День: 04.06.2021

Сидней Бринк

Вам не терпелось в последнее время попробовать что-то новое? Библиотека комплектов Ignite снова открылась! Вы можете прийти и ознакомиться с нашими наборами, которые помогут дать толчок вашему творчеству.Я тоже хотел сделать что-то новое, поэтому взял наш набор масляной пастели, чтобы попробовать. Я не использовал масляную пастель с тех пор, как учился в старшей школе — да и то я прошел только ускоренный курс по ней! Сегодня я хочу попробовать свои силы в этом снова, и вы можете следовать за мной, пока мы (заново) откроем для себя масляную пастель!

Масляная пастель — это пигмент, воск и масло, смешанные вместе; они похожи на большие мягкие мелки, имитирующие масляную живопись. Их приятно использовать в качестве альтернативы рисованию, потому что они значительно дешевле, требуют меньше расходных материалов, более портативны и более снисходительны, чем другие носители.

Техника масляной пастели

Есть много разных техник, которые используются при рисовании пастелью — они описаны в книгах, входящих в наши наборы для изготовления, но вот мой краткий перечень необходимых:

• Стипплинг: Стипплинг — это техника, которая в основном означает «множество крошечных точек»! В пастели пунктирная линия часто используется для наложения множества цветов рядом друг с другом, так что, когда вы отступаете от картины, картина обманывает ваши глаза, смешивая цветные точки вместе. Подумайте о Жорже Сёра!
• Растушевка: это множество быстрых, легких, «перистых» мазков, которые вы наносите пастельным мелком.
• Scumbling: Эта техника нанесения цвета по кругу. Если вы «перемешаете» два цвета вместе, они получатся наложением, смешивая цвета вместе.
• Смешивание: вы можете смешать два цвета рядом друг с другом, используя бумажное полотенце, палец или лепешку.
• Штриховка: штриховка — это просто раскрашивание путем создания параллельных линий — использование края пастели для получения тонкой линии, использование верхней части для создания большой линии или изменение давления на страницу пастелью — все это может дать вам различные эффекты .
• Перекрестная штриховка: это просто термин для наслоения штриховки. Если вы проведете один набор линий вверх и вниз, следующий слой можно будет располагать бок о бок, чтобы создать более темный тон!

Я использовал все эти техники и пастельные тона из библиотеки набора Ignite, чтобы создать пейзаж, портрет и натюрморт. Я думаю, они оказались хорошими, несмотря на то, что я использую их впервые за долгое время! Любой желающий может спуститься в Ignite и быстро сделать из пастели шедевры.

Введение в технику рисования масляной пастелью

Не путать с мягкой пастелью мелом, масляная пастель состоит из качественных пигментов Artists, смешанных с небольшим количеством воска, который размягчается меньшим количеством масла. Палочки не меловые и не пудровые на ощупь, они не пылятся, что идеально подходит для людей с аллергией. Их не следует путать с масляными карандашами, которые представляют собой масляную краску в форме карандаша.

МАТЕРИАЛЫ

Масляная пастель

Когда вы начинаете любую новую среду, всегда ошибочно начинать с дешевых материалов, поэтому покупайте лучшее качество, которое вы можете себе позволить.Прелесть масляной пастели в том, что для начала не нужно слишком много цветов.

У каждой ведущей марки есть свои особенности, и за эти годы я остановился на двух марках: Sennelier и Caran d’Ache.

Хотя Sennelier производит более 100 цветов, покупка базового набора из 12 палочек займет у вас много времени. Продукты Sennelier имеют кремовую консистенцию и легко растушевываются.

Caran d’Ache производит ряд пастелей, которые в разной степени более твердые. Его серия Neopastel немного тверже, чем палочки Sennelier.Кроме того, он делает Neocolor I еще более жестким.

Масляная пастель никогда по-настоящему не высыхает, поэтому, нанесенная с помощью основных техник, она всегда будет обладать определенной технологичностью. По этой причине их необходимо защищать от повреждений либо обрамлением, либо специальными фиксаторами.

Поверхности

Масляная пастель предназначена для рисования практически на любой поверхности, хотя наиболее популярны фактурные грунты. Бумага и карта — обычные поверхности, но масляную пастель можно использовать на ткани, дереве, металле или стекле.Есть также бумага, специально сделанная для этого, в том числе масляная пастельная карта Сеннелье и бумага из США, называемая бумагой Уоллиса.

Я выбрал несколько поверхностей для нанесения пастели и буду использовать их в этой серии статей. Проводя пальцем по экрану, чтобы смешать цвета, обратите внимание на реакцию разных поверхностей. Часто, чем более гладкая и впитывающая поверхность, тем большее сопротивление она имеет растушевке. Кажется, что масляная пастель легче всего скользит по текстурированным и непористым поверхностям.

ТЕХНИКА

Существует множество способов нанесения масляной пастели. Здесь мы рассмотрим использование техник, которые могут быть прямой заменой мягкой пастели. Если бы я использовал мягкую пастель, моей первой задачей было бы удалить все обертки. Используя масляную пастель, я просто разламываю их пополам, оставляя обертку на одной стороне, так как продолжительное обращение может сделать их мягкими, что приведет к нежелательным сильным отложениям пигмента на бумаге. Есть несколько ключевых штрихов, которые можно использовать для создания картины.

Боковой ход затруднен, так как на поверхности может появиться липкое скопление пигмента. Не позволяйте пастели слишком нагреться в руке — вот ответ. Попробуйте держать их на плоском пакете со льдом.

Scribble использует кончик обернутой масляной пастели для более точного рисования или нанесения пигмента.

Рулон
Вы можете создать интересные края, раскатывая обернутую пастель пальцами.Результирующая линия довольно разнообразна и полезна для веточек, бликов и тому подобного.

Scumbling — это перетаскивание края пастели по предварительно обработанной текстурированной поверхности так, что происходит пропуск.

Лихорадка — это техника, применяемая в конце картины, когда я буквально протыкаю поверхность, чтобы нанести больше пигмента на бумагу.

Смешивание
Для постепенного перехода и гладкого цвета втирайте кончиками пальцев масляную пастель.Это требует немного больше усилий, чем мягкая пастель, а иногда и нужна тряпка.

Демонстрация — красный помидор

Чтобы показать базовую технику масляной пастели, я нарисовал этот простой помидор на листе кремовой бумаги Стоунхендж. Эта поверхность имеет очень маленький размер и легко покрывается несколькими слоями.

ВАМ ПОТРЕБУЕТСЯ:

Бумага:

• Стоунхендж, кремовый 8x8in. (21×21 см)

Neocolor I:

• Коричневый
• Неопастель
• Золотисто-желтый
• Оранжево-желтый
• Огненно-красный
• Кармин
• Голубовато-зеленый
• Изумрудно-зеленый
• Белый

Шаг 1

1.Нарисуйте форму плода коричневым цветом Neocolor I. Так как это твердая пастель, получаются красивые свободные линии.

2. Нанесите фон, используя стороны золотисто-желтого и оранжево-желтого цветов Neopastel.

Шаг 2

1. Добавьте фруктовую окраску с помощью огненно-красного и карминного цветов. Текстура бумаги уже помогает определить некоторые блики на фруктах.

2. Добавьте стебель голубовато-зеленым, изумрудно-зеленым и белым цветом.

Шаг 3

1. Потрите фон пальцем или тканью, затем нанесите еще одного цвета на поверхность.

2. Потрите края плода пальцами по изгибу помидора. Оставьте текстуру бумаги просвечивать в центре.

3. Проявите стебель, осторожно нанеся больше пигмента кончиком пастели.

4. Наконец, изобразите светлые участки белыми штрихами.

9 удивительных советов по использованию масляной пастели

— это такой универсальный и гибкий тип живописи, и эти удивительные советы по использованию масляной пастели, независимо от того, являетесь ли вы новичком или имеете большой опыт работы с масляной пастелью, дадут вам больше знаний о них. Мы также рассмотрим лучшие техники и советы по использованию масляной пастели, а также дадим вам идеи и советы по правильному использованию масляной пастели, способу достижения их уникальной красоты.

Какие самые простые, но эффективные советы по использованию масляной пастели для начинающих? Есть ли какие-нибудь эффективные техники рисования, в которых лучше всего использовать масляную пастель? Можно ли использовать эти советы по использованию масляной пастели для других типов пастели?

Удивительные советы по использованию масляных пастельных карандашей с

Если вы ищете лучшие и простые советы по использованию масляной пастели, мы дадим вам все, что вам нужно знать, с помощью этого богатого и яркого материала для рисования.Независимо от того, работаете ли вы с масляной пастелью впервые или нет, несомненно, эти простые советы по использованию масляной пастели — это то, чего стоит ожидать как пастелисту.

Эти советы по использованию масляной пастели идеально подходят для того, чтобы вы узнали прекрасные характеристики этого материала для рисования. Насыщенные и яркие цвета свежих эффектов лучше всего подойдут вам для начала.

Первое, что вам нужно знать, — это проявить терпение к себе и к среде рисования, с которой вы работаете. Как и любое другое средство рисования, вы не можете улучшить произведение искусства или сразу создать великолепное произведение искусства.Вы должны позволить себе расти и начинать с маленьких шагов на протяжении всего пути.

Всегда рекомендуется использовать краски и материалы самого высокого качества, даже если вы начинаете рисовать. Если вам не удалось купить все материалы, особенно пастельные карандаши или масляную пастель, то отправной точкой может стать использование масляных пастельных карандашей студенческого класса. Вы также можете приобрести несколько палочек масляной пастели художественного качества, чтобы увидеть разницу в материалах, которые используются для производства обоих видов масляной пастели.

Хотя вы можете растушевывать масляную пастель пальцами, это не повредит и у вас будет больше опыта, если вы попробуете работать с некоторыми полезными материалами. Вы даже можете попробовать поработать кистью или даже тканью, смешав цвета с вашей окрашиваемой поверхности, чтобы увидеть разницу.

Поскольку вы будете работать с масляной пастелью, которая имеет то же содержание пигментов, что и масляные краски, старайтесь работать и постоянно держать их в чистоте. Их насыщенные и яркие цвета действительно нравятся каждому художнику.Вы даже можете обернуть каждую палочку масляной пастели бумажным полотенцем, чтобы убедиться, что каждый цвет или палочка не смешается с другими палочками.

Обведите контуром изображение или объект, который вы хотели создать, масляной пастелью, поскольку это поможет вам понять, как это выглядит на поверхности картины, исходя из того, как вы хотели это сделать.

Не бойтесь экспериментировать с этим материалом для рисования. Есть разные способы и стили для начала. После того, как вы приобретете правильный опыт работы с этим средством для рисования, вы также можете начать работать с его смешиванием с другими типами красок.Поскольку масляная пастель имеет те же характеристики, что и масляные краски, вы можете постепенно смешивать их вместе, убедившись, что вы используете масляную краску перед масляной пастелью.

Масляная пастель звездочка отличается при использовании на большей поверхности холста для рисования, так как ей нужно работать с большими областями, а позже работать с деталями. Сначала узнайте, как вы можете работать с малярной службой нестандартного размера, прежде чем переходить к очень большим для каждого сеанса рисования.

Одно из преимуществ масляной пастели заключается в том, что ее можно использовать с различными поверхностями для рисования.Конечно, есть пастельная бумага, с которой можно работать, но вы не ограничиваете их только одной поверхностью для рисования. Существует широкий выбор поверхностей для рисования масляной пастелью, включая дерево, холст, тонированную бумагу и даже пастель.

Не будьте слишком строги к себе и делайте перерывы, когда вам нужно. Иногда у вас заканчиваются идеи по теме, над которой вы работаете, и можно оставить ее на некоторое время. Вы можете вернуться к своему проекту или работе, когда у вас ясный ум и свежие идеи текут.

Простые методы рисования масляной пастелью

Есть разные советы по использованию масляной пастели, особенно с правильной техникой рисования. Это правда, что как новичок вам может быть интересно, над каким первым шагом или первой техникой рисования нужно работать. Позже вы поймете, что эта техника рисования поможет вам не только изучить и понять характеристики ваших средств рисования, но даже создать желаемый стиль.

Масляная пастель — такой универсальный материал для рисования, с которым можно работать, растушевывая их руками или используя кисть. Вы даже можете нанести их на пастельную бумагу или любую другую поверхность, над которой хотите работать. Вы научились изучать это путем непрерывного воздействия и экспериментирования с этой живописной средой.

Ознакомьтесь с техникой рисования, с которой вы можете начать работать масляной пастелью.

Техника наслоения

Одной из самых первых техник рисования, над которыми можно работать масляной пастелью, является техника наслоения.В этой технике рисования можно работать практически с любыми материалами для рисования. Начните с использования первого цвета, которым вы хотите создать основу или подмалевок.

Вы также можете воспользоваться этой техникой рисования, поскольку она позволяет вам работать с разными цветами, смешивать и создавать новый цвет. Это дает вам доступ к получению разных цветов вместе. Попробуйте сначала поработать с основными цветами, а затем обратите внимание на другие цвета, которые вы можете создать с их помощью. Вы также можете смешивать или создавать разные оттенки для тонов одного цвета, изменяя его.Либо вы добавляете более темные цвета, либо более светлые цвета, чтобы получить разные оттенки одного конкретного цвета.

Техника штриховки

Палочки масляной пастели — один из лучших способов рисования в технике штриховки. Это простая техника рисования и рисования, позволяющая одновременно создавать параллельные линии на поверхности для печати. Либо вы делаете это в одном направлении, либо в другом, чтобы создать желаемую текстуру. Вы также можете изменить оттенки или тона цвета, которым вы будете обрабатывать тормозную поверхность, с помощью этой техники рисования.

Помимо работы с техникой штриховки, вы также можете использовать технику перекрестной штриховки. Это почти то же самое, что и техника штриховки, только добавление второго слоя красок для создания глубины и текстуры.

Если вы выполнили это свойство, вы также можете создать уникальный ритм для вашей живописной поверхности с помощью масляной пастели.

Техника росписи сграффито

Одна из самых популярных, но простых в создании техник живописи, особенно масляной пастелью.Уникальный следующий узор, который вы создаете, царапая верхний слой живописной поверхности, чтобы выявить цвет подмалевка. Это позволяет художнику создать цвет под краской по своему выбору, а затем, позже, создать уникальный узор поверх своей живописной поверхности.

Растопите масляную пастель

Одна из причин, по которой большинство художников предпочитало использовать пастель, — это их богатые и яркие цвета. Эти цвета можно в дальнейшем использовать на вашей окрашиваемой поверхности, особенно если вы работаете с мелкими деталями.Если вы хотите растопить или растворить масляную пастель, вы определенно сможете, добавив к ней разбавитель или скипидар.

Рекомендуется работать со скипидаром в хорошо проветриваемом помещении или помещении или даже на открытом воздухе.

Медиум, который будет «плясать и скакать» по поверхности | Акрил и масляная пастель

У меня два сына, которые выросли в одном доме, с одним отцом, с той же собакой, в одной школе… все. И все же, похоже, у них мало общего.Если один из них говорит, что ему нравится X, другому нравится Y. Они немного похожи на масло и воду.

Это подводит меня к технике смешанной живописи и использованию акрила и масляной пастели. Стейси Свайдер объясняет нам, что, поскольку акрил имеет водную основу, масло не кажется хорошим партнером, но вы можете быть приятно удивлены, если объедините их.

Техники рисования в смешанной технике: акрил и масляная пастель by Staci Swider

Я использую масляную пастель, чтобы добавить к своим картинам линии и всплески цвета.Каждый раз, когда я провожу семинар или рассказываю в галерее о своих произведениях искусства и методах, которыми я делюсь в своей книге Acrylic Expressions, , мне задают следующие вопросы: «Можно ли сочетать масляную пастель с акриловой краской?» «Нужно ли заклеивать картину, чтобы пастель не размазывалась?» «Неужели из-за масляной пастели надо ставить за стекло?» Вот мои мысли по этому поводу и то, как я обращаюсь с этими двумя, казалось бы, несопоставимыми художественными материалами, маслом и водой.

Во-первых, небольшая справочная информация.Пигменты акриловой краски суспендированы в воде. Мы называем акрил на водной основе, что означает, что он очищается водой с мылом, если вы не позволяете кистям высыхать с нанесенной на них краской. Масляная пастель состоит из пигментов, смешанных с маслом и восковым связующим, что делает их водостойкими. Если вы закрасите поверх масляной пастели, она будет сопротивляться краске и никогда полностью не высохнет. Помните уроки рисования в начальной школе и рисование акварелью вместо рисунков карандашом? Это все равно, что. Думайте о масляной пастели как о высококачественных мелках.Со временем они стабилизируются, но технически никогда полностью не высохнут.

Техника рисования смешанной техникой: Многие художники, работающие масляными красками, используют акрил для своих подмалеков, чтобы сократить время высыхания. Когда акриловая краска высохнет, они приступают к рисованию маслом. Конфликта нет, потому что масляной краске нужно высохнуть самостоятельно.

Позвольте мне немного пояснить, что я делаю на своих холстах, чтобы решить эту ситуацию с нефтью и водой.Я никогда не закрашиваю масляной пастелью; Применяю их в последнюю очередь. Я добавляю линию пастели в область по мере того, как картина развивается. Я очень стараюсь не закрасить эту линию, я просто закрашиваю ее с обеих сторон. Мне это нравится, потому что я получаю отличные цвета от подмалевка, который проходит по линии, и мне очень нравится глубина, которую это придает моим картинам.

«Но вы же сказали, что пастель никогда не высохнет. Как уберечь их от размазывания? Разве не безопаснее поставить картину за стеклом? » Если бы я использовал большее количество масляной пастели на своих картинах, то да, было бы безопаснее положить их за стекло.Но я использую пастель только на очень маленьких участках, пропорциональных остальной части моей большой картины. Линия здесь, небольшой цветной квадрат в полдюйма там. Я также стараюсь не использовать пастель слишком близко к краям моих холстов, где они будут подвержены обработке при перемещении картины.

Я должен добавить здесь, что не все масляные пастели созданы одинаковыми, и не все они будут рисовать на окрашенной поверхности одинаково. Некоторые из них сложнее других, и их не так легко оставить.Так почему я их использую? Потому что мне еще предстоит найти продукт на водной основе, который дал бы мне непрозрачность и визуальную текстуру, которые я получаю от масляной пастели. ~ Стейси

Как вы часто слышите от сотрудников Cloth Paper Scissors, экспериментирование является ключевым моментом. Возможно, вы обнаружите, что это одна из многих замечательных техник рисования в смешанной технике, которые можно добавить в свой репертуар. Стейси может научить вас еще большему с помощью набора Acrylic Painting Studio , который можно приобрести только через тканевые ножницы для бумаги . В коллекцию входят:

• Acrylic Expressions (книга)
• ЧЕТЫРЕ видео-семинара из серии «Студия акриловой живописи»: работа в серии, рисование негативного пространства, естественные композиции и использование личных изображений (DVD)
• Стартовый набор масляной пастели Sennelier из 12 пастелей

Если работа с акриловой и масляной пастелью для вас нова, попробуйте в следующий раз, когда захотите немного изменить ситуацию. Я думаю, вы обнаружите, что, хотя они очень отличаются друг от друга, как и мои мальчики, они будут работать вместе достаточно, чтобы вас приятно удивить.

До следующего раза,
Cherie

Техника масляной пастели — искусство и т. Д.

Примеры 6 и 7 — отличные примеры того, почему я создаю классную среду, в которой учащихся поощряют делиться идеями.

Прежде всего, студентов всегда придумывают большее разнообразие творческих идей для изображений и методов использования материалов, чем я когда-либо мог придумать сам.

Во-вторых, как видно из цифр 6 и 7, студенты имеют очень личные способы использования и применения материалов и инструментов (методов), и в среде, где они чувствуют себя в безопасности для изучения, студентов, как правило, выглядят совершенно иначе. , и чувство, произведения искусства.

В моем художественном классе студенты практикуются, используя образы их собственных наблюдений, воспоминаний и воображений .Иногда ученикам интересны и запоминаются образы из поп-культуры, видеоигр, книг и комиксов.

Пример: подводные дома под номерами 3 и 4. Эти студенты сидели в другом конце комнаты, и их попросили оставаться на своих местах в тот день, поэтому они не могли поделиться своей идеей, работая, как примеры студентов 6 и 7. Я думаю, они рисовали из аналогичного источника изображений — ананасового домика Губки Боба Квадратных штанов.

Я слышал, как учителя говорят, что им не нравится, что ученики используют популярные образы — возникают такие проблемы, как клише или несоответствие, и да, это может быть предметом сомнений.. . но в целом я приветствую эти изображения и прошу студентов поработать над ними, изменяя, комбинируя, добавляя изображения.

Введение

     Какая  это странная живопись — натюрморт: она заставляет любоваться копией  тех вещей, оригиналами которых  не любуешься. 

Паскаль.

Одним из видов изобразительного искусства является натюрморт — «мертвая природа», изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу.

Изучая данное направление в живописи можно отметить, что натюрморт является одним из основ в подготовке художника-живописца, собранная постановка, из определенных предметов объединенная в композицию имеющая определенный колорит, выполняется цветовая работа. Живописные работы выполняются в различных техниках с использование акварельных, гуашевых, масляных красок.

В данной курсовой работе мы постарались показать большие потенциальные возможности одного из самых выразительных жанров изобразительного искусства – натюрморта и его особенности выполнения масляными красками.

Актуальность темы состоит в том, что, несмотря на свою относительную молодость, натюрморт тесно связан с многовековой историей мировой художественной культуры. В натюрморте, как и в других жанрах изобразительного искусства, установились свои традиции, выработались свои каноны. И, тем не менее, в ряду жанровой иерархии он был всегда страдающим жанром. Ему мало уделяли внимания, его почти не исследовали, о нем упоминали обычно вскользь. Периоды расцвета натюрморта, как и его забвения, имели свои исторические предпосылки. Представленный стихии течения времени он никогда не прерывал своего существования и не мог не жить, потому что всегда был одной из тех естественных нитей, которые связывают художников-реалистов с природой, жизнью, их красотой. Каждый век выдвигал своих мастеров натюрморта, в их произведениях воплотились художественные идеалы времени, своеобразие и выразительность пластических средств, присущих как той или иной исторической эпохе, так и индивидуальности отдельных живописцев.

Натюрморт является лучшим средством изучения закономерностей формы, освещенности и цвета.

Анализируя различные произведения живописи русских художников, в искусствоведении затрагиваются чаще всего общие вопросы натюрморта в картине без разностороннего выделения функций и их граней; не рассматриваются функциональные назначения натюрморта в виде целостной совокупности.

Например, Виппер рассматривает появление элементов натюрморта в западноевропейской живописи и зарождение немецких и французских терминов «тихая жизнь» («stilleben») и «натюрморт» («natur morte»). Впоследствии многие искусствоведы, изучающие различные стороны функционирования натюрморта, будут опираться на исследование Виппера.

Тема натюрморта в картине затрагивалась в монографии С.М.Даниэля, но основное внимание было уделено натюрморту как произведению самостоятельного жанра.

В искусствоведческом труде Черлинка, натюрморт понимается в недостаточно развернутой совокупности его ролей в картине. По утверждению этого автора изображение вещей может считаться натюрмортом не во всех случаях, а только при соблюдении определенных условий. Перечисляя эти условия, автор выделяет первичную структуру организации вещей в картине. Черлинка считает, что изображение вещей в картинах других жанров — портрете, интерьере, сюжетной картине следует признать натюрмортом с большими оговорками, так как в этих случаях предметы организованы и изображены по законам соответствующего произведения, а не натюрморта. Придать изображаемому натюрморту естественность, жизненность не является его основной целью в картине.   Реальность натюрморта является всего лишь наиболее общим фоном в решении композиции всей картины. С мнением этого исследователя согласиться нельзя.

В сборнике трудов Болотиной уделяется внимание проблемам русского и советского натюрморта, где отмечается, что натюрморт в ряде случаев является ключом к картине, способствует постижению истинного содержания произведения живописи, ее художественного образа. Предметы натюрморта способны рассказывать не только о своей сущности, но также о жизни своих владельцев. Структура натюрморта, его постановка, выбор точки зрения, характер трактовки вещей — должны быть содержательными. Даже при внешней элементарной простоте натюрморта язык изображения должен быть глубок и неисчерпаем. Натюрморт в картине непосредственно связан с решением определенной изобразительной задачи.

Теоретические разработки И.Н.Филоновича, А.Т.Ягодовской, И.Н.Пружан и В.А.Пушкарева, Ю.Я.Герчука посвящены творчеству русских художников, работавших в жанре «натюрморт». В исследованиях уделяется больше внимание истории развития натюрморта как жанра, его роли и значения в русской живописи и в меньшей степени — функции натюрморта в картине. Например, исследование Герчука ориентировалось на изучение натюрморта, как самостоятельного произведения, с анализом его изображения в картинах других жанров живописи. Однако в приведенном анализе произведений живописи назначение натюрморта (его функции) в картине не рассматриваются.

В исследовании Ю.М.Лотмана натюрморт рассматривается с позиции семиотики. «Вещь» берется как знак, который воспринимается как нечто условное, созданное человеческой культурой. Натюрморт, по его мнению, располагается на пересечении нескольких различных семиотических процессов. Выделяются две типологии натюрморта. Во-первых, в натюрморте может проявляться стремление к полной «иллюзии вещности» (работы Ф.Толстого, Г.Теплова, А.Мордвинова), где художник задается целью внушить зрителю, что перед ним не изображение вещи, а сама вещь («обманки»). По словам автора, возникает «игра на грани, требующая изощренного семиотического чувства». Во-вторых — аллегорический натюрморт, изображения которого имеют определенные значения, закрепленные за ними культурной традицией. Такой натюрморт не смотрят, а читают. Помимо этого Лотман приводит сравнение изображения вещей в сюжетной картине и в натюрморте. В первом случае — «с ней играют», вещь не имеет самостоятельного значения, а подчиняется всему действию, а во втором — «она играет» и наделена собственным значением.

Материалами исследования послужили: наиболее значительные произведения русских художников XVIII — XX веков; русские и советские искусствоведческие исследования, посвященные истории развития натюрмортного жанра; искусствоведческие работы, посвященные русской живописи XVIII — XX векам; труды Б.Виппера, И.Болотиной, Г.Черлинка и Ю.Герчука, в которых широко освящены проблемы русского и советского натюрморта и их развитие.

Цель курсовой работы: изучить тематический натюрморт в живописи.

Задачи курсовой работы:

1. проанализировать  искусствоведческую, методическую литературу;
2. изучить историю становления натюрморта в живописи;
3. определить особенности и  средства выбранного жанра;
4. провести анализ учебной деятельности учащихся художественных школ.

Объектом исследования является натюрморт как жанр изобразительного искусства.

Предметом исследования являются возможности масляной техники живописи, способствующие созданию выразительного образа натюрморта.

Структура курсовой работы. Курсовая работа  состоит из введения, двух глав, заключения, списка использованных источников, приложения.

Во введении сформулированы цель и задачи работы.

Первая глава — теоретическая. В ней затронуты история развития жанра и выделены наиболее яркие художники, работавшие в жанре натюрморта.

Во второй главе исследованы особенности, пути и средства выполнения натюрморта. Описаны средства выполнения натюрморта: оборудование и материалы для масляной живописи.

1 НАТЮРМОРТ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ

1. 1 История развития и становления натюрморта в изобразительном искусстве

   Богат и значителен реалистический опыт, накопленный в жанре натюрморта, воздействующего на зрителя в результате ассоциативных чувств, представлений и мыслей, возникающих при восприятии правдиво изображенных предметов натуры. Достоверное изображение предметов, передача их красоты, неповторимых живописных качеств — основное условие создания полноценного художественного образа в этом жанре.

   Искусство натюрморта имеет свою историю  свои традиции. Оно знает периоды расцвета и периоды спада. Его  развитие тесно связано с общим поступательным движением изобразительного искусства. Большое влияние на него оказывали крупнейшие мастера живописи. Это влияние шло по линии общего воздействия на характер и стилевые особенности натюрморта. Так, близкие творческие контакты с П.Рубенсом наложили яркую печать на все творчество Снейдерса ф., определив, вместе с тем, и его стилевые особенности — сочную, декоративно подчеркнутую живопись. Снейдерса часто называют «Рубенсом в натюрморте».

   Искусство натюрморта как жанр возникло в Голландии в начале XVIII в. Знаменитые голландские натюрморты передают радость быта: рассматривая их, кажется, ощущаешь вкус реальных плодов, напитков. Художники изображали самые обычные вещи, но это было красиво и поэтично. Одни любили натюрморты скромные, другие писали на огромных холстах [1, с. 97].

   Наиболее распространенным и популярным натюрморт был в голландском искусстве на рубеже XVI – XVII в., где он достиг своего наивысшего расцвета в творчестве таких художников, как П.Клас, Г.Виллем, А.Бейерен, И.Фейт, произведения которых украшают многие крупнейшие музеи мира. Творчество этих мастеров развивалось под благотворительным влиянием искусства эпохи Возрождения.

   Методы и приемы изображения, разрабатываемые в жанре сюжетно-тематической картины, портрета, переносились в область натюрморта. Именно здесь вырабатывается основной тип натюрморта с четким трехплановым членением пространства, с ясно выраженным композиционным центром.

   По классической схеме построения центр композиции картины помещается на среднем плане; передний план заполняется дополнительными мелкими предметами, служащими вводом в изображение. Роль третьего плана выполняет фон, который надлежало писать в виде нейтрального пространства.

   Разрабатываемые в голландском искусстве художественные принципы во многом предопредели дальнейшее развитие натюрморта. Его основными качествами были: реализм, тонкость наблюдения жизни, умение подметить и передать эстетическую ценность.

   Для создания своих произведений художники избирали предметы, используемые в повседневном быту, однако составляли их с большим вкусом, стремясь достичь гармонии и изящества всей группы.

   Излюбленными мотивами изображения у голландских мастеров были «завтраки» с небольшим набором предметов. С большим мастерством и изяществом передавался материал предметов — стекло, металл, керамика. В проработке формы использовались приемы многослойной живописи — прописи, лессировки, позволяющие добиваться предметной убедительности изображения.

   Другой важной особенностью голландского натюрморта следует считать то, что художники сумели наполнить его смысловым содержанием. В любом натюрморте этих мастеров раскрывается неразрывная связь человека с окружающим миром. Во всем этом проявляется здоровое оптимистическое восприятие жизни, искреннее желание показать, как щедра природа, как трудолюбив и талантлив человек.

   Наиболее полно это радостное ощущение жизни проявилось в творчестве Ф. Снейдерса. Он пишет большие монументальные полотна, предназначенные для парадных дворцовых помещений. Широко известны его картины «Рыбная», «Фруктовая», «Овощная». Строгая продуманность композиции в работах художника сочетается с декоративностью живописи, насыщенностью колорита. Это уже не скромные «завтраки», которые пишут А.Бейерен или П.Класс, а произведения, созданные воображением и фантазией художника. Так же, как и в других картинах голландских художников, в натюрмортах Снейдера большое внимание уделено проработке рисунка и передаче материальности предмета. Однако при тщательности проработки формы он не утрачивает цельность художественного образа. До сих пор натюрморты Снейдерса радуют нас реалистичным изображением[2, с. 55].

   В XVII в. Складываются главные черты натюрмортного жанра. В нем работают такие видные мастера живописи, как Рембрант, Сурбаран, Переда. Всех их объединяет общее стремление — показать гармонию мира вещей, окружающих человека, красоту их форм и материала. Сформулированные в практической деятельности художников задачи искусства натюрморта существовали и в дальнейшем, но решение их не повторяло прошлого опыта, а  осуществлялось новыми средствами в соответствии с новыми требованиями времени.

   Значительный вклад в развитие натюрморта внес французский художник XVII в Ж.-Б. Шарден, вошедший в историю мировой живописи как мастер бытовой жанровой картины. Свои натюрморты он пишет с предметов скромного домашнего обихода, привнося в них большую одухотворенность и простоту композиции. Замечательными образцами этого типа натюрморта являются «Медный бак», « Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином».

Простота и классическая ясность композиции отличает и натюрморты, объединенные под общим названием «Атрибуты искусства». Характерным для живописи Шардена является совершенство и разнообразие приемов, используемых для передачи материала предметов в их неразрывной связи со световоздушной средой. Развивая принципы реалистического искусства, Шарден вместе с тонким  колористическим видением натуры внес  в натюрморт и ту особую одухотворенность, которая составляет отличительную особенность искусства этого мастера[8, с. 33].

   Но не всегда и не у всех художников задача раскрытия социального содержания жизни посредством «говорящих вещей» была главной в создании произведения. Менялись вкусы, эстетические представления, менялось и отношение  к окружающей действительности. Художники стали подмечать в окружающей жизни иные качества материального мира. Важной проблемой становится среда, в которой находится предмет, передача света, воздуха, образа природы.

   Начиная с середины XIX в. Сильное влияние на судьбы искусства стал оказывать импрессионизм. Старым академическим традициям, которые к этому времени выродились в крайне условные формы салонного искусства, импрессионисты противопоставили свое понимание живописи. К. Моне, А.Сислей и другие художники обратились в своем творчестве непосредственно к работе над природными мотивами, ставили и решали проблему создания живописного изображения спектрально-чистым красками. Их главной заботой было воспроизведение на картине быстро меняющегося состояния природы; сам же предмет изображения с его объективными свойствами утратил былое значение, как бы растворился в световоздушной среде.

   Живописная система импрессионизма, получившая наиболее полное развитие в пейзаже, неизбежно затрагивала и область натюрморта. И здесь художники, увлеченные идеей цвета и света, стремились передать не сами свойства предмета, а мимолетную игру световых и цветовых пятен на его поверхности. Этим объясняется резкое снижение интереса к содержательной стороне искусства, к объективной оценке действительности.

   Надо отметить, безусловно, положительную роль, которую сыграл импрессионизм в искусстве. За счет обогащения цветовой палитры художники значительно расширили свои живописные возможности, активно используя в создании художественного произведения цвет, его изобразительные и психологические свойства.

   Однако развитие жанра натюрморта следует видеть не в русле общего движения импрессионизма, а скорее на пути преодоления его узких мест, связанных, в частности, с разрушением объемной формы. Известной реакцией на разрушение формы импрессионистами явилось искусство П.Сезанна, много работавшего как в области пейзажа, так и в области натюрморта.

   Испытав в начале пути сильное влияние импрессионистов, Сезанн пришел к логическому отрицанию их метода. В создаваемых им многочисленных натюрмортах зрелого периода, он стремился найти пути и средства передачи объективных свойств, предмета – объема, материала, цветовой устойчивости в его характеристике.

   Для решения поставленных задач художник использует в основном выразительные возможности цвета, главным образом закон цветовых контрастов.

   П. Сезанн:

   «Не существует линий, не существует светотени, существуют лишь контрасты красок. Лепка предметов вытекает из верного соотношения тонов» [2,с. 351].

   Метод Сезанна основан на точном определении планов. Составляющих конструкцию объема, где каждый цвет-мазок должен выражать изгиб, поворот формы в соответствии с количеством полученных световых лучей. В таком аналитическом подходе к изображению натуры состоит главная положительная особенность живописи художника. Несмотря на его рационализм в создании живописной формы, стремление к передаче пластики объема предмета, его материальной сущности остается главным мотивом в работе над натюрмортом. В лучших своих произведениях мастер обнаруживает глубокое понимание задач реалистического искусства, достигая вершин живописного мастерства.

   Другую ветвь французского натюрморта, резко расходившуюся как с методом импрессионистов, так и с творческими устремлениями Сезанна представляет искусство А.Матисса. Основу его составляет декоративно-плоскостное видение художника. Натюрморт воспринимается им как система плоских цветовых пятен, где предметы как бы проецируясь на плоскость, обозначаются четко очерченными силуэтами. Если Сезанн  использует цвет в целях построения объема на плоскости, то Матисс, напротив, решительно отказывается от изображения объема. Разрушение объема сопровождается нарочитой деформацией рисунка. Живописные интересы Матисса не шли дальше нарядно оформленной композиции.

   В конце XIX в начале XX в. художественная культура Западной Европы, а вслед за ней и России сделала резкий крен в сторону субъективных поисков в области формальных средств живописи. Крайним выражением этих устремлений был такие направления как кубизм, фовизм, супрематизм. 

   К жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических направлений. Они экспериментируют с формой, цветом и пространством, увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморт выполняется и в строгой реалистической манере, и в декоративной, и в манере кубизма[1, с. 15].

   Изображение прекрасного мира вещей увлекало многих художников. В русском искусстве П.Кончаловский, И.Машков, Р.Фальк, К.Петров – Водкин, Ю.Пименов и другие создали великолепные натюрморты, раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его мысли и чувства. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на картине, и, кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент.

   Например, на картине Ю.Пименова «Ожидание» (1959г.) изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на оконном стекле подчеркивают тоскливость ожидания.

   В ином типе натюрморта вещи говорят, прежде всего, о себе, предлагают полюбоваться красотой их форм, цвета, фактуры. Например, полотно И.Машкова «Снедь московская. Хлебы» словно передает аромат свежеиспеченного хлеба. Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние приметы жизни определенной исторической эпохи.

   В сложном процессе поисков «нового» плодотворным было то, что наряду с бесплодным экспериментаторством в сферу поисков новых средств живописи вовлекались здоровые творческие силы. Наиболее творческие, талантливые из них, отдав дань формальным экспериментам, становились на твердую почву реализма и создавали яркие по содержанию и форме художественные произведения. На этой почве выросло, развилось замечательное искусство натюрморта в России, лучшими представителями которого были К.Коровин, И.Грабарь, а также художники, упомянутые выше.

   Имена К.Коровина, И.Грабаря часто упоминаются, когда говорят о русской ветви французского импрессионизма. Живопись Коровина во всем ее объеме — пейзаж, портрет, натюрморт несет в себе живое, непосредственное чувство общения с натурой. Цвет в его работах чрезвычайно подвижный, живо передает состояние натуры. Налицо все черты пленэровской живописи с ее изменчивым, сложным переливом тончайших полутонов. Однако в его искусстве есть нечто, что позволяет говорить об углублении реалистической линии в русской живописи. Об этом свидетельствуют его работы: «Розы и фиалки», «Гвоздики и фиалки в белой вазе».

   Вдохновляющим началом творчества Коровина всегда оставалась натура во всем богатстве ее проявлений. Темами его натюрмортов служат природные формы: цветы, фрукты, овощи, рыба, все, что несет в себе живое дыхание жизни. Он пишет их в различной обстановке и каждый раз обнаруживает удивительно цельное, оптимистическое восприятие мира. Ему свойствен редкий дар, извлекать из палитры такие сочетания цветовых оттенков, которыми он мастерски передает красоту и нежность хрупких цветов, сложные состояния освещения. При этом показываемые им предметы не утрачивают своей материальной конкретности: рисунка, контура, объема.

   Развивая по существу принципы пленэрной живописи, предложенные импрессионистами, Коровин оставался вполне самостоятельным в оценке природной формы: движение цвета в среде строило изображение предмета.

Отметим и другую важную черту искусства Коровина – его стремление к картинному видению. Натюрмортам этого мастера присуща строгость, продуманность композиции. Всегда в натюрморте имеется центр композиции, через который мы воспринимаем все богатство живописной среды.

   Такое же стремление преодолеть ограниченность метода импрессионистов характерно для работ И.Грабаря. В своих лучших работах, созданных в 1905 – 1907г., он развивает идею материальности предметного мира. К числу этих работ принадлежат «Хризантемы», «Неприбранный стол» [5, с. 63].

Значительная роль в расширении возможностей натюрморта принадлежит художникам, входившим в объединение «Бубновый валет»- И.Машкову, П.Кончаловскому, А.Лентулову, А.Куприну. Пройдя сложный путь поисков в области живописной формы, они пришли в советское искусство сложившимися мастерами. Их творческие устремления были направлены на то, чтобы активно участвовать в строительстве новой жизни. Революция открыла перед ними широкие возможности, дала живой, идейный материал для воплощения в искусстве. Ряд натюрмортов, написанных в этот период, свидетельствуют о формировании нового содержания в натюрмортах. Тема строительства социализма прочно входит в искусство. Так, в натюрморте «Селедка», написанного Петровым – Водкиным в 1919г., наметилась главная линия творчества художника: правдиво, без прикрас, рассказать о событиях современной жизни суровым языком правды.

   В том же 1919г. И.Машков пишет «Натюрморт с самоваром»- своеобразный образ-представление, навеянный революционными преобразованиями в стране. Художник стремится найти эстетическую ценность в предметах индустриального общества.

   Проходит время, положение в стране стабилизируется. Люди охвачены трудовым порывом, оптимизмом. Переживают подъем и художники. И.Машков пишет в это время свои лучшие натюрморты: «Снедь московская. Хлебы», «Снедь московская. Мясо, дичь» и другие, в которых стремится выразить все привлекательные стороны продуктов, по которым истосковались люди.

   В натюрмортах 20-30г. Проявились лучшие черты таланта Машкова: реализм изобразительного языка, полнота выражения темы, чуткость наблюдения современной жизни.

   Таким же цельным, заинтересованным отношением к миру окружающей действительности отмечено творчество П.Кончаловского. В довольно большом наследии встречаются  натюрморты небольших размеров, «Зеленая рюмка», и большие монументальные полотна, «Натюрморт с окном».

   В творчестве советских художников старшего поколения натюрморт обрел черты самостоятельного жанра, который и по содержанию, и по художественной форме занял равноправное со всеми другими жанрами положение в искусстве. Натюрморт встал вровень с сюжетной картиной, где поднимались темы большого идейного содержания.

   В последующем развитии натюрморт значительно пополнился новыми темами, интересными стилевыми особенностями. В нем находят отражение характерные черты современной жизни, достижения науки и техники. Стремление полнее выразить тему заставляет художников создавать циклы живописных работ, например, Ю.Пименов — серии полотен «Вещи каждого дня», «Вещи людей», «Старые и новые вещи».

   В последние десятилетия в жанре натюрморта начинают работать многие молодые художники. Всероссийская выставка «Натюрморт» 1975г. Показала не только массовость жанра, но и широкий охват тем. Не порывая связи с современной действительностью, художники обращаются к опыту истории искусства, внимательно изучают смежные жанры. Другим источником является изучение произведений народного творчества, изучение опыта предшествующих поколений.

   В течение долгого времени развивался натюрморт как жанр изобразительного искусства. Не всегда он сопутствовал общему ходу развития изоискусства. Натюрморт переживал подъемы, а иногда совсем сходил со сцены. К настоящему времени у натюрморта как вида изоискусства сформировались свои характерные черты и особенности.

1. 2 Особенности натюрморта как вида изобразительного искусства

   В изобразительном искусстве натюрморт – (от франц.)  nature morte – «мертвая природа» принято называть изображение неодушевленных предметов,  объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельно значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины или портрета.

   В зависимости от задач, которые решает художник, меняется роль и место натюрморта в композиции [12, с. 47].

   Воздействие натюрморта на зрителя происходит по линии ассоциативных представлений и мыслей, возникающих при рассмотрении изобразительных предметов.

   Таким образом, объединенные доступными средствами композиции вещи слагаются в изображении, в эмоционально насыщенный образ.

   Художники, обращаются к натюрмортам как к средству характеристики создаваемого образа и при работе над портретом. В сюжетно — тематических картинах натюрморт имеет хотя и важное, но все же подчиненное значение.

Как самостоятельный жанр  искусства натюрморт обладает большими изобразительными воздействиями. В нем показывается не только внешняя материальная сущность предметов. Вместе с конкретным  изображением вещей в натюрморте в образной форме могут быть переданы существенные стороны жизни, отражаться эпоха, важные исторические события.

   В лучших своих проявлениях он становится действенным средством идейного и эстетического восприятия людей, формируя их вкусы, понятия, представления[10, с. 41].

   Другое назначение натюрморта – служить своеобразной творческой лабораторией, где художник ставит и решает различные профессиональные задачи, совершенствует мастерство[17, с. 25].

   Своеобразие работы над натюрмортом состоит в том, что его сложно ставить и писать в различных условиях; в помещении при дневном и искусственном освещении, на открытом воздухе.

   В отличие от творческого натюрморта, учебная постановка имеет узкую строго направленную цель, способствовать активизации познавательной деятельности.

   Как правило, безразличное отношение к материальному, отрицательно сказывается не только на конечном результате, но и на ходе ведения рисунка. Необходимо, приступая к работе, знать не только изображение, но и технические возможности различных материалов.

   Бумага. Согласно ГОСТУ бумага в зависимости от ее целевого назначения разделяется на классы и группы. Бумага ватман, полуватман, рисовальная и чертежно-рисовальная, каждая характеризуется определенной плотностью и фактурой верхнего слоя.

   Белая бумага важна для акварельной живописи, для выполнения рисунков углем или сангиной можно использовать самую различную бумагу. Цветную бумагу можно подготовить и самому.

   Выбор различных графических материалов в работе над рисунком натюрморта должен быть обусловлен как степенью подготовленности рисовальщика, так и учебно-творческими задачами, решаемыми в конкретной натурной постановке.

   Из всех графических изобразительных материалов карандаш позволяет тщательно прорабатывать как крупные, так и мелкие формы.

   На начальной стадии обучения приемлемым является графический карандаш. Он хорошо ложится, держится и удаляется резинкой, что важно при исправлении ошибок. Существуют карандаши различной степени твердости и мягкости (твердый, мягкий, средний).

   Для карандаша наиболее приемлемой является техника работы штрихом, которая заключается в обработке формы сравнительно короткими линиями различной толщины и силы тона.

   Выразительность штриха, его возможности зависят от приема работы карандашом.

   Немаловажные значения при работе карандашом имеет резинка. Хорошее качество резинки определяется ее мягкостью.

   Среди всех рисовальных материалов обожженный древесный уголь является наиболее подвижным и выразительным материалом. Он позволяет быстро устанавливать в рисунке основные тональные отношения. Уголь также обладает достаточно большим тональным масштабом, что дает возможность добиваться в рисунке не только светотеневых нюансов, но и передавать воздействующую среду, материальность предметов, их живописные качества. Данным материалом можно наметить абрис предметов.

   Следующий этап — установление в рисунке больших тональных отношений. Снятие угля с бумаги и проработку света ведут размятым мякишем белого хлеба. Также применяется прессованный уголь, который дает более густой, бархатистого оттенка, тон.

   Соус изготовляется в виде цилиндрических палочек, спрессованных из древесной сажи с добавлением растительного клея или глины. Рисовать соусом можно двумя способами. При « сухом» способе рисунок выполняется порошком натертого соуса растушевкой. Сила тона темных мест достигается путем повторной прокладки соуса.

   «Мокрый» способ заключается в следующем: натертый порошок соуса разводится водой до необходимой консистенции. Вначале раствором средней насыщенности  кистью покрываются собственные и падающие тени. Затем слабым раствором покрываются большие части формы и окружающая среда. Затем приступают к детальной проработке предмета. Таким образом, способ работы «мокрым» соусом по-своему близок к технике работы акварелью (гризайль). Работать соусом можно и комбинированным способом.

Сангина – материал минерального происхождения. Искусственная сангина изготавливается из порошка окиси железа и специальной глины. Техника работы сангиной близка к работе прессованным углем. При выполнении рисунков натюрморта принято работать комбинированным способом, сочетая ее с прессованным углем, «сухим» соусом.

 Необходимо знать композиционные основы построения рисунка натюрморта. Формат является неотъемлемой частью композиционного решения, каждая натурная постановка требует определенного формата.

Важное место в композиционном решении рисунка натюрморта занимает величина изображения группы предметов в целом по отношению к плоскости выбранного формата. При решении этой важной задачи должно быть активное отношение не только к изображаемым предметам, но и к среде.

В основу изучения рисунка натюрморта должен быть положен принцип систематичности и последовательности обучения. Ребят нужно подготавливать к сложным натюрмортам. Базой для решения подобных типов натюрмортов должны быть простые постановки. Каждая натурная постановка заключает в себе конкретные целевые установки. Такой подход к выбору и содержанию натюрморта как задания обеспечивает активность в процессе работы. Руководствуются принципом рисования от простого к сложному.

Различают следующие типы натюрмортных постановок:

1. Постановка из гипсовых  геометрических тел. Как правило, из одного — двух предметов.

2. Натюрморты из предметов  быта, близких по форме к геометрическим  телам. Служит закреплением знаний  по изучению конструктивного  строения форм и решения объема  средствами светотени. Выбирают  предметы быта нейтрального цвета  с четко выраженной формой.

3. Постановки из предметов  быта различной формы, цвета  и  материальности. Первые постановки  следует составлять из одного  – двух предметов. Чтобы была  возможность сосредоточить внимание на главном, не следует впервые постановки включать предметы с большим количеством мелких деталей: фон должен быть простым.

4. Натюрморт в интерьере. Изображение натюрморта с частью  интерьера ставит проблему решения глубинного пространства.

Процесс рисования – сложный комплекс мыслительной и практической деятельности. Зрительное восприятие натуры, как правило, является целостным. При выполнении рисунка натюрморта количество этапов определяется сложностью натюрмортной постановки, однако основными этапами принято считать:

1. композиционное размещение изображения всей группы и отдельных предметов на плоски листа;
2. конструктивное решение формы предметов с учетом их пространственного положения;
3. светотеневое решение большой формы и установление основных тональных отношений;
4. детальная проработка фона тоном;
5. обобщающий этап работы нал завершением рисунка.

В основу первого этапа должен быть положен наиболее удачный предварительный эскиз. Определяется месторасположение изображения на листе, установление основных пропорций величин.

Второй этап начинается с конструктивного построения отдельных предметов, уточнение пропорций и характер форм. После построения больших форм переходит к работе над более мелкими деталями.

Третий этап связан с выявлением большой формы при помощи светотени, установление основных тональных отношений между предметами, фоном. Этому этапу уделяется самое серьезное внимание.

Четвертый этап связан с тщательной проработкой формы каждого предмета, выявление светотеневых оттенков.

Пятый этап должен быть направлен на установление целостности изображения.

Натюрморт может выполняться наряду с графическими материалами, также и живописными.

Реалистическое изображение не является зеркальным отражением природы. Цель его – создание художественного образа, верно передающего смысл и содержание явления природы и жизни. Живопись, как и рисунок, базируется на строго определенных закономерностях построения реалистической формы. Обучение живописи – путь изучения способов, приемов и средств построения живописной формы цвета. К факторам, влияющим на изменение цвета, относятся световоздушная среда, цветовое окружение, источники освещения.

Нужно развивать способность видеть предметы в окружающей среде, смотреть на натюрморт как на гармоническую группу предметов, имеющие рефлексные и пространственные связи. Единственный метод, позволяющий успешно создавать зрительный образ натуры – это метод отношений. Процесс развития зрительного восприятия идет параллельно с накоплением знаний и умений.

Цвета подразделяются на ахроматические цвета (белые и черные). Они различаются по светлоте. Все цветные краски называются хроматическими. Цвета могут быть либо теплыми, либо холодными. Также при работе с натюрмортом мы сталкиваемся с явлением – контраст. Всякий ахроматический цвет в окружении более темного светлеет, в окружении более светлого темнеет. Это светлотный контраст. Изменение цветового тона в зависимости от рядом находящегося цвета называется цветовым контрастом[20, с. 37].

Цветовой тон – это признак цветности, по которому один цвет отличается от другого. Светлота – отличие по светлоте, насыщенность – степень выраженности того или иного цветового тона. Полутон – промежуточная часть формы между светом и тенью.

Работа над натюрмортом выполняется различными живописными материалами. Одним из таких материалов является акварель.

Акварельная живопись: акварель – водяные краски, от французского aguarell, от латинского agua – вода. Бывает твердая – в плитках, полумягкая в чашечках, мягкая – в тюбиках. Основное свойство акварели – прозрачность красящегося слоя. Это свойство следует учитывать и при наложении одного цвета на другой[9, с. 49].

В акварели используется два способа работы:

Лессировка – наложение одного прозрачного слоя краски на другой, при этом первый слой просушивается.

Алла прима – все цвета берутся сразу нужной силы, каждая цветовая деталь начинается и заканчивается в один прием. Также называется «работа по сырому».

Высветление насыщенного тона  происходит путем разбавления акварели водой. Живопись акварели построена на том техническом приеме, что сначала на бумагу наносят светлые тона красок, оставляя блики не закрытыми, затем постепенно вводят насыщенные цвета.

Следующим живописным материалом является гуашь – французское слово gouache – непрозрачные акварельные краски. Гуашь по технологии производства близка к мягким сортам акварели, а отличается от нее непрозрачностью. Обладает хорошим кроющим свойством. Благодаря этому можно наносить один цвет на другой. Высветление цвета достигается путем добавления белил. Получение производных цветов осуществляется предварительным смешиванием красок на палитре. После высыхания гуашевые краски светлеют. Знакомство с техникой гуаши следует начинать с натюрморта, в котором ясно намечены цветовые отношения.

Существуют различные виды натюрмортов:

2. натюрморт из гипсовых геометрических тел;
3. натюрморт из предметов быта, простых по форме;
4. натюрморт из предметов быта, простых по форме в цвете;
5. натюрморт из предметов, близких по цвету;
6. натюрморт из предметов контрастных по цвету;
7. натюрморт из темных предметов;
8. натюрморт из белых предметов;
9. натюрморт в интерьере;
10. натюрморт на пленэре.

Таким образом, натюрморт как вид изобразительного искусства имеет свои особенности. В обучении искусству натюрморта, для более доступного, систематичного понимания этого вопроса, необходимо применять специальные методы и приемы обучения, которые разрабатывались многими педагогами ранее, и развиваются и обновляются и в настоящее время.

2 ТЕХНОЛОГИЯ ВЫПОЛНЕНИЯ НАТЮРМОРТА

2.1 Методика выполнения натюрморта  масляными красками

Прежде чем, приступить к живописи натюрморта маслеными красками, необходимо познакомиться с материалами работы, изучить технологию живописи. Кроме того, необходимы практические умения и знания. Так, нужно знать, как делается подрамник, как составлять грунт, как грунтуется холст и картон. Необходимы и другие специальные знания, которые приобретаются в процессе практической работы.

К сожалению, не всегда отдается отчет в том, насколько важно работать на хорошем материале. Широко распространенным недостатком является небрежно отношение к палитре и кистям.

Рассмотрим основные материалы масленой живописи.

Основой масленой живописи служат холст, картон, фанера. В последние годы используют различные современные материалы, например, оргалит.

Все перечисленные материалы для работы на них маслеными красками требуют специальных покрытий, называемых грунтами. Грунт служит как бы посредником между краской и основой; он позволяет свободно положить краску на холст, препятствует проникновению в холст или картон масла. Масла, оказывающего разрушающее действие.

Наиболее распространенной основой является холст. Для масленой живописи используется льняная ткань с ровным плетением. Сорта: крупнозернистый (пастозная живопись), среднего зерна, мелкозернистый (тонкая живопись и этюды).

Холст натягивается на подрамник. Подрамник делается из сухого выдержанного дерева. Все четыре стороны его должны иметь скос во внутрь. Натяжка холста должна отвечать следующим требованиям: она должна быть достаточно сильной, расположение нити должно быть строго параллельна граням подрамника. Затем, начиная с середины одной из сторон, забивают несколько гвоздей, оттягивают холст в ту и другую сторону. Затем так же с других сторон. Завершающим этапом натяжки является подгибание холста на углах, где не допускаются складки.

Грунт бывает различных видов: клеевой, эмульсионный, масленый, полумасленый. Клеевой грунт является самым простым по изготовлению и не требует длительной сушки. Кисть должна ровно наносить грунт на поверхность холста параллельными движениями по направлению нитей основы. Грунтуют сначала в одном направлении, затем в противоположном. Поверхность шлифуется.

Разбавителями для масленой живописи являются различные лаки – капаловый, мастичный, кедровый, а также масло льняное, скипидары. Лучшим из них можно считать пинен, приготовленный из очищенной нефти. Хорошим разбавителем считается так называемый тройник, составленный из двух частей лака, одной части масла, трех частей растворителя.

При работе красками, художник пользуется кистями, палитрой, масленкой, мастихином.

Кисти в масленой живописи употребляются преимущественно щетинные (плоские и круглые) разных размеров. Для проработки мелких деталей пользуются колонковыми кистями, а также плоскими или круглыми средних и малых размеров. После каждого сеанса кисть надо тщательно мыть водой, а затем завертывать в бумагу.

Палитра всегда должна быть чистой. Краски на ней располагаются по краям в строго определенном порядке (от светлого к темному, по принципу теплых и холодных). После каждого сеанса следует чистить палитру мастихином, т.е. удалять ненужные смеси, а рабочее поле протирать тряпкой.

Масленка также требует чистки.

Следует помнить, что успех в живописи во многом зависит от состояния материалов.

Этюдник нужен художнику не только для того, чтобы размещать в нем материалы, он служит и своеобразным мольбертом. Для этой цели к нему приделаны выдвижные ножки подставки.

Работа над живописью маслеными красками требует строгой методической последовательности. Структурную основу изображения натюрморта маслом составляет рисунок, поэтому, после нахождения композиционного решения группы предметов в предварительных эскизах и исполнения этюда с натуры, следует сделать грамотный рисунок на холсте.

Рисунок под живопись маслом может быть выполнен разными материалами: углем, мягким графитом, кистью и разбавленной масленой краской. Окончательный рисунок можно обвести тушью. При достаточно уверенном владении рисунком можно рекомендовать делать его кистью, выбрав для этого прозрачную краску, а жидкой и цветной краской могут быть прописаны теневые части натюрморта, падающие тени, а также намеченные основные отношения между предметами, т.е. делается подмалевок.

Подмалевок делают обязательно с теневых и темных мест жидкой краской, это придает все работе энергичный насыщенный цвет, позволяющий также энергично и цветно писать полутон и освещенные части. На стадии подмалевка следует раскрыть основные цветовые отношения. Письмо должно быть свободным, энергичным с использованием широких кистей.

Построение живописного изображения может осуществляться различными техническими приемами. Старые мастера предпочитали пользоваться прописями. После жидкого подмалевка производилась энергичная, с использованием белил, пропись световых частей и полутона. Часто применялся тонированный грунт. Света писались корпусными маслами, четко строящими форму. Далее краски должны просохнуть. Затем работу завершали лессировками. В учебных условиях этот прием недостаточно удобен. Иногда рекомендуют пользоваться подчистками, т.е. перед сеансом соскабливать непросохшую краску  мастихином.

Исполняя натюрморт, необходимо очень внимательно следить за поверхностью тоновых различий между отдельными частями: фоном, предметами, за изменением цвета по форме.

Метод сравнения является основой для поиска цветовых отношений. Писать надо раздельными мазками так, чтобы каждый мазок составлял гармоничный переход, соответствующих изгибу формы и освещению, должен быть крупным или мелким, пастозными или лессировочным.

Работа должна вестись во всех частях этюда равномерно, прокладывая свет в одном месте надо сразу же проложить свет в другом участке, сравнить их между собой. Чтобы добиться верного тона, следует изменить или более верно написать окружение. Выделение светлого пятна требует темного окружения. Проработка деталей – наиболее ответственный этап работы с натурой.

Задачей учебной живописи является развитие способности видеть натуру во всем ее многообразии и богатстве форм и красок. Надо учиться умению передавать это многообразие, создавать конкретный образ, обогащенный характерными деталями. Вместе с развитием зрительных восприятий необходимо овладевать методикой выполнения живописного произведения, соблюдать последовательность, что обеспечит профессиональный порядок освоения техники живописи, создаст условия для успешного завершения работы.

На завершающей стадии изображение приводится к целостному виду. Здесь уместны и лессировки, и пастозный мазок. В завершающей стадии необходимо сосредоточиваться на изображении, натура теперь нужна как справка, по которой проверяют верность цветового решения.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

   Проблема цвета всегда была и остаётся актуальной для живописца и дизайнера, ткача и архитектора — для всех, кто, так или иначе, использует цвет в своей профессиональной деятельности. Основы понимания цвета как художественного средства должны закладываться на школьной скамье, так же как и основы владения, рисунком и живописью. Но, хотя наука о цвете для художников и существует, она практически недоступна учащимся, так как рассеяна по десяткам и сотням источникам.

   На примере данной курсовой работы мы постарались показать важность цветового решения в практической работе. Именно натюрморт, на наш взгляд, способен эмоционально воздействовать на зрителей локальными цветовыми пятнами, без излишних уточнений и конкретизации деталей. Мы пришли к выводу, что искусство правильно использовать цвет и формы предметов, окружающих нас в натюрморте могут решать множество задач. Например: выделить главный элемент; связать все элементы воедино; уравновесить структуру или, наоборот, разрушить равновесие; разделить пространство на зоны или участки; указать направление движения; выявить собственный ритм  структуры и многое другое. Кроме того, цвет может выступать  в роли носителя информации, причём такой информации, которая воспринимается мгновенно, без всяких усилий и на большом расстоянии.

   Всё это невозможно без исследования теоретических основ  и практической возможности выполнения натюрморта в технике масло. Исследование данной проблемы и отражено в курсовой работе. Нами было подтверждено, что условия подбора адекватных средств выразительности (в особенности – цвета), характерных для натюрморта максимально отражают первоначальный замысел. 

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННЫХ ИСТОЧНИКОВ

1. Алтапов, М.В. Всеобщая история искусств / М. В. Алтапов,- М.,1949. – 410 с.
2. Алтапов, М.В., Ростовцев, Н.И. Искусство / М. В. Алтапов., Н. И. Ростовцев,- М., 1987. – 763 с.
3. Беда, Г.В. Живопись: Учебник для студентов педагогических институтов / Г. В. Беда,- М: Просвещение, 1986.- 192с.
4. Виффен Валерии: Как научиться рисовать натюрморт. Пособие по рисованию / пер. с англ. И.Гиляровой,- М: Изд. ЭКСМО — Пресс, 2001.-64с. 
5. Выборнова, Г. Роль освещения в натюрморте / Г. Выборнова,-Художник, 1984.- 110 с.
6. Герчук, Ю.Я. Живые вещи / Ю. Я. Герчук, — Советский художник, — М., 1977. – 143 с.
7. Гусарева, А.П. Константин Коровин / А. П. Гусарева, — Советский художник.
8. Дмитриев, И.А. Краткая история искусств / И. А. Дмитриев,- М., 1968. – 318 с.
9. Кантор, А.М. Предмет и Среда в живописи / А. М. Кантор, — Советский художник. – 128 с.
10. Косминская, В.Б., Халезова, Н.Б. Основы изобразительного искусства и методика руководства изобразительной деятельностью детей: Учебное пособие для студентов пединститутов / В. Б. Косминская., Н. Б. Халезова,- М: Просвещение, 1987.-128с.
11. Кузнецов, Ю. Западноевропейский натюрморт / Ю. Кузнецов — Советский художник. – 227 с.
12. Натюрморт. Особенности жанра и композиции. — М.: ТД «Издательство Мир книги», 2008.- 96 с.
13. Неменский, Б.М. Мудрость красоты, о проблемах эстетического воспитания, Изобразительное искусство и художественный труд / Б. М. Неменский,- М., 1991.-339с
14. Неклюдова, М.Г. Традиции и новаторства в русском искусстве конца XIX — начала XX веков / М. Г. Неклюдова,- М., 1991. -109 с.
15. Однорялова, И.В. Материалы, инструменты и оборудование в изобразительном искусстве / И.В. Однорялова, —  М., 1990. — 340 с.
16. Пучков, А.С., Триселев, А.В. Методика работы над натюрмортом: Учебное пособие для студентов художественно — графических факультетов педагогических институтов / А. С. Пучков., А. В. Триселев,- М; Просвещение,1982. – 160 с.
17. Свет и цвет в живописи. Особенности изображения. – М.: ТД «Издательство Мир книги», 2008. -96 с.
18. Сокольникова, Н.П. Изобразительное искусство  методика его преподавания в начальной школе: Учебное пособие для студентов педагогических вузов / Н. П. Сокольникова,- М.: Изд. центр «Академия», 1999.- 368 с.
19. Учебно-методическая газета для учителей МХК, музыки и ИЗО «Искусство» изд. дом «Первое сентября» 2006. — 24с.
20. Шитов, Л.А., Ларионов, В.Н. Живопись / Л. А. Шитов, В. Н. Ларионов, — М; Просвещение, 1995. – 192 с.
21. Шматова,О. Самоучитель по рисованию гуашью / О. Шматова,-М., 2007.- 74 с.

Приложение

Поэтапный процесс написания натюрморта маслом

Очень часто используемый метод написания натюрмортов маслом — метод работы по сухому.

Живопись по сухому означает работу масляными красками по сухой красочной поверхности – будь то фон или наложение ранее красочного слоя.

Нанеся слой краски, необходимо дождаться пока она высохнет. Главное достоинство живописи по сухому в том, что краски никогда не загрязнят друг друга и не дадут при смешении нежелательных эффектов: высохший нижний слой не впитывает свежую краску верхнего. Более того, полутона можно создать на палитре, а не на холсте. Живопись по сухому сильно усложняет работу живописца, добавляя проработку деталей, и нанесение тончайших красочных слоев.

Живопись по сухому означает, что работа протекает в несколько сеансов. Если дать масляной краске высохнуть, художник может писать, не загрязняя красок.

Работая по сухому, можно тратить на картину ровно столько времени, сколько потребуется, тщательно обдумывать сюжет и определить лучший путь конструирования композиции. Можно ввести более сложные цвета, добавить детали или завершить работу пастозными мазками.

Поэтапная живопись дает художнику спокойствие и подталкивает его обращать внимание на детали, для этого нужно проанализировать постановку.

На рисунке карандашом обозначены форма и положение каждого компонента (рис.1).

(рис.1)

На этом рисунке больше деталей, и общая структура натюрморта видна лучше. Местами проработан объем и продуман общий баланс света и тени.

(рис.2)

На данном рисунке показано, какой вид имеет натюрморт по окончании первого этапа работы, когда все компоненты обозначены цветом.

Уточнение формы и цвета. Цель состояла в том, чтобы разнообразить форму и особенно цвет. Некоторые детали картины уже закончены, на этой стадии, — двигаться вперед, не задерживаясь на отдельных деталях или цветовых пятнах; лучше быстро попробовать, а потом вернуться снова, заостряя тем временем свое творческое восприятие, интерпретацию и обобщенный взгляд.

(рис.3)

 Картина в основном  закончена, но надо еще проверить  и улучшить несколько мелких  деталей: блики, цвет стола, несколько линий и рефлексов. Окончательно картина принимает вид, показанный на рисунке 4.

(рис. 4)

Онлайн-проект «ДЕКОРАТИВНЫЙ ТЕМАТИЧЕСКИЙ НАТЮРМОРТ» — Новости — События

Онлайн-галерея ЕДХШ№4 имени Г.С.Метелева представляет

Экспериментальный совместный проект учащихся 2 класса

по дополнительной предпрофессиональной программе «Живопись» (8-летний курс)

«ДЕКОРАТИВНЫЙ ТЕМАТИЧЕСКИЙ НАТЮРМОРТ».

«Декоративный тематический натюрморт» — это экспериментальный совместный проект, в котором преподаватель  и учащиеся 2 класса по предпрофессиональной программе в области изобразительного искусства «Живопись» (возраст 7-9 лет) выполняли  общую композицию. Работа над проектом была начата во втором полугодии 2019/20 учебного года, и завершена в сентябре.

Идея проекта возникла из желания создать сложный коллаж, используя фактурные, оригинальные  куски обоев перламутровых оттенков. В процессе выполнения преподаватель, из представленных детьми рисунков  бытовых предметов, помогает составлять композицию, демонстрирует этапы выполнения работы.  Каждый участник проекта подбирает цветовую гамму для своей работы, изготавливает модули-шаблоны, собирает декоративную композицию, наклеивая модули на основу. Процесс создания декоративной композиции состоит из нескольких этапов: зарисовка бытовых предметов, поисковые эскизы, рабочий эскиз, перенос рисунка на кальку, из которой вырезаются отдельные модули. Благодаря прозрачности кальки, юный художник из большого куска обоев подбирает нужный фрагмент, определяя направление полос или рисунка на фактуре бумаги. Такая работа требует от учащихся усидчивости, терпения, аккуратности, творческого подхода.

Одной из важных задач проекта «Декоративный тематический натюрморт» было определение  готовности юных художников к длительной, сложной работе, в результате которой  создается совместный сложный выставочный проект, в том числе с использованием  новых технологий. На начальном этапе обучения такая экспериментальная форма работы  дает возможность достижения  выразительного результата, а учащимся позволяет стать более уверенными в своих творческих возможностях.

Пичугина Вера Васильевна

руководитель проекта

Фото проекта 

Конспект урока изобразительного искусства в 3 классе «Тематический натюрморт «Осенний букет»

Конспект урока изобразительного искусства в 3 «А» классе

«Тематический натюрморт «Осенний букет»» от 21.10.2016 года учителя начальных классов муниципального бюджетного общеобразовательного учреждения начальной общеобразовательной школы № 39 города Белореченска муниципального образования

Белореченский район

Назаровой Ольги Ильиничны

Тема: Тематический натюрморт «Осенний букет»

Цель урока: углубить представление о натюрморте.

Задачи:

Образовательные:

-знакомство с натюрмортом как жанром изобразительного искусства;

-изучить последовательность выполнения натюрморта.

Развивающие

-развивать интеллектуальные и общеучебные умения,

-развивать умения самостоятельно оценивать результат своих действий, контролировать себя и свои ошибки

-развивать познавательный интерес и умение использовать в работе ранее полученные знания

Воспитательные

-воспитывать взаимоуважение и доброжелательное отношение к товарищам.

Тип урока: комбинированный

Технологии: групповые, компьютерные, проблемно-поисковые, здоровьесберегающие.

Планируемые результаты:

Личностные:

-развитие чувства прекрасного и эстетических чувств на основе знакомства с мировой и отечественной художественной культурой,

-учебно-познавательный интерес к новому учебному материалу и способам решения новой задачи.

Метапредметные

Регулятивные:

-понимать и сохранять учебную задачу

-осуществлять пошаговый и итоговый контроль по результату

Познавательные:

-использовать знаково-символические средства для решения задач

-осуществлять анализ объектов с выделением существенных и несущественных признаков

-осознанно строить речевое высказывание в устной форме

Коммуникативные:

-строить понятные для одноклассников высказывания, учитывающие ,что партнёр знает и видит, а что нет

-использовать в общении правила вежливости

Предметные:

-узнавать, воспринимать, описывать и эмоционально оценивать шедевры мирового искусства, изображающие природу

-создавать простые композиции на заданную тему

Оборудование: репродукции картин с натюрмортами, учебник, натурная постановка, драпировка, карандаши, акварель, кисточки, альбомы, емкость для воды, палитра.

Ход урока:

1.Организационный момент.

Здравствуй, солнце золотое!
Здравствуй, небо голубое!
Здравствуйте, мои друзья!
Всех вас рада видеть я!

У вас на партах лежат клеёнки, учебник, альбомный лист, карандаш, ластик, кисточки, баночка с водой, акварельные краски.

Кто готов к уроку — тихо садитесь.

2.Вводная беседа.

О каком жанре изобразительного искусства мы с вами говорили на прошлом уроке? Что вы помните о натюрморте?

В переводе с голландского натюрморт — это изображение предметов быта, цветов, фруктов, овощей и т.д.

Совместное обсуждение основных примет осени, основных цветов осени. Посмотрите внимательно на доску. На ней представлены различные репродукции картин. Найдите среди них натюрморты. Почему выбрали именно их?

3. Сообщение темы урока.

Как вы думаете, что мы будем сегодня делать?

Сегодня мы с вами продолжаем тему натюрморта.

4.Работа над новым материалом.

1. Обсуждение натуры в букете: форма, положение в пространстве, цвет, строение листьев. Наблюдение за натурой с обсуждением главных моментов в изображении.

Натюрморт не является бессюжетным произведением. Самый подбор предметов для натюрморта отражает отношение к ним художника, а следовательно, и его вкусы, взгляды, восприятие мира (слайд 1, 2, 3 ). А сейчас давайте послушаем, какое стихотворение придумали люди о натюрморте:

Если видишь на картине чашку кофе на столе,

Или морс в большом графине, или розу в хрустале,

Или бронзовую вазу, или грушу , или торт,

Или все предметы сразу знай, что это натюрморт.

2.Компановка рисунка.

Определение места букета на листе бумаги.

3. Построение формы предметов.

4. Работа цветом.

5. Детальная прописка предметов.

5. Практическая работа.

6. Анализ работ.

Выставляются работы учащихся.

Расскажите о своей картине по плану:

1.Название картины.

2.Что изображено?

3.Почему вы считаете, что это натюрморт?

7. Итог урока.

Приложение.

Слайд 1Слайд 2

Деревенский пейзажГородской пейзаж

Слайд 3Слайд 4

Морской пейзажЛетний пейзаж

Слайд 5Слайд 6

Осенний пейзажЗимний пейзаж

Слайд 7

Весенний пейзаж

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/241803-konspekt-uroka-izobrazitelnogo-iskusstva-v-3-

Методические рекомендации по работе над учебным натюрмортом

Учебный натюрморт является одним из основных заданий по живописи. Без основ изобразительного искусства будущий специалист, художник-педагог, бакалавр и магистр по специальности педагогическое образование не может расти и совершенствоваться. Живопись является основным предметом формирования культуры, художественного вкуса, эстетического развития будущего специалиста изобразительного искусства. Живопись натюрморта студенты изучают на 1 и 2 курсах в 1, 2, 3, 4 семестрах. Параллельно с развитием умения работать с натуры натюрморт служит эффективным средством формирования творческих способностей студентов, их художественной самостоятельности. Велика роль натюрморта в постижении живописного мастерства для будущего специалиста педагога-художника. Через натюрморт студенты познают красоту реального мира во всем многообразии предметов. Неподвижная и хорошо обозримая с небольшого расстояния натура натюрморта служит прекрасным материалом для изучения формы, пропорций предметов. В работе над живописью натюрморта студенты изучают композицию, колористическое единство цвета, влияние освещения на натуру, цветовые контрасты. В жанре натюрморта наглядно просматриваются пластические и колористические стороны художника живописца. Творческое выполнение натюрморта часто становится основой дипломной квалификационной работы.
Как самостоятельный жанр изобразительного искусства натюрморт предоставляет большие изобразительные возможности: это и внешнее материальное представление предметов, и образная форма в изображении вещей. Художник целенаправленно отбирает предметы для натюрморта, закладывая определенный смысл, выражая свои мысли и чувства, свое отношение к миру. Жанр натюрморта имеет самостоятельное значение, также натюрморт может быть частью композиции тематической картины или портрета.
Рассуждая о работе над натюрмортом, прекрасный художник В. Фаворский отмечал, что художник должен «слышать тихую жизнь предметов». Живопись натюрморта, по мнению многих профессиональных художников, помогает студентам настроиться на работу в начале учебного года даже перед работой над портретом или фигурой человека. Перед работой над большими жанровыми картинами такие художники, как К. Петров-Водкин, П. Кончаловский, писали натюрморты. К. Петров-Водкин называл работу над натюрмортом «скрипичными этюдами перед большим концертом». Натюрморт утверждает эстетическую ценность привычных и обыденных вещей. Неподвижная натура живет своей тихой жизнью, до того момента как к ней обращается художник. Натюрморт становится произведением искусства лишь тогда, когда художнику удается создать художественный образ, передать настроение, чувства. Создание художественного образа в натюрморте тема сложная и необыкновенно интересная. Натюрморт, открывающийся проницательному взгляду художника, раскрывает скрытую сущность предметов, а художник в свою очередь пытается создать художественный образ, работая над натюрмортом, пытаясь внести в созданный на бумаге мир частичку своей души.
В изобразительном искусстве натюрмортом принято называть группу неодушевленных предметов, название происходит из французского языка nature morte – в переводе мертвая натура. Рассказывая о натюрморте, мы приводим примеры блистательного выполнения данной темы в искусстве живописи, изучение которых благоприятно влияет формирование художественной культуры студентов.
Своего наивысшего расцвета натюрморт достиг в творчестве голландских художников XVI–XVII веков. Натюрморты художников П. Класа, А. Байера, Ф. Снейдерса украшают мировые коллекции живописи во многих известных музеях, таких как Эрмитаж в Санкт-Петербурге, Третьяковская галерея и музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина в Москве, Лувр в Париже.
Работы Ф. Снейдерса, монументальные полотна, отражающие жизнерадостное отношение художника к окружающему миру. Широко известны его картины, раскрывающие для зрителя, убранство съестных лавок «Овощная», «Рыбная» и других. Овощи, фрукты, многообразная дичь, животные, дары земли и моря – все это наполняет его картины яркими, сочными цветами реалистической живописи. Излюбленной темой живописи П. Класа и А. Байера являются «завтраки», в которых отразилась красота и материальность предметов, будь то стеклянный или металлический сосуд, материальность лимона, куска ветчины. На работах голландских мастеров благотворно сказалось влияние искусства эпохи Возрождения. Методы и приемы композиционного построения сюжетно-тематической картины и портрета стали присутствовать и в натюрморте. Вырабатывается основной тип натюрморта с делением пространства на три плана. На среднем плане помещается композиционный центр натюрморта, на переднем плане расположены дополнительные предметы небольшого размера, а на третьем плане изображается нейтральный фон. Введенные в голландском искусстве принципы изображения натюрморта, такие как реализм, тонкая наблюдательность и отражение эстетической стороны предметов, предопределили дальнейшее развитие натюрморта.
Значительный вклад в искусство натюрморта внес французский художник XVIII века Ж.-Б. Шарден. Его натюрморты обладают особой одухотворенностью и связью с человеком. Натюрморты Ж.-Б. Шардена не сложные по композиции, сдержанные по цветовой гамме. Натюрморт «Атрибуты искусства» и «Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином» классические примеры искусства. Они являются образцом создания художественного образа и красоты простых предметов.
Начиная с середины XIX огромное влияние на мировое искусство оказал импрессионизм. Воспроизведение быстро меняющихся состояний природы, живопись чистыми спектральными цветами, работа над световоздушной средой перенеслись и в жанр натюрморта.
Один из ярких представителей французской живописи П. Сезанн в своем творчестве переработал влияние импрессионизма. В его натюрмортах, световоздушная среда переплетается с работой над объемом и формой предметов. Натюрморты П. Сезанна представляют образец живописного искусства, каждый мазок работает над формой предмета. Его произведения выразительны по цвету, и грамотно построены тонально. Используя закон цветовых контрастов, П. Сезанн добивается «драгоценности» живописи, создавая художественный образ знаменитых «Персиков и груш».
Интерес к натюрморту в русской живописи наступает в 80-х годах прошлого века. Живописью натюрморта занимались в той или иной мере все художники, работающие и в других жанрах изобразительного искусства. Примером этого могут служить небольшие по размеру и скромные по замыслу натюрморты великого мастера пейзажной живописи И. Левитана. Натюрморты И. Левитана передают чистоту и красоту родной природы. Букеты лесных и полевых цветов на нейтральном фоне дают зрителю возможность любоваться только что собранными растениями и наслаждаться их простотой и красотой. Одуванчики, незабудки, васильки, в глиняных кувшинах и керамических вазах отражают неповторимую прелесть живой натуры. Работы И. Левитана могут служить прекрасным примером постановки натюрмортов на пленэре. Также влияние импрессионизма отразилось на творчестве К.Коровина и В. Серова, И. Грабаря. Натюрморт ставится на пленэре, его связывают с пейзажем или соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте художники стремятся передать мироощущения человека, его настроение. Таким образом, расширяются границы натюрморта, теснее ощущается его связь с человеком, что приводит к органичному слиянию этого жанра с портретом, пейзажем, интерьером и бытовой живописью. В картине В. Серова «Девочка с персиками» изображен портрет Верочки Мамонтовой и великолепно написанные фрукты на переднем плане подчеркивают и усиливают образ и очарование юности.
Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К. Коровина и И. Грабаря. В работах И. Грабаря всегда ощущается отражение жизни. Вспоминая свои работы, И. Грабарь рассказывал, что многие из своих натюрмортов он увидел в реальной бытовой обстановке, в загородном доме его друга художника. Прекрасный натюрморт «Неприбранный стол» может служить примером жизненной сиюминутности в произведении. Жизнерадостность и чувственность в восприятие мира отразились в работе К. Коровина «Рыбы, вино и фрукты». Все многообразие формы, цвета и фактуры предметов художник решает чисто живописными приемами. Теплый колорит картины, холодные блики на рыбе, глубокий тон красного вина в бутылке. Ощущение радости жизни, исходит от полотен К. Коровина, его живопись легка и свободна. Она артистически передает чувство радостного восхищения от жизни и живописи. К. Коровин сближает натюрморт с пейзажем, объединяя их приемами пленэрной живописи. Великолепный натюрморт, написанный в Париже «Розы и фиалки» в нем сочетаются изысканность сервировки, блеск серебра, багряные тона цветов с мерцающими огнями ночного города. Художник раскрывает настроение в натюрморте. Он пишет огни за окном не просто как источники света, но стремиться передать их мерцающую, манящую трепетность, говорящую о романтике большого, города, ночного Парижа. Наполнение занятий по живописи иллюстративным рядом, состоящим из лучших образцов натюрмортов мирового искусства, обогащает учебный процесс и вносит элемент вдохновения, влияет на развитие художественного вкуса студентов. В нашей педагогической практике мы используем в работе над учебным натюрмортом определенную тему, увиденную у мастеров изобразительного искусства. Постановка тематических натюрмортов для студентов пользуется огромной популярностью и повышает интерес к предмету живописи: например, «Чаепитие» или «В мастерской художника». Интересными, на наш взгляд, являются постановки натюрмортов в стиле какого-нибудь определенного художника. Студенты с удовольствием пишут такие натюрморты, развивая творческие способности и образное мышление, знакомясь с произведениями мирового искусства.
Полезно также привлекать к постановке натюрмортов и самих студентов. Самостоятельная постановка натюрморта студентами, используемая как упражнение, помогает в формировании художественного вкуса, умении подбирать предметы, организовывая натюрморт, расставлять пластические и поэтические акценты. Художественный вкус и творческая самостоятельность важны для умения подмечать красоту в окружающей действительности, интересную композицию, цветовое богатство натуры. На младших курсах студенты работают над натюрмортом акварелью, знакомятся с прекрасной техникой акварельной живописи. Акварельный этюд натюрморта можно выполнять как по предварительному рисунку, так и без него, хотя последнее значительно сложнее. Тем не менее этот способ следует освоить, так как он является одним из лучших упражнений, способствующих профессиональному умению видеть будущее изображение в материале, умению работать уверенно, сочетая моделировку формы с решением колористических задач. В акварельных этюдах продолжительность одного сеанса работы с натуры колеблется от нескольких минут до нескольких часов, применяются приемы быстрого письма. Студентам с первых упражнений следует познакомиться с этим приемом. Письмо заливками лучше передает освещенные места, а лессировками – тени. В акварельном этюде заливками часто пишут освещенные места первого плана. Это помогает передать материальность натуры и фактуру поверхности предметов. Мазок, правильно положенный по форме, является хорошим средством для передачи образного строя натюрморта, пейзажа, модели. В свою очередь злоупотребление одним и тем же эффектным приемом вредит дальнейшему росту профессионального мастерства. Лессировки применяют в живописи для придания цвету новых оттенков, иногда для создания нового цвета, а также для усиления или приглушения его интенсивности. Большое распространение лессировка имеет в акварельной живописи. Лессировки уместны при создании длительных, постановочных работ, рассчитанных на большое количество времени. При работе лессировкой обобщаются многие детали, но цвет не всегда остается прозрачным. A la prima – метод, заслуживающий внимания, – в переводе с итальянского означает – живопись сразу, в один прием, за один сеанс. Может исполняться по сырому и сухому листу. Этюды и эскизы, написанные таким образом, состоят как бы из цветовой мозаики. Работа пишется без предварительных прописок и подмалевка. Такой прием требует навыка цельного видения натуры и изображения, что у неопытных студентов часто ведет к пестроте и дробности. Работа ведется цветовыми заливками иногда в сочетании с широкими цветовыми прокладками нужного цвета. Активизирует процесс формирования живописных навыков, быстроту, художественный вкус. Живопись по предварительно увлажненному листу бумаги представляет собой прием акварельной живописи, который следует освоить студентам. Перед началом работы по-сырому бумагу равномерно смачивают водой. Когда вода впитается в бумагу и немного подсохнет, начинают писать. Мазки краски, ложась на влажную поверхность, расплываются, сливаются друг с другом, создавая плавные переходы. Так живописец достигает мягкости очертаний предметов. В акварели с целью объединения деталей и смягчения резкости границ изображение покрывается чистой водой. Кисть должна быть достаточно влажной, чтобы можно было положить сочный мазок. Иногда пишут полусухой кистью по влажной зернистой бумаге. При работе акварелью часто возникает необходимость снять избыток краски. Очень удобно в работе акварелью пользоваться морской губкой, ей можно смочить лист, когда нужно убрать избыток цвета, не повредив при этом бумагу. Развитые навыки управления движениями кисти позволяют в каждом мазке варьировать положение руки. Движение руки с кистью зависит от того, надо ли собрать с бумаги излишек воды и краски или наоборот. Не следует допускать излишка воды на бумаге. Наклон планшета, обтянутого бумагой, можно менять во время работы. Этим регулируется стекание воды с краской вниз. Для покрытия ровным красочным слоем большой поверхности, также необходим определенный навык, позволяющий избежать пятен. Кистью можно рисовать, делая штрихи и мазки по форме изображаемого предмета. Если требуется передать тонкие тональные и цветовые переходы, уместно применить письмо «по-сырому», работая сближенными цветовыми отношениями. Такой способ рекомендуется при передаче теневых участков натуры, отличающихся обобщенностью. Письмо заливками цвета следует применять при передаче освещенных мест, а также на первом плане при выявлении материальности предмета. У студентов часто возникает соблазн работать как «красивым мазком», так и «эффектным затеком». В свою очередь творческий подход при создании акварельных работ часто предполагает комплексное использование приемов, методов и не приемлет стереотипных решений выполнения.
Мастерское владение живописными приемами работы акварелью в сочетании с навыками, отработанными до степени совершенства, а также точное выполнение методических рекомендаций, последовательности работы над изображением способствует созданию художественного образа в живописи натюрморта.

НАТЮРМОРТ ТЕМАТИЧЕСКИЙ ❤️| Мистецтво

Раздел 3. НАТЮРМОРТ

20. НАТЮРМОРТ ТЕМАТИЧЕСКИЙ

По своему назначению натюрморты могут быть как учебные, так и творческие, хотя одно не исключает другое. Рисуя учебный натюрморт, ученику приходится решать и творческие задачи – от композиции до завершения рисунка.

Творчество в работе над натюрмортом начинается с выбора темы, замысла будущего произведения. Мы сами размещаем выбранные предметы: мы передвигаем их, меняем местами, заменяем один другим, пока не получится то, что нам кажется совершенным. Рисуя эти вещи, мы стараемся передать

Глядя на произведения старых и современных мастеров натюрморта, можно заметить важную закономерность: все вещи, изображенные на натюрморте, объединены общим содержанием, темой. Подбор вещей – не случайность. Каждая вещь по смыслу должна дополнять другие, как голос в хоре. Если, например, к столовому ножу и буханке хлеба добавить веник, то станет понятно, что он здесь ни к чему. А вот к ведру, табурету и тряпке он будет логическим дополнением.

Мы должны тщательно отбирать предметы, чтобы они соотносились по размеру и цвету. Маленькие предметы не

Ян Давиде де Хем. Натюрморт с черепом

Количество предметов должно быть ограничено, чтобы натюрморт не был переполнен чем-то лишним. Вещи иногда заслоняют друг друга, что мешает выразить замысел. Иногда наоборот, размещенные слишком далеко, они кажутся будто случайно рассыпанными.

Реализовать замысел художника должно помочь также освещение.

Нужно выбирать такое освещение, при котором предметы выглядели бы выразительно. В общем, прежде чем изображать какой-нибудь натюрморт, необходимо решить, что мы с его помощью хотим передать, какую страницу разнообразия жизни отобразить, какие вещи станут”актерами” нашего рассказа, поскольку через них художник воссоздает среду, показывает вкусы, профессию и даже характер людей, которым эти вещи принадлежали.

Виллем де Портер. Натюрморт с оружием и флагами

Е. Вилкова. Натюрморт со свечой и старой иконой

А. Михайлов. Натюрморт с глобусом

1. Рассмотрите натюрморты на с. 112-114. Какая цветовая гамма преобладает? Какое настроение они передают? Какое название вы бы им дали? О чем рассказывают вещи на этих натюрмортах?

2. Можно ли отнести к тематическому ваш любимый натюрморт?

Ученическая работа. Лето (гуашь)

Ученическая работа. В селе (карандаш)

Ученическая работа. Искусство (акварель)

Ученическая работа. Утро (акварель)

Подберите тему будущего натюрморта. Какие предметы вы выберете для раскрытия темы? Что каждый из предметов будет символизировать? Какой колорит лучше подчеркнет тему натюрморта?

План работы:

– На листе бумаги скомпонуйте (найдите соответствующее место) изображение.

– Сравните пропорции разных частей изображения каждой в отдельности: длину к высоте и ширине. Исправьте ошибки.

– Подготовьте рисунок к работе: сотрите все вспомогательные линии, которые вы использовали для построения, лишние линии.

– На палитре рядом подберите цвет, отвечающий цвету, например, фона.

– Сравните и попробуйте воссоздать различие оттенков разных частей натюрморта.

– Определите, какая поверхность, часть натюрморта освещена наиболее ярко и как окрашен фон рядом.

– Как меняется оттенок цвета в тени и на освещенной поверхности? Где самая темная часть натюрморта?

– Пронаблюдайте, какая разница полутоновых соотношений на разных поверхностях.

– Где создается самый большой контраст?

– В конце работы посмотрите на результат в целом – нет ли каких-либо деталей, которые бы мешали восприятию работы на небольшом расстоянии. Для этого отойдите на пару шагов и посмотрите на работу издали. Слишком светлые участки пригасите, слишком темные немного осветлите, если увидите, что в ходе работы искривились пропорции, – исправьте.

Жан Батист Симеон Шарден. Натюрморт с фарфоровым кувшином

Шарлей Жан Батист Симеон (1699-1779) – французский художник. Круг тем Шардена – бытовые сцены и натюрморты, а также портреты (в основном автопортреты). Картины мастера воссоздают спокойную будничную жизнь, лишенную внешнего лоска, но преисполненную маленьких радостей (“Молитва перед обедом”, “Карточный домик”, “Возвращение с рынка”, “Мальчик с юлой”). Его натюрморты часто состоят из обычных предметов – фруктов и кухонной утвари, в которых мастер, однако, находит красоту и даже таинственность (“Корзина с персиками”, “Десерт (Бриош)”, “Медный бак”). Своеобразное исключение – “Натюрморт с атрибутами искусства”.

ДАВАЙТЕ ВСПОМНИМ

КОМПОЗИЦИЯ НАТЮРМОРТА

И об одном предмете можно “рассказать” по-разному: изобразить его крупно на переднем плане, показать средний план или нарисовать этот предмет мелко на дальнем плане. Все зависит от замысла художника.

Даже на одинаковом формате листа впечатление от натюрмортов возникает самое разное. Это происходит потому, что композиция каждого натюрморта, в том случае, когда он создан с использованием симметрии, вызывает ощущение постоянства, равновесия, покоя. Асимметрическое или диагональное размещение предметов передает движение, беспокойство, неуравновешенность частей композиции.

Не следует думать, что предметы в натюрморте нужно обязательно располагать по схеме. Оригинальное композиционное решение может возникнуть случайно, например, яблоки рассыпались красиво на столе. Надо учиться видеть красоту обычных вещей, развивать свое композиционное мышление.

В композиции натюрморта старайтесь научиться видеть общую форму группы предметов, ансамбль форм, а незначительность каждой формы отдельно. Это поможет правильно разместить натюрморт на листе, достичь его целостности.

Схемы из книги Сокольниковой Н. М. “Изобразительное искусство. Основы композиции”.

МАСТЕР-КЛАСС

ОБЩИЕ ПРАВИЛА РИСОВАНИЯ С НАТУРЫ

Рисуя с натуры, необходимо руководствоваться следующими правилами.

1. Лист бумаги должен размещаться перпендикулярно к лучу зрения. Нельзя во время работы поворачивать лист бумаги.

2. Начинать рисовать нужно легкими, едва заметными линиями.

3. В процессе работы необходимо идти от общего к частному, от большой формы к деталям, а в конце работы возвращаться снова к общему, подчиняя детали целому.

4. Все время необходимо проверять и уточнять пропорции предметов во всех их частях и на всех этапах работы, а обнаруженные ошибки исправлять немедленно.

5. Весь рисунок выполняется одновременно. Нельзя заканчивать его частями.

6. Во время работы надо все время сравнивать предметы между собой по размеру и освещенности, находить и строить пропорциональные соотношения в рисунке. Нельзя сравнивать по отдельности какую-либо деталь рисунка с той же деталью в натуре, сравнивать надо несколько соотношений в натуре с соответствующими на рисунке.

7. Изображая натуру, надо думать о сущности рисунка: точности пропорций, конструкции, о перспективном построении, выявлении главного и характерного.

8. Целостность тональных отношений в рисунке доводится на последней стадии – обобщением.

Кратко напомним черты, определяющие целостность изображения:

А) точность перспективного построения;

Б) тщательная проработка и четкость переднего плана;

В) постепенное ослабление степени освещенности с удалением формы в глубину рисунка;

Г) значительная проработанность поверхности на переднем плане и обобщенность затененных поверхностей;

Д) выдержанность тональных соотношений в изображении.

9. Во время рисования с натуры следует подчеркнуть роль художественных материалов. Не все можно изображать первым попавшимся материалом. У каждого материала могут быть особенные эстетические особенности (не менее важные, чем его прикладные полезные качества). Например, подготовка рисунка для фрески обычно выполняется углем, но не карандашом. Эскизы для линогравюры делают в основном тушью, чтобы приблизиться к материалу, в котором будет реализован замысел. Эстетические качества материала состоят в способности того или иного материала как-либо влиять на наши чувства. Художник в своем творчестве обращается к тому материалу, который лучше способствует реализации художественного замысла. Это касается как скульптуры, так и живописи или графики.

Этапы работы над рисунком

В. Дроницин. Натюрморт со скрипкой. Фото

Error 404 — Сайт о культурологии. Полезная информация для студентов при подготовке и сдаче экзаменов.

Что такое культорология?

Культурология – это инновационная междисциплинарная область исследований и преподавания, которая исследует способы, которыми «культура» создает и трансформирует индивидуальный опыт, повседневную жизнь, социальные отношения и власть. Исследования и преподавание в этой области исследуют отношения между культурой, понимаемой как выразительная и символическая деятельность человека, и культурой, понимаемой как особый образ жизни. Объединяя сильные стороны социальных и гуманитарных наук, культурология опирается на методы и теории из литературоведения, социологии, коммуникационных исследований, истории, культурной антропологии и экономики. Работая через границы между этими областями, культурология изучает новые вопросы и проблемы современного мира. Вместо того, чтобы искать ответы, которые будут иметь место на все времена, культурология разрабатывает гибкие инструменты, которые адаптируются к этому быстро меняющемуся миру.

Основные культурологические школы

Культурная жизнь связана не только с символическим общением, но и с той областью, в которой мы сами ставим перед собой коллективные задачи и начинаем бороться с ними как с изменяющимися сообществами. Культурные исследования посвящены пониманию процессов, посредством которых общества и различные группы в них приходят к согласию с историей, общественной жизнью и проблемами будущего.

Культурология прослеживает связь между эстетическими, антропологическими и политико-экономическими аспектами культурного производства и воспроизводства. Ученые и практики в области культурологии часто начинают свои исследования с того, что подвергают сомнению общее понимание, убеждения и истории, которые формируют наш мир. Этот тип исследования предполагает, что культура не факт, который нужно понимать и объяснять. Что требует внимания, так это то, как культура представляет собой разнообразные миры и как ее можно мобилизовать для изменения этих миров.

Теоретические подходы к пониманию природы культуры

Культурология опирается на междисциплинарные исследования по формированию знаний, власти и различий. Ученые и практики-исследователи в области культуры изучают особенности расы, класса, способностей, гражданства, пола и сексуальности, пытаясь понять структуры и практики господства и сопротивления, которые формируют современные общества. В рамках этого исследования появляется много разных тем: повседневные практики, которые структурируют создание и получение культурных артефактов; отношения между производителями и потребителями при обращении мировых товаров; претензии на членство в отдельных общинах по мере их трансформации.

Далее … УЧЕБНЫЕ МАТЕРИАЛЫ

Секретные символы в натюрмортах

Но хотя тематика, возможно, сузилась, методы художественного выражения начали расширяться. Импрессионисты переосмыслили природу, нарисовав ее сущность, а не ее детали, и, хотя смелые эксперименты Гогена и Ван Гога, возможно, были недооценены в то время, они создали одни из самых запоминающихся натюрмортов той эпохи.

В начале 20 века Матисс использовал в своих композициях смелые плоские очертания, наполненные цветом, а Боннар и Вюйар добавили элементы, вдохновленные японской гравюрой на дереве.

Но, по словам Атеридо, именно Сезанн «перевел жанр на другую плоскость». Его эксперименты с цветом, формой и линиями вдохновят Пикассо, который перенес его идеи и «поднял» их на новый уровень, говорит он. Разрушая традиционные формы и воссоздавая мир таким, каким он видел его в своих кубистских картинах, Пикассо создал нечто совершенно уникальное и вдохнул новую жизнь в натюрморт.

«Когда авангард адаптировал тему, он все изменил», — говорит Атеридо. Критики наконец начали обращать на это внимание.

И хотя некогда почитаемая история и жанровая живопись практически исчезли из репертуара художников, натюрморты продолжали процветать на протяжении всего ХХ века с такими разными художниками, как Миро, Дали, Моранди и Рихтер, постоянно предлагая новые подходы.

В нынешнем веке такие художники, как Шэрон Кор, Ори Гершт и Питер Джонс, продолжают находить новое вдохновение в этой теме, используя традиционные мотивы в современной манере, что, как и их предки, заставляет нас сомневаться в окружающем мире. .

Самым скромным жанрам есть что сказать.

Испанский натюрморт находится в Центре изящных искусств BOZAR в Брюсселе с 23 февраля по 27 мая 2018 года.

Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, зайдите на наша страница Facebook или напишите нам на Twitter .

И если вам понравилась эта история, подпишитесь на еженедельник BBC.com предлагает информационный бюллетень под названием «Если вы прочитаете только 6 статей на этой неделе». Тщательно подобранная подборка историй из BBC Future, Culture, Capital и Travel, которые доставляются на ваш почтовый ящик каждую пятницу.

Скрытые тайны, скрывающиеся в голландских натюрмортах

Натюрморты услужливо напоминали зрителям о процветании их республики. В разгар Золотого века художники, такие как Виллем Кальф, создавали причудливые картины pronk («демонстрация»), на которых изображались такие предметы, как китайский фарфор, венецианская посуда, а также позолоченные серебряные чашки и подносы.В натюрморте Калфа с китайской чашей, чашкой наутилуса и фруктами (1662) блестящие эффекты света, текстуры и цвета на переднем плане стремятся Калфа, как и других художников той эпохи, превзойти мастеров по изготовлению драгоценных предметов, которые он изображает — например, персидский ковер на столе, серебряный поднос и китайскую фарфоровую сахарницу.

Эта награда разыгрывается в разных уголках земного шара, гордый кивок постоянно расширяющейся Голландской империи. Распаковывая здесь определенные предметы, можно сблизить, казалось бы, несопоставимые культуры, связанные глобализирующими амбициями Нидерландов.Сахарница Мин, например, одновременно предполагает два разных межкультурных обмена, один более зловещий, чем другой. Сахар косвенно отсылает к одному из самых варварских элементов глобальной голландской империи: ужасающему, широко документированному обращению с рабами на южноамериканских плантациях. Между тем, типичный бело-голубой узор на чаше позже был принят гончарами Делфта, что привело к созданию знаменитой голландской глиняной посуды «Делфтская синяя», которая, следовательно, имеет китайское происхождение.Тимоти Брук утверждает, что такой китайский фарфор ценился настолько высоко, что блюдо из картины Вермеера « Девушка, читающая письмо у открытого окна », написанной примерно в 1657 году, привлекло бы внимание современного зрителя от молодой женщины.

«Натюрморт с омаром и фруктами» Абрахама ван Бейерена «» (примерно 1650-е годы) сильно отличается от относительной скромности картин, написанных для завтрака в начале века. Вместо белой ткани здесь стол застелен персидским ковром.Лобстер заменяет сельдь, вместо пива предлагается импортное вино. Экзотические фрукты из более теплого климата высыпаются из позолоченных серебряных подносов. Среди этой экстравагантной роскоши карманные часы в правом нижнем углу могли бы предложить зрителям краткость жизни.

Натюрморт с кораллами и фонарем

Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь им:

Размер: 14 ″ wx 11 ″ h
Опора: Растянутый холст
Описание: Морской натюрморт с кораллами и фонарем со свечой. сидит на круглом розовом мраморном столе.Это произведение искусства создано на качественном натянутом холсте, и перед тем, как повесить его на стену, потребуется рамка.

Сертификат подлинности

Эта картина поставляется с официальным сертификатом подлинности . Это ваша гарантия, что приобретенное вами произведение искусства является подлинной картиной маслом Терезы Бернар.

>> Подробнее

Информация о закупках

$ 300

БЕСПЛАТНО доставка и обработка в пределах U.S.A.

Свяжитесь с нами по вопросам международных почтовых отправлений и обработки.

Все транзакции обрабатываются через PayPal, безопасный и надежный способ совершения покупок.

Комментарии художников

Художники часто используют эталонные фотографии для создания своих картин. Иногда они создают свою композицию только из одной фотографии, а в других случаях используются несколько фотографий. Нет ничего плохого в том, чтобы рисовать по фотографиям, художники это делают постоянно.

Этот натюрморт представляет собой комбинацию нескольких таких эталонных фотографий, на которых изображены морские элементы, которые я хотел изобразить в своей картине. Одним из таких элементов был коралл. Кораллы бывают самых разных форм, размеров и цветов. Хотя наиболее распространенными цветами являются розовый и красный. Это крошечные морские существа, которые живут в океане большими колониями, похожими на растения. Всю свою взрослую жизнь они проживут в одном месте и предпочтут те места, где вода теплее.Когда они умирают, их скелеты образуют твердое каменное вещество, также называемое кораллами. Крупные отложения кораллов часто накапливаются, образуя рифы или острова.

Раньше я никогда не использовал кораллы в картинах, поэтому, поскольку я думал о том, чтобы нарисовать натюрморт на морскую тематику, я подумал, что было бы очень интересно включить в эту картину немного кораллов. Я доволен тем, как это получилось, и мне особенно нравится, что морской фонарь завершает этот натюрморт на морскую тематику.

Есть вопросы?

Если у вас есть вопросы об этой картине, свяжитесь с нами, и мы будем рады ответить на любые ваши вопросы.

Другие интересные картины

Спасибо за внимание!

Не стесняйтесь поделиться этим со своими друзьями.

ОБНОВЛЕНО: 18 декабря 2020

Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь им:

Японские натюрморты и гравюры

Галерея японской живописи

Если у вас есть вопросы, заполните следующую форму запроса.
Форма запроса

Заказчикам

Галерея японской живописи

Знания

Язык

Copyright 2006-2020 Галерея японской живописи Все права защищены.

Натюрморты Поля Сезанна

Стиль Сезанна

Итак, какое место Поль Сезанн занимает в истории искусства? Сезанн считается величайшим мастером движения постимпрессионистов , которое выросло из стиля и методов французского импрессионизма и отвергло их. Импрессионисты считали, что искусство может уловить ощущение восприятия, заморозив время в один момент. Эта идея и сама природа оптики интересовали также Сезанна, экспериментировавшего с импрессионизмом.Однако он постепенно отошел от этого стиля. Размытая абстракция не была тем восприятием, которое он хотел исследовать.

Сезанн разработал свой собственный стиль, который можно охарактеризовать как архитектурный или скульптурный. Это означает, что Сезанн был чрезвычайно аналитичен в своей живописи, сознательно и методично применяя каждый мазок кисти так, чтобы каждый из них влиял на структурную целостность всего изображения.

В то же время Сезанна не интересовало запечатление видимой сущности природы в живописи, как это делали импрессионисты.Он хотел запечатлеть природу так, как ее понимали люди. Практически это означало, что Сезанн начал отрываться от реальности, абстрагировать свои картины и обращать внимание на наличие холста. Как он это сделал? Во-первых, он начал уменьшать объекты до их простейших форм (кубов, сфер, призм и т. Д.). В то же время он начал разбивать цвета сложных градиентов на их простейшие формы, ставить рядом друг с другом, а не смешивать вместе. Наконец, он отказался от классической перспективы, позволив перспективе основываться больше на отношениях между объектами, чем на одной точке.В целом это создавало впечатление, что он рассматривает объект сразу с нескольких сторон.

То, что делал Сезанн, подготовило почву для кубистов, фовистов и авангардных художественных движений, которые охватили следующие несколько десятилетий. Он был одним из самых влиятельных художников всех времен, и его характерный стиль был закреплен в десятках натюрмортов, созданных с 1870-х по 1890-е годы.Опять же, важно помнить, что натюрморты в то время не пользовались большим уважением, но стиль Сезанна бросал вызов самому значению искусства, придавая новый смысл выбору жанра.

Известные картины

Именно через эти натюрморты Сезанн определил свои методы и стиль, поэтому давайте познакомимся с некоторыми из них. Мы начнем с более раннего натюрморта, Блюдо с яблоками , завершенного примерно в 1877 году. На этой картине (изображающей блюдо с яблоками) мы видим много отличительных черт нового стиля Сезанна.Яблоки менее выражены по своей форме, но вместо этого в значительной степени уменьшены до простых форм; сферы, состоящие из цветных чешуек. Картина подчеркивает мазки художника, создавая текстуру, которая привлекает внимание к самому холсту, напоминая зрителю, что это не блюдо из яблок. Это блюдо с яблоками.

Теперь давайте немного переместимся в 1880-е годы. Натюрморт с вишнями и персиками (1885-87) показывает то же разбиение предметов на основные геометрические формы и цветовые шкалы, но здесь что-то другое. Либо стол был кривым, либо Сезанн экспериментировал с перспективой. Миска с вишней и миска с персиками выглядят так, как будто на них смотрят с разных сторон, что по сути так и есть. Поскольку Сезанн посвятил себя исследованию человеческого восприятия как того, как мы понимаем природу, а не только как мы ее видим, он отошел от правил классической точки зрения.

Наконец, мы подошли к одной из более поздних работ Сезанна, Корзина яблок (ок. 1895). Это самая абстрактная картина из трех, на которые мы смотрели. Сезанн еще больше упростил яблоки, превратив их из сфер в круги. Текстура и мазки стали толще, а цвета разделены более отчетливо. Также стоит отметить, насколько много внимания Сезанн уделяет линиям этой картины. Яблоки четко очерчены, скатерть сложена как бумага.Это было то, что мы видели на протяжении всей карьеры Сезанна, отражая одержимость французов XIX века японскими гравюрами и эстетикой. Здесь он служит для того, чтобы еще больше отличить сцену и холст от чистой природы. Живопись Сезанна — это не исследование яблок, а исследование человеческого восприятия и природы искусства. Это был его зрелый стиль, и для натюрморта он произвел настоящий фурор.

Краткое содержание урока

Поль Сезанн (1839–1906) был французским художником-постимпрессионистом , известным своими натюрмортами.В этих картинах он овладел своим скульптурным, архитектурным методом толстых мазков, упрощенных форм, разбивки цвета и ломаной перспективы. Стиль Сезанна заложил основы кубизма, фовизма и других авангардных художественных движений 20-го века. Мы можем назвать эти сцены натюрмортами, но они активно меняли западное искусство.

Акварельный натюрморт с фруктовой тематикой из Индии — Garden Glory

«Искусство переносит меня в другое измерение, которое не кажется земным, а эфирным.Такую радость я получаю от рисования ».

«Забавные жизненные происшествия и счастливые воспоминания — вот что меня поддерживает и мотивирует. Я помню, что только что приступила к своей первой работе, когда узнала о своей беременности.Это были самые тяжелые дни для меня, я боролась с плохим самочувствием и перепадами настроения. Однажды случилось так, что ко мне подошла маленькая девочка и спросила, почему я ношу разные сандалии. Я посмотрел вниз и, к своему ужасу, обнаружил, что это действительно так! Весь день я делал вид, что у меня сломался второй ботинок, и с огромным трудом мне удалось весь день прятаться от людей. К счастью, кроме меня и этого маленького ребенка, никто не узнал об этом, и я пережил то, что могло бы стать самым неприятным моментом, если бы кто-нибудь из моих коллег обнаружил эту глупость!

«Я с детства развиваю свои творческие способности.Помню, я часами сидел в кладовке дяди, пытаясь скопировать красивые картинки из его журналов на урду. Время летит как по волшебству, и я чувствую себя перенесенным в другой мир. Мне нравится его сказочное качество. Искусство переносит меня в другое измерение, которое кажется не земным, а эфирным. Такую радость я получаю от рисования.

«Я начал профессионально заниматься живописью намного позже, с 2002 года. Поначалу у меня были тяжелые времена, поскольку мне приходилось идти против воли моей семьи, потому что я бросил работу, чтобы полностью посвятить себя искусству.Постепенно семья появилась, когда я проводил свою первую выставку, и я увидел гордость в их глазах, когда моя работа была оценена по достоинству. Мои картины получили место в большинстве газет. Для меня это был очень гордый момент.

«Я учусь у талантливого [известного художника Новицы] Сунила Джайсвала, он хорошо известный художник, который рисует довольно давно. Он мой гуру (учитель). Под его опекой я научился тонкостям создания рисование в трехмерном пространстве и о том, как каждый слой краски придает красоту простому листу бумаги.Он также помог мне избавиться от моей торопливой натуры. Теперь я знаю, что картина никогда не бывает завершенной. Вы всегда можете вернуться к нему и добавить еще много чего.

«Игра с цветами и самовыражение через искусство было моим хобби с юных лет. Я изображаю духовные и медитативные настроения, которые в основном образные. Во время медитаций появляются различные видения, которые переносятся на мой холст. Я считаю, что большая часть мои картины были вдохновлены Самим божественным, некоторые из них возникли из моих стремлений и желаний.Искусство в моей плоти и крови, не будет ошибкой сказать, что оно в моей душе.

«Я хочу стать известным художником. Я стремлюсь писать шедевры, которые приносят радость каждому. Помня о благополучии моих клиентов, большая часть моей работы выполняется с учетом концепций Ваасту и фэн-шуй, потому что я наблюдал эта позитивность приносит счастье, и если человека окружают визуально позитивные картинки, она приносит удачу.Положительная визуализация — очень мощный инструмент для достижения позитивных изменений в жизни.Визуализация изобилия рождает изобилие. Во всех своих картинах я изображаю темы любви, богатства, счастья и довольства. Мои композиции специально написаны для того, чтобы приносить радость и удачу тому, кто ими владеет.

«У меня также была возможность принять участие в нескольких групповых выставках, и впечатления и отзывы были отличными. Оценка моих картин от совершенно незнакомых людей — пища для моей души. Я доставляю огромное удовольствие, когда мой учитель говорит мне Я выделяюсь среди остальных его учеников.Выявлять лучшее — это непростая задача. Я не могу согласиться ни с чем, кроме самого лучшего. Я надеюсь на долгое и плодотворное сотрудничество с Novica, чтобы я мог расти как артист и получать более широкую поддержку ».

Тематические туры для ключевых этапов 1–2 | Обучение

В осеннем семестре 2020 тематические туры будут предлагаться онлайн. Школы могут выбрать свою тему обычным образом, а учащимся будет предложено взаимодействовать и задавать вопросы. Пожалуйста, свяжитесь с schoolbookings @ ng-london.org.uk для получения дополнительной информации и формы бронирования.

Ученики увидят не более трех картин в рамках организованного посещения. Эти занятия призваны развить у детей уверенность в себе и получить удовольствие от просмотра картин и реакции на них. Путем тщательного опроса и структурированной деятельности преподаватели Галереи помогут им улучшить свои навыки наблюдения и обсудить полученные результаты.

Отобранные картины дадут обзор временных рамок, жанров и тем, включенных в коллекцию.Ученики также будут изучать изменения в стиле, содержании и технике рисования с течением времени, развивая навыки, чтобы начать изучение самостоятельно.

Дней : Рабочие дни (только семестр)

Продолжительность : 60 минут

Размер группы : 10-30

Стоимость для школ Великобритании : бесплатно

Стоимость для зарубежных групп : 75–100 фунтов стерлингов на группу

Пожалуйста, выберите одну из следующих тем:

Общее введение
Ученики познакомятся с богатством страны и, следовательно, с ее коллекцией.Они будут практиковать свои навыки наблюдения и визуальной грамотности, сосредоточившись на трех картинах из галереи.

Мир вокруг нас — вода, погода, растения и животные или здания (пожалуйста, выберите одно)
Ученики познакомятся с тем, как художники изобразили мир природы и искусственную среду. Во время исследований в Галерее они откроют для себя художественные приемы, оживляющие нарисованный мир. Сеансы могут быть сосредоточены на изображении W ater, погоды, растений и животных или зданий с учетом того, как художники представили выбранный ими элемент и создали мир, в котором может жить зритель.

Пожалуйста, укажите при бронировании, на чем вы хотели бы сосредоточить свое внимание на сеансе.

Мифы и легенды
Ученики узнают, как художники рассказывали истории красками; как они построили сложные повествования, создали атмосферу, представили персонажей и увлекли зрителя эмоциями истории — все на одном холсте. Им будет предложено проработать историю так, как она изображена на картине, используя визуальные подсказки, включенные художником, и высказать свое собственное мнение и интерпретацию.Таким образом, это занятие подходит как для введения в тему, так и для тех групп, которые уже имеют практическое знание мифов и легенд.

Натюрморт, пейзаж или портрет (пожалуйста, выберите один)
Ученикам будет предоставлен обзор выбранного ими жанра, в котором будет показано, как к нему подходили разные художники, работавшие в периоды, охватываемые коллекцией. Педагоги галереи проведут их через ключевые элементы композиции натюрморта, пейзажа или портрета, поощряя сравнения стиля и техники.

Пожалуйста, укажите при бронировании, на какой области вы бы хотели сфокусироваться на сеансе.

Материалы, методы и процессы
Ученики будут изучать, как создается картина, как физически, так и композиционно. Они познакомятся с различными материалами и процессами, которые художники использовали с течением времени. Посредством управляемого просмотра они изучат, как художники составляли картину, использовали цвет, свет и тон и как создавались такие эффекты, как текстура и перспектива.

Религия в искусстве
Хотя религиозные произведения в коллекции в основном христианские, ученикам будет предложено задуматься в более общем плане о том, как художники изобразили священное, представить себе места, для которых они были заказаны, и что они значили для людей в то время . Посредством крупномасштабных алтарей и небольших работ для личного поклонения ученики будут исследовать, как художник использовал символы, цвет и композицию для представления историй и основных верований.

Сессии могут выступать в качестве общего расследования или сосредоточиваться на определенных праздниках, таких как Рождество или Пасха.

Take One Picture: Битва при Сан-Романо
Следующая картина в фокусе Take One Picture — «Битва при Сан-Романо» Паоло Уччелло. Ученики будут изучать картину вместе с двумя другими, выбранными для дополнения их понимания и наблюдательных навыков. Эта сессия будет работать либо как введение в Take One Picture, либо для расширения и консолидации знаний для тех, кто уже работал над проектом.

Группы SEND
Все вышеперечисленные темы могут быть адаптированы для групп SEND.Свяжитесь с нами для получения дополнительной информации о том, как мы можем удовлетворить потребности вашей группы.

Размер группы: максимум 10

Для бронирования
Бронирование можно делать только по электронной почте. Чтобы запросить форму бронирования, отправьте электронное письмо на [email protected] как минимум за шесть недель (и до одного семестра) заранее.

Что вам нужно знать:

• Нам необходимо указать 1-ю, 2-ю и 3-ю дату и время вашего визита в форме бронирования
• Для каждой группы из 10 — 30 учеников нам необходимо указать имя ведущего учителя, адрес электронной почты и номер мобильного телефона
• Мы не можем гарантировать, что ваша группа увидит определенную картину или художника, так как все картины и комнаты доступны в зависимости от наличия
• Забронируйте сеанс в галерее, прежде чем заказывать транспорт

Дополнительную информацию можно получить по телефону 020 7747 2424.

Как натянуть бумагу на планшет

Необходимость закрепления бумаги на планшете объясняется тем, что при работе водорастворимыми красками бумага набухает и морщится. Натянутая на планшет бумага не набухает, не коробится, и работать на ней значительно удобнее.

Нам потребуется:
1. Планшет, — то есть, подрамник, с одной стороны зашитый фанерой, или ДВП.
2. Клей ПВА, либо любой клей на той же поливинилацетатной основе. Можно так же использовать просто муку, размешанную в воде до консистенции густой сметаны.
3. Канцелярские кнопки, желательно хорошего качества.
4. Кисть для нанесения клея.
5. Молоток (для того случая, когда кнопки с трудом входят в древесину).
6. Бумага для акварели, или ватман хорошего качества.

Лист должен быть с каждой стороны на 5-7 сантиметров больше сторон подрамника, — чтобы бумаги хватило на подгиб.

Купите планшет в специализированном магазине для художников или попробуйте изготовить его своими руками. Для самодельного изделия возьмите лист фанеры и положите на него бумагу нужного формата. Нарисуйте контур будущего изделия с учетом бумажной подгибки (заготовка обтягивается со всех сторон). Так, для листа формата А2 вам понадобится фанерный отрез размером 45×35 см.
Выпилите заготовку по контуру. Прибейте рейки по периметру с изнаночной стороны. По необходимости тщательно отшлифуйте шероховатые поверхности древесины с помощью наждачной бумаги – сначала с более крупой зернистостью (маркировка Р40- 60), потом – с мелким абразивом (Р180-220). Теперь можно приступать к обтягиванию готового планшета бумагой.

Определите рабочую поверхность бумажного листа. Для этого проведите по нему ладонью и сделайте несколько штрихов карандашом – грифель (как и краски) будет лучше лежать на шероховатой поверхности. Это и есть «лицо» вашего планшета.  На бумаге вырежьте уголки. 

Смочите бумагу с помощью пульверизатора или губки, стараясь обработать ее как можно более равномерно.

Пока лист впитывает влагу, очистите доску и нанесите на углы и края планшета тонкий слой клея ПВА. Старайтесь, чтобы средство ни в коем случае не попало на лицевую сторону заготовки!

Начинайте обтяжку планшета. На размокшем листе обязательно появятся волны – все они будут тянуться в одну сторону. Осторожно растяните бумагу в этом направлении и наложите на заготовку.

По очереди подворачивайте края листа, прижимайте их к бортикам основы и хорошенько разглаживайте. Когда обтянутый планшет полностью высохнет, морщинки на нем расправятся. По окончании работы вам понадобится просто аккуратно вырезать рисунок бритвенным лезвием или канцелярским ножом.

Планшет для художника — для чего он нужен и как выбрать?

О чем вы думаете, услышав слово планшет? У большинства это понятие ассоциируется с техникой, но художники и люди, разбирающиеся в живописи, сразу вспоминают о специальном приспособлении, которым пользуются при рисовании.

Для каких целей нужен планшет?

1.Рисунок будет в целости и сохранности, пока вы его с планшета не срежете

2. Во избежании деформации листа (от соприкосновения с водорастворимыми красками бумагу «ведет», а на планшете такого не произойдет)

3. Планшет необходим всем студентам художественных вузов для практических занятий, пленэров, зарисовок и пр.

4. Планшет используется для создания рабочего пространства на мольберте-лира и треноге.

5. Также удобно просматривать работу на планшете и переносить ее.

Из чего делают современные планшеты?

Планшеты для рисования производят из клееной фанеры, которая закрепляется на каркасной основе. Рамка придает конструкции жесткость и сохраняет ровность бумаги, даже если материал взаимодействует с водой. Также планшеты изготавливаются из оргалита и из листов древесно-волокнистой плиты или сокращенно ДВП. Преимуществами таких планшетов следующие:

—легкий вес — особенно ценно при совмещенной работе с мольбертом;

-относительно низкая цена по сравнению с планшетами из других материалов;

—различные варианты по размерам;

—стабильный размер толщины деревянного планшета, равный 1,9 см.;

—практичность в применении.

Также планшеты можно разделить на обычные, на которые лист бумаги натягивается вручную, и планшеты с зажимом. 

Какой же планшет выбрать?

Если вы рисуете на плотной бумаге, то планшет с зажимом вполне подойдет, или вы можете закрепить бумагу на обычном планшете при помощи малярного скотча или кнопок. Однако бумагу для акварели (особенно плотностью менее 250 гр/кв.м.) мы советуем натягивать на лист во избежании деформации листа.

Натягивание листа — процесс несложный, необходимо потренироваться и следовать всем этапам:

1.Намазываем края и углы планшета клеем ПВА.

2.Подготовленный лист бумаги (если у вас планшет 30*40, то лист должен быть размером где-то 35*45) смачиваем водой с обеих сторон и даем немного стечь воде. Удобнее всего делать это из пульверизатора.

3.Кладем лист бумаги на планшет так, чтобы края листа немного выходили за края планшета. Чистыми руками, плавными движениями от центра к краям выгоняем воздух, приглаживая бумагу к планшету. Приближаясь к краям, постепенно загибаем бумагу за бортики планшета. Когда бумага будет прихватываться, поправьте углы- обеими руками обхватите угол и бережно натяните на него бумагу.

В ВикАрт вы можете найти планшеты на любой вкус и для любых целей, а также бумагу для различных техник.

Акварель

Основное качество акварели среди других направлений в живописи – это конечно прозрачность и тончайший красочный слой, который очень сложно достичь другими красками. Акварельные краски хорошо передают и небесную лазурь, и водяные струи, и серебро облаков, к тому же она учит вас развивать точность руки в наброске, зоркость глаза и тонкое ощущение прекрасного. Однако кажущаяся на первый взгляд простота, с которой художники работают в этой технике, обманчива.

Акварель — водяные краски

Ведь акварель требует определенного мастерства в работе с кистью, умение точно положить, как и общий тон, так и завершающие мазки. Исправление при работе с акварелью почти «невозможны». Особое внимание нужно уделять развитию чувства цвета, знать особенности пигмента, разбираться в различных сортах бумаги, так как она играет основную роль в передаче света и должна быть максимально белой. Свет, который проходит через слои краски даже в самых плотных мазках – создает блеск и особую светимость акварели.

Бумага для акварели

Для работы с акварелью нужна плотная, хорошего качества и абсолютно белая бумага. Для акварели не подходит гладкая бумага из-за плохого сцепления с краской, они скользят по ней как на промасленной бумаге. Писчая бумага быстро портится и слишком впитывает воду. Для акварели выбирают бумагу с зернистой поверхностью, как на холсте. Разработано несколько сортов — от мелко зернистой, до грубой текстуры. Зернистость бумаги дает возможность краски закрепиться прочными, ровными наслоениями, и довольно долго удерживает влагу в порах.

Лучшие сорта бумаги пропитаны высококачественным клеем, который выступает не только в роли грунта, но и связывает между собой волокна, что способствует хорошему сцеплению краски с поверхностью. Лучшей среди выпускаемой отечественной бумажной промышленностью считается бумага «Госзнак». Акварельная бумага выпускается в разных форматах: А-1, А-2, А-3, А-4, А-5. Бумага бывает как в папках так и в планшетах а также поштучно. Акварель не так сухо ложиться на бумагу, если вы слегка промоете ее чистой водой, используя для этого губку или больших размеров мягкую кисть.

Ценно то, что даже при слишком сильном увлажнении на бумаге не появятся складок, которые затруднят работу художника. Изготовленная из древесины дешевая бумага, имеет ряд недостатков: со временем начинает желтеть, становиться хрупкой, плохо хранится в рулонах. Лучше всего хранить акварельную бумагу в папках. Неплотная бумага, позволяет писать только быстрые этюды, используя минимальное количество наслоений.

Как готовят бумагу для работы?

Многие просто предпочитают натягивать бумагу на подрамник или доску- фанеру. Это делается в основном для длительных работ. Для быстрых работ используют папки и планшеты. Натягивают на подрамник акварельную бумагу не только увлажненную, но и сухую. В основном это зависит от сорта бумаги и привычек художника. Имейте в виду что недостаточно плотная акварельная бумага, если ее сильно увлажнить и натянуть, может потерять зернистость, которой так дорожат акварелисты. Толстая бумага для акварели просто крепится к доске при помощи кнопок.

Учитывайте при этом, что сам размер бумаги берется больше подрамника. К каждому краю надо прибавить толщину боковой доски. Сначала сгибают бумагу с одной стороны, фиксируя ее кнопками, потом с другой стороны слегка натянув ее. То же самое проделывают с другими краями. При этом нужно стараться натягивать бумагу от середины к углам. После этого подгибают углы и также закрепляют кнопками. Хорошими считаются подрамники из мягкой древесины. А кнопки для этого используют с длинным острием.

Палитра, этюдники

Для живописи акварелью удобнее всего палитра — пластмассовая коробка. Иногда она продается вместе с красками. Так как пластмасса белая на ней удобно подбирать краски. Прозрачность тона на ней такая же, как и на бумаге. Если краски в чашечках, лучше закрепить их на определенных местах, что — бы они не выпали при наклоне. Это помогает держать палитру на весу, если художник выходит работать на природу. При выборе бумажной палитры нужно учитывать, чтобы ее цвет совпадал с цветом акварельной бумаги. Расход краски при этом увеличивается так как она впитывается в бумагу. Для акварельной живописи используются «этюдники-мольберты», предназначенные для работы маслом.

Кисти

Наиболее используемые кисти для акварели – это белка. Ворс белки набирает достаточное количество влаги, отличается особой мягкостью и в тоже время позволяет получать сочные мазки. Все большей популярностью среди профессионалов пользуются кисти таких производителей кистей как: «Художественные материалы» г.Киров, «Рублев» г.Киров, «Альбатрос» г. Новосибирск, «Гамма» г.Москва.

Помимо белки также используются собольи и колонковые кисти. Они прочные и эластичные. Щетиной и синтетикой пользуются акварелисты с большим опытом.После работы кисти необходимо промыть чистой водой. Грязная кисть оставленная на продолжительное время в воде перепревает. Сухая, грязная кисть теряет эластичность и становится ломкой. Хранить кисть лучше в вертикальном положении.

Для небольших акварельных работ подходят кисти №8 или №10, а для средних размеров работ, удобнее всего № 14, 15, 16. Для деталей используют более тонкие кисти. Кисти продаются как поштучно, так и в наборах. Более крупного размера кисти применяют для заливки больших участков. На пример для изображения неба и воды, также их можно использовать для увлажнения бумаги перед работой.

Чтобы хорошо владеть кистью к ней нужно привыкнуть, почувствовать ее, познать ее особенности, научиться правильно держать ее, наполнять нужным количеством краски. При работе старайтесь не трогать руками поверхность бумаги в этих местах краска не будет ложиться равномерно. При мелкой, детальной прописке лучше опираться на мизинец.

Краски

Акварельные краски состоят из того же материала что и масляные и темперные краски. Отличие в том, что пигмент очень тонко раздроблен и доведен до состояния, когда находится в воде и долго не оседает. Акварель бывает в тюбиках и кюветах. Краски в тюбиках удобны тем, что при работе на пленэре быстро разводятся, особенно когда вы ограничены во времени, но если сразу не использовать краски, выдавленные на палитру, они быстро затвердеют. Полутвердые краски в кюветах легко разводятся водой, но быстро загрязняются. Если их сильно промывать на поверхности образуется большое количество клея, а нижние слои становятся непригодными, так как теряют связующий компонент. Хранить акварельные краски лучше в прохладном месте, так как они дольше не затвердевают.

Учитывайте: чем меньше раздроблен пигмент, тем больше окрашивающая сила акварели. Такие краски, как берлинская лазурь, краплак, индийская желтая, глубоко проникают в слои бумаги и прочно закрепляются в них. Начинающему художнику следует знать, что краски с мелким зерном будет трудно удалить с поверхности бумаги, легче смыть краски с крупнозернистом пигментом. Относитесь очень осторожно к выбору красок, тщательно изучите их свойства, цвета и светоустойчивость. Опытному художнику достаточно трех, четырех красок чтобы правдиво изобразить предмет. Достоинство художественных произведений не всегда возрастает от увеличения количества цветов. Напротив цветистость отвлекает от главного в картине, нарушая ее целостность. Поэтому не следует гоняться за большим количеством красок для вашей палитры.

Набросок для акварели имеет свои особенности. Учитесь наносить рисунок безошибочно без употребления даже мягкой резинки, так как может нарушиться верхний слой бумаги, и краска будет ложиться неровно. Старайтесь линии делать бледными и лаконичными. Графит карандаша нужно как следует заточить. Графит слишком мягкого карандаша растворится в воде и загрязнит краски. Очень твердый карандаш оставит на бумаге ненужные углубления. Достичь наибольшей точности в работе вам поможет постоянная работа с натуры и ее зрительное изучение. Важным условием успешных занятий являются хорошие материалы: краски, кисти, бумага. Лучшие наборы красок: Производства «ЗХК» г. Санкт-Петербург, «Гамма» г.Москва, а так же акварельные краски производства Голландии, Германии, Китая, Франции.

Существует много приемов письма акварелью, но наиболее распространенным считается многослойный прием. Он незаменим при продолжительной многослойной работе над натюрмортом, портретом, интерьером. Важно сохранить прозрачность, чистоту и звучание цвета. Не увлекайтесь большим количеством наслоений, это вызывает помутнение цвета. Увлажнив бумагу, вы добьетесь более мягких переходов тонов. Совершенно сухая бумага нужна при передаче резких очертаний. Первые слои должны быть очень тонкими. Последующие более насыщенным.

Старайтесь учиться рисовать с натуры, стремитесь увидеть ее целиком сразу всю, не по частям. Свет на палитре следует искать такой, какой он кажется по ощущениям. Для работы с натуры нет готовых рецептов и правил на все случаи, поэтому старайтесь наблюдать и объяснять себе те явления, которые происходят вокруг с изменениями цвета, состояния природы. Всегда помните, что нужны знания, на одной интуиции далеко не уйти. Вы не научитесь рисовать, если даже прочтете всю литературу по живописи, знание теории остается теорией. Живописный опыт единственный и самый верный путь к познанию искусства.

Все художественные материалы представленные в статье, а также акварель вы можете купить в нашем магазине по адресу: г.Королев ул. Горького дом 29 «Б» 2 этаж магазин «ХУДОЖНИК».

Наверх

Бумага для пастели

8 (800) 555 96 91   
Звонок по России бесплатный Звонок бесплатный

• Аэрография
• Книги по искусству
• Грунт, связующие, разбавители
• Бумага и картон
• Гипсовые фигуры и манекены
• Графика, рисунок, скетчинг
• Краски художественные
• Инструменты и аксессуары
• Канцелярские товары
• Кисти художественные

• Холсты и другие основы
• Рамы и подрамники
• Скульптура и лепка
• Папки, портфолио, тубусы
• Черчение
• Золочение и реставрация
• Каллиграфия
• Оборудование и мебель
• Предметы для декора
• Краски и эффекты для декора

• Пластика и пластилин
• Для детского творчества
• Декупаж, декопатч, мозаика
• Декорирование
• Батик и декорирование ткани
• Мольберты и этюдники
• Макетирование
• SALE

Техника акварельной живописи — П. П. Ревякин

Бумага

Первым, наиболее важным для акварельной живописи качеством бумаги является ее белизна.

Прелесть акварельного красочного слоя — в его прозрачности, тонкости, легкости; чем тоньше красочный слой, тем больше света он пропускает к бумаге, а чем белее бумага, тем больше света отражается и тем значительнее просвечивается красочный слой. Первой заботой акварелиста должна быть забота о сохранении белизны и свежести бумаги. Белизна бумаги служит источником света для видимости акварельного слоя на просвет, и поэтому акварель кончается там, где теряется ощущение бумаги под красочным слоем.

Нужно сказать о часто совершаемой ошибке в исполнении архитектурных акварелей. В поисках контура, многочисленных исправлениях, длительном рисовании или расчерчивании свежий лист бумаги превращают в грязную тряпку. Бумага темнеет и поверхность ее разрушается. При таком обращении с бумагой надеяться на успех в акварели не приходится.

При очень сложном контуре хорошо вводить стадию подготовительного рисунка. Его нужно готовить на отдельной бумаге; завершить на ней все искания и подготовить рисунок настолько, чтобы осталось только перевести его на свежий лист и приступить к нанесению красок. Стадия подготовительного рисунка отделяет композиционные поиски от исполнительской работы. При этом композиционные искания не связываются с беспокойством за целость бумаги, а для живописного исполнения создаются благоприятные условия свежести материала. Имея хорошо продуманный подготовительный рисунок, осторожно перенося его на бумагу, акварелист сберегает первостепенное качество бумаги — способность отражать свет.

Вторым важным качеством бумаги является ее прочность, которая необходима прежде всего для того, чтобы сохранять способность бумаги отражать свет из-под красочного слоя. Поверхность бумаги во время работы подвергается многим испытаниям. К ней, как мы уже сказали, прикладываются механические усилия во время нанесения рисунка; бумага испытывает, особенно при длительной работе, неоднократное размачивание и высыхание, вследствие чего поверхность ее делается рыхлой, приобретает губчатое строение; в глубокие поры поврежденной поверхности проникает краска, бумага теряет свое свойство отражать свет и разрушается. Вследствие всего этого красочный слой приобретает тусклый вид, и акварель теряет свое главное живописное достоинство — прозрачность.

Пренебречь до некоторой степени прочностью бумаги можно в том случае, когда работа ведется без рисунка, сразу. Некоторые этюды или наброски, выполненные на бумаге небольшой прочности, приобретают своеобразную мягкость, в некоторых изображениях очень уместную. Для длительной же работы, которой будут предъявлены высокие технические требования, нужна прочная бумага, способная без ущерба для своей белизны выдержать нанесение рисунка и затем при многократном смачивании на протяжении всех стадий работы способная отражать наибольшее количество света.

Третьим, не менее важным, свойством бумаги является ее фактура. Она содействует равномерному нанесению красочного слоя и прочному сцеплению частиц краски с бумагой. Благодаря зернистому строению фактурной бумаги частицы первого красочного слоя прочно схватываются с поверхностью бумаги.

При нанесении последующих слоев краски на бумагу с зернистой фактурой первые красочные слои могут остаться совершенно не затронутыми. Это очень важно с точки зрения живописного качества всего красочного слоя. Если он состоит из ряда непотревоженных слоев красок, то живописные качества слоя будут высокими. Если же красочный слой будет состоять из смеси многократных мазков, то он будет производить впечатление грязного, непрозрачного и глухого тона. Особенно неприятно это выглядит на гладкой бумаге; от нанесения последующих слоев первые, размокая под ними, смазываются кистью, появляются размытые места и места грязных сгустков, и вся работа производит впечатление неумелой.

Крупная фактура бумаги обогащает цветовые качества красочного слоя. Краска, положенная на гладкую поверхность, выглядит монотонной и скучной. Многогранная поверхность зернистой бумаги преподносит взгляду одну и ту же краску под разными углами освещения, и цвет ее приобретает бесконечное количество разнообразных оттенков. Однотонное цветовое пятно получает драгоценное качество живой поверхности, искрящейся разными оттенками цвета. Зерно фактурной бумаги имеет такую же ценность, как пастозно-корпусный мазок подмалевка масляной живописи, который служит световым экраном для последующей лессировки. Подобно тому как хрусталь или какой-нибудь драгоценный камень обнаруживает все свое богатство в граненой форме, как «многогранный», рельефный мазок корпусного подмалевка обнаруживает всю прелесть лессировки, так и зерно бумаги показывает все богатство прозрачного слоя акварельного материала.

Нужно сказать и о величине зерна. Бумага по своей фактуре имеет большое количество сортов: от гладкого до крупнозернистого. Выбор фактуры бумаги должен быть сделан в полном соответствии с характером изображаемого. Мелкое зерно более подходит для изображений мелкого масштаба, часто — интерьеров, или затененных форм, когда фактура предметов не обнаруживается светом, а также для изображения предметов воздушных, нежных и мягких. Крупная фактура бумаги уместна, когда основное в изображении — передний план, грубые, фактурные и сильно освещенные формы.

Следует еще сказать о подготовке к нанесению красок. Если в силу недостаточной опытности акварелиста бумага почему-либо стала грязной, то возвращать ей чистоту нужно осторожно, не скобля ее и не злоупотребляя резинкой. Лучший способ очищения бумаги — это промывание; для этого нужно в чистой воде развести немного мыла до состояния молока и мягкой кистью осторожно промыть всю бумагу с рисунком, а затем прополоскать свежей и чистой водой. После такой своеобразной «стирки» бумаге возвращается чистота, белизна и хорошая восприимчивость красок.

Если бумага после рисунка сохранила свою белизну, то перед нанесением красок ее нужно смочить и слегка промыть чистой водой, чтобы освободить ее от незаметной пыли и придать некоторую влажность. В таком виде бумага очень легко принимает краску, которая ложится мягко и прочно. По пыльной же бумаге краски не ложатся и собираются каплями. Надо обратить внимание на места, к которым прикасались руки, так как во время длительной работы на этих местах могут оставаться пятна, не заметные глазу, но препятствующие нанесению красок.

Следует помнить, что до первого прикосновения кисти бумага должна быть совершенно чистой и достаточно влажной, а акварелист должен приступить к работе с безукоризненно чистыми руками, красками и кистями.

Существует большое количество рецептов укрепления бумаги. Но при ответственном отношении к работе они не нужны. Зачастую рекомендуемые материалы не вполне исследованы и их влияние на сохранность акварели не проверено. Часто эти материалы бывают совершенно несовместимы со связующим акварели и поэтому рекомендовать их нельзя. Со всех точек зрения акварелисту по отношению к бумаге полезнее сосредоточить свое внимание на том, чтобы ее не разрушать. Если он будет ценить все технические качества бумаги с самого начала и грамотно вести работу, то не нужно будет заботиться об ее укреплении.

Наконец, несколько замечаний о прикреплении бумаги на подрамники. Многие уделяют этому недостаточно внимания. Одни натягивают ее на пяльцы, не оберегая ее от проколов, и работают на вспученной бумаге; другие наклеивают на картон, который придает бумаге жесткость и коробится; третьи прикрепляют ее только четырьмя кнопками и тоже работают на вспученной бумаге. Выпуклость ее заставляет краски растекаться в разные стороны, изображение деформируется, форма получается мятой. Лучше всего натягивать бумагу на подрамник, зашитый фанерой. Бумага должна быть всегда хорошо натянутой и гладкой. Если бумагу нужно укрепить на подрамнике надолго, то это лучше сделать клеем. Если же основанием бумаги служит временный подрамник, то прикреплять бумагу проще и быстрее небольшим числом хороших кнопок.

В том и другом случаях бумагу нужно смачивать с двух сторон, что дает равномерное увеличение ее при размачивании и медленное, равномерное уменьшение при высыхании. Намоченная с двух сторон бумага сохнет медленно, клей схватывается до того момента, когда бумага начинает подсыхать и тянуть. При смачивании бумаги сначала влажной губкой, без избытка воды, протирается внутренняя сторона так, чтобы не замочить краев, предназначенных для клея. Затем бумага перевертывается и ее внешняя сторона смачивается полностью вместе с краями. Если бумага прикрепляется на кнопках, то тогда она смачивается целиком с двух сторон.

Исключением могут служить работы очень больших размеров. В них появляется опасность разрывов от перекоса подрамника при переноске или от прогиба подрамника во время работы. Бумагу для таких работ лучше наклеить сухой и смочить только тогда, когда клей хорошо просохнет. Осадка при высыхании большого листа бывает достаточной для того, чтобы без риска разрыва натянуть бумагу. Кроме того, большие работы обычно ведутся по проработанным эскизам и по частям, что позволяет избежать большого коробления бумаги от намокания.

Прикрепляя влажную бумагу к подрамнику, нужно так направлять растягивающие усилия, чтобы сперва бумага натянулась между серединами длинных сторон, потом между серединами коротких, затем в углах по одной диагонали, потом по другой. Промежуточные точки натягиваются в последнюю очередь, равномерно и не очень сильно.

4 способа растянуть акварельную бумагу

Вы видели, как это произошло… Верно?

Вы наносите красивую водянистую смывку краски, вы успокаиваетесь, чтобы насладиться картиной, а затем… Все идет однобоко!

Когда акварельная бумага впитывает жидкость, она изгибается и деформируется, оставляя гребни и углубления, которые затрудняют контроль потока краски. Это неприятность, с которой приходится сталкиваться всем художникам-акварелистам. Это довольно неприятно, потому что по мере того, как вы продолжаете рисовать, пигмент имеет тенденцию стекать в низкие долины и оседать в лужах. Растянуть бумагу — обычное решение.

Раньше я думал, что просто используя акварельную бумагу, можно избежать этой проблемы. Но даже акварельная бумага расширяется при намокании.

Ага… Несмотря на то, что акварельная бумага предназначена для использования со средой на водной основе и довольно устойчива, она все равно деформируется из-за влажности. Это особенно актуально, если вы добавляете много влажных акварельных мазков или предварительно намочили бумагу для техники мокрого по мокрому.

Так как же избежать этой надоедливой проблемы?

Большинство художников растягивают бумагу, чтобы преодолеть деформацию.Но я обнаружил, что есть несколько способов сделать это. Действительно, некоторые художники-акварелисты изобретают оригинальные способы подготовки своей бумаги. У каждого метода есть свои преимущества и недостатки.

Итак, я решил собрать эту статью, чтобы показать вам 3 различных способа, растягивать бумагу и 1 общий пример того, как НЕ растягивать акварельную бумагу . Плюс в качестве бонуса я даже подскажу, как можно вообще не растягивать бумагу!

Зачем нужно растягивать акварельную бумагу?

В первую очередь растягиваем акварельную бумагу, чтобы избежать « складок ».Это термин, используемый для описания эффекта складывания, который мы наблюдаем, когда бумага влажная.

Бумага для акварели хорошего качества изготовлена ​​из 100% хлопка. Метод, используемый для производства коммерческой бумаги, заставляет волокна бумаги выравниваться в одном направлении .

Когда бумажные волокна впитывают воду, они расширяются на в длину и принимают более случайное выравнивание . Когда бумага высыхает, волокна снова сжимаются на . Но до некоторой степени волокна сохраняют свое неправильное расположение .Это изменение в структуре волокон является причиной образования выступов и низких впадин на поверхности бумаги, которые мы видим как коробление.

(Это также объясняет, почему акварельная бумага ручной работы меньше изгибается, потому что этот метод производства с самого начала приводит к более случайному расположению волокон бумаги).

Таким образом, вытяжка призвана устранить проблему образования складок.

Но есть еще одно интересное и полезное следствие растяжения бумаги.

Коммерческую акварельную бумагу также обрабатывают, чтобы изменить ее впитывающую способность и улучшить обработку. Это делается путем добавления химического вещества, известного как проклейка .

Необработанная бумага похожа на промокательную бумагу и обладает очень высокой степенью впитывания. Размер разработан, чтобы помочь контролировать эту характеристику, чтобы вся краска не впитывалась бумагой!

Но иногда акварельная бумага может иметь неровностей при проклейке поверхности .

Если впитывающая способность поверхности неравномерна, это может привести к появлению пятен. при нанесении краски.

Методы, используемые для растягивания бумаги, помогают растворить часть проклейки , создавая лучшее распределение проклейки по бумаге и на более восприимчивую поверхность .

Растворение проклейки — это случайный результат замачивания бумаги во время процесса растяжения, но некоторые художники также часто смачивают акварельную бумагу чистой водой перед работой, чтобы устранить проблему пятнистой проклейки.

Как растянуть акварельную бумагу

Какой бы метод вы ни выбрали для растягивания бумаги, основной подход остается тем же: сначала вы замачиваете бумагу, а затем растягиваете ее.

Когда вы замачиваете бумагу, она расширяется. Затем вы закрепляете края бумаги так, чтобы при высыхании и сжатии поверхность натягивалась как барабан. Когда вы начинаете рисовать, ваша бумага предварительно растягивается, она не деформируется и не мнется. Теперь у вас есть идеально ровная поверхность во время работы.

Замачивание бумаги

Сначала намочите бумагу. Для этого большинство художников выбирают один из следующих методов. Замачивание с помощью пульверизатора , губки или большой щетки .Или погружение листа в ванну с водой . Теплая вода, кажется, помогает бумаге быстрее расширяться.

Распыление бумаги вместо погружения занимает немного больше времени.

Если вы используете губку или щетку из щетины, будьте осторожны, не протирайте лист слишком сильно, так как это поднимет волокна на поверхности и может повредить бумагу.

Если вы принимаете ванну, просто погрузите простыню в емкость с водой. Если лист не помещается полностью, окуните один конец в воду и несколько раз протяните бумагу в воде от одного конца к другому.

Если вы выберете технику распыления или кисть, вы можете положить бумагу на чистую доску, намочить ее, затем перевернуть и снова замочить. Повторяйте процесс, пока бумага полностью не пропитается.

Лично я предпочитаю метод погружения, потому что там меньше шансов повредить бумагу.

На сколько нужно впитывать акварельную бумагу?

Вам нужно пропитать бумагу ровно на нужное количество времени, иначе у вас могут возникнуть проблемы позже. Если вы замачиваете слишком много, бумага значительно расширяется.Когда она высыхает и сжимается, бумага рискует оторваться от крепления из-за слишком сильного сжатия. С другой стороны, если вы не замачиваете достаточно, бумага высохнет ровно и натянуто, но когда вы добавите акварель, она все еще может изгибаться.

Обычно достаточно от 5 до 10 минут замачивания. Я использую акварельную бумагу Arches большую часть времени, и считаю, что этого достаточно. (Важно использовать бумагу хорошего качества. Arches — одна из лучших марок. Вы можете узнать больше о моей любимой акварельной бумаге здесь ).

Я рекомендую вам провести небольшое тестирование, если вы используете другой бренд.

Вы почувствуете, когда перестать намокать бумагу, когда она станет вялой и начнет вести себя как ткань. Когда бумага достаточно влажная, она теряет упругость. Проверьте «пружину» , время от времени загибая угол, чтобы проверить, полностью ли намокла бумага.

толщина бумаги повлияет на количество времени, необходимое для замачивания листа.Среднее время замачивания бумаги плотностью 300 г / м2 составляет не менее 5 минут. Для более плотной бумаги требуется больше времени для замачивания, а для более легкой бумаги — меньше времени.

Не замачивайте слишком долго, потому что не хочет растворять всю проклейку . Эта обработка добавлена ​​для улучшения характеристик акварельной бумаги. Если вы замачиваете слишком долго, внутренняя проклейка смоется.

Растягивание бумаги

Чтобы растянуть бумагу, вам нужно прикрепить пропитанный лист к гладкой плоской жесткой поверхности.Хорошо использовать доску, которая по крайней мере на 1 дюйм больше со всех сторон, чем ваш лист бумаги. Это оставляет место для приклеивания бумаги к доске.

Положите пропитанную бумагу на выбранную опору и при необходимости убедитесь, что она плоская, вытеснив воздушные карманы чистой губкой. Убедитесь, что вы положили бумагу правильно вверх ! Если вы используете отдельные листы, вы можете определить лицевую сторону по водяному знаку . Сориентируйте лист так, чтобы водяной знак читался правильно.

Бумага будет «прилипать» к поверхности, когда она намокнет, поэтому постарайтесь правильно расположить ее в первый раз, иначе ее будет сложно перемещать.

Некоторые хорошие материалы для натяжения досок включают:

Морская фанера (Хороший выбор, если вы предпочитаете что-то твердое. Убедитесь, что поверхность гладкая, и рассмотрите возможность окраски ее акриловой грунтовкой, чтобы сделать поверхность менее пористой. ½ дюйма — хорошая минимальная толщина).

Пенопласт Gator (прочнее обычного пенопласта, но при этом такой же легкий и с непроницаемой поверхностью).

Оргстекло (стабильное, легкое и увеличивает прозрачность).

Брезентовая рама или подрамники (легкий и дешевый).

Есть разные способы прикрепления бумаги к доске или каркасу. Чаще всего используется клейкая лента, которая легко доступна. Другой популярный метод — использование скоб, но я рекомендую вам использовать мощный степлер.

Сколько времени требуется для высыхания акварельной бумаги?

Постарайтесь оставить бумагу в сухом теплом месте, чтобы она высохла на ночь.24 часа — это хороший средний показатель, но вам следует проверить бумагу, чтобы убедиться, что она все еще холодная или влажная, прежде чем использовать ее.

Некоторые художники-акварелисты заранее растягивают свои листы и хранят их на растягивающихся досках, так что они готовы к использованию .

Убедитесь, что вы оставляете доску плоской во время сушки, а не вертикально. Если вы поставите его вертикально, влага будет стекать ко дну и может привести к отрыву клейкой ленты от доски.

Многие художники посоветуют вам не сушить бумагу феном.

На самом деле это, кажется, зависит от метода, который вы используете для растяжки, а также от того, насколько хорошо бумага закреплена. Как правило, бумага должна сохнуть с одинаковой скоростью, и ваша бумага не должна замачиваться слишком долго.

Немного терпения окупается!

4 Способы подготовки акварельной бумаги:

1 — Полностью пропитать и приклеить клейкой лентой

Это, вероятно, наиболее распространенный метод. Здесь я использую морскую доску, но вы можете использовать доску для аллигатора с этой техникой.Просто убедитесь, что ваша доска чистая, не передает цвет на бумагу и является жесткой.

Замочите бумагу одним из описанных выше способов.

Чтобы зафиксировать намокшую бумагу, вам понадобится клейкая лента. Эта лента активируется водой. Вам просто нужно протереть клеевую сторону ленты влажной губкой, чтобы клей активизировался. Будьте осторожны, чтобы не смыть клей, слишком сильно растерев или намочив его.

Если вы перфекционист, можете нарисовать карандашом ориентиры примерно на ¼ дюйма по внутренним краям бумаги.Это поможет точно выровнять клейкую ленту.

Клейкая лента — лучший вариант, чем малярная лента. Клейкая лента будет растягиваться вместе с бумагой, а малярная — нет. Будьте осторожны, чтобы не капал клей с клейкой ленты на вашу бумагу, клей высохнет и оставит пятна при рисовании.

Закрепите бумагу лентой со всех четырех сторон, начиная с двух противоположных сторон. Например слева и справа, затем сверху и снизу. Проверяйте наличие пузырьков воздуха во время наклеивания ленты.

Этот вид фиксации хорош в большинстве случаев, но на всякий случай рекомендуется добавить несколько скоб , чтобы усилить фиксацию.Бумага сжимается и пытается оторваться от заклеенного края. Это оказывает сильное давление на ленту, которого иногда бывает недостаточно, чтобы удерживать усаживающуюся бумагу на месте.

Разложите доску, чтобы она высохла. Чтобы удалить картину, обрежьте края листа острым ножом. Если вы попытаетесь удалить клейкую ленту, вы рискуете порвать картину!

Если вы выберете правильное время замачивания, этот метод будет надежным и надежным. Недостатком морской фанеры является то, что доска тяжелая, но доску для аллигатора бывает сложно найти, если вы находитесь в Европе.Я часто использую этот метод с листом оргстекла . Это чрезвычайно полезно, если вы хотите использовать прозрачность оргстекла для переноса рисунка на акварельную бумагу. Подготовленную доску можно положить на световой короб или напротив окна.

2 — Растяжка на холсте

Я видел, как многие художники использовали этот метод, который приводит к красивой плотной поверхности бумаги. Этой технике я впервые научился у художницы Евы Карпинской .

Для этого метода вам понадобится пустая рамка холста или подрамники холста. Вы можете либо раздобыть дешевые рамки и раздеть холст, либо купить подрамники и сделать свои собственные рамки.

Положите пропитанную бумагу на чистую ровную поверхность и убедитесь, что она гладкая, без воздушных карманов.

Поместите рамку холста в центр листа и оберните бумагу вокруг заднего края рамки.

Я рекомендую вам использовать сверхмощный степлер, чтобы закрепить бумагу на месте, он просто облегчает работу.Начните с скрепления в середине каждой стороны, а затем продолжайте. Углы должны быть аккуратно загнуты и скреплены скобами.

Оставить сохнуть. Конечный результат получается красиво гладким, и над ним приятно работать.

С помощью этого метода можно создавать рамки любого размера или индивидуальные. Рамы очень легкие, и вы даже можете держать их на раме, если защитите свои акварельные картины (используйте что-то вроде Renaissance Micro-Crystalline Wax Polish).Этот метод также имеет некоторые преимущества для художников, которым нравится техника «мокрый по мокрому». Возможность проверить влажность бумаги, прикоснувшись к ее обратной стороне, является огромным преимуществом!

3 — Использование подрамника для акварельной бумаги

Последний метод — использовать специально разработанную доску для растягивания бумаги. Первоначально система была изобретена британским художником-акварелистом Кеном Бромли. Он назвал его « идеальный подрамник для бумаги ».

Это очень хороший метод натяжения бумаги, обеспечивающий превосходную ровную поверхность, напоминающую барабан.Доска имеет бороздки по краям. Используйте резиновые полоски, чтобы закрепить пропитанную бумагу на месте. Возможно, вам понадобится молоток, чтобы вернуть резину на место, что добавит хорошее дополнительное натяжение. Некоторые художники рекомендуют заранее нанести воск для свечей в канавки, чтобы облегчить удаление бумаги.

А поскольку бумага надежно удерживается на месте, вы также можете использовать фен, чтобы ускорить процесс сушки!

Довольно круто …

Этот метод очень эффективен, но дорог.Не нужно убирать грязную ленту. Их нелегко достать в США, но их можно отправить из Великобритании или найти прямо в магазине товаров для искусства Ken Bromley .

Как НЕ растягивать акварельную бумагу

Это техника, которую некоторые художники называют quick and easy . Весь процесс выполняется прямо на доске и с меньшим количеством воды, поэтому он не такой беспорядочный.

Я видел, как художники показывали этот метод, и, честно говоря, у меня были сомнения, поэтому я подумал, что протестирую его, прежде чем выносить суждение.

Приклейте бумагу скотчем к доске и используйте малярную ленту, чтобы закрепить бумагу на месте. Убедитесь, что под бумагой нет воздуха.

Теперь намочите бумагу чистой водой и большой мягкой кистью. Пройдитесь по бумаге пару раз, чтобы убедиться, что вся поверхность влажная.

Наконец просушите бумагу феном!

Этот метод прост, и вы можете использовать бумагу вскоре после подготовки. Так что это будет хороший метод, если вы торопитесь.

Но в моих тестах этот метод не работает !

Заклеивание бумаги липкой лентой перед замачиванием полностью разрушает цель.Бумага расширяется при намокании, а при сушке феном кажется, что она снова становится плоской. Но когда вы рисуете на бумаге даже со средней влажной стиркой, бумага все равно застегивается !

Не стесняйтесь попробовать, но, честно говоря, я бы не рекомендовал эту технику. Это не то, что я называю растяжением бумаги.

Предварительно растянутая бумага для акварели

Я вижу, как несколько художников утверждают, что акварельные блоки предварительно растянуты .

Акварельные блоки представляют собой стопку листов, скрепленных между собой толстым клеем со всех четырех сторон. Блок-листы не растягиваются . Однако они, кажется, лучше сопротивляются деформации, чем отдельные листы.

Я обнаружил, что акварельные блоки по-прежнему деформируются при рисовании с интенсивной стиркой, но бумага становится плоской при высыхании. Таким образом, вы получаете плоскую картину, но не можете полностью избавиться от раздражающих неровностей во время работы.

Однако блоки могут быть очень практичными при работе на пленэре.

Какая альтернатива натяжной бумаге?

Если вы слишком нетерпеливы, чтобы растягивать бумагу каждый раз, когда вы хотите рисовать, но все же хотите избежать этого надоедливого коробления, вы можете просто попробовать использовать более толстую бумагу !

Как и многие акварелисты, я использую акварельную бумагу Arches для многих своих работ.

Но знаете ли вы, что они делают плотной акварельной бумаги с плотностью 300 фунтов / 640 г / м2 ?

Бумага этого типа настолько тяжелая, что лишь слегка коробится после многократных влажных стирок.Бумага 640 г / м2 достаточно толстая, чтобы противостоять короблению даже при использовании техники «мокрый по мокрому».

Это почти как картон! Кроме того, вы можете получить эту статью в блочном формате. Таким образом, вы получаете некоторые преимущества акварельного блока (который помогает удерживать поверхность ровной) и меньшее количество короблений из-за толщины бумаги!

Неплохой вариант!

Бумага для акварели ручной работы также имеет тенденцию меньше коробиться из-за случайного расположения волокон бумаги на листах этого типа.Листы ручной воздушной сушки имеют тенденцию меньше морщиться и беспорядочно, равномерно распределяясь по всему листу. Но если у вас получится очень плотная бумага ручной работы, это отличная поверхность, не требующая растяжения.

Как выровнять акварельную картину

Ой!

Значит, вы не растягивали бумагу, и теперь ваша картина шаткая?

Не волнуйтесь. Есть способы, которыми вы можете попытаться восстановить картину, которая деформировалась после сеанса рисования.

Самый простой метод выравнивания красивой акварели следующий:

1.Смочите обратную сторону акварельной картины из баллончика с водой.

2. Поместите картину между двумя листами чистой бумаги .

3. Положите картину на ровную поверхность и накройте какой-нибудь доской.

4. Теперь поместите гири на доску (некоторые тяжелые книги справятся с этой задачей). Доска поможет распределить вес по поверхности бумаги, но постарайтесь распределить веса равномерно.

5. Дать высохнуть минимум на 6 часов.

Некоторые люди используют утюг для выравнивания изогнутых картин.Будьте очень осторожны, если попробуете этот метод, потому что есть реальный риск того, что вы сожжете бумагу, поэтому используйте слабый нагрев. Сначала смочите обратную сторону бумаги, затем прогладьте обратную сторону картины, положив сверху полотенце для защиты.

Заключение

Если вы не переносите коробление, попробуйте заранее подготовить листы акварельной бумаги. Лично мне нравится метод растяжки доски с использованием листа оргстекла, чтобы я мог перенести свои рисунки, или преимущество легкости использования рам подрамника.

Растягивайте бумагу только тогда, когда это необходимо и когда это соответствует вашим предпочтениям в рисовании.

Поздравляем, если вы дошли до конца этой длинной статьи!

А теперь хорошенько потянитесь!

Растяжка акварельной бумаги для лучшего впечатления от рисования

Большинство художников-акварелистов испытали разочарование из-за того, что бумага деформировалась, из-за чего краска растекалась повсюду, кроме того, куда они хотели. Растягивая акварельную бумагу, она остается ровной на протяжении всего процесса рисования.Опыт рисования на акварельной бумаге, которая остается идеально натянутой и ровной, является откровением для художников, которые всегда боролись со своей бумагой.

Если вы хотели растянуть акварельную бумагу, но думали, что это слишком сложно или требует слишком много времени, это может помочь вам понять, что это довольно просто. Если вы пытались, но безуспешно, это может помочь вам увидеть несколько простых правил, которые приведут к успешной растяжке.

Равномерная размывка синего цвета нарушается из-за набухших участков, из-за чего цвет растекается в долине, образуя непредусмотренную линию краски.

Ровная стирка на этой бумаге, натянутой скрепками, остается ровной и не объединяет
, потому что бумага остается плоской

Акварельная бумага плотностью менее 200 фунтов (425 г / м2) будет складываться во влажном состоянии, образуя холмы и впадины, которые делают ее невозможно контролировать поток акварели. Растягивание бумаги включает в себя замачивание бумаги, пока она не набухнет, прикрепление ее к жесткой поверхности и дает ей высохнуть, пока она не сядет и не станет натянутой (или сразу же покрасить, если вы хотите рисовать мокрым по мокрому).Натянутая поверхность позволяет вам рисовать, не сражаясь с лужами цвета, используя столько воды, сколько захотите.

Платы

Обрежьте бумагу примерно на 3 см больше с каждой стороны, чем вы хотите, чтобы была законченная картина, вы потеряете это количество бумаги на области, покрытой лентой.
Доска должна быть как минимум на 3 см больше во всех направлениях, чем бумага, которую вы будете растягивать.
Вам понадобится прочная доска, которая не деформируется при растяжении. У меня были хорошие результаты как с деревянными досками Джексона, так и с гладкими панелями Джексона, которые использовались в этой статье.

Jackson также отлично работают.

Если к поверхности прилипла старая бумажная лента, удалите ее перед натяжкой. Это легко сделать, смочив область губкой и соскоблив ленту мастихином или бритвой.

Лента резиновая

Заранее отрежьте клейкую бумажную ленту, на 3 см длиннее каждой стороны, отложите в сторону и держите сухой (ни в коем случае не допускайте попадания на нее брызг). Я храню ленту в полиэтиленовом пакете.

Заранее подготовьте полоски клейкой ленты и держите их сухими.

Замачивание

Выдержите 5-10 минут для бумаги весом 140 фунтов, больше для более плотной бумаги. Каждый вид бумаги будет отличаться. Вы узнаете, что бумага достаточно намокла, когда она станет мягкой, как влажная ткань. Вы хотите, чтобы он впитал в себя всю воду, но если вы будете замачивать его намного дольше, он может начать терять размер. В акварельную бумагу добавлен аппрет (желатин или заменитель желатина), который предотвращает ее чрезмерную впитываемость. Если бы она была такой же впитывающей, как промокательная бумага, ваша краска погрузилась бы внутрь, а не осела бы ярко сверху.Если вы замачиваете бумагу слишком долго, вы можете удалить проклейку с поверхности и сделать бумагу слишком впитывающей.

Замочите большие простыни в хорошо вымытой ванне, так как остатки мыла могут вызвать появление пятен на бумаге. Замочите небольшие листы в большой плоской пластиковой ванне. Если у вас нет возможности погрузить бумагу в воду, вы можете намочить ее губкой и продолжать смачивать и переворачивать, но этот метод займет до 5 раз больше времени, чтобы бумага полностью намокла.

Погрузите простыню меньшего размера в плоскую ванну с водой для замачивания.

Лента

Равномерно смочите деревянную доску.
Выньте бумагу из воды и возьмитесь за угол, чтобы вода стекала. Отнесите бумагу к мокрой доске. Согните бумагу пополам, чтобы получился легкий рулон в центре, и совместите этот центр с центром доски. Опустите бумагу и опустите ее сначала по центру. Тереть ее не нужно, она хорошо ложится на доску. Если он не приземляется в центре, поднимите его, поклонитесь и попробуйте еще раз.Если у вас есть большие воздушные карманы, поднимите только этот угол и отпустите их, но маленькие воздушные карманы не имеют значения. Смочите подготовленные полоски ленты губкой, но не смачивайте их настолько, чтобы не смыть жевательную резинку. Я использую небольшую губку, из которой выжимаю большую часть воды, одной рукой сжимаю ленту и губку, а затем протягиваю ленту. Ваша лента не должна капать. Затем, равномерно удерживая ленту по всей длине, опустите полоску ленты сразу к краю бумаги, половина на бумаге и половина на доске.Осторожно проведите пальцами по краю, чтобы удалить все пузырьки воздуха, но старайтесь не растягивать ленту.

Предостережение: Если лента выглядит так, как будто она плохо держится, не поддавайтесь искушению провести влажной губкой по верхней части ленты, так как это гарантирует, что ваша лента выйдет из строя, кажется, что клей удалится.

Выньте бумагу из воды за один угол и встряхните, чтобы проверить, не ощущается ли она гибкой, как влажная ткань. Затем дайте стечь большому количеству воды.

Согните бумагу пополам, чтобы получился легкий рулон в центре, и совместите этот центр с центром вашей доски.

Опустите бумагу и поместите ее по центру вперед.

Не нужно тереть, он хорошо ложится на доску.

Я использую небольшую губку, из которой выжимаю большую часть воды, в одной руке сжимаю ленту и губку, а затем протягиваю ленту.

Удерживая ленту равномерно по всей длине, опустите ленту сразу до края бумаги, половина на бумаге и половина на доске

Если лента выглядит так, как будто она плохо держится, не поддавайтесь искушению провести влажной губкой по верхней части ленты, так как это гарантирует, что лента выйдет из строя.

Осторожно — лента капает

Не допускайте попадания воды с ленты на бумагу, так как это приведет к тому, что на бумаге останутся пятна, на которые не будет прилипать краска. (Вы могли заметить пятна на своей бумаге в прошлом и подумали, что бумага бракованная.)

Капли клейкой ленты, которые были невидимы на бумаге, появляются, когда вы начинаете рисовать.

Капли жевательной резинки действуют как резист, и под краской появляются пятна.

Сушка

Дайте высохнуть полностью, возможно, на ночь или день.Это единственный недостаток — вам нужно заранее подготовить натянутые доски. Вы можете промокнуть всю поверхность, надавливая легкими движениями вниз (без трения!), Используя сложенное банное полотенце или кучу кухонных рулонов, стараясь не сдвинуть ленту. Сушите доску ровно, без наклона на боку, иначе она будет высыхать неравномерно, поскольку вода стекает к одному концу, если вы не поворачиваете доску каждые 5 минут или около того. Он также может пролить воду под ленту и удалить клей. Ускоренная сушка феном вызывает ту же проблему, неравномерную сушку.Вам нужно ровное натяжение, чтобы никакая часть не растянулась. Так что наберитесь терпения.

Во время этого процесса ваша бумага набухла и увеличилась на несколько миллиметров. По мере высыхания он сжимается до своего первоначального размера и натягивает ленту. Если вы воспользуетесь феном и заставите одну область высохнуть быстрее, она сожмется и потянет ленту еще влажной части. Успех растяжения бумаги — это результат правильного количества воды и равномерной сушки. По мере практики вы поймете, насколько влажной должна быть доска и насколько влажной должна быть лента, а также лучший способ обеспечить равномерное высыхание.

Сушите квартиру, не торопитесь, наберитесь терпения.

После того, как вы покрасили — и ваша картина высохнет

Дайте вашей картине высохнуть на доске.
Чтобы удалить сухую картину с доски, проткните ленту и проведите ножом по картине, чтобы половина ленты оставалась на доске, а половина — на картине. Вы можете разрезать бумагу по краю и оторвать ее от доски. Большинство художников оставляют ленту на картине, так как она будет скрыта под креплением, когда вы обрамляете картину, и смачивание ленты для удаления прилипшей ленты может повредить произведение.Кромка ленты также добавляет устойчивости. Если коричневый вас беспокоит, можно использовать белую бескислотную ленту. А архивную клейкую ленту безопаснее всего оставлять на бумаге.

Просто отрежьте по краю бумаги и снимите ее с доски

Крепление скоб

Другой вариант — прикрепить пропитанную бумагу скобами к доске. Это быстрее и не подвержено повреждению ленты из-за слишком большого или недостаточного количества воды, растяжения или смещения ленты при наложении. Он также оставляет следы, но они могут быть ближе к границе, поэтому вы теряете меньше бумаги.Это хороший выбор, если у вас есть доска того же размера, что и ваша бумага, без границ, необходимых для ленты. Единственный недостаток в том, что кажется, что бумага удерживает бумагу менее туго, но она намного лучше, чем нерастянутая бумага, и надежна. Я использовал офисный степлер с хорошими результатами. Инструмент для удаления скоб избавит от боли в пальцах, когда вы придете снимать засохшую законченную картину.

Другой вариант — прикрепить пропитанную бумагу скобами к доске.

Носилки для бумаги

Альтернативой использованию клейкой бумажной ленты или скоб является использование подрамника для бумаги.

Подрамники для бумаги используют зажимы, чтобы удерживать пропитанную бумагу на доске. Они бывают определенных размеров, и ваша бумага должна быть обрезана по размеру, на несколько мм меньше, чем доска, чтобы она не была больше, чем доска в мокром состоянии, поскольку бумага разбухает. Они работают хорошо, хотя и не экономят время, потому что прикрепление зажимных планок занимает столько же времени, как и наложение ленты. Преимущество в том, что на границе нет ленты, хотя край бумаги гофрирован. Недостатком является то, что вы должны использовать бумагу требуемого размера.

Обрежьте бумагу примерно на 5 мм меньше с двух сторон, чем доска. Замочите как обычно и бросьте на доску. Это немного сложнее, поскольку у вас нет права на ошибку, потому что нет границы.
Затем прикрепите и затяните зажимные планки.

После высыхания бумаги и после того, как вы покрасили и картина высохла, снимите зажимы. Обратите внимание на гофрированный край рамки, который нужно будет скрыть под монтажной платой. Ваши зажимы, вероятно, нужно будет промыть перед тем, как использовать их снова, поскольку краска может попасть внутрь и вызвать проблемы с вашей следующей покраской.

Альтернативы

• Если вы не хотите растягивать акварельную бумагу, но хотите, чтобы ваша поверхность оставалась плоской, вы можете использовать плотную бумагу весом более 200 фунтов или акварельный картон (акварельная бумага, ламинированная на картон, как монтажная доска).
• Если в вашем стиле рисования используется очень мало воды, у вас будет меньше морщин, и вы сможете уйти, не растягивая бумагу.

Плотная бумага и акварельный картон не требуют растягивания
Если вы используете очень мало воды, будет меньше складок

Если вы овладеете простым искусством растягивания акварельной бумаги, вы обнаружите, что это занимает мало времени и имеет огромное значение для вашего опыта рисования.Многие художники готовят несколько досок одновременно, чтобы работать над более чем одной картиной за раз или чтобы не ждать, чтобы снова нарисовать, пока последняя не высохнет и не будет удалена с доски.

Щелкните подчеркнутую ссылку, чтобы перейти в отдел акварельной бумаги на веб-сайте Jackson’s Art Supplies.
Почтовая оплата по заказам, стандартно отправленным на адреса материковой части Великобритании, бесплатна для заказов на сумму 39 фунтов стерлингов.

Растяжка бумаги: застегивание пряжки

Растяжка акварельной бумаги имеет определенные эстетические преимущества.У вас получится идеально ровная поверхность для работы. Эта поверхность будет оставаться относительно ровной во время работы, а готовая картина высохнет идеально ровно. Единственный недостаток в том, что для того, чтобы делать это постоянно, требуются определенные усилия и самоотверженность.

Любая бумага плотностью менее # 300 должна деформироваться в зависимости от количества воды, абсорбированной в процессе окраски. Синтетическая бумага вообще не коробится. Акварельная бумага в подготовленных блоках также высохнет, если оставить их на блоке для высыхания.

Есть 4 способа сделать это…

Есть четыре традиционных способа растянуть или закрепить акварельную бумагу. Вы можете использовать мясную ленту, скобы, раму и скобы или пшеничную пасту. И всегда есть альтернативы.

Общие расходные материалы

Ведро для воды, чистая плоская губка, хозяйственная губка, распылитель, бумажные полотенца, ножницы или нож для коврика. Скобы, мясная лента или жидкий клей. Закаленный мазонит, герметичная фанера, квадратная рама подрамника, доска Grafix Incredible Art Board или деревянная доска для рисования.

Замачивание бумаги

Этот шаг является общим для всех техник растяжки. Самый простой способ — воспользоваться ванной. Убедитесь, что он чистый, и залейте его чуть теплой водой примерно на 6 дюймов. Осторожно погрузите бумагу в воду скользящим движением. После замачивания около 5-10 минут (в зависимости от веса бумаги) возьмитесь за угол и вытащите бумагу из воды, поддерживая ее, пока вода не стекает. Положите влажную бумагу на чистую доску, аккуратно разгладьте ее чистой губкой и удалите излишки воды.Продолжайте растягивать бумагу по своему вкусу. Вы также можете смочить бумагу губкой и распылителем на чистой доске. Вам придется перевернуть бумагу несколько раз, чтобы она пропиталась и растянулась.

Достаточно ли влажно?

Обычное правило — «Проверить углы». Если вы сгибаете угол, а он с трудом возвращается в исходное положение, вероятно, это правильно. Если вы встречаетесь с сопротивлением или у него слишком много «щелчков», значит, он недостаточно влажный. Если он болтается, как приготовленная лапша для лазаньи, значит, он слишком влажный, чтобы с ним можно было работать, и вам придется промокнуть его, прежде чем растягивать.Бумага, пропитанная слишком долго, может потерять большую часть размера и повлияет на способ приема краски.

Лента мясника

«Лента мясника» изготовлена ​​из плотной крафт-бумаги и имеет водорастворимое клейкое покрытие с одной стороны. Обычно это крафт-бумага коричневого цвета и шириной от 3 до 4 дюймов. Монтажная доска должна быть сделана из закаленного (более темного материала) мазонита или герметичной фанерной доски толщиной не менее 3/8 дюйма. Размер должен позволять не менее 4-6 дюймов открытой доски по краям вашей бумаги.

Отрежьте 4 полоски ленты примерно на 6 дюймов длиннее бумаги. Отложите их в сторону.

Замочите бумагу, стараясь удалить лишнюю воду с поверхности и краев бумаги.

С помощью универсальной губки смочите клей на ленте для верхнего края бумаги. Выровняйте его по верхнему краю и дайте ему нахлынуть на бумагу не менее чем на дюйм. Придавить, разгладить и промокнуть губкой или бумажным полотенцем.

Повторите шаг 3 с левым, правым и нижним краями.

Положите картон ПЛОСКИМ, пока бумага высохнет.

Обрезать малярную доску. Прежде чем растягивать новый лист, как можно лучше удалите старую ленту.

Чего следует избегать

Чрезмерно влажная бумага и / или чрезмерное или недостаточное насыщение клея на ленте. Пытаться поспешить сушить феном в лучшем случае рискованно.

Метод сшивания

Используйте запечатанную фанерную доску 3/8 дюйма, доску Grafix Incredible Art Board или традиционную деревянную доску для рисования. Скобовый пистолет — необходимость!

Замочите бумагу, положите ее на доску и удалите лишнюю воду с поверхности и краев бумаги.

Начиная с левого верхнего края, вставьте скобы на 1/2 дюйма от внешнего края на расстоянии примерно 1 1/2 дюйма друг от друга, выровняв их параллельно краю бумаги.

Повторите шаг 2 с левым, правым и нижним краями.

Положите картон ПЛОСКИМ, пока бумага высохнет.

Снимите картину, удалив скобы. Используйте инструмент для вытягивания скоб.

Если вы торопитесь, отрежьте картину от доски. (Но рано или поздно вам придется удалить эти скобы, не так ли?)

Чего следует избегать

Сгибание суставов пальцев и судороги рук.

Метод деревянного подрамника

Для этого метода вы будете использовать стандартные брезентовые подрамники и обработать бумагу тонким полотном. Есть некая «уступка» поверхности, связанная с работой на натянутой таким образом бумаге, то есть приобретенный вкус. Это очень похоже на рисование на натянутой пластине барабана. Не тяните за бумажную насмешку при растяжении, просто убедитесь, что она плоская.

Усадка бумаги при высыхании приведет к ее сжатию, поэтому не поддавайтесь натяжению, излишнее натяжение может порвать вашу бумагу при высыхании.

Начните со стандартного подрамника холста, размер которого позволяет бумаге перекрывать примерно 2-3 дюйма со всех сторон.

Выровнять раму и при необходимости закрепить.

Замочите бумагу, стараясь удалить лишнюю воду с поверхности и краев бумаги.

На чистой рабочей поверхности перекрывайте верхнюю планку подрамника верхним краем (2–3 дюйма) влажной бумаги.

Проведите ряд скрепок на расстоянии от 1 дюйма до 1 1/2 дюйма по верхнему краю. Оставьте 2 дюйма бумаги без скрепок на углах для последующего сгибания и сшивания.

При желании вы можете сложить бумагу на обратной стороне планки и сшить там скобки.

Поверните кусок по часовой стрелке, повернув бумагу к себе, и скрепите левый край так же, как в шаге 5.

В углу вы сделаете стандартную складку и складку, прежде чем скрепить скобами.

Повторите шаги с правым и нижним краями.

Положите натянутую бумагу ПЛОСКО во время высыхания.

Вырежьте картину из рамы и удалите скобы.

Чего следует избегать

Разочарование, если ваша первая попытка растяжения рамы не удалась (разрывы или деформации)

Метод пшеничной пасты

Для этого метода вы используете клейкую основу (на основе жевательной резинки), на основе пшеницы или другого крахмала водорастворимый клей.Эта техника была предпочтительной до появления «мясной ленты» для упаковки.

Положите сухую бумагу на монтажную доску. Обозначьте края карандашом.

При необходимости приготовьте пшеничную пасту или другой клей.

Замочите бумагу, стараясь удалить лишнюю воду с поверхности и краев бумаги. Разложите его на другой чистой доске.

Используя чистую универсальную кисть, нанесите жидкий клей полосой 3/4 дюйма вокруг внутреннего края контура карандаша на монтажной плате.

Положите промокшую (без капель!) Бумагу на отмеченные поля и разгладьте влажной губкой.
Положите картон на ПЛОСКОЕ, пока бумага сохнет.

Обрезать малярную доску. Прежде чем растягивать новый лист, как можно лучше удалите старую бумагу и остатки клея.

Чего следует избегать

Желание есть пасту и любые последствия от острых инструментов.

Альтернативы и советы

Вы можете растянуть меньшие и легкие листы с помощью кнопок.

При растяжении на рамах подрамников можно использовать традиционные прихватки.

Вы можете купить более плотную бумагу.

Можно работать меньшим размером.

Вы можете использовать бумагу № 140 и малярную ленту или большие металлические зажимы и найти «естественное коробление» ваших материалов органично привлекательным.

Как растянуть акварельную бумагу

Я снял демонстрацию того, как я делаю свой собственный растянутый акварельный холст.

Как растянуть акварельную бумагу — сделать свой собственный холст

Растяжка на бумаге для акварели может быть мелкой. Но, к сожалению, при использовании бумаги весом 140 фунтов вам необходимо ее растянуть.Если вы не растягиваете ее, она сгибается, когда вы работаете с ней, вы не сможете промыть плоскую поверхность и не сможете хорошо рисовать на нерастянутой акварельной бумаге.

Также может быть очень дорого всегда иметь вашу работу в рамке. В большинстве случаев невозможно отправить ваши картины в рамке, так как картина должна находиться за стеклом, и существует большой риск того, что стекло сломается при отправке.

Я был очень счастлив, когда понял, что могу сделать свой собственный акварельный холст , используя мою любимую бумагу.Хочу поделиться с вами этим методом. Вам тоже понравится этот метод, так как теперь вы можете работать на плоской поверхности, чтобы не беспокоиться о том, что с лентой все еще в порядке, вам не нужно обрамлять картину, потому что она может висеть на стене и не работает. т нужно стекло.

Конечно, вы можете обрамить его как масло или как акриловую картину, без стекла. Картина нуждается в лаке, чтобы защитить ее. Но не используйте лак, пока вы действительно не закончите свою картину. Как только картина будет покрыта лаком, вы не сможете снова нанести мазок.Я очень часто использую этот метод в своих акварельных картинах.

Ниже представлена ​​акварельная картина одной из моих картин с розами, показывающая, как выглядят эти акварельные холсты.

В видео ниже о , как растянуть акварельную бумагу , я использую акварельную бумагу холодного отжима весом 140 фунтов, но вы также можете использовать бумагу горячего отжима. Вес 140 фунтов работает идеально. Если вы используете более тяжелый вес, вы получите очень толстые края, и картина не будет хорошо вписываться в раму (если вы решите обрамить ее).

Акварельный холст — материал

Для создания акварельного холста вам понадобится следующий материал:

• подрамники
• ваша акварельная бумага
• нож
• степлер
• карандаш

Подрамники можно купить в любом магазине художественных товаров. Они действительно дешевые. Затем сложите их вместе нужного размера, отрежьте бумагу, намочите ее и прикрепите скобами к планкам подрамника.

Для этого требуется всего несколько минут, и вы можете выполнять их в любом размере.Я рисую на маленьком или большом холсте, и мне просто нравится то, что я могу раскрашивать края и развешивать свои картины без стекла и без рамы (если вы предпочитаете это делать). Конечно, оформить это как картину маслом просто замечательно.

Картина «Лилейник с бабочкой» — это акварель на акварельном холсте, созданная из бумаги холодного отжима 140 фунтов. Когда картина была закончена, я поставил ее в раму без стекла.

Картина должна быть покрыта лаком.

Покрасьте картину лаком

Для лакирования использую ЗОЛОТЫХ ЛАКОВ. Архивный Firnis MSA Spray . Я делаю несколько слоев этого лака, дайте каждому слою высохнуть. Когда картина покрыта лаком, вы больше никогда не сможете работать над картиной. Затем он защищен — также от воды.

Наслаждайтесь этой короткой видео-демонстрацией ниже о том, как растянуть акварельную бумагу — создать свой собственный акварельный холст:

Получите больше бесплатных уроков акварели.

Растяжка акварельной бумаги на деревянных рамах

Растягивание туалетной бумаги на рамах Ноябрь 2018 © WilliamWiseArt.com
Щелкните здесь, чтобы загрузить PDF: Растягивание туалетной бумаги на рамах
Перед тем, как мы начнем, необходимо отметить несколько моментов:

Обратите внимание: это кажется сложным, пока вы не сделаете это один раз! Первый раз будет немного неуклюже, но тогда вы поймете, какого размера должна быть ваша бумага и насколько влажная достаточно влажная.Покраска туалета на носилках может иметь преимущества масляной живописи в том, что вам не нужно тратить деньги на циновки и рамы! $$$ Вы обрамите эту картину? В таком случае толщина сторон имеет значение! Если он будет висеть без рамы, то толщина не так уж и важна. Спинка на самом деле не проблема. КРАСИТЕ СТОРОНЫ, КАК ВЫ КРАСИТЕ ФРОНТ. Вы хотите, чтобы края выглядели законченными.
Углы сформированы на верхней и нижней сторонах. Решите, будете ли вы рисовать портрет или пейзаж.
Если хотите, бумагу можно вынуть из подрамника, сплющить (отутюжить), матировать и оформить в рамку.Если оставить на подрамнике, то поверхность акварельной картины нужно будет защитить от непогоды каким-нибудь продуктом. Google «Как покрыть акварель лаком». Есть много товаров и советов.

Перед тем, как начать! Обработайте деревянные рамы грунтовкой, гипсом или лаком. Запечатывание дерева предотвратит окрашивание бумаги кислотой в древесине.

Расходные материалы:
Пистолет для степлера, короткие скобы подходят 1/4 — 5/16 — 3/8. Перед тем, как начать, убедитесь, что у вас достаточно оружия и что пистолет заряжен.Вы не хотите перезагружать в середине.
Ножницы. Большая отвертка с плоским лезвием для удаления скоб при необходимости.
Пластиковый лист для защиты рабочей поверхности и для возможного складывания бумаги во время замачивания.
Губка с водой. Большая бутылка для смачивания для увлажнения или сохранения влаги. Полотенце / тряпка.
140 # Бумага примерно на 5 дюймов больше рамки. Измерьте толщину + ширину рамки x 2 (дополнительная бумага не нужна и не полезна). Бумага должна закрывать заднюю часть подрамника для облегчения скрепления скобами.Хорошая идея — сделать отметку на обратной стороне бумаги, чтобы вы могли легко увидеть, на какую сторону ставить подрамник.

ГОТОВ ?! Бумага при намокании расширяется, она расслабляется!
Есть много способов намочить бумагу. Распылите воду из пульверизатора, используйте губку, чтобы капнуть воду и распределить ее, слегка почистите большой мягкой щеткой, немного смочите в ванне, но не используйте распылитель под давлением, как на кухонную раковину, который может повлиять на размер.
Замочите, пока он не станет мягким (5 мин — 10, хорошо). Будьте очень осторожны, чтобы НЕ повлиять на размер поверхности !!! Не теряйте слишком сильно и не замачивайте слишком долго!
Центральная рамка на оборотной стороне бумаги.
Обрежьте первые два угла (см. Изображения Джойс Фолкнор ниже). Сшиваем центр первой стороны. 3 или около того скоб.
Поверните на 180 градусов и обрежьте два других угла. Примечание. Не нужно тянуть бумагу, как холст. Он уже расширился, и бумага будет сжиматься! Если слишком туго, носилки могут искривиться.
Плотно / сильно потяните. Уберите морщины. Центр скрепок на противоположной стороне.Вам пока не нужно сшивать середину концов. Прямо сейчас обе стороны на месте и насмехаются. В зависимости от длины рамы скрепите скобами в нескольких местах до углов на первом конце.
СЕЙЧАС со сшиванием боковых сторон, загните и скрепите боковые углы, но еще не концы! (См. Рисунки ниже, чтобы получить более подробную информацию об углах и загибании концов вверх и вверх.)
Используйте много скоб, их слишком мало, и при высыхании бумага может деформироваться. Держите скобы правильно и параллельно сторонам.Не будь беспорядком; считайте очки стиля, если кто-то смотрит сзади !!! Помните, что первый предназначен для практики; следующий будет идеальным !!! Удачи, Билл

Вот один из YouTube под названием «Растяжка акварельной бумаги — 6 часто задаваемых вопросов» из «Шахты акварели». Он обсуждает преимущества натяжения бумаги в целом.

Чтобы найти материалы и инструкции по отделке и защите поверхности, если она не защищена стеклом, выполните поиск на YouTube по теме «Как покрыть лак акварелью»

YouTube: Джойс Фолкнор-Растягивающая бумага для акварели
Джойс показывает простой способ обрезки и небольшой объем по бокам.Очень простой и, наверное, лучший процесс!

1. Аккуратно отрежьте бумагу до угла. Будет виден этот обрезанный ножницами край.
2. Обрежьте отходы по диагонали.
3-4. Возьмитесь за треугольный язычок и плотно потяните, чтобы образовался угол.
5. Удерживая крепко, сложите верх и скрепите скобами. Примечание. Будет закрыта верхняя складка и задняя часть рамы, что сделает ее менее важной.
6. Когда все 4 угла сложены и стороны скреплены скобами, загните верхнюю и нижнюю стороны.Это просто складывание прямой части вверх и плотное закрытие боковых угловых складок.
Используйте много скоб, чтобы он не сморщился. Но не беспокойтесь; другие увидят вашу работу!

YouTube: Как создать панно из акварельной бумаги. Келли МакКернан
Келли складывает, не разрезая бумагу. Это оставляет еще один слой на концах. Его можно отстегнуть после того, как покраска будет закончена. Обратите внимание на то, как она складывает бумагу под вместо обычного «перегиба», чтобы получить больничные углы.Это дает прямой край по сравнению с угловым. Поверьте, это выглядит сложнее, чем есть на самом деле.

1. Это портретный формат; складки на коротких концах. Сложите и скрепите первую сторону в центре, затем потяните за насмешку и скрепите другую сторону в центре и закончите эту сторону до углов. На раме этого размера на концах перед формированием углов нет скоб.
2-3. Она слегка предварительно формирует углы. Все ваше внимание должно быть сосредоточено на переднем углу, на углу на полу.Плотно сформируйте этот угол и нажмите, чтобы согнуть бумагу.
4. Предварительно согнув одну сторону, удерживая ее блоком, закончите сгибание с другой стороны.
5. Затянув передний угол, поднимите нижний сгиб, стараясь удерживать этот сгиб прямо вверх-вниз, а не под углом. Она плотно сформировала, прижала и скрепила угол, затем сделала то же самое с другим углом. С сформированными углами она равномерно закрепила центр. Не будь беспорядком!
Создано: Ноя 2018

Растягивание акварельной бумаги — Почему это важно —

Ага! Я сказал это! Вот как я считаю важным растягивать вашу акварельную бумагу. ОСОБЕННО, ЕСЛИ У ВАС ЕСТЬ БУМАГА СТУДЕНЧЕСКОГО КЛАССА , которая не переносит тон воды. Так почему же так важно растягивать бумагу — давайте будем откровенны и честны — рисовать на деформируемой бумаге — это не весело и не легко. Итак, лучший способ предотвратить это — растянуть бумагу.

Что ж, обычно есть 3 разных способа растянуть акварельную бумагу … Давайте начнем с самого простого и проложим свой путь к более сложному …

ЛЕГКИЙ ПУТЬ

акварельных блоков

Первый и самый простой способ растянуть бумагу — просто купить ее уже натянутой.Вы можете сделать это, купив акварельные блоки, которые представляют собой предварительно натянутые пучки акварельной бумаги. Эти блоки позволяют рисовать сразу и в любом месте, что действительно здорово для путешествующего художника. Кроме того, как только вы закончите, просто удалите каждую бумагу мастихином или чем-то похожим на нож для открывания почты через небольшое отверстие где-нибудь по краю.

ЛЕДЕННЫЙ ПУТЬ

Малярная лента и доска Art Tote

Я называю это «ленивым» способом — просто потому, что использую его постоянно и обычно не хочу, чтобы меня беспокоили самые трудные способы (использование степлера).Это мой любимый способ растянуть бумагу — и я использую его в 80% случаев. Чтобы растянуть доску таким образом, просто положите акварельную бумагу на деревянную доску и заклейте все края липкой лентой. Затем — смочите бумагу большой мягкой кистью диаметром 2 дюйма и дайте ей высохнуть, прежде чем рисовать прямо на доске. Это мой любимый метод, но он не очень надежен при работе с тоннами воды. Поэтому мы должны перейти к последнему способу…

НАДЕЖНЫЙ ПОЖАРНЫЙ ПУТЬ

Степлер и березовая доска

Для этого процесса вам понадобятся НЕКОТОРЫЕ ПОСТАВКИ…

• ПИСТОЛЕТ И СКРЕПКИ для ОБИВКИ
• МАСКИРОВКА
• ДОСКА БЕРЕЗОВАЯ ИЗ ДОМАШНЕГО ХОЗЯЙСТВА (или другого строительного магазина)
• МАЛЕНЬКАЯ БУТЫЛКА ДЛЯ СПРЕЯ

МОЙ ПРОЦЕСС ДЛЯ НАТЯЖКИ БУМАГИ

ОТКАЗ ОТ ОТВЕТСТВЕННОСТИ: художник растягивает бумагу множеством разных способов, но это мой предпочтительный метод.:)

• Step 01: SOAK IT — Первый шаг, который вы собираетесь сделать, — ЗАМАЧИТЬ БУМАГУ (с обеих сторон) с помощью небольшого пульверизатора и двухдюймовой кисточки для стирки. После этого я еще раз промою первую сторону водой и положу ее ровно на березовую доску.
• Шаг 02: НАКЛЕЙКА — После этого вы начнете замечать, что ваша бумага прилипает к дереву, как наклейка. Убедитесь, что бумага прилегает к доске, а затем переходите к следующему шагу.
• Step 03: СШИВАНИЕ — Теперь с помощью степлера — закрепите бумагу через каждые 2 дюйма вдоль границы — проследив за тем, чтобы пройти сквозь бумагу и вонзиться в доску.
• Step 04: DRY IT — После закрепления бумаги дайте ей высохнуть в течение ночи на плоской поверхности или быстро высушите ее с помощью теплового пистолета. Кроме того, имейте в виду, что по мере высыхания бумаги она может деформироваться во время высыхания. Не волнуйтесь — это нормально.Если вы выполнили предыдущие шаги — по мере высыхания он должен лежать ровно, как барабан. Это связано с тем, что благодаря этим скобам бумага возвращается к своей первоначальной форме.
• Step 05: SECURE IT — Последний шаг — я использую малярную ленту, чтобы снова закрепить бумагу. Большинство художников используют клейкую ленту и на самом деле кладут ее на бумагу перед скреплением, но мне не очень нравится клейкая лента. У меня всегда была проблема с тем, что он испортил мою газету. Так что это мой предпочтительный метод.

И ЭТО ЭТО!

Вы только что научились лучшему навыку рисования акварелью! Удачной живописи и скоро поговорим с вами!

Принадлежности для рисования Ken Bromley — Руководство по замачиванию и растягиванию акварельной бумаги

Рекомендуется замачивать и растягивать бумагу, когда более легкая бумага используется для техник рисования, требующих разумного количества воды. Если не растягивать более легкую бумагу, она будет деформироваться и морщиться при наложении воды.Мы рекомендуем обязательно растягивать любую бумагу плотностью менее 200 фунтов / 425 г / м2, если используется значительное количество воды. Все веса бумаги выиграют от растяжения, и, растянувшись, вы сможете использовать столько воды, сколько захотите.

Почему влажная нерастянутая бумага морщится?

При нанесении воды на нерастянутую акварельную бумагу она будет двигаться и изгибаться (обычно это называется складкой), потому что под действием влаги на лист одна область немного расширяется.Области, которые остаются сухими, не расширяются. Чтобы противодействовать расширению влажной области, бумага будет двигаться единственным возможным способом, вызывая складки и изгибы поверхности. Это может быть очень неприглядным на готовой картине, и с ней будет сложно работать, так как краска оседает в углублениях, которые создает морщинка.

Как растянуть акварельную бумагу

Если вы растянете акварельную бумагу, она останется плоской все время, пока вы на ней рисуете. Этот процесс включает в себя замачивание бумаги для расширения волокон, прикрепление ее к жесткой доске, позволяющую ей высохнуть и сжаться, чтобы она стала натянутой.В сухом состоянии натянутая бумага не должна складываться при нанесении воды. Вот несколько важных советов, которые следует учитывать при растягивании бумаги:

• Полностью пропитайте бумагу и оставьте на время, необходимое в зависимости от ее веса (подробнее см. Ниже).

• ЗАПРЕЩАЕТСЯ замачивать бумагу дольше рекомендованного, так как это приведет к потере размера поверхности.

• Если вы натягиваете бумагу в ванне или раковине, убедитесь, что она полностью чистая и не содержит каких-либо моющих средств или остатков.Моющие средства могут повлиять на проклейку, из-за чего бумага станет очень впитывающей и непригодной для использования.

• Слейте излишки воды с бумаги, прежде чем склеивать ее.

• Если вы растягиваете плиту из искусственного волокна, например, МДФ, сначала убедитесь, что поверхность покрыта разбавленным французским лаком. Если оставить незапечатанный, вода проникнет в доску и заставит ее разложиться на мелкие частицы.

• Используйте только коричневую самоклеящуюся клейкую ленту, чтобы склеить растянутую бумагу.Обычный бытовой скотч или малярный скотч не подойдет, так как он не будет прилипать к влажной поверхности.

• При наклеивании клейкой ленты не позволяйте клею капать на бумагу. Капли клея не позволят краске приставать к бумаге.

• Держите малярную доску плоской, пока она высохнет. Если вы оставите доску подпертой, вода сместится к нижней части опоры, что может привести к ослаблению ленты и отслоению бумаги.

• Не поддавайтесь соблазну ускорить процесс растяжки с помощью фена. Это вызовет неравномерное высыхание, и клейкая лента может отсоединиться.