлемах, напоминавших… шлемы пожарных. К тому же термин звучал как каламбур: слова «Помпеи», «помпезный» и «пожарный» во французском языке похожи — Pompéi, pompeux и pompier.

Проблемой живописцев-академиков была и жёсткая канонизация формы, причём доминирующей над содержанием. Если для мастеров Возрождения, классицистов и неоклассицистов античные образцы стали почвой для создания уникальной стилистики, наполненной оригинальным идейным содержанием, то их коллеги-академисты копировали и консервировали канон.

Поэтому, например, полотна прерафаэлитов, немецких неоидеалистов и даже некоторых модернистов, вносивших элемент неоклассики в своё творчество, кардинально отличаются от традиционно-академических полотен этого же времени.

У неоклассиков античность преломлена через творческое «Я» художника, а у академистов «Я» — на втором месте после канона.

Знаменитые художники-академисты

Но было бы неверно представлять академичность как негативное явление. На его базе выросло немало замечательных мастеров, перенявших отличную технику, а затем расширивших границы своего творчества.

Например, техника Карла Павловича Брюллова — традиционно-академическая, но сюжеты вышли за рамки канона, а классицизм гармонично сочетается с романтизмом.

А Фердинан Виктор Эжен Делакруа (Ferdinand Victor Eugène Delacroix), сначала перенял классическое мастерство, а затем возглавив французскую школу романтизма, порвал с «отцами-академиками» ещё более жёстко и даже скандально, регулярно эпатируя салонных завсегдатаев.

Или взять, скажем, упоминавшихся передвижников, противопоставлявших себя консерваторам-академистам: они ведь тоже воспитывались в этой среде.

Таким образом, для кого-то академическая концепция становилась клеткой, а для кого-то — трамплином.

Значение классическо-академической традиции умалять не стоит: благодаря ей было систематизировано художественное образование, а новые поколения живописцев изучали художественные основы и приобретали техническую виртуозность.

Кстати, при иллюстрации исторических книг и статей сейчас часто используются именно творения академиков-портретистов.

В рамках этого направления творили крупные мастера, чьи работы становились образцами великолепной живописной техники:

Сейчас данное понятие нередко используется для описания произведений с традиционным композиционным построением, в которых продемонстрирован высокий уровень классической техники (безотносительно сюжета и идеи).

 

Грачева С. М. Религиозные сюжеты в современной академической живописи Санкт-Петербурга1

Оставить комментарий

При цитировании статьи используйте библиографическую ссылку:
Грачева С. М. Религиозные сюжеты в современной академической живописи Санкт-Петербурга // Научные труды. Вып. 50. Художественное образование. Сохранение культурного наследия : Сб. статей / Науч. ред. Могилевцев В.А., сост. Чувин А.В., Елизарова Е.М.. СПб. : Ин-т имени И.Е.Репина, 2019. 280 с. C. 42–61.

Грачева С. М.

Грачева Светлана Михайловна

УДК 7.046+75+75.03

Грачева С. М. Религиозные сюжеты в современной академической живописи Санкт-Петербурга

¹

Аннотация: Возрождение традиций русского православия – одна из насущных проблем отечественной художественной культуры последних десятилетий. Значительное место занимают религиозные мотивы и в светском искусстве российских художников, способствуя утверждению нравственных и духовных ценностей. Религиозные сюжеты в академической живописи очень часто раскрываются не столько в культовой проблематике, сколько в историческом контексте, как сохранение памяти, определенное иносказание.

Ключевые слова: религиозное искусство,храмовое искусство,православная традиция,современная академическая живопись,академическая школа

Religious Themes in Contemporary Academic Painting of Saint-Petersburg

Annotation: Revival of traditions of Russian Orthodoxy is one of the pressing problems of Russian artistic culture of recent decades. Religious motives also hold a valuable place in the secular art of Russian artists, contributing to the establishment of moral and spiritual values. There is an attitude to religious subjects in academic painting not so much as to cult problems, but in the historical context, as to the preservation of memory, a certain allegory.

Keywords: religious art,Church art,Orthodox tradition,contemporary academic painting,academic school

 

Для Петербурга характерно сохранение традиций в искусстве. Достаточно большой круг петербургских художников ориентирован на христианские ценности, привержен православному церковному искусству. Возрождение норм русского православия – одна из насущных проблем отечественной художественной культуры последних десятилетий. Разумеется, влияние христианского искусства обнаруживается не только в сфере канонических произведений. Прочные связи с корнями отечественной культуры можно увидеть и во многих современных работах петербургских художников, не относящихся исключительно к церковной тематике. Значительное место занимают религиозные мотивы и в светском искусстве российских художников, способствуя утверж­дению нравственных и духовных ценностей. К религиозным сюжетам в академической живописи очень часто возникает отношение не столько как к культовой проблематике, сколько, в историческом контексте, как к сохранению памяти, определенному иносказанию. Проблемы религиозного искусства, духовных основ современной культуры исследуются в трудах Т. В. Ильиной, Н.  С. Кутейниковой, М. С. Фоминой, А. И. Шаманьковой, Н. А. Яковлевой [4; 5; 6; 8; 9], современному академическому искусству посвящены публикации Н. С. Кутейниковой, С. М. Грачевой, Т. В. Ильиной [1; 2; 4; 5].

Эта традиция характерна для советской живописи, сохраняется она и в наши дни. Художники обращаются к религии как к духовной основе человека, как это происходит, например, в творчестве К. К. Иванова, который вкладывает религиозный смысл во все пережитое, увиденное, почувствованное. Весь его мир наполнен духовными образами и смыслами, буквально разливающимися во всем сущем.

Сюжетная картина, занимающая важное место в творчестве художников, представляющих академическую школу, связана с лучшими достижениями мирового искусства. Наиболее консервативны художники-академисты по отношению к теме религии, и это совершенно понятно, так как религиозность – духовная основа, фундамент культуры.

Так, до последних дней своей жизни воспитывал в учениках уважение к лучшим образцам искусства русских и западноевропейских мастеров недавно ушедший от нас выдающийся живописец, руководитель монументального отделения Института имени И.  Е. Репина – А. А. Мыльников. И сам он бережно относился к историческому прошлому, к религии, демонстрируя «диалогичность» своего мировосприятия. На последних выставках, в которых он принимал участие, им были показаны «Плач» (2012) и «Пьета» (2011), написанные в традиции реалистического искусства и вместе с тем с совершенно узнаваемыми современными интонациями. В них есть мощная экспрессия, неутихающая боль и переживание большого художника за судьбу человечества, осознание огромных потерь и утрат, которые оно понесло в бурном ХХ столетии, принесшем разум в жертву социальному безумию. Картины подводят своеобразный итог творческого пути мастера, итог, заставляющий вспомнить росписи Дома Глухого Ф. Гойи, когда зритель видит абсолютно очищенное от каких-либо необязательных нарративных деталей выражение сильнейших эмоций и страдания. Мастер продемонстрировал подлинно виртуозное владение традиционными приемами живописи, в пределах которой достигнута глубокая экспрессия образов.

1.  А. А. Мыльников. Пьета. 2011
Холст, масло. 135×170

 

В. А. Мыльникова неоднократно обращается в своем творчестве к религиозным образам. Картина «Распятие» (2013) как бы развивает идеи, высказанные А. А. Мыльниковым, но на ином временном отрезке. Произведение решено с выразительной экспрессией черно-красных тревожных, трагических, резких цветовых пятен, на фоне которых особенно мощно читается безжизненная фигура Христа, не утратившего даже в момент мученической смерти внутренней своей силы. Художница словно находится в диалоге со своим отцом, и удивительно, что в интерпретации этого вечного, тысячекратно повторенного самыми разными художниками сюжета нашей современнице удается найти свою трактовку и создать запоминающееся произведение.

В ее картине «Мадонна» (2016) есть явная перекличка с шедеврами мирового искусства и стремление проникнуть в тайный смысл вечного образа, с другой стороны – здесь решается декоративная задача и узнается авторский почерк художницы, которую можно причислить к мастерам, следующим направлениям европейского модернизма и постмодерна.

Болью и страданием пронизана картина В. А. Мыльниковой «Осмеяние Христа» (2018), в которой использована иконография, восходящая еще к традиции Средневековья и Возрождения. Восседающий на престоле Спаситель изображен в белоснежных одеяниях, с терновым венцом на голове, с завязанными пеленой глазами, а вокруг через занавес показаны символы его поругания – неверие, стяжательство, злословие, алчность… Художница создала одну из самых пессимистичных своих картин, отойдя от излишней повествовательности, добившись максимальной выразительности.

Страстям Христовым посвящено полотно Ю. В. Калюты «День тот был пятница…» (2018). Мастер повторяет композиционные приемы и принципы освещения «тенебросо» живописи старых мастеров, однако при этом наполняет картину современным звучанием за счет экспрессивной, только ему свойственной манеры. Ю. В. Калюта приближает персонажей к переднему плану картины, словно сильнее вовлекая зрителей в переживания трагического момента, погружая в скорбное состояние.

Как сюжет из реальной истории представлена композиция «Три креста» А. К. Быстрова (1998). Сцена происходит на фоне городских стен Иерусалима. Идет подготовка к казни, тревожный и страшный момент, женщины, укутанные в покрывала, с трепетом и ужасом ждут трагического финала ночи. Один из путников спит крепким, но беспокойным сном. Стражники полны жгучего любопытства. Художник находит верный язык обобщения и, как свойственно монументалисту, избегает лишних деталей, мощно моделирует форму, свободно располагает своих персонажей в пространстве полотна. Не вдаваясь в иллюстративность, А. К. Быстров доносит до зрителя напряжение одного из самых тяжелых моментов истории человечества.

2. А. К. Быстров. Три креста. 1998
Холст, масло. 157×174

 

3. В. А. Мыльникова. Мадонна. 2016
Холст, масло. 120×110

 

Именно тягой к великому искусству прошлого отмечено творчество И. Г. Уралова, который свои произведения не относит к какому-то определенному жанру. Религиозными переживаниями пронизаны многие его холсты. Живописная манера И. Г. Уралова восходит к традиции ленинградской школы живописи 1970‒1980-х гг., связанной с группой «Одиннадцати» (Г. П. Егошиным, З. П. Аршакуни), с несколько упрощенной трактовкой формы, с глубоким, многослойным колоритом, философской задумчивостью. А если вспоминать еще более ранние истоки, то это философско-религиозные поиски представителей русского авангарда («Маковец», Н..  С.  Гончарова). А. Ф. Дмитренко отмечает сосуществование в творчестве И. Г. Уралова «духовного и материального миров, их постоянной и неразрывной связи и взаимовлиянии» и его привязанность искусству Византии, Древней Руси, раннего итальянского Возрождения и к народному искусству [7, с. 19].

Станковые композиции И. Г. Уралова, не являющиеся в буквальном смысле иллюстрациями Священного Писания и достаточно вольно трактующие канон, имеют прямую отсылку к религиозной теме, в них часто звучит многослойный подтекст, вызывающий у зрителя сложные ассоциации («На тот берег (Перевозчик)», 1996; «Поклонение волхвов», 1999; «Поклонение пастухов», 1998; «Ловцы», 1996; «Благовещение», 1996; «Весть», 1997; «Обретение», 1998; «Утешение», 1998; «Саркофаг», 2010 и др. ). От этих полотен остается ощущение невероятной теплоты и доброты. Все персонажи молчаливы, сдержанны, плавно передвигаются внутри холстов, и в тоже время они монументальны, строги и возвышенны. Очень сложный диалог ведет художник со зрителем, пытаясь настроить его на свою волну, на размышление о вечности, тайне бытия, красоте мира. Живопись Уралова полна тончайших нюансов и декоративных сложнейших сочетаний. В ней чувствуется высокий вкус интеллектуала, деликатно и тактично, но очень индивидуально осваивающего достижения великих предшественников – мастеров прошлого.

4. И. Г. Уралов. Утешение. 1998.
Холст, масло, золочение. 130×120

 

5. И. Г. Уралов. Саркофаг. 2010.
Холст, масло, золочение. 140×140

 

Монументальные росписи И. Г. Уралова, созданные в соавторстве с другими его коллегами по группе «ФоРУС», украшают многие сооружения Петербурга. Особенно хочется подчеркнуть его роль и как архитектора, и как художника в оформлении храма Рождества Пресвятой Богородицы в Сестрорецке (2005).

Своеобразным направлением в живописи одного из представителей академизма – М. Г. Кудреватого можно считать его образы патриархальной Руси. Он много странствует по городам и весям, бывая и на Русском Севере, и в Центральной России, и в Нов­городе, Торжке, Костроме… Отовсюду он привозит этюды, которые затем превращаются в его мастерской в завершенные произведения. Это пейзажи, портреты, натюрморты. Если убрать кое-какие современные детали из многих подобных работ, то можно принять их за картины XIX века. Именно так, трогательно и истово, смотрится групповой портрет «Новгородская семья» (2000). На фоне новгородского храма на переднем плане стоят отец семейства, написанный так, будто он сошел с картин передвижников, его жена и мать пятерых детишек – светлый и какой-то почти прозрачный вечно «иконный» образ. И только характерные фигурки ребятишек связывают это полотно с сегодняшним днем. Они эмоциональные и все очень разные: застенчивая и немного кокетливая старшая девочка, похожая на мать, пареньки с озорными глазками… Здесь проявляется мастерство М.  Г. Кудреватого – рисовальщика и весьма тонкого психолога. Живо и убедительно созданы образы людей «из народа» в картинах «Крещение» (1997), «Память» (1987), «Сергеич» (1990), «Новгородские высотники» (2000), «Новгородский священник» (2000).

Особого внимания заслуживают пейзажи России, написанные М. Г. Кудреватым. Изучая их, можно многое узнать о русской культуре, о сохранении национального наследия, о традициях реалистической пейзажной живописи. Архитектурный пейзаж «Кириллов. Святые врата» (1991) построен по законам академического искусства – вид на монастырь открывается через арку ворот, стены и своды которой покрыты замечательными росписями. Пора золотой осени передана не только через цвет листьев на деревьях, но и через общий колористический строй полотна, краски которого буквально «горят» желтовато-красным цветом. Каждая деталь холста, даже отбившаяся штукатурка на воротах, написаны любовно и как-то по-особому тепло.

Как художник-монументалист Кудреватый реализовался и в работах над росписями соборов – это Покровский собор в Великом Новгороде и храм Рождества Христова на Средней Рогатке в Санкт-Петербурге. В этих двух храмах им лично сделаны росписи на стенах по сухой штукатурке и акрилом площадью почти 500 м². Программа росписей Покровского собора, построенного на рубеже XIX‒XX вв. и представляющего собой часть подворья Зверина монастыря, была изначально связана с темой жития Пресвятой Богородицы. Интерьер этого крестово-купольного трехнефного храма с хорами, увенчанного луковичным куполом, содержал частично восстановленные росписи начала ХХ в. Поэтому приступая к работе над созданием новых композиций, М. Г. Кудреватый точно следовал уже сложившемуся здесь стилю живописи в духе В. М. Васнецова и М. В. Нестерова.

Мастерскую А. А. Мыльникова окончила А. А. Дендерина, ныне педагог мастерской А. К. Быстрова. Свою дипломную работу она написала на религиозный сюжет: «Поцелуй Иуды» (1997), проявив себя как великолепный рисовальщик и мастер композиции. В картине слышны отзвуки живописных исканий Тинторетто, Н. Н. Ге, И. Н. Крамского. Яркий свет факелов выхватывает из тьмы Гефсиманского сада спокойно стоящую фигуру Христа, лица апостолов и оставляет во мраке фигуру Иуды, лишь слегка касаясь его лба и ног. Автор следует традиции показа этой сцены целования перед предательством, не нарушая общепринятых правил, при этом А. Дендерина сумела найти свой образ. В ее понимании «создание картины – это серьезный труд живописца, требующий напряжения всех его душевных сил, большой подготовки и возможно философского осмысления темы. В картине, даже основанной на реальных событиях, художник творит свой собственный мир, со своими законами и четкой целью – донести до зрителя волнующую мысль автора. Главная проблема здесь, чтобы было, что сказать, и важно оставаться в категориях искусства, потому что картина – это не газетная статья, не площадка для морализаторских выступлений и не однозначно фиксирующая момент фотография (которая по силе своего эмоционального воздействия на зрителя сильнее картины). Искусство использует язык иносказаний и намеков. Это определенный шифр, побуждающий зрителя включиться в интереснейшую игру по разгадыванию этой тайны, называемой искусством» [3, с. 42‒43]. Впоследствии А. И.  Дендерина написала еще несколько вариантов композиции «Поцелуй Иуды» (2005, 2011), поскольку эта тема долго не отпускала ее. В этих вариантах она попробовала и более крупный формат, сосредоточив внимание только на группе Христа и Иуды, и создала полуфигурную композицию, приблизив главных персонажей совсем близко к зрителю, чтобы еще сильнее сосредоточиться на выражении лиц.

6. А. И. Дендерина. Поцелуй Иуды. 2011
Холст, масло. 100×155

 

С момента окончания института и до настоящего времени А. И. Дендерина выполнила уже десятки работ на религиозные сюжеты. Она принимала участие в воссоздании росписей храма Христа Спасителя в Москве, делала мозаичную икону «Богоматерь Оранта» для Крестовоздвиженской церкви в пос. Лисий Нос Ленинградской области, мозаичные иконы для храма Св. Сергия Радонежского в Йоханнесбурге (ЮАР), участвовала в росписях Знаменского собора в Курске. Создала несколько станковых произведений на религиозные темы.

А.  С. Кривонос, ученик А. А. Мыльникова, как и А. И. Дендерина, принимал участие в росписях храма Христа Спасителя в Москве (часть купола южного придела храма «И слово стало плотью» и житийная композиция «Торжество православия») и в Знаменском соборе в Курске (группа ангелов и два апостола в конхе храма) под руководством А. К. Быстрова. Им также была создана монументальная мозаика «Александр Невский. Печальник земли русской» для часовни в Коломягах, мозаичная икона для фасада часовни в Кронштадте. А. С. Кривонос – автор станковой композиции «Альфа и омега» (2017), современной интерпретации Тайной вечери. Он расположил Христа в центре композиции, спиной к зрителю, раскрывая всю экспрессию известного сюжета через выражение лиц и силуэты фигур апостолов. Фигура же Христа застыла в великом спокойствии и предчувствии предстоящих страстей. Интенсивный иссиня-голубой цвет усиливает эмоциональное воздействие, которое оказывает это полотно на зрителя.

7. А. С. Кривонос. Альфа и омега. 2017
Холст, масло. 190×270

 

Свой вариант «Тайной вечери» (2017) создала и А. Г. Николаева-Берг. В полотне отражается одно из сложных противоречий, над которым бьются уже столько веков разные художники: как рассматривать этот сюжет – условно-символически или как историческое событие? Пока художнице не удалось до конца разобраться в своем отношении, поэтому в картине присутствует явное противоречие – между историческим видением и символической трактовкой. Однако само обращение к такой значимой теме симптоматично.

8. А. Г. Николаева-Берг. Тайная вечеря. 2017
Холст, масло. 120×200

 

Ю. О. Бехова, ученица А. А. Мыльникова, принимавшая учас­тие в росписях храма Христа Спасителя, много работает с религиозными сюжетами. Ею написаны работы на библейские темы: «Госте­приимство Авраама» (2001), «Явление Христа Марии Магдалине» (2010), «Жены-миро­носицы у гроба Господня» (2001), «Успение» (2010), «Преображение Господне» (2010). В них она следует академической школе живописи XIX века.

«Венецианская Мадонна» Ю. О. Беховой (2014) заставляет нас вспомнить образы венецианской живописи, перед которой преклоняются все художники мира. Картина, изображающая светлый образ Богоматери с Младенцем на фоне стрельчатых арок, сквозь которые видны Сан-Марко и Дворец дожей, сразу же отводит нас к великим и совершенным произведениям Кар­паччо, Беллини, Джорджоне. Художница, следуя ретроспективизму, как бы даже немного играя и наслаждаясь своим мастерством в пере­даче разных символических предметов и деталей, включает в масляную живопись на холсте фрагменты позолоты, усиливая тем самым декоративность колорита и подчеркивая религиозный смысл полотна.

9. Ю. О. Бехова. Венецианская Мадонна. 2014
Холст, масло, сусальное золото. 95×90

 

П. А. Игнатьев – выпускник Института имени И. Е. Репина (мастерская профессора В. С. Песикова) в картине «Поклонение пастухов» (2011), опираясь на известный евангельский сюжет, относящийся к вечным темам в искусстве, создает произведение, наполненное глубоко личными переживаниями. Не случайно каждый из персонажей написан с конкретных, современных автору людей и несет в себе черты портретности. Отметим высокопрофессиональное владение художника кистью и различными живописными тонкостями лессировочного письма в манере «тенебросо». Однако в самой этой картине заложена постмодернистская проблема цитирования, перевода известных сюжетов, известных шедевров в иной культурный контекст.

В дипломной работе «Тишина» (2009) С. А. Данчева, выпуск­ника мастерской С. Н. Репина, а сейчас одного из педагогов мастерской Ю. В. Калюты, достигнуто удивительное состояние тишины. Картина посвящена жизни монахов, она полна невероятной чистоты и пронзительного звенящего безмолвия. Три монаха ловят рыбу в северном прозрачном озере… Возникают ассоциации с иконописью, с картинами М. В. Нестерова. Глубоко, с портретной точностью проработаны образы монахов. Эта работа сразу же стала серьезной заявкой молодого художника, сейчас успешно работающего в Академии. Он продолжает развиваться в этом направлении, обращаясь как к собственно религиозной проблематике («Схимник», 2009), так и вкладывая религиозный смысл в произведения на иные темы.

Религиозное православное искусство и искусство на религиозную тему в XXI в., переживающее свое возрождение, – одно из уникальных явлений отечественной культуры. Долгое время в советский период художники вынуждены были скрывать или вуалировать свое отношение к вере. Именно в последние десятилетия произошел мощный прорыв в этом направлении. Поэтому с одной стороны, религиозное искусство воспринимается как строго каноничное и консервативное, в соответствии с требованиями Церкви, с другой – оно меняется, приобретает индивидуальные авторские черты, не утрачивая своего религиозного наполнения, и призвано по-своему отражать современность.

Примечание

¹ Статья подготовлена при поддержке РФФИ. Проект № 18-012-00577  / 

The article was funded by RFBR. Research project № 18-012-00577.

Библиография

1. Весенняя выставка в залах Российской академии художеств : каталог / авт. вступ. ст. С. М. Грачева. СПб. : Ин-т им. И. Е. Репина, 2018. С. 3–5.

2.  Грачева С. М. Современное петербургское академическое изобразительное искусство. Традиции, состояние и тренды развития. М. : БуксМарт, 2019. 370 с.

3. Дендерина А. У картины и о картине [Интервью] // Юный художник. 2016. № 6. С. 42–43.

4. Ильина Т. В. История искусств. Отечественное искусство. М. : Высшая школа, 2006. 407 с.

5. Кутейникова Н. С. Черты стиля модерн в творчестве современных мастеров Петербурга // Научные труды. Вып. 46. СПб. : Ин-т им. И. Е. Репина, 2018. С. 225–254.

6. Семанова-Фомина М. Между серпом и молотом. Кратчайший очерк русской культуры ХХ века. СПб. : СИНЭЛ, 2016. 107 с.

7. Соловьева В., Уралов И. Дом с мастерскими. СПб. : Русская коллекция, 2010.

8. Судьбы русской духовной традиции в отечественной литературе и искусстве ХХ – начала XXI века. Т. III, ч. I. СПб. : Петрополис, 2018. 466 с.

9. Шаманькова А. И. От храма в пейзаже к «Распятию». Христианские мотивы, образы, сюжеты в отечественной живописи второй половины ХХ века. М. : БуксМАрт, 2019. 336 с.

При цитировании статьи используйте библиографическую ссылку:
Грачева С. М. Религиозные сюжеты в современной академической живописи Санкт-Петербурга // Научные труды. Вып. 50. Художественное образование. Сохранение культурного наследия : Сб. статей / Науч. ред. Могилевцев В.А., сост. Чувин А.В., Елизарова Е.М.. СПб. : Ин-т имени И.Е.Репина, 2019. 280 с. C. 42–61.

Если Вы заметите какую-нибудь ошибку или неточность, просим сообщить об этом администратору сайта.

---

Комментарии (0)

 

Оставить комментарий

Чтобы разместить комментарий, необходимо заполнить маленькую форму ниже.
Просим соблюдать правила культурного общения.

 

---

 

Программа магистра изящных искусств

Программа магистра изящных искусств | Нью-Йоркская академия художеств МИД

Нью-Йоркская академия искусств — это аспирантура изобразительного искусства, специализирующаяся на прогрессивном изобразительном и фигуративном искусстве. МИД в Академии требует, чтобы студенты изучали традиционные методы и приемы на службе создания актуального современного искусства. Потенциальные студенты Академии согласуются с миссией Академии благодаря наблюдательным навыкам и балансу концептуальной осведомленности и технических навыков.

MFA — это специализированная окончательная степень на уровне выпускников для студентов, стремящихся получить дополнительное образование в области изящных искусств. Это концентрированная двухлетняя программа с 60 кредитами, которая требует, чтобы 85% курсовых работ были выполнены в студийном искусстве. Студенты специализируются на одной из трех концентраций: рисунок, живопись или скульптура. Кандидаты должны заявить о своей предполагаемой концентрации. Учащиеся также могут выбрать прохождение трека по анатомии или гравюре. Треки дополняют концентрации сосредоточенным вниманием на дополнительных областях изучения.

Центральное место в учебной программе занимает изучение фигуративного и изобразительного искусства и переосмысление традиционных методов для современного художника. Ожидается, что студент MFA овладеет традиционными методами и практиками, а также успешно освоит современные художественные методологии и критический дискурс. Достижение этих целей позволяет учащимся развивать аутентичный визуальный язык как средство передачи своего личного видения, что приводит к технически и формально сложной работе, связанной с миром современного искусства.

Магистр изящных искусств Основные результаты

• хорошие практические знания анатомии
• хорошее знание композиции и дизайна
• владеет перцептивным и концептуальным подходами к рисованию фигуры
• продвинутая способность интерпретировать и переводить человеческую форму в космосе
• знание традиционных и современных методов и приемов
• понимание истории изобразительного искусства и техники
• способность переосмыслить традиционные студийные методы для современного художника
• понимание теории искусства
• способность к критическому дискурсу
• понимание того, как и почему человеческая фигура служит носителем смысла
• творчество и независимое мышление
• письменные и устные коммуникативные навыки
• независимые исследовательские навыки
• знакомство с профессиональными аспектами карьеры в сфере искусства

«Фигурка ничего не значит, если ее нельзя крутить, как странное чудо.

Виллем Де Кунинг

о программе для выпускников Нью-Йоркской академии художеств, просмотрев наш каталог.

© Нью-Йоркская академия искусств. Все права защищены.

Франклин-стрит, 111 | Нью-Йорк, NY 10013

Часто задаваемые вопросы о приеме на программы MFA и CFA

Нью-Йоркская академия искусств, основанная в 1982 году художниками, учеными и меценатами, является центром творчества, обучения и опыта в области прогрессивного фигуративного и изобразительного искусства.Благодаря неизменной приверженности традиционным навыкам и активному участию в современном дискурсе, Академия расширит возможности художников нового поколения. Нажмите на ссылки ниже, чтобы узнать больше о наших программах.

Миссия

Приемный отдел Нью-Йоркской академии искусств набирает талантливых и разносторонних студентов, состоящих из самых творческих людей в мире, заинтересованных в образовании, основанном на прогрессивном фигуративном и изобразительном искусстве. Наши студенты пополнят яркое сообщество кампуса и станут лидерами и новаторами мирового искусства. Мы поддерживаем приверженность меритократии и справедливому доступу к нашему процессу приема для студентов из всех слоев общества.

 

 

Часто задаваемые вопросы

MFA или CFA? Какая программа для меня?
MFA — это специализированная окончательная степень на уровне выпускников для студентов, стремящихся получить дополнительное образование в области изящных искусств.Это концентрированная двухлетняя программа с 60 кредитами, которая требует, чтобы 85% курсовых работ были выполнены в студийном искусстве. Студенты специализируются на одной из трех концентраций: рисунок, живопись или скульптура. Те, у кого есть степень бакалавра в области искусства или большой опыт в искусстве, должны обратиться в МИД. Пожалуйста, посетите нашу студенческую галерею MFA, чтобы увидеть работы нынешних студентов MFA.

Программа сертификации изящных искусств (CFA) Нью-Йоркской академии искусств — это двенадцатимесячная студийная программа с 36 кредитами, которая дает учащимся возможность развить свое личное видение и специализированные навыки в активной и вдохновляющей школе изящных искусств. Те, у кого нет степени бакалавра в области искусства, новички в этой области или хотят пройти тщательную подготовку по основам традиционных методов, должны подать заявку на программу CFA. Те, кто хочет подготовиться к поступлению на конкурсную программу MFA, должны обратиться в CFA.

Должен ли я иметь степень бакалавра искусств?
Кандидаты не обязаны иметь степень бакалавра в области искусства. Академия принимает заявки от кандидатов со степенью по другим специальностям и дисциплинам.

Требуется ли портфолио для поступления?
Да. Каждый заявитель должен представить портфолио оригинальных произведений искусства. Подробные сведения о требованиях для каждого приложения программы см. в инструкциях к портфолио на странице «Руководство по применению».

Я посещал уроки рисования в нескольких колледжах и/или художественных школах? Я представляю их все?
Кандидаты могут представить стенограммы или отчеты об обучении из всех посещаемых учебных заведений, в том числе без присуждения степени.

Могу ли я ознакомиться с образцами портфолио других соискателей?
К сожалению, мы не можем отправить вам портфолио работ, представленных предыдущими или текущими кандидатами. Посетите нашу страницу «Текущие студенческие работы» и @newyorkacademyofart, чтобы просмотреть студенческие работы.

Что делать, если мои стенограммы не на английском языке?
Если кандидаты не на английском языке, они должны предоставить официальную оценку своих стенограмм. Список оценщиков можно найти на странице международных заявителей.

Могу ли я подать заявление, пока я еще учусь на программе бакалавриата?
Да. Абитуриенты, которые в настоящее время обучаются по программе бакалавриата, могут подавать заявки на программы Академии. Ожидаемая дата окончания заявителем должна быть до начала занятий по программам MFA и CFA. Принятые кандидаты должны будут представить окончательную официальную стенограмму, подтверждающую получение степени бакалавра.

Могу ли я подать заявку на начало весеннего семестра?
№Из-за структуры учебной программы MFA и CFA принятые кандидаты должны начать обучение в осеннем семестре.

Принимаете ли вы переводных студентов?
Да. Кандидаты должны заявить о своей предполагаемой концентрации во время процесса приема. Пожалуйста, ознакомьтесь с политикой и заявкой Академии на передачу кредита на странице регистратора.

Могу ли я изменить предполагаемую концентрацию после принятия?
Для изменения заявленной концентрации после зачисления кандидат должен подать письменное письмо в Приемную комиссию с указанием причин перехода.Должны быть представлены доказательства того, что заявитель соответствует всем требованиям допуска для новой концентрации. Это может потребовать отправки новых изображений портфолио.

Сколько рекомендаций я могу отправить?
Академии требуется как минимум два рекомендательных письма для программ MFA и CFA и как минимум одно рекомендательное письмо для программы SURP. Кандидаты могут запросить / представить до четырех.

Кто должен быть моим рекомендателем?
Настоятельно рекомендуется получить рекомендательные письма от академических специалистов.Абитуриентам рекомендуется обратиться за письмами к действующим или бывшим преподавателям, у которых они учились. Академия не принимает рекомендации от родственников абитуриента.

Я посещал курсы повышения квалификации в Академии. Могут ли мои рекомендательные письма быть от преподавателей Академии?
Да. Рекомендации от профессорско-преподавательского состава Академии принимаются. Кандидаты должны представить только одну рекомендацию от инструктора Академии CE.

Я посещаю курсы повышения квалификации в Академии.Нужно ли мне по-прежнему делать полное приложение?
Да. Кандидаты, которые в настоящее время зачислены в класс или программу непрерывного обучения в Академии, должны заполнить полную заявку на программы MFA, CFA или SURP.

Что я должен включить в свое личное заявление?
Кандидатам предлагается обсудить свой опыт в искусстве, работы в своем портфолио, почему они хотели бы принять участие в программе, чего они надеются достичь и как они связаны с миссией, философией и видением Академии.Пожалуйста, ознакомьтесь с руководством по применению для получения подробной информации об утверждении для каждой программы.

Могу ли я подать заявление артиста вместо личного заявления?
Нет. Заявители должны подать личное заявление, как описано выше. Вы можете подать заявление артиста в дополнение к личному заявлению.

Какой длины должно быть личное заявление?
Личные заявления должны быть не более одной страницы.

Вам требуется GRE?
№GRE не требуется для поступления в Академию.

Что я должен включить в свое резюме исполнителя?
Резюме должно включать информацию об образовании, профессиональном опыте, наградах, резиденциях, выставках и т. д. Для получения более подробной информации о составлении резюме или резюме посетите страницу ресурсов College Art Association.

Каков крайний срок досрочного рассмотрения?
Те, кто подает заявку на досрочное рассмотрение, получают приоритетное рассмотрение для получения стипендии Академии за заслуги.Раннее рассмотрение в Академии не является обязательным.

Если мне откажут в досрочном рассмотрении, могу ли я повторно подать заявку на обычное решение?
Нет. Кандидаты, отклоненные из-за срока досрочного рассмотрения, могут повторно подать заявку в следующем приемном цикле.

Могу ли я представить оригинальные работы для своего портфолио?
Нет. Академия не принимает оригинальные произведения искусства. Все работы должны быть сфотографированы и представлены в цифровом формате (загружены через онлайн-приложение Академии).

У вас есть список ожидания?
Да. Список ожидания Академии ранжируется. Количество студентов, принятых из списка ожидания, меняется из года в год.

Если я нахожусь в списке ожидания, могу ли я представить дополнительные материалы, чтобы помочь с моим заявлением?
Нет. Заявители, внесенные в список ожидания, не могут подавать дополнительные материалы или изменять исходную заявку.

Если мне отказали, могу ли я повторно подать заявление в следующем году?
Да. Отклоненные абитуриенты могут повторно подать заявку в следующем приемном цикле.

Могу ли я отсрочить прием? Как долго?
Да. Принятые кандидаты могут отложить на один год. Плата за депозит и договор должны быть представлены официально отложить. Отложенные кандидаты, которые не зарегистрировались в течение одного года, должны подать повторную заявку.

Если я отложу обучение на один год, гарантируется ли моя стипендия?
Нет. Отложенным кандидатам гарантируется место в программе на следующий год. Тем не менее, стипендии не гарантируются. Отложенные кандидаты будут рассмотрены на предмет присуждения стипендии во время следующей проверки приема.

Если я отложу на один год, могу ли я представить новые изображения портфолио и дополнительные материалы заявки для пересмотра моей стипендии?
Нет. Отложенные кандидаты будут повторно рассмотрены на предмет присуждения стипендии с использованием их первоначальной заявки. Чтобы отправить новые изображения портфолио и вспомогательные материалы, необходимо повторно подать заявку.

 

Школа истории искусств Сартла: академическое искусство | Сартл

Если когда-либо существовал совет колледжей для художников, то это были бы художественные академии 17-го и 18-го веков, в частности Академия изящных искусств во Франции.Он был основан при Людовике XIV, которому в то время было всего девять лет, но он превратился в крупного мецената в рамках своего правления Францией, сделав государственный контроль над искусством частью своей абсолютной власти. Его подход к жизни, пожалуй, лучше всего можно описать через его увековечение в Версальском дворце.

Гиацинт Риго, Людовик XIV, 1701.

Первый канцлер академии, придворный живописец Людовика XIV, Шарль Лебрен правил с таким же рвением, как и его король, устанавливая принципы, которым должны следовать художники, чтобы создавать хорошее искусство.Его теоретический подход к искусству установил иерархию жанров. Самым престижным жанром была история, за ней следовали портрет, жанр, пейзаж, анималист и натюрморт. У Лебрена также были правила относительно того, что было на картинах и как они были написаны, называя это «королевским стилем», посвященным прославлению короля. Тема должна была быть классической или библейской и выполнена в классическом стиле.

В Англии при короле Георге III была основана Королевская академия художеств в целях превращения Британии в центр искусств.Его первый президент, Джошуа Рейнольдс, был также самоуверен, как и Лебрен, посвятив серию лекций, прочитанных в Академии, под названием « дискурсов » о том, почему искусство должно иметь аллегорическое самомнение.

The Ladies Waldegrave  Джошуа Рейнольдса в Шотландской национальной галерее

Академия продвигала особый стиль классических идеалов и тщательно обработанных поверхностей, состоящих из крошечных крошечных мазков или «облизанной поверхности», не оставляющих следов прикосновения художника.Это было обеспечено их контролем над выставками через ежегодный Парижский салон, для которого академия выбирала произведения, и образованием через обряд посвящения художников, Гранд-тур, который укреплял наследие классической античности и Ренессанса.

Некоторыми из художников-образцов этого стиля были Пуссен  и Давид , чьи гармоничные геометрические композиции классического сюжета соответствуют всем условностям идеальной исторической живописи. Их произведения пользовались популярностью у королевских и имперских покровителей, которые благодаря рациональности своих композиций продвигали такие ценности Просвещения, как рациональное мышление и лояльность государству.

Смерть Германика Николя Пуссена из Института искусств Миннеаполиса

Пуссен обучался в Италии классической традиции, привнеся свою любовь к классике во Францию. Его картины использовались Людовиком XIII и кардиналом Ришелье, а его стиль ясности, логики и порядка был принят как королевский стиль. Хотя сюжеты его картин были аллегорическими, в них были привязки к современным событиям, призванные способствовать лояльности государству, изображая истории о государственной лояльности из древности.У Давида был аналогичный подход, он прославлял правительство через образы Римской империи на ее вершине, однако его время было отмечено политическими беспорядками. Он жил во время конца Древнего режима, включая свержение монархии во время революции и установление Французской республики. Он смог сохранить благосклонность в обоих случаях, применяя свои способности к пропаганде для поддержки обоих правительств.

Лекция философа в Оррери Джозефа Райта из Дерби в Музее и художественной галерее Дерби

Это стремление к рациональности перетекало в образовательные учреждения, которые применяли такой же научный подход к созданию искусства. Искусство превратилось в интеллектуальное занятие, а не в техническое, что повысило статус художника. Академия установила стандартную процедуру художественного образования, и начинающие художники прошли интенсивную подготовку во время учебы, сначала учась рисовать на древних скульптурах, пока им не разрешили посещать уроки рисования, где изучали анатомию человека, рисуя живые модели. Это издевательство над будущими художниками привило им принципы и доктрины академии, обеспечив установленный стандарт, которому соответствовали все художники.Художники, которым благоволила Академия, устанавливали стандарты для будущих художников. Ватто и Фрагонар, художники рококо, известные своими выразительными цветами и кистью, а не концентрацией на линии, которая определяла неоклассицизм, были признаны Академией, хотя их стиль не воплощал их учения. Академия не только установила стандарт, но и сломала его, стиль не неизменный, но гибкий.

Академики Королевской академии Йохана Джозефа Зоффани в Королевской коллекции

Академия контролировала и содержание искусства, как главный меценат, а также привратник и законодатель вкуса, она заказывала и поощряла работы, несущие нравственные послания и лояльность государству. Крупнейшим покровителем было государство, и в 1774 году во Франции было установлено регулярное королевское покровительство, что усилило конкуренцию за желанные заказы и привело к ежегодным выставкам искусства, предназначенным для продвижения политических программ. Академия была создана с кумовством, и такие художники, как Жан-Батист Пьер, которые прошли обучение и работали в Академии, отдавали предпочтение тем, кто соответствовал стандартам Академии и подражал стилю. Он выбирал темы, которые были призваны наполнить определенными достоинствами, прославить французскую историю и морализировать французскую публику.

Exposition au Salon de 1787 Пьетро Антони Мартини в Музее Метрополитена

Однако по мере того, как эти институты теряли контроль в периоды политических потрясений, прежде всего Французской революции, и рынок искусства менялся, чтобы удовлетворить вкусы нового среднего класса, появились художники, выступавшие против этого канона. Историческая живопись уступила место неоднозначно классифицированным снимкам повседневной современной жизни, поскольку меценаты, готовые платить высокую стоимость за их создание, постепенно уменьшались, а буржуазные меценаты, не имевшие глубоких познаний в искусстве, хотели что-нибудь повесить на стенах своей спальни. По мере того, как искусство становилось все более популярной отраслью, удовлетворяя не только вкусы аристократической образованной элиты, длительный процесс, необходимый для создания исторической картины, привел к медленному упадку жанра, который был символом академического стиля.

Клятва теннисного корта Жака-Луи Давида в Версале

Попытки адаптировать формат к меняющимся интересам и быстро меняющемуся политическому климату привели к таким произведениям, как «Т Клятва на теннисном корте» Дэвида , от которой отказались, потому что сюжет, сцена из революции, к тому времени, когда она была закончена, уже не имела значения. потому что Давид изо всех сил пытался найти покровителя.

Чтобы не отставать от меняющихся вкусов, был создан Салон Отверженных для демонстрации картин, которые были сочтены недостаточно хорошими для официального Салона. Здесь были представлены работы художников-авангардистов, таких как Курбе, Мане и Писсарро, что открыло новую эру искусства, ломающего условности.

академических программ | Школа искусств и архитектуры Тайлера

Одной из основных сильных сторон Школы искусств и архитектуры Тайлера является широта академических программ.Школа предлагает более трех десятков программ на получение степени на уровне бакалавриата и магистратуры. Мы приглашаем вас изучить их ниже:

 

Архитектура (BSArch, MArch, MSArch**)
Художественное образование (BSEd, BFA с концентрацией художественного образования, Med со специализацией в области художественного образования)
История искусств (BA, MA, MA Arts Management Track, PhD)
Арт-терапия (BA )
Керамика (BFA*, MFA)
Городское и региональное планирование (MS)
Общественные практики искусства
Развитие сообщества (BS)
Управление объектами (BS)
Планирование объектов (MS***)
Исследования волокон и материалов (BFA* , MFA)
Foundations (программа без присуждения степени для первокурсников)
Glass (BFA*, MFA)
Графический и интерактивный дизайн (BFA*, MFA)
Historic Preservation (BS)
Садоводство (BSShort, ASHort)
Ландшафтная архитектура (BSLA, MLArch)
Металлы/ювелирные изделия/CAD-CAM (BFA*, MFA)
Живопись (BFA*, MFA)
Фотография (BFA*, MFA)
Гравюра (BFA*, MFA)
Скульптура (BFA* , MFA)
Визуальные исследования (BA)

     * также доступен как BFA с изучением предпринимательства или BFA с концентрацией художественного образования
     ** доступна постпрофессиональная степень с дополнительными концентрациями в передовых технологиях и дизайне, городской экологии и дизайне, здравоохранении и дизайне
     *** доступна постпрофессиональная степень с дополнительной концентрацией в области здравоохранения и дизайна

 

Тайлер также предлагает программы для несовершеннолетних и сертификаты:

 

Несовершеннолетние (бакалавриат)

Высшее искусство
Специальность История искусства
Специальность Городское и региональное планирование
Специальность Общественное развитие
Специальность Экологическое планирование и дизайн
Специальность Экологическое садоводство
Специальность Ландшафтные исследования
Специальность Устойчивые продовольственные системы

 

Сертификаты

Креативное предпринимательство (бакалавриат)
Экологическая устойчивость (бакалавриат)
Планирование медицинских учреждений (бакалавриат)
Сохранение исторического наследия (бакалавриат)
Садоводческая терапия (бакалавриат)
Ландшафтные растения (бакалавриат)
Дизайн местных многолетних садов (бакалавриат)
Планирование устойчивого развития сообщества (бакалавриат) выпускник)
Устойчивые продовольственные системы (бакалавриат)
Транспортное планирование (выпускник)

Университет Темпл также предлагает степень в области искусства через университет Темпл, кампус Японии.

Королевская академия живописи и скульптуры – Smarthistory

Жан-Батист Мартен, Заседание Королевской академии живописи и скульптуры в Лувре , ок. 1712–21, холст, масло, 30 х 43 см (Лувр)

В комнате, до краев заполненной картинами и скульптурами, хорошо одетые мужчины в напудренных париках собираются вокруг стола, а отставшие болтают со своими соседями. На небольшой картине Жана-Батиста Мартена изображено собрание выдающейся французской академии искусств без инструментов художника — только богато украшенная комната помещает сцену во дворце Лувр.Выбор не показывать художников за работой, а скорее модных джентльменов, участвующих в социальном интеллектуальном обмене, напрямую связан с ранней историей Французской королевской академии.

Académie Royale de Peinture et de Sculpture (Королевская академия живописи и скульптуры) была основана в 1648 году. Она руководила искусством во Франции и владела монополией до 1793 года. Учреждение обеспечивало необходимое обучение художников обеими руками. -об обучении и лекциях, доступе к престижным комиссиям и возможности выставлять свои работы.Примечательно, что он также контролировал искусство, отдавая предпочтение определенным предметам и устанавливая иерархию среди своих членов. Эта иерархическая структура в конечном итоге привела к роспуску Академии во время Французской революции. Однако Académie в Париже стала образцом для многих художественных академий в Европе и колониальной Америке.

Фонд

Эта выдающаяся учебная организация для художников и скульпторов была основана в ответ на две взаимосвязанные проблемы: националистическое желание установить явно французскую художественную традицию и потребность в большом количестве хорошо обученных художников для выполнения важных заказов для королевского круга.Предыдущие монархи привозили художников (в основном из Фландрии и Италии) для выполнения крупных проектов. Напротив, король Людовик XIV стремился культивировать и поддерживать французских художников в рамках своего грандиозного проекта по самосовершенствованию, при этом искусство играло жизненно важную роль в создании королевского имиджа.

Академия быстро завоевала известность вместе с Министерством искусств (отвечающим за строительство, отделку и содержание королевских зданий) и званием «Первый художник короля» — самый престижный титул, который мог получить художник.Два человека были неотъемлемой частью ранней истории учреждения: Жан-Батист Кольбер, все более влиятельный государственный деятель, выступавший в качестве защитника учреждения, и художник Шарль Лебрен, который впоследствии стал первым художником и директором Académie . . Оба мужчины стремились поднять статус художников, подчеркивая их интеллектуальные и творческие способности, и оба стремились отличить членов Académie — академиков — от членов гильдий (гильдии были средневековой системой, которая строго регулировала ремесленников). Académie, членов, члены которой получали финансовую поддержку от короля, переехала на постоянное место в Луврский дворец в 1692 году, что еще больше укрепило статус учреждения. Учитывая такую ​​институциональную озабоченность, решение Мартина показать художников как джентльменов, общающихся, а не как трудящихся ремесленников, приобретает новое значение.

Иерархии

С самого начала Académie была построена по принципу иерархии. Были определенные уровни членства, через которые художник мог продвигаться со временем.В искусстве тоже существовала иерархия: живопись ставилась выше скульптуры, и одни предметы считались более благородными, чем другие. Чтобы стать членом, художники отправляли работы на оценку академиков, которые принимали их на определенном уровне в зависимости от того, какие предметы они стремились нарисовать. Если они прошли этот первый этап, кандидаты должны были выполнить «приемную часть», изображающую предмет, выбранный академиками.

Академия разделила картины на пять категорий или жанров, ранжированных по сложности и престижу:

1. Историческая живопись — охватывающая высокоинтеллектуальные сюжеты, взятые из классической традиции, Библии или аллегорий, этот тип живописи считался высшим жанром, поскольку требовал мастерства в изображении человеческого тела, а также воображения и интеллекта, чтобы изобразить то, что нельзя было увидеть. Часто это были масштабные многофигурные картины.
2. Портретная живопись — ориентированный на запечатление сходства, этот жанр был престижным и, безусловно, прибыльным, но менее прибыльным, чем историческая живопись. Портретистов высмеивали за то, что они «просто» копировали природу, а не изобретали (упрощение, поскольку немногие портреты были выполнены полностью с натуры).
3. Жанровая картина — изображающая сцены повседневной жизни, этот жанр включал человеческую фигуру, но якобы не представлял великих идей, хотя многие жанровые картины имели нравоучительный оттенок.Жанровые картины были меньше по размеру, чем исторические, что еще больше снижало их престиж.
4. Пейзажи — состоящий из всех изображений сельской или городской топографии, реальной или воображаемой, этот жанр стал особенно популярным в восемнадцатом и девятнадцатом веках.
5. Натюрморт — часто предаваясь сопоставлению цветов и текстур, эти картины представляли неодушевленные (часто роскошные) предметы и в значительной степени опирались на голландскую традицию таких предметов семнадцатого века. Хотя иногда включались и другие морализаторские символы, такие как memento mori (напоминания о человеческой смертности), они не были неотъемлемой частью жанра, который, как считалось, не требовал изобретения со стороны художника (поскольку они рисовали то, что они могли видеть).

Обучение

Бенуа-Луи Прево, имя Шарля-Николя Кошена, «Школа искусств» («Ecole de dessein»), планш I. объяснения, том 3 (Париж, 1763)

Николя Бернар Леписи, Сидящий обнаженный мужчина лицом вправо , середина 18 века, уголь, тупик, черный мел, усиленный белым на серо-зеленой бумаге, 50.7 x 34 см (Метрополитен-музей)

Академическое обучение было сосредоточено на рисовании (по прецеденту итальянских школ рисования, основанных в шестнадцатом веке). Académie поддерживала жесткую учебную программу для обучения художников, как это записано в современных отчетах и ​​​​изображениях. Офорт, иллюстрирующий описание «школы искусств» 1763 года, показывает, как ученики сначала учились рисовать, копируя рисунки и гравюры (см. слева), а затем переходили к рисованию гипсовых слепков, чтобы научиться переводить трехмерную форму в две размеры (видны в центре).Затем учащиеся копировали крупномасштабную скульптуру (как видно на крайнем правом краю), прежде чем им разрешалось рисовать живую обнаженную модель (как показано в средней правой части, немного отстоящей от переднего плана). Рисование обнаженной мужской фигуры было основой учебной программы Académie , важным строительным блоком для художников, особенно для тех, кому суждено создавать исторические картины. Студенты подготовили множество исследований обнаженной натуры с одной фигурой, известных как академий , например, этот пример Николя Бернара Леписи.Впоследствии можно было добавить реквизит, чтобы преобразовать позированные тела в узнаваемые фигуры, как это сделал Бернар Пикарт с рисунком Обнаженный мужчина с лампой , где фигура с добавлением лампы становится философом Диогеном.

Бернар Пикарт, Обнаженный мужчина с лампой (Диоген) , 1724, красный мел на верже, 30,9 x 45,7 см (Национальная художественная галерея)

На живом рисунке Шарль Натуар изображает себя в красном плаще на переднем плане слева, давая обратную связь по рисункам учащихся. Большинство студентов работают самостоятельно, ориентируясь на две обнаженные модели в переплетенных позах, выбранных руководителем-профессором. Возможность изучить два взаимодействующих мужских тела была более редкой и сложной задачей.

Шарль Жозеф Натуар, Life Class в Королевской академии живописи и скульптуры , 1746, перо, черные и коричневые чернила, серая заливка, акварель и следы карандаша по черному мелу на верженой бумаге, 45,3 x 32,2 см (Галерея Курто) )

За пределами официальных помещений Académie академики предоставляли продвинутым студентам возможность рисовать обнаженных женских моделей.Помимо руководства обучением рисованию, каждый профессор отбирал студентов для работы в своей студии. Именно здесь художники фактически учились рисовать или лепить, подражая своему учителю, часто внося свой вклад в его крупномасштабные заказы. Студийные практики различались, и не все члены студии обязательно были зачислены в Академию студентов.

Как академики, так и студенты посещали лекции, посвященные теоретическим и практическим аспектам художественной практики, таким как важность экспрессии или способы нанесения краски для обеспечения долговечности. Их предлагали профессора и так называемые любителей. Эти почетные члены Académie были не профессиональными художниками, а любителями искусства и «друзьями художников» — часто из знати — которые консультировали художников по вопросам композиции, эстетики и иконографии и часто защищали определенных художников, иногда в качестве меценатов или коллекционеров.

Розыгрыш Рима

Классическая традиция была центральной в учебной программе Académie .В 1666 году Академия открыла филиал в Риме, чтобы облегчить студентам изучение античности. В 1674 году Académie учредила Prix de Rome (Римская премия), престижную награду, которая позволяла самым многообещающим художникам учиться в Риме от трех до пяти лет. В то время как внимание Французской академии в Риме содействовало изучению классической древности, студенты также рисовали важные произведения искусства эпохи Возрождения и барокко, как видно на рисунке красным мелом Юбера Робера, изображающем художника, копирующего фреску Доменикино в римской церкви.

Хьюберт Роберт, Рисовальщик в Оратории С. Андреа, С. Грегорио аль Челио , 1763 г., красный мел, 32,9 x 44,8 см (Библиотека и музей Моргана)

Находясь в Риме, эти студентов Академии , называемых пенсионерами, изучали канонические произведения искусства и регулярно отправляли свои рисунки и копии после важных работ обратно в Париж, чтобы продемонстрировать свои успехи. Хотя это и не входило в формальную учебную программу, большинство художников исследовали римские окрестности, черпая вдохновение в богатом ландшафте, разнообразной топографии и красочных сценах крестьянской жизни.Важные связи были установлены в Риме с другими художниками, меценатами и сторонниками.

Салоны и рост общественного мнения

Начиная с 1667 года, Académie организовала выставки, чтобы предоставить членам решающую возможность продемонстрировать свои работы более широкой аудитории, тем самым культивируя потенциальных покровителей и критическое внимание. Проводимые ежегодно, а затем раз в два года, эти выставки стали известны как Салоны, в честь салона Лувра carré , где они проходили после 1725 года.Салон стал важным пространством художественного обмена и важной возможностью увидеть искусство до образования публичного художественного музея.

Пьетро Антонио Мартини, Вид на Салон 1785 г., 1785 г., офорт, 27,6 x 48,6 см (изображение), 36,2 x 52,7 см (Музей Метрополитен)

Работы в Салоне были отобраны академическим жюри. Картины были выставлены в соответствии с размером и жанром, причем более крупные работы (историческая живопись и портретная живопись) занимали более престижные более высокие уровни, как это видно на гравюре Салона 1785 года, где Жак-Луи Давид Клятва Горациев заметно выделяется в центре.С появлением в Салоне в 1737 году широкой публики появилось общественное мнение и возникла художественная критика. Академия опубликовала буклет, в котором перечислены выставленные работы, упорядоченные по рангу художника, под названием ливрет . Коллекционеры произведений искусства и ученые посетители Салонов писали мнения, анализируя художественные и интеллектуальные достоинства выставленных произведений искусства; некоторые из них, например написанные философом Дени Дидро, предназначались для небольшого сообщества единомышленников как во Франции, так и за ее пределами, но все чаще художественная критика печаталась в газетах для доступа более широкой публики.

Пол и жанры

Академия по большей части была мужским пространством; некоторые художники принимали учениц в свои мастерские, особенно в последней четверти восемнадцатого века. Женщинам-художникам по правилам приличия запрещалось изучать обнаженную мужскую фигуру, что является основным аспектом академической подготовки. Это лишило их возможности стать официально признанными художниками-историками, и поэтому они были ограничены жанрами, которые считались менее интеллектуально строгими.За свою 150-летнюю историю Академия приняла в качестве полноправных членов только четырех женщин: Мари-Тереза ​​Ребул была принята в 1757 году; Энн Валлайер-Костер была принята в 1770 году; Аделаида Лабиль-Гьяр и Элизабет Виже-Лебрен были приняты в 1783 году.

Это был прием художника в Академии. Элизабет Луиза Виже Ле-Брун, Мир, возвращающий изобилие, 1780, холст, масло, 103 x 133 см (Лувр)

Несмотря на то, что они были приняты в Академию , у этих женщин был ограниченный выбор.Рисуя в основном натюрморты (например, Ребул), Валлайе-Костер возвысил этот жанр с помощью крупномасштабных декоративных композиций. Лабиль-Гьяр руководил большой студией студенток и был известен как выдающийся портретист. То же самое сделала и Виже-Лебрен, которая раздвинула границы жанра и своего пола, время от времени рисуя аллегории, в том числе ее приемную работу для Академии . Семейные связи (в случае Ребуля, Лабиль-Гьяр и Виже-Лебрен) или королевские защитники (в случае Валье-Костер, Лабиль-Гьяр и Виже-Лебрен) сыграли жизненно важную роль в их успехе.Без таких чемпионов женщины-художницы не смогли бы проникнуть в патриархальный институт Académie . Тем не менее, их работа и личная жизнь подвергались чрезмерному общественному контролю, а их достижения часто клеветали.

Отмена и загробная жизнь

В 1780-х годах Академия подверглась нападкам со стороны членов и посторонних за политизацию распределения призов и наград. Его жесткая иерархия, несправедливые структуры и безудержный кумовство были несовместимы с основными ценностями Революции — Свободой и Равенством.Крупные художники, получившие выгоду от учреждения, лоббировали его роспуск. После свержения монархии и казни Людовика XVI учреждения с неизгладимыми королевскими связями были тщательно изучены и признаны неуместными. Академия была упразднена 8 августа 1793 года по приказу Национального собрания.

После нескольких лет трудностей для художников, вызванных эрозией королевского, дворянского и церковного покровительства во время революции, правительство Директории возродило многие структуры Académie , создав Национальный институт наук и искусств ( Institut Nationale des Sciences et des Arts, , впоследствии Institut de France ) в 1795 году. В состав новой организации вошли многие бывшие академики, которые восстановили некоторые аспекты ныне несуществующей Академии , , такие как Римская премия 1797 года. Иерархия жанров, привитая членам и аудитории Академии , оставалась центральной для понимания искусства на протяжении девятнадцатого века.

---

Дополнительные ресурсы
Институт Франции

Академия изящных искусств

Дени Дидро, Салоны (том I – III), Париж: Ж.LJ Briere Libraire, 1821

Салон и Королевская академия в девятнадцатом веке

Лаура Ауриккьо, Мелисса Ли Хайд, Мэри Шериф и Джордана Помрой, от роялистов до романтиков: женщины-художницы из Лувра, Версаля и других французских национальных коллекций (Scala Arts Publishers, Inc., 2012).

Колин Б. Бейли, «Художники, рисующие повсюду»: рококо и Просвещение во Франции», в книге Дженнифер Тонкович и др., Drawn to Greatness: Master Drawings from the Thaw Collection (Нью-Йорк: Библиотека и музей Моргана, 2017 г. ) .

Альберт Бойме, «Культурная политика Академии художеств», Восемнадцатый век , том. 35, № 3 (1994), стр. 203–22.

Томас Э. Кроу, Художники и общественная жизнь в Париже восемнадцатого века (издательство Йельского университета, 1985).

Кристиан Мишель, Королевская академия живописи и скульптуры: рождение французской школы, 1648–1793, перевод Криса Миллера (Исследовательский институт Гетти, 2018).

Ричард Ригли, T Истоки французской художественной критики: от старого режима до реставрации (Oxford University Press, 1993).

Искусство | Колледж Вентура

Искусство | История искусств | Керамика | Рисование  | Цифровые медиа  | Курсы живописи.

Для исследований в области кино см. Исследования в области кино   | Информацию о фотографии см.  Фотография

 

Цель программы : Курсы программы «Искусство» предназначены для использования навыков критического мышления для развития учащимися своей собственной работы и работы других. Это достигается за счет базовых навыков рисования, манипулирования цветом и принципов дизайна в областях акцента.Для тех, кто занимается трехмерным искусством, программа развивает создание объектов в специализированных областях. Для тех, кто занимается фотографией, мы предоставляем студентам базовые методы аналоговой и цифровой фотографии, а также возможность заниматься индивидуальной работой в приоритетных областях. Для студентов, изучающих цифровые медиа и графическую коммуникацию, мы предоставляем методы дизайна и производства, а также продвигаем индивидуальный стиль. Во всех областях искусства программа искусства предоставляет учащимся возможность и навыки анализа произведений искусства с точки зрения их исторического контекста и социальных и культурных ценностей.

Описание программы : Программа Ventura College Art предлагает начальные и промежуточные курсы, которые дают учащимся знания и опыт для понимания изобразительного искусства. Начальные курсы предназначены для создания прочной основы для обеспечения успеха учащихся в каждой из областей художественной дисциплины. Базовые курсы включают в себя; История искусства, цвет и дизайн, теория цвета, рисунок, рисунок с натуры и трехмерный дизайн. По завершении базовых курсов студентам предлагается сосредоточиться на одной или нескольких областях концентрации; История искусства, керамика, цифровые медиа, графический дизайн, живопись, фотография и скульптура.Сочетание базовых курсов по изобразительному искусству и специальной учебной программы по искусству готовит студентов к переводу в университеты или художественные школы и к работе в сфере искусства. Карьерные возможности для специалистов в области искусства включают историка искусства, трудоустройство в организации искусств, учителя искусства, искусствоведа, коммерческого художника, художника-экспонента, помощь и управление выставками в галерее и музее, графического дизайнера, иллюстратора, фотографа и других профессий в области творческой деятельности.

Художественная программа Ventura College гордится своей репутацией одной из лучших художественных программ в южной Калифорнии и имеет давнюю традицию выпуска многих самых известных художников региона. Художественный факультет Ventura College — это ученые в области истории искусства, практикующие и выставляющие прекрасных художников и работающих профессионалов в области графики и цифровых медиа. Факультет истории искусства — это ученые в определенных областях или периодах, обладающие при этом широтой знаний по всей истории искусства. В отделе есть две профессиональные художественные галереи, в которых представлены работы различных известных художников. Галереи предоставляют колледжу и сообществу Вентуры возможность увидеть искусство национального значения, студенты — возможность развить навыки управления галереей, а нетрадиционные студенты и ученики на протяжении всей жизни — возможность изучить свой интерес к искусству.

Творчество и учеба: сила художественного образования

Искусство так же важно, как и учеба, и в школьной программе к нему следует относиться соответственно. Это то, во что мы верим и практикуем в Школе искусств Нью-Мексико (NMSA). Хотя положительное влияние искусства на успеваемость само по себе имеет смысл, оно также является верхушкой айсберга, если смотреть на ребенка в целом. Изучение искусства выходит за рамки создания более успешных учеников. Мы считаем, что это делает людей более успешными.

NMSA построен на двойном художественном и академическом учебном плане. Наши учителя, ученики и члены их семей верят в то, что и искусство, и учеба одинаково важны. Наша цель — подготовить студентов к профессиональной карьере в области искусства, а также вооружить их навыками и знаниями, необходимыми для успешной учебы в колледже. Исходя из нашего личного опыта (и исследований), вот пять преимуществ художественного образования:

1. Мышление роста

Занимаясь искусством, учащиеся развивают такие навыки, как устойчивость, упорство и мышление роста, которые помогают им овладеть своим ремеслом, хорошо учиться и преуспеть в жизни после окончания школы.(См. Принятие неудачи: создание установки на рост с помощью искусства и Освоение самооценки: углубление самостоятельного обучения с помощью искусства. ) В идеале этот прогресс будет происходить естественным образом, но часто ему может помочь учитель. Установив четкие ожидания и цели для учащихся, а затем проведя корреляцию между проделанной работой и результатами, учащиеся могут начать менять свою мотивацию, что приведет к более здоровой и устойчивой учебной среде.

Чтобы учащиеся действительно росли и прогрессировали, должен наступить момент, когда внутренняя мотивация приходит в равновесие с внешней мотивацией.На ранних этапах изучения вида искусства учащиеся участвуют в деятельности, потому что это весело (внутренняя мотивация). Однако эта мотивация позволит им прогрессировать лишь до определенного предела, а затем их развитие начинает замедляться или даже останавливаться. На этом этапе опирайтесь на внешнюю мотивацию, чтобы продолжить рост ваших учеников. Это может принимать форму прослушиваний, тестов или других оценок. Подобно влиянию ранней внутренней мотивации, такая вовлеченность поможет вашим ученикам расти и прогрессировать. Хотя оба типа мотивации полезны и продуктивны, наиболее успешным является их гибрид. Ваши ученики будут учиться или практиковаться не только из-за внешнего вознаграждения, но и из-за самоудовлетворения или удовлетворения, которое это им дает.

2. Уверенность в себе

Несколько лет назад ко мне поступил студент, который не говорил. Когда ей задавали вопрос, она просто смотрела на меня. Ей нравилось быть в группе, но она не хотела играть. Я задавался вопросом, почему она решила присоединиться к какой-либо деятельности, отказываясь от нее на самом деле.Медленно, благодаря поддержке своих сверстников и меня, замечательный молодой человек вышел из-под своей неуверенности и начал играть. И по мере того, как она училась игре на инструменте, я наблюдал, как она превращалась не только в уверенную в себе девушку и состоявшегося музыканта, но и в студенческого лидера. Благодаря акту создания музыки она преодолела свою неуверенность и обрела свой голос и место в жизни.

3.

Улучшение познания

Исследование связывает изучение музыки с улучшением «вербальной памяти, точности произношения второго языка, способности к чтению и исполнительных функций» у молодежи (Frontiers in Neuroscience).Погружая учащихся в художественное образование, вы вовлекаете их в невероятно сложную и многогранную деятельность, которая сочетает в себе многие предметы (такие как математика, история, язык и естественные науки), но при этом уникально связана с культурой.

Например, чтобы учащийся мог играть в лад, он должен иметь научное представление о звуковых волнах и других принципах музыкальной акустики. Точно так же, чтобы учащийся вдохновенно исполнил Шекспира, он должен понимать социальные, культурные и исторические события того времени.Искусство ценно не только как самостоятельный предмет, но и как идеальная связь между и всеми предметами, а также отличная система доставки этих концепций. Вы можете увидеть это в корреляции между рисунком и геометрией, или между метром и тактовым размером и математическими понятиями, такими как дроби.

4. Связь

Можно возразить, что общение может быть самым важным аспектом существования. Наш мир построен на общении.Студенты изучают множество коммуникативных навыков, изучая искусство. В процессе самого пребывания в музыкальном ансамбле они должны научиться словесно, физически и эмоционально общаться со своими сверстниками, дирижером и публикой. Точно так же актерский состав должен не только передать аудитории произнесенное слово, но и более нематериальные эмоции, лежащие в основе сценария. Искусство — это способ выражения, который превращает мысли и эмоции в уникальную форму общения — само искусство.

5. Углубление культурного самопонимания

Хотя многие считают, что ценность художественного образования заключается в том, как оно влияет на обучение учащихся, я считаю, что изучение искусства само по себе является достойным занятием. Культура без искусства невозможна. Искусство лежит в основе нашей идентичности как людей. Я чувствую, что величайший подарок, который мы можем дать ученикам и человечеству, — это понимание, оценка и способность создавать искусство.