20.04.1978

Что такое натюрморт в изобразительном искусстве: суть, виды, основные поджанры, история, выдающиеся художники. Примеры натюрмортов известных картин

Натюрморт жанр изобразительного искусства

Натюрморт (франц. nature morte, буквально — «мёртвая природа»; англ. still live — тихая жизнь) — жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящён изображению окружающих человека вещей, размещённых, как правило, в реальной бытовой среде и организованный в единую композицию. Изображение живых, движущихся существ — насекомых, птиц, зверей, даже людей — может иногда входить в натюрморт, но лишь дополняя его основной мотив.

          По сравнению с другими жанрами в натюрморте вырастает значительность малых предметов, выделенных из контекста быта, уделяется повышенное внимание к структуре и деталям объектов, фактуре поверхности.
    Натюрморт окончательно сформировался как самостоятельный жанр живописи в творчестве голландских и фламандских художников 17 века.

      Хотя натюрморт и неподвижная натура, он состоит из предметов, составляющих часть живой, окружающей нас действительности.

Собранные вместе, скромные предметы могут глубоко отражать духовный мир человека со всем многообразием его противоречий и особенностей. Не случайно англичане называют жанр натюрморта «тихой жизнью», где неподвижность — внешнее проявление духовной жизни.
Своеобразие этого жанра заключается в его больших изобразительных возможностях. Через материальную сущность конкретных предметов истинный художник может в образной форме отразить существенные стороны жизни, вкусы и нравы, социальное положение людей, важные исторические события, а иногда и целую эпоху. Через целенаправленный отбор объектов изображения и их трактовку он выражает своё отношение к действительности.

         Издавна натюрморт считается лучшей школой реалистической живописи, где художник постигает законы цветовой гармонии и пластику форм, учится мастерству владения техническими приёмами и творческому отношению к натуре.
           Растения и цветы издревле являлись содержанием многих натюрмортов, вошли неотъемлемой частью в картины крупнейших мастеров живописи. Один из самых первых цветочный натюрморт выделился в произведениях таких художников, как Амброзиус Босхарт Старший и Бальтасар ван Аст, и далее продолжая своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема и его последователей.
       Причины популярности цветочного натюрморта можно найти в особенностях быта голландского общества — традиции иметь сады, загордные виллы или комнатные растения — а также благоприятных природных условиях
для развития цветоводства.
       Растения и цветы насыщены всевозможными ракурсами, сложной ритмикой и переплетением форм, неожиданными цветовыми нюансами, взаимосвязью цвета и фактурными особенностями.

        Цветы в букете как натура всегда привлекали и привлекают внимание художников, и чем тоньше, взволнованнее, искреннее передана их естественная красота, тем более глубокие чувства вызывает она у зрителей.

           С определённой сложностью в изображении букета цветов живописец сталкивается с самого начала работы над этюдом — с композиционным размещением будущего изображения на плоскости холста. В хаотичном, на первый взгляд, нагромождении веток, листьев цветов надо рассмотреть общую массу, силуэт, пространственную структуру, ритмы, колористический строй.
           Композиционный центр составит основу в разработке образной структуры натюрморта. Он должен определить наиболее важную в тематическом отношении часть, подчинить ей все второстепенные детали. Центр композиции обусловливает взаимосвязь всех элементов композиции, общий строй натюрморта. Ритм направленных в стороны, вверх и частично вниз элементов растительности создаёт как бы зрительный каркас, который организует изображение и руководит нашим восприятием.
           Незаметные, скрытые от взгляда ритмы, придающие изображению пластическую стройность и завершённость, как правило, маскируются такими живыми деталями, как листья и бутоны цветов. Именно эти детали придают изображению живость впечатления и непринуждённость трактовке натюрморта в целом.
           Свет, как и цвет, — важный выразительный элемент в композиции натюрморта. В полную силу пишут те предметы, которые составляют смысловую основу композиции. Как правило, композиционный центр в постановке
высвечивается, оставляя второстепенные планы и детали затемнёнными, как бы поглощёнными тенью.

           В истории натюрморта как самостоятельного жанра художники начиная с 17 века стремились не только составить натюрморт красиво, подобрать к нему интересные предметы и драпировки, но и найти такое освещение, при котором наиболее полно раскрывалась бы идея.
           Во все времена живописцы уделяли свету большое внимание, рассматривая освещённость предметов как образное начало в постановке, способное вызвать у зрителя определённое настроение.
           Понять и почувствовать эмоциональную силу света в натюрморте поможет изучение мастерства голландских художников-реалистов 16 — 17 вв.; Питера Класа, Виллема Геда, Франса Снайдера, в творчестве которых искусство натюрморта получило наивысшее развитие.
           Будучи блистательными рисовальщиками и живописцами, «малые голландцы» умели подмечать эстетическую ценность вещи, а через неё передавать такую радость восприятия жизни, что до сих пор вызывают восхищение
любовно написанные ими посуда, фрукты, дичь.

Начиная с середины 19 века на развитие живописи, в том числе натюрморта, начал оказывать влияние французский импрессионизм. Художники стали проявлять больше интереса к среде, в которой находится натюрморт,
т. е. к передаче света, воздуха. игры цветовых и световых пятен на поверхности предметов.
За счёт обогащения световыми эффектами значительно расширились живописные возможности палитры художников.

Как правило, классический натюрморт имеет чёткое пространственное разделение на три плана с ясно выраженным композиционным центром. Передний план отводится мелким предметам дополняющим общий замысел, но не отвлекающим внимание зрителя от главного предмета, являющегося центром композиции (второй план).
Драпировки, расположенные на третьем плане натюрморта, играют роль фона.

На интернет портале Московского художника Якова Пульнова у Вас есть возможность сделать заказ на портрет на заказ по фотографии написанный в классической технике живописи акрилом на холсте или портрет с натуры нарисованный на специальной бумаге в красивой технике сухая кисть, портрет в подарок девушке в графическом исполнении или портрет на заказ выполненный пастелью.

Получить информацию о стоимости на портрет и заказать у художника-портретиста работу Вы можете по эл. почте или телефону. Сроки на выполнение и цена работы зависит от размера картины, выбранной техники исполнения, количества людей на одной работе и поставленной задачи.

Этот e-mail адрес защищен от спам-ботов, для его просмотра у Вас должен быть включен Javascript

8 (909) 626-6833

< Предыдущая		Следующая >

Натюрморт в изобразительном искусстве. 6 класс

НАТЮРМОРТ — (фр. nature morte — мертвая
натура) — жанр изобразительного искусства,
изображение неодушевленных предметов.
Натюрморт может состоять не только из
неодушевленных предметов, но и включать
природные формы. Поэтому более точно
название, принятое в англоязычных странах,
still life или немецкое Stilleben — тихая
жизнь.
Натюрморт как отдельный жанр появился
в Голландии в начале XVII века.

Голландцы любили изображать красивую
посуду, богатую домашнюю утварь,
столы, накрытые изысканными и
роскошными блюдами. Эти натюрморты
назывались «ЗАВТРАКАМИ».
Голландские художники изумительно
передавали материальность предметов.
Питер Клас. Натюрморт с крабом. 1643
Виллем Клас Хеда. Десерт. 1637
Ян Давидс де Хем. Натюрморт с устрицами и виноградом. 1653
Балтазар ван дер Аст. Ваза с цветами у окна. 1650
В то же время в соседней Фландрии
(нынешняя Бельгия) художники
создавали другую разновидность
натюрморта – «СНЕДЬ».
На больших холстах они изображали
горы дичи, рыбы, фруктов, овощей,
отчего картины напоминали витрину
продовольственной лавки.
Франс Снейдерс. Натюрморт с битой дичью. 1610-1620
Франс Снейдерс. Натюрморт с лебедем. 1640-е
Франс Снейдерс. Натюрморт с тарелкой фруктов. 1657
Франс Снейдерс. Натюрморт с корзиной винограда. 1660
В XVIII веке начали появляться
натюрморты другого типа.

На них за предметами уже угадывался
облик их хозяина – крестьянина,
ремесленника, художника, ученого.
Сложились 2 основных типа натюрморта:
1) вещи говорят о самих себе, о своих
качествах.
2) вещи говорят о своем хозяине – его
характере, профессии, увлечениях,
привычках.
Ж. Б. С. Шарден. Натюрморт с атрибутами искусств. 1766
Эдвард Ладелл. Натюрморт с гнездом птицы. 1800-е
Антуан Воллон. Натюрморт с глобусом и книгами
Т. Хруцкий. Плоды и цветы. 1836
П. Сезанн. Натюрморт с драпировкой. 1899
Петр Кончаловский. Сирень в ведре. 1943
Кирилл Дацук. Хлеб
Намаконова Евгения. Декоративный натюрморт
Тональный натюрморт
Тональный натюрморт
Декоративный натюрморт
Декоративный натюрморт
Рельеф
Рельеф
Круглая скульптура
Круглая скульптура
Объем предметов художники передают
при помощи светотени.
На предметах есть:
• блик – самое светлое место на предмете;
• свет – освещённая часть предмета;
• полутень – менее освещённая часть
предмета;
• тень собственная – неосвещённая часть;
• тень падающая – тень, которая падает от
предмета на плоскость стола;
• рефлекс – отражение окружающей среды.

• Все предметы в натюрморте по смыслу
взаимосвязаны, нет случайных.
• Всегда есть большой предмет на заднем
плане, он рисуется на листе повыше.
• Более мелкие предметы располагаются
на переднем плане, рисуются ниже,
загораживая частично более крупные
предметы.

Что такое натюрморт. Известные художники жанра

Что такое натюрморт?

Натюрмортом называют жанр живописи, в рамках которого изображается неживая природа. Жанр зародился в XVII веке.

Натюрморт в первую очередь удивителен и интересен тем, что заставляет людей видеть красоту и гармонию в повседневных, скучных вещах, окружающих нас постоянно, но ничем не обращающих на себя наше внимание.

Жанр не так прост, как кажется на первый взгляд: в большинстве таких картин художники используют иносказание — пытаются через определённый набор предметов, их расстановку, выбранные цвета, общую композицию сказать людям что-то важное, передать то, что их волнует, поведать о своих чувствах и мыслях.

Франсиско де Сурбаран. Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой. 1633

Несмотря на мрачный перевод «мёртвая природа», полотна зачастую пестрят яркими красками, радуют зрителя своей оригинальностью и причудливостью, пробуждают желание жить и восторгаться окружающим миром, видеть прекрасное в нём.

Существует множество видов и подвидов натюрморта, например, сюжетно-тематический, творческий, учебно-творческий, учебный. Также их подразделяют по использованным цветам, освещённости, колориту, времени исполнения, месту расположения и т. д.

Основоположниками натюрморта как самостоятельного жанра стали голландские и фламандские художники. Первоначально картины появились в религиозном обиходе. Также в эпоху зарождения жанра распространение получили картины мрачного характера с глубоким философским смыслом и тёмными тонами, в центре композиции, которых были черепа, свечи и некоторые другие атрибуты. Затем, постепенно развиваясь, жанр вбирал в себя всё новые и новые направления и раз за разом получал всё более широкое распространение во всех кругах общества. Цветы, книги, овощи и фрукты, дары моря, посуда и другие предметы быта — всё нашло своё отражение в искусстве. Одними из самых известных художников натюрмортов стали Амбросиус Басхарт, Мигель Парра, Ян Брейгель, Иозеф Лаунер, Северин Розен, Эдвард Ладелл, Ян Давидс де Хем, Виллем ван Алст, Корнелис Бризе.

: Сезанн, Поль. Натюрморт с гранатом и грушами. 1885-1890

: Сезанн, Поль. Натюрморт с яблоками и апельсинами. 1895-1900

В России жанр возник в начале XVIII века, но всерьёз этим никто не занимался, он считался «низшим» жанром. В начале XX века натюрмортная живопись достигла наибольшего расцвета; художники создавали свои шедевры, ставили перед собой новые задачи и достигали несказанных вершин в мастерстве, использовали необычные техники, подбирали новые образы. Русский натюрморт в отличие от западного развивался не постепенно, а в ускоренном темпе. Творя в этом жанре, прославились такие русские художники, как К. Петров-Водкин, И. Левитан, И.Ф. Хруцкий, В. Нестеренко, И.Э. Грабарь, М. Сарьян, А. Осмеркин, П.П. Кончаловский, С.Е. Захаров, С.И.Осипов и многие другие.

: И. Левитан

: И. Левитан

В современной живописи натюрморт претерпевает новый подъём и теперь прочно занимает полноправное место среди других жанров изобразительного искусства. Сейчас это одно из самых востребованных направлений в живописи. Имея огромное количество возможностей для самореализации себя в творчестве, художники пишут самые разнообразные натюрморты. А зрители, в свою очередь, покупают картины, украшают ими интерьеры, оживляя свой дом и принося в него уют и радость. Натюрмортами постоянно пополняются музеи, открываются всё новые и новые выставки в различных городах и странах, на которые приходят толпы заинтересованных искусством зрителей. Спустя несколько столетий, пройдя долгий полноценный путь развития, натюрморт по-прежнему актуален и не утратил своей значимости в мировой живописи.

Натюрморт в живописи: разновидности и описание

Натюрморт в живописи — изображения статичных неживых предметов, объединенных в единый ансамбль. Натюрморт может быть представлен как независимое полотно, но иногда становится частью композиции жанровой сцены или целой картины.

Что такое натюрморт?

Такая живопись выражается в субъективном отношении человека к миру. Это показывает присущее мастеру понимание красоты, которая становится воплощением общественных ценностей и эстетическим идеалом времени. Натюрморт в живописи постепенно трансформировался в отдельный значимый жанр. Этот процесс занял не одну сотню лет, а каждое новое поколение художников понимало полотна и цвет согласно веяниям эпохи.

Роль натюрморта в композиции картины никогда не исчерпывается простой информацией, случайным дополнением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы могут принимать более или менее активное участие в создании композиции или отельного образа, заслоняя ту или иную цель. Натюрморт в живописи как самостоятельный жанр призван достоверно передавать красоту вещей, ежедневно окружающих человека.

Иногда отдельная деталь или элемент вдруг приобретает глубокое значение, получает свой собственный смысл и звучание.

История

Как старый и почитаемый жанр натюрморт в живописи знавал взлеты и головокружительные падения. Суровый, аскетичный и минималистичный византийский стиль помогал создавать бессмертные монументальные обобщенные возвышенно-героические образы. Скульпторы с необычайной выразительностью наслаждались изображением отдельных объектов. Виды натюрморта в живописи и всевозможные классификации зародились в период становления искусствоведения, хотя полотна существовали задолго до написания первого учебника.

Иконописные традиции и натюрморты

В древней русской иконописи большую роль играли те немногие вещи, которые художник осмеливался внести в строгий лаконизм канонических произведений. Они способствуют проявлению всего непосредственного и демонстрируют выражение чувств в работе, посвященной абстрактному или мифологическому сюжету.

Виды натюрморта в живописи существуют отдельно от иконописных произведений, хотя строгий канон и не запрещает изображение некоторых предметов, присущих жанру.

Ренессанс натюрморта

Тем не менее, большую роль играют произведения XV-XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец впервые обратил внимание на мир вокруг себя, стремился определить значение каждого элемента на службе человечества.

Современная живопись, натюрморт как популярный и любимый жанр зародились в период Триченто. Бытовые предметы приобрели определенное благородство и значимость владельца, которому они служили. На больших полотнах натюрморт, как правило, выглядит весьма скромно и неброско — стеклянная банка с водой, серебро изящной вазы или нежные лилии на тонких стеблях чаще ютились в темном углу картины, как бедные и позабытые родственники.

Тем не менее, в образе прекрасных и близких вещей было столько любви в стихотворной форме, что современная живопись, натюрморт и его роль в ней уже несмело проглядывали через прорехи пейзажей и тяжелые портьеры жанровых сцен.

Переломный момент

Субъекты получили реальный элемент в картинах и новое значение в 17-м веке — в эпоху, когда преобладал и доминировал натюрморт с цветами. Живопись такого рода приобрела многочисленных поклонников среди дворянства и духовенства. В сложных композициях с выраженной литературной сюжетной линией сцены получили свое место наряду с главными героями. Анализируя произведения эпохи, легко заметить, что важная роль натюрморта аналогичным образом проявилась в литературе, театре и скульптуре. Вещи начали «действовать» и «жить» в этих работах — их показывали как главных героев, демонстрируя самые лучшие и выгодные стороны предметов.

Объекты искусства, сделанные трудолюбивыми и талантливыми мастерами, несут на себе личностный отпечаток мыслей, желаний, влечений конкретного человека. Натюрморт с цветами, живопись лучше всех психологических тестов помогают отследить психоэмоциональное состояние и достичь внутренней гармонии и целостности.

Вещи преданно служат человеку, перенимая его восторг предметами быта и вдохновляя владельцев на приобретение новых красивых, изящных мелочей.

Фламандский ренессанс

Живопись гуашью, натюрморт как жанр люди приняли не сразу. История появления, развития и повсеместного внедрения различных идей и принципов служит напоминанием о постоянном развитии мысли. Натюрморт стал известен и вошел в моду в середине 17-го столетия. Линия жизни жанра началась в Нидерландах, яркой и праздничной Фландрии, где сама природа располагает к красоте и веселью.

Живопись гуашью, натюрморты пышным цветом расцвели во времена грандиозных перемен, полнейшей смены политических, общественных и религиозных институтов.

Фландрское течение

Буржуазное направление развития Фландрии стало новинкой и прогрессом для всей Европы. Перемены в политической жизни привели к аналогичным нововведениям в культуре – открывшиеся перед деятелями искусства горизонты теперь не ограничивались религиозными запретами и не поддерживались соответствующими традициями.

Натюрморт как жанр живописи стал флагманом нового искусства, воспевавшего все естественное, яркое и прекрасное. Строгие каноны католицизма более не сдерживали полет фантазии и любознательность живописцев, а потому наряду с искусством начали развиваться наука и технологии.

Обычные бытовые вещи и предметы, ранее считавшиеся низменными и недостойными упоминания, в одночасье вознеслись до объектов пристального изучения. Декоративная живопись, натюрморт и пейзажи стали настоящим зеркалом жизни – повседневного распорядка, рациона, культуры, представлений о прекрасном.

Свойства жанра

Именно отсюда, из сознательного, углубленного изучения окружающего мира развился отдельный жанр бытовой живописи, пейзажа, натюрморта.

Искусство, обретшее определенные каноны в 17-м веке, определило основное качество жанра. Картина, посвященная миру вещей, описывает основные свойства, присущие объектам, которые окружают человека, показывает отношение мастера и его гипотетического современника к тому, что показано, выражает характер и полноту знаний о действительности. Художник обязательно передавал материальное существование вещей, их объем, вес, фактуры, цвета, функциональное назначение предметов быта и их жизненную связь с деятельностью человека.

Задачи и проблемы натюрморта

Декоративная живопись, натюрморт и бытовые сцены впитали в себя новые тенденции эпохи – уход от канонов и одновременное сохранение консервативного натурализма изображения.

Натюрморт революционной эпохи времен полной победы буржуазии отражает уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду простых ремесленников, преклонение перед прекрасными образами красоты.

Сформулированные в 17-м веке проблемы и задачи жанра в целом не обсуждались в европейских школах вплоть до середины 19-го в. Между тем художники постоянно ставили перед собой новые и новые задачи, а не продолжали механически воспроизводить готовые композиционные решения и цветовые схемы.

Современные полотна

Фото натюрмортов для живописи, подготовленных в современных студиях, наглядно демонстрируют разницу между восприятием мира современником и человеком средних веков. Динамика объектов сегодня превосходит все мыслимые пределы, а статика предметов была нормой для того времени. Колористические комбинации 17-го века отличаются яркостью и чистотой цвета. Насыщенные оттенки гармонично вписываются в композицию и подчеркивают задумку и идею художника. Отсутствие любых канонов не лучшим образом повлияло на натюрморты 20-21-го веков, иногда поражающие воображение своей неприглядностью или нарочитой пестротой.

Методы решения проблем натюрморта стремительно меняются каждое десятилетие, способы и техника не успевают за фантазией признанных и не очень мастеров.

Ценность сегодняшних полотен состоит в выражении реальности глазами художников-современников; посредством воплощения на холсте возникают новые миры, которые смогут многое рассказать о своих создателях людям будущего.

Влияние импрессионизма

Следующей вехой истории натюрмортов стал импрессионизм. Вся эволюция направления отразилась на композициях через цвета, технику и понимание пространства. Последние романтики тысячелетия переносили на холст жизнь, как она есть – быстрые, яркие штрихи и выразительные детали стали краеугольными камнями стиля.

Живопись, натюрморты современных художников непременно несут в себе отпечаток вдохновителей-импрессионистов посредством цвета, способов и техник изображения.

Отход от стандартных канонов классицизма — трех планов, центральной композиции и исторических героев – позволил художникам развить собственное восприятие цвета и света, а также доступно и наглядно продемонстрировать свободный полет эмоций зрителям.

Основные задачи импрессионистов — изменение живописной техники и психологического содержания картины. И сегодня, даже зная обстановку той эпохи, трудно найти правильный ответ на вопрос о том, почему импрессионистские пейзажи, такие же радостные и бесхитростные, как стихи, вызывали резкое неприятие и грубые насмешки переборчивых критиков и просвещенной публики.

Импрессионистская живопись не вписалась в рамки общепринятого, поэтому натюрморты и пейзажи воспринимались как что-то вульгарное, недостойное признания наряду с прочими отбросами высокого искусства.

Художественная выставка, ставшая своеобразной миссионерской деятельностью для известных художников того времени, смогла достучаться до сердец и продемонстрировать красоту и изящество необычных картин. Изображения предметов и объектов всеми доступными средствами стали привычным делом даже в стенах грозных заведений, исповедующих одни лишь принципы классического искусства. Триумфальное шествие натюрмортов не прекращается с конца 19-го века, а разнообразие жанров и техник сегодня позволяет не бояться любых экспериментов с цветом, фактурами и материалами.

1. История развития натюрморта. Натюрморт как жанр живописи

«Натюрморт как изображение Евхаристии» | Православие и мир

19 мая состоялась четвертая лекция в рамках Лектория «Правмира» Лилии Николаевны Ратнер «Натюрморт как изображение Евхаристии»

Лилия Николаевна Ратнер – известный художник-график. Автор множества иллюстрированных книг для детей и взрослых, участник многих выставок, в том числе знаменитых – «Авангардисты на Коммунистической» (1961 год) и выставки в Манеже, разгромленной Хрущевым, за что была исключена из Союза художников (после отставки Хрущева восстановлена).
Участник многих международных выставок: в Монреале, в Осаке, Нью-Дели, биеннале графики в Брно. В 1989 году состоялась ее персональная выставка в Вашингтоне.
Награждена международным дипломом за иллюстрации к повести Ф.М. Достоевского «Неточка Незванова» на конкурсе в Лейпциге, посвященном 150-летию со дня рождения великого русского писателя. Начала работать над графической серией «Пророки» в конце 1990-х годов и продолжает до сих пор.
Лилия Ратнер – автор сборника эссе об изобразительном искусстве «В поисках смысла красоты», изданного в 2008 году Общедоступным Православным университетом, основанным протоиереем Александром Менем, где Лилия Ратнер читает курс «Искусство и христианство».

Сегодняшнюю лекцию я назвала «Натюрморт как изображение Евхаристии». А во всех искусствоведческих книгах искусствоведы всего мира обозначали эти картины всегда только как «десерты» и объясняли (особенно наши, отечественные, советские), что это как бы завтрак нового класса. Вот возник класс буржуазии, и вот они показывают, как они красиво живут. Вот это их завтрак.

Но у меня в какой-то момент возникло сомнение. Во-первых, я знаю, что в это время и еще долго спустя, вплоть до XIX века, каждое изображение было не случайно, абсолютно все изображения были символическими. Кроме того, почти во всех натюрмортах есть изображение часов. Здесь тоже, видите, часы в углу. Часы — или механические, или песочные, но обязательно часы. А часы — это напоминание о том, что жизнь быстротечна. Значит, и все остальное напоминает нам о чем-то другом, дает нам возможность уйти от этих реалий, от того, что нам просто хотелось есть, глядя на эти картины, или завидовать этим буржуа, которые так замечательно завтракают.

Заметьте, что на натюрмортах никогда не изображается персонаж, никогда нет человека. И никогда нет источника света. Не изображен фон, нет ни части интерьера, допустим, ни какой-нибудь картинки, висящей на стене. Композиция повторяется из картины в картину, лишь постепенно меняясь. Вместе с тем и невозможно определить время создания, часто художников разделяет большой отрезок времени, почти сто лет, например, и все равно остается эта же самая композиция. Обязательно вино, обязательно рыба и обязательно хлеб. Когда я начала это все разгадывать, я очень скоро нашла объяснение частям — действующим лицам, хотела сказать, — этого натюрморта.

Теперь я расскажу вам, как я это постепенно открывала. Господь оставил нам две книги — книгу Писания и книгу Творения. Библия полна указаний на красоту сотворенного мира. В Евангелии от Матфея так сказано, например: «Посмотрите на полевые лилии, как они растут, не трудятся, не прядут. Но говорю вам, что и Соломон во всей славе своей не одевался так, как всякая из них. Если траву полевую, которая сегодня есть, а завтра будет брошена в печь, Бог так одевает, кольми паче вас, маловеры!» Потом вспомните, например, описание скинии, где хранится Ковчег Завета, скрижали, данные Богом на горе Синай Моисею, это поистине каталог декоративно-прикладного искусства. Несколько страниц книги Исхода занимают подробнейшие описания скинии, где Ковчег хранится, и не только скинии самой, но стола для хлебов предложения, золотого светильника, завесы, медного жертвенника. Все описано со скрупулезной подробностью в книге Исход (Исх: 25, 26, 27). Таково же описание Храма, царского дворца. Вообще мир Библии наполнен предметами. Человек пал через яблоко, как вы знаете, а через хлеб и вино, претворенные в Тело и Кровь Христовы, он обретает спасение. Так что для нас предметы этого мира, нашего быта полны смысла, полны глубокой жизни.

Сознание древних людей наделяло мир предметов человеческими свойствами, одухотворяло материальное, очеловечивало нечеловеческое. В сказках вещи оживают, ощущаются как добрые или хищные. Желание материализовать чудо свойственно вообще человеку, и тем более человеку-художнику.

Натюрморт — это особый жанр, где вещи говорят, общаются между собой и с нами. Мы узнаем от них о художнике, их творце, и через это о его и нашем Творце. Общение с произведением искусства — это всегда диалог автора со зрителем. Произведение искусства потому и интересно, что с помощью художника персонаж раскрывает свою душу, приглашая нас к ответной исповеди. Когда смотришь со стороны на людей, которые созерцают на выставке где-нибудь картину, это видно. Лица людей необыкновенно одухотворены, они сами этого не замечают, они, может быть, даже не очень понимают, на что смотрят, но вот это усилие, это желание начать общаться всегда отражается на их лицах.

Искусство учит людей воспринимать мир как ценность, учит видеть и понимать мир, любить его, а значит, общаться с ним, как с другом. Оно может цветом, линией, ритмом выразить то, что неподвластно речи. Рисовать человек начал задолго до того, как научился писать, и даже задолго до того, как научился говорить. Почему-то потребность изображать мир, общаться через изображение была заложена Богом в человеке очень давно. И зритель может, подобно Пигмалиону, превратившему изваянную им статую в живую девушку, увидеть в картине не краску, камень и дерево, а живые существа, подобные себе. Персонажи натюрморта могут исповедоваться перед нами, могут позволять читать их невысказанные мысли и чувства. В натюрморте вещь больше себя самой, так как художник относится к бытию, как к особой ценности, и это передается зрителю в процессе общения с произведением.

Возникновение жанра голландского натюрморта невозможно рассматривать иначе, чем в контексте духовного движения XVI века, способствовавшего кризису ренессансной культуры. Это когда-то было моим открытием. Теперь это, по-моему, стало уже общим местом. Сначала меня размазывали по стенке за это, а потом, через несколько лет, появилась выставка в Музее изобразительных искусств, где была подробная информация около каждого натюрморта. Там не говорилось, что это Евхаристия, но раскрывался символический смысл каждого предмета, изображенного на картине. Отсюда уже рукой подать было до истинного смысла.

Я уже сказала, что невозможно рассматривать возникновение этого жанра в Голландии иначе, чем в контексте протестантизма, причем кальвиновского толка, как наиболее характерного для Голландии. Реформация затронула не только церковную традицию, она перевернула всю жизнь голландского общества. «Порожденный протестантизмом индивидуализм привлек внимание к субъективным формам жизни, личности, природы и общества», — говорит Лосев.

Кальвин был представителем строгого, пуританского, аскетического протестантизма. Он признавал искусство одним из даров Божьих. Он знал слова святого Григория об изображениях как о книге для неграмотных. Но в своих трудах и проповедях Кальвин подчеркивал, что Дух Божий судил иначе. Он говорил: «Всему народу следует учиться читать. А узнавать Библию посредством изображений фривольно и оскорбительно для Бога». Вот почему-то ему так казалось. «Бог слишком возвышен для человека и человеческого глаза. Фантазия художника может лишь испортить Его безграничное совершенство». Это дошло до наших дней, и сейчас очень многие думают так же, запрещая художникам-христианам заниматься живописью и вообще изобразительным искусством.

Последователи Кальвина пошли еще дальше. Из церквей удалялись картины на религиозные темы. Искусству оставлялась лишь педагогическая задача — укрепление морали. Роль живописи в лучшем случае сводилась к катехизису. Искусство рассматривалось как второстепенное занятие, не касающееся существа веры, так как протестантская служба не нуждалась в чувственном обрамлении. Она более для слуха, чем для глаза. Однако вера охватывает всю деятельность человека. Религия освещала всю повседневную жизнь, и постепенно искусство все больше обособлялось от Церкви. Это ускорило его развитие. Раз Церковь не принимает искусства, то в нем развиваются светские тенденции. Картины из церкви как бы переселились в дома бюргеров. Но Бог продолжал говорить языком искусства. Именно это заставляло голландских художников с удивительным постоянством обращаться к жанру«stilleven» — это голландское название натюрморта, которое гораздо точнее выражает суть этого жанра.

Что такое натюрморт? Мертвая природа. «Stilleven» по-голландски — это тихая жизнь, и это гораздо точнее. Голландские живописцы, создавая свои «десерты», как их иногда называли, сохраняли почти неизменной композицию картины. Все предметы в них говорят, и они все символичны. Самые первые «stilleven» просты: хлеб, бокал вина, рыба (естественно, символ Иисуса Христа), нож (символ жертвы), лимон (это символ неутоленной жажды познания, жажды Бога), несколько орехов в скорлупе (это душа, скованная грехом), если эти орехи расколоты — значит, душа, освобожденная от греха, яблоко (напоминает о грехопадении). Все стоит чинно, словно в торжественном предстоянии. Иногда бокал упал, и вино пролилось — как бы жертва, мир побеждает.

Постепенно эти натюрморты стали наполняться богатством земным. Здесь еще вполне аскетический натюрморт, такой строгий — бокал, рыба, хлеб, все, больше нет ничего.

Питер Класс. Натюрморт с кружкой пива и рыбой. 1636 г.

В. К. Хеда. Натюрморт 1635 г.

В. К. Хеда. Натюрморт с крабом

В. К. Хеда. Натюрморт с лимоном

А дальше уже начинается, появляется богатство земное — какие-то серебряные, золоченые, перламутровые кубки, роскошные шелковые, ковровые скатерти. Постепенно простая снедь заменяется устрицами, ветчиной. Все написано с великолепной вещественностью. Такое полотно говорит о тщете человеческой жизни, о греховной любви к богатству земному. Так, голландские «stilleven» превратились в напоминание о двух мирах — о Тайной Вечери, дающей жизнь, и о Валтасаровом пире, ведущем в смерть. Таковы натюрморты Питера Класса, Вилема Хеды, Абрахама ван Бейерена, Вилема Кальфа. Это художники XVIвека и начала XVII-го, но часто встречается и разрыв в сто лет, а все равно изображается примерно тот же набор предметов.

Все предметы участвуют в некоем действе. Теплый свет пронизывает мглу, играя бликами на поверхностях стекла, на серебряных кубках, и все это — отблеск Царства Небесного. Мерцание рефлексов, горящие изнутри краски говорят о своеобразной, загадочной жизни, об освященной Богом жизни частного человека.

Вилем Кальф. Натюрморт с наутилусом

Все обращено к человеку, к человеческой личности. Это то, что обрел Запад с момента возникновения философии гуманизма, которая достигла невероятного расцвета в эпоху высокого Ренессанса, когда теоцентризм был заменен антропоцентризмом, когда вместо Бога центром мироздания стал человек. Но для голландского искусства и вообще для искусства северной Европы это было не совсем так. Для него гораздо больше значило личное общение человека с Богом. Здесь не было такого гордого превозношения человеческой личности перед Богом, как, скажем, у Леонардо да Винчи или у Микеланджело. Здесь продолжалась «тихая жизнь», тихое общение, тихий разговор частного человека в своем частном доме, то есть от Бога они все-таки ушли в частную жизнь. Вероятно, они посещали церкви. Но в целом они любили вот эту тишину своего собственного дома. Голландские дома уютны, соразмерны человеку, красивы. Голландские художники воспели простой домашний труд, их героини часто — горничная, или кухарка, или служанка, которая только что пришла с рынка. Это особое, теплое, человеческое отношение к жизни. Это удивительно, это только у «голландцев» есть, по-моему.

Как я уже сказала, почти всегда в натюрмортах прячутся часы. Часы говорят о том, что жизнь быстротечна. Эти замечательные, полные такой аппетитной снеди предметы призывают к наслаждению, но все-таки нужно помнить о том, что жизнь быстротечна, и нужно помнить о Боге.

Голландских художников XVII века часто называют «малыми голландцами». Обычно принято считать, что «малые» они потому, что писали картины маленького размера. Вот они, например, такого размера, немножко побольше. Но мне кажется, что не поэтому. Они именно те «малые», которым открылся Бог, утаив Себя от великих. От гордых, от горделивых Он утаился, а малым открылся, поэтому их быт так трогательно тепел и освещен. Бог благословляет простую жизнь, ее скромные радости, ее горести. И потому, хотя полумрак окружает предметы, откуда-то всегда просачивается золотистый луч света, который, как Божий свет, пронизывает мрак человеческой жизни.

Я уже говорила вам, что на натюрмортах никогда не изображен интерьер. Никогда нет стены, кресла или висящей на стене картины. Никогда нет окна, источник света непонятен, свет как бы возникает неизвестно откуда. Причем это живописцы, которые еще не знали Караваджо, его игры света и тени. Они уже по-своему это почувствовали. Отсюда, думаю, вырос Рембрандт с его игрой света и тени.

Давайте еще посмотрим на несколько голландских натюрмортов. Вот крабы появляются, это уже, конечно, излишество, уже о Евхаристии постепенно забываем, уже появляются в натюрмортах экзотические существа.

Вилем Кальф. Натюрморт с рогом

Вилем Кальф. Натюрморт с сосудом династии Мин

Посуда расписная, дорогая очень, ковровые скатерти. Простой пир, ведущий в жизнь, превращается в Валтасаров пир, ведущий в смерть, живописцы это и сами понимали. Сейчас вы увидите один натюрморт. Здесь уже появляются музыкальные инструменты, ноты, царит беспорядочная, богемная атмосфера.

Корнелис ван Харлем. Ванитас

Этот натюрморт называется «Суета сует».

Корнелис ван Харлем. Суета сует

Тут есть все, что человек любит: какие-то поэтические наброски на листах бумаги, музыкальные инструменты, все, чем он занят, и в центре — череп, то есть смерть. Вот это есть «суета сует и всяческая суета» — вот это они хорошо понимали. Вот так в конечном счете от Евхаристии мы перешли к тому, что в конце концов все умирает.

Теперь перейдем к фламандскому натюрморту. В отличие от Голландии, Фландрия оставалась католической, и натюрморт там приобрел совершенно неожиданный и совершенно другой смысл.

Ф. Снейдерс. (Фландрия) Рыбная лавка.

Во-первых, когда смотришь на это безумное изобилие, сначала оно кажется очень радостным: яркие краски, невероятное разнообразие и количество. Потом начинаешь замечать, что вся эта дичь мертва, вся эта дичь, по сути дела, убита. Господь поручил Адаму все живое хранить и землю возделывать, а человек вместо этого все живое убил. И это, по сути дела, пиршество смерти, пусть не человеческой, но все равно смерти. Все живое убито. Они называли это «лавки», просто лавки, магазинчики, в которых все это продается.

Это рыбная лавка, изобилие всего рыбного. И это все, что сделал человек, все, что он принес на землю. Был такой теоретик искусства во времена эпохи Возрождения Альберти, который так охарактеризовал человека: «Ты стал не земным, но и не небесным, тебе интересно все, что происходит кругом, но ты несешь с собой смерть, поэтому все живое на земле тебя начинает ненавидеть». Это грустный итог того, что в мир принес антропоцентризм. В этих мастерских, в этих лавках — разнообразие фруктов, овощей, дичи, рыбы, устриц, крабов. Добыча охотника — лань, кабан, заяц, лебедь… Все собрано в огромные груды. Все написано с чувственным восторгом. Не сразу понимаешь, что вся эта красота мертва, убита.

Ф. Снейдерс. (Фландрия) Натюрморт с фруктами и птицами. 1614 г.

Таинственный символизм голландского натюрморта

Мартен Буллема де Стомме. «Натюрморт с кубком-наутилусом»

В татуировке, как и в изобразительном искусстве, существует свой закодированный в определенную форму, смысл. Символика тату крайне разнообразна и зависит от расположения и направления самого изображения, от этого зависит и его смысл.

Еще с древних времен люди изображали на своей коже различные важные символы с сакральным для них смыслом имеющие отношение к их мифологии и истории. И прежде чем наносить конкретный символ важно понимать его значение в истории. Стоит сказать, что и сам человек может внести своё личное понимание конкретного изображения.

В данной статье мы бы хотели раскрыть тему символизма такого направления живописи, как голландский натюрморт, который состоит полностью из закодированных посланий, и, возможно, послужит вам в качестве идеи для творчества..

“ Посмотрите на полевые лилии, как они растут? Не трудятся, не прядут..”

Сознанию людей свойственно наделять мир предметов человеческими качествами, очеловечивать нечеловеческое и одухотворять материальное. Особенно это свойственно людям искусства.

Голландский натюрморт, хотя, на мой взгляд жанр stilleven “тихая жизнь’’ куда более раскрывает суть данного направления, нежели привычное для нас слово “натюрморт”, что переводится как “мертвая природа” — это жанр, где вещи говорят, вступают в диалог друг с другом и с нами. Общение с произведением искусства — всегда разговор автора со зрителем. Искусство учит людей воспринимать ценность бытия, учит любви, любви к миру, который нас окружает, а значит учит принимать его и относиться к нему, как к дорогому другу. Искусство способно линией, ритмом, цветом выразить то, что неподвластно человеческой речи. И это удивительное свойство позволяет зрителю, словно Пигмалиону, увидеть в картине не краску, дерево, камень или иной материал, а, подобных себе, живых существ. В натюрморте вещь всегда больше себя самой, так как художник относится к бытию, как к особой ценности.

Что касается самого жанра голландского натюрморта, его возникновение необходимо рассматривать в контексте духовного движения 16 века, которое способствовало кризису ренессансной культуры, в контексте протестантизма именно кальвиновского толка, как наиболее характерного для Голландии. Эта реформация стала переворотом для всех сфер жизни голландского общества, и, как писал философ А. Лосев – “индивидуализм, порожденный протестантизмом, привлек внимание к субъективным формам жизни человека, природы и социума.” Главным реформатором того периода являлся Жан Кальвин, человек представляющий строгий пуританский протестантизм и имеющий весьма радикальные взгляды в отношении искусства. Он полагал, что художник, своими фантазиями о Божестве, может лишь испортить Его совершенство. Из церквей были убраны все картины на религиозную тематику, а искусство оставили лишь для служения педагогическим задачам.

Картины из церквей переселились в дома бюргеров. И в искусстве стали развиваться светские тенденции.

И вот разные художники принялись писать, и писали в течении целевого века, на первый взгляд, примерно одно и то же — простой стол, на нем красивый бокал с вином или гроздь винограда, нож и хлеб. Все стоит чинно. Постепенно количество предметов увеличивается. Каждый предмет, однако, на своем месте не просто так, вещи имеют символическое значение. Рыба — символ Иисуса Христа; мясо — бренная плоть; нож — символ жертвы; лимон — символ неутоленной жажды; несколько орехов в скорлупе — душа, скованная грехом; яблоко напоминает о грехопадении; вино или виноград — символ Крови; хлеб — символ Плоти Христовой. Обязательно, например, в складках скатерти обнаруживаются часы — или механические, или песочные. А часы ведь говорят об одном — жизнь коротка, а искусство вечно. Помни о времени, время лукаво… Об этом же, кстати, напоминают и расколотые орехи, и полусрезанная кожура лимона.

Питер Клас ван Харлем. “Завтрак с ветчиной”.

Виллем Кальф. “Натюрморт с фарфоровой вазой, кувшином позолоченного серебра и бокалами”.

Многие искусствоведы полагали, что эти натюрморты, под названием “Десерт” или “Завтрак” ничто иное, как просто реклама образа жизни нового класса которая гордится своим благополучием, но при внимательном рассмотрении вся символика голландского натюрморта мгновенно раскрывается исследователю — изгнанное из стен храмов искусство перенесло свой сакральный смысл в дома людей, как напоминание о том, что Евхаристия – это благодарение Творца за Его дары человеку.

Натюрморт сегодня: валюта классического

Ting-Ting Chengs «Натюрморт с яблоком» и «Натюрморт с помело» — две минималистичные и интригующие дань уважения этому классическому художественному жанру. Но что это за натюрморт? И почему это актуально и сегодня?

Серхио Фернандес

Натюрморт — один из основных жанров западного искусства. По сути, его предметом является все, что не движется или мертво. Итак, натюрморт включает в себя все виды искусственных или природных объектов: срезанные цветы, фрукты, овощи, рыбу, дичь, вино и так далее.Это может быть праздник материальных удовольствий или предупреждение о краткости человеческой жизни.

«Натюрморт с яблоком» (2010) художника Rise Art Тинг-Тинг Ченг

Традиционно натюрморт считался побочным продуктом; академическое упражнение, разработанное для студентов, чтобы изобразить поведение света, падающего на разные поверхности. Этот подход радикально изменился с культурными сдвигами, охватившими Европу между Реформацией и Просвещением.В этот период разум и наука взяли верх над мифом и религией, поэтому светские темы стали главным действующим лицом в искусстве. Натюрморты предлагали художникам, покровителям и публике возможность исследовать эти новые интересы, поскольку внимание к миру природы увеличивалось.

В Северной Европе этот подход процветал и превратился из религиозного и аллегорического символизма в наиболее часто используемый объект для художественных экспериментов. Яркие примеры можно увидеть в Золотом веке голландской живописи, о чем свидетельствуют работы Делфтской школы таких художников, как Иоганнес Вермеер и Питер Клас.

‘Vanitas’ Питера Класа (1625)

В 19 веке, когда художественные академии взяли под контроль художественную продукцию по всей Западной Европе, натюрморт снова стал считаться второстепенным предметом, а академии отдали предпочтение более историческим и библейским темам. Возможно, именно по этой причине большинство художников, которые позже бросили вызов академической традиции, выбрали натюрморты, чтобы экспериментировать с различными текстурами и композициями.Такие художники, как Винсент Ван Гог и Эдуард Мане, воспользовались возможностью привнести в свои картины определенную экзотику с использованием краски не только в качестве пигмента, но и в качестве текстуры. Их картины больше разделяют экспрессионистские подходы Курбе и Гойи, чем фламандские натюрморты 17-го века, и это потому, что они активно отвергали академические каноны, устанавливая поверхность, а не содержание в качестве предмета. Мы можем проследить прямую линию между этими первыми попытками импрессионистов порвать с Академией и более поздними экспериментами кубистов.Так, например, кресло Гогена превратилось в «Скрипку и подсвечник» Брака или «Гитарист» Пикассо.

‘Natura Morta’ (1960) Джорджо Моранди

После того, как формальные элементы натюрморта были поставлены под сомнение, художникам-авангардистам начала 20 века потребовалось очень мало времени, чтобы понять концептуальные значения жанра. В течение последних 100 лет художники, использующие все средства, невероятно изобретательно подошли к натюрмортам, используя историческую родословную этого жанра, чтобы извлечь все его символические, аллегорические и формальные качества.Современные и современные художники выбрали этот жанр как средство социальной и политической критики истеблишмента. В то время как Дюшан ставил под сомнение само искусство, Уорхол вернул нам те же продукты, которые мы купили в супермаркете. У нас есть более свежие примеры в элегантных и пронзительных работах художников и фотографов, таких как Герхард Ритчтер, Ори Герст, Ян Грувер или Лаура Летински, которые все, кажется, решают метафизические вопросы с помощью своих сдержанных натюрмортов, таких как великие картины Джорджо Моранди из 1920-1950-е гг.Таким образом, жанр по-прежнему сосредоточен на том, как предметы вокруг нас говорят о насущных проблемах, которые управляют нашей повседневной борьбой.

Чтобы прочитать интервью с Тин-Тинг Ченг, где она объясняет, как она использует натюрморты для утверждения вопросов брендинга и коммерческого фетишизма, нажмите здесь.

В ногу со временем. Пройдите викторину Rise Art ART STYLE и СТАНЬТЕ УЧАСТНИКОМ. Это бесплатно, и вы получите доступ к лучшему новому искусству из лучших музеев, галерей и художников со всего мира!

Натюрморт: цветы, бутылки и груши о боже!

Тем из вас, кто считает натюрморты скучными, подумайте еще раз.

Многолетняя история натюрморта послужила неоценимым инструментом для историков при анализе культур различных областей и религий прошлого. Например, натюрморт на столе, полном еды и напитков, съеденных семьей из низшего сословия в 16 веке, дает нам представление о том, как выглядели столы в то время. И вдруг эти произведения заставляют нас почувствовать себя историками; мы думаем, что это более чем круто.

Но натюрморты — это не просто впечатляюще реалистичные изображения предметов.На самом деле они символизируют убеждения и интересы того времени, когда они были созданы.

Заинтересованы? Продолжайте читать, чтобы узнать больше.

Что такое натюрморт?

По определению, натюрморт — это изображение всего, что не движется, или, прямо скажем, мертвого. К таким предметам могут относиться еда, цветы, столы, бутылки, вино и так далее.

В средние века натюрморты с такими предметами, как лилии, кораллы и фрукты, использовались в религиозных целях как аллегории.Например, лилия олицетворяет чистоту и поэтому была включена в изображения Девы Марии.

Однако только в эпоху Возрождения натюрморты заслужили право иметь свой собственный жанр, позволяя художникам рисовать только сами предметы в качестве предмета работы.

Французская академия XVII века, как и пейзажи на пленэре, считала натюрморты одним из низших жанров живописи. Однако у голландцев, в частности, были другие мнения.

Голландский и фламандский золотой век 17 века ознаменовались периодом процветания в торговле, финансах, искусстве и науке, и эта процветающая торговля привела людей из других стран.

Взяв в качестве примеров натюрморты с цветами и едой из Золотого века Голландии и Фландрии, что они говорят нам о культуре того времени?

Цветочное искусство

Расцвет пышных цветочных произведений искусства в 1600-х годах соответствует развитию ботаники и появлению ботанических садов по всей Европе.С этим интересом художники применили научный подход к росписи букетов так точно, как они их видели. В результате эти цветы были нарисованы гиперреалистично, что позволило их владельцам использовать их вместо настоящих цветов. Думайте об этом как об искусственных цветах XVII века.

Цветы не только использовались для изучения достижений в ботанике, но и сообщали об интернационализации Голландской республики. В результате голландские художники, такие как Якоб Восмаер, составляли букеты, используя цветы из разных стран и континентов, как показано в его «Вазе с цветами».

Искусство еды

В то время как цветы отражают интерес к ботанике, натюрморты с едой 17 века отражали классовую структуру.

Дорогая еда, такая как моллюски и виноград, считалась деликатесом и, следовательно, показателем привилегированного образа жизни. При этом было очень необычно рисовать «дешевую» еду, такую как курица, яйца и кабачки, поскольку они символизировали более низкий социальный класс. Таким образом, «Натюрморт с рыбой» Питера Класа является примером образа жизни гурманов высшего сословия.

Какая у них цель?

Как уже упоминалось, натюрморты заменили настоящие цветы, а картины с изображением еды служили классическим символом владельца. Однако в этих исторических натюрмортах есть нечто большее, чем то, что они рассказывали о культуре того времени.

Такие предметы, как фрукты и цветы, со временем разрушаются. Кроме того, черепа и часы имеют тенденцию нести латинскую тему memento mori (или «помни, что ты должен умереть»). То есть этот образ служит напоминанием зрителю о краткости и хрупкости жизни.

Обычно ассоциируется с темой vanitas, которая уходит своими корнями в ветхозаветную книгу Экклезиаста и означает «Суетность сует, все суета». Таким образом, Ванитас символизируется мирскими товарами, такими как вино, богато накрытые столы. Пример vanitas можно увидеть в «Натюрморте с томом эмблем иссушителя» Эдварда Коллиера.

В сочетании с memento mori vanitas учитывает нашу смертность и поэтому считает эти товары бесполезными. То, что может показаться эстетически приятным собранием повседневных предметов, на самом деле является картиной, которая просит вас бросить вызов своим приоритетам.

Хотя темы memento mori и vanitas все еще существуют, искусство натюрморта сегодня немного отличается от искусства голландского и фламандского Золотого века. В то время как «Серая линия с черным, синим и желтым» Джорджии О’Киф рассказывает о расширении прав и возможностей женщин, фотографии Вольфганга Тильманса, такие как «Чаша хаоса», исследуют его собственные политические интересы и опасения.

Независимо от различий между натюрмортами сегодняшнего дня и натюрмортами прошлого, неизменным остается скрупулезное внимание к деталям и то, как кажущиеся безжизненными предметы, такие как еда и цветы, символизируют смысл жизни.

Возьмем, к примеру, этих художников …

Изображение на обложке через Джейн Келл

Натюрморт | Национальные галереи Шотландии

Картина, рисунок или фотография, изображающие неодушевленные предметы быта. Хотя этот жанр существует с древних времен, он был популяризирован в Голландии после эпохи Возрождения в шестнадцатом веке и продолжает изучаться в наше время.

Ранние натюрморты

Жанр натюрморта существует тысячи лет и продолжает развиваться по сей день. Некоторые из самых ранних примеров натюрмортов были созданы в пятнадцатом веке до нашей эры древними египтянами, обнаружены в древних захоронениях как погребальные рисунки, изображающие мясо, рыбу и зерно, которые будут перенесены в загробную жизнь или принесены в качестве подношений богам. В Древней Греции и Риме подобные предметы появлялись на фресках и мозаиках с узорами, называемых «эмблемами», которые служили символами процветания и богатства в домах высших слоев общества.По мере того, как жанр натюрморта развивался на протяжении веков, он стал тесно переплетаться с религиозной символикой, где неодушевленные предметы часто иллюстрировались рядом со священными текстами и рукописями.

Натюрморт в стиле Северного Возрождения

Считается, что итальянский живописец раннего Возрождения Якопо де Барбари создал первый натюрморт панно в 1504 году, но только в семнадцатом веке в Северной Европе этот жанр полностью утвердился. Термин «натюрморт» произошел от голландского слова «stilleven», где голландские и фламандские художники изображали различные предметы, включая мертвую дичь, мясо, хлеб и декадентские цветущие вазы с цветами.Художники обнаружили, что в этом, казалось бы, простом предмете они могут продемонстрировать удивительный набор виртуозных навыков, запечатлевая широкий спектр поверхностей и текстур, а также свет, форму и пространство. Некоторые из наиболее ярких и выдающихся примеров были сделаны Яном Брейгелем и Яном ван Хюйсумом.

В это время и в Голландский золотой век семнадцатого и восемнадцатого веков жанр vanitas был популярен среди художников, сложный предмет, в котором художники могли сочетать религиозную иконографию с различными символами memento mori, такими как горящие свечи, сушение фруктов и т. Д. цветы и черепа, а также символы удовольствия, такие как вино, еда и книги, отсылающие к поверхностным и мимолетным «суетам» повседневной жизни.Такие картины имели огромное влияние по всей Европе, схожая идея появилась в работах шотландских художников Уильяма Гоу Фергюсона и Ричарда Уэйтта. Во Франции цветочная живопись была популярной темой в восемнадцатом веке, примером которой являются картины Жана-Батиста Симеона Шардена.

Испанские Бодегоны

В Испании предметы натюрморта также появились в период Возрождения, когда художники подняли то, что когда-то считалось скромным, низшим предметом, до тех же рангов, что и библейская или повествовательная живопись, благодаря ярким цветам, вниманию к деталям и драматическому освещению.Термин «bodegón» (по-испански «кладовая или таверна») был принят, чтобы описать популярность изображения съедобных предметов, таких как груды фруктов, рыбы, яиц, хлеба или диких птиц рядом с предметами и посудой, включая блестящие кухонные инструменты, сотканные из ткани. сумки, прозрачные банки и книги. Такой широкий спектр предметов стал для художников чрезвычайно сложной платформой для демонстрации своих талантов. Многие художники, такие как Диего Веласкес, стремились прославлять важность предметов повседневного обихода и честных работников, связанных с ними, как видно из его Old Woman Cooking Eggs , 1618, в котором жанры натюрморта и портрета объединены в одно изображение.

Натюрморт с девятнадцатого по двадцать первый век

На протяжении девятнадцатого и двадцатого веков художники продолжали исследовать натюрморты в различных стилях. Художники-реалисты, импрессионисты и постимпрессионисты исследовали способы придания веса и содержания обычным предметам повседневной жизни, чтобы превозносить простоту и честность, а не пышность и церемонию, как это видно в мрачных, задумчивых этюдах Эдуарда Мане и щедрости мальчика из Глазго Уильяма Йорка Макгрегора. Овощной киоск, 1884.

К концу девятнадцатого века натюрморт стал скорее фоном, на котором художники могли исследовать аспекты стилизации, преувеличения и абстракции. Шотландский колорист Фрэнсис Кэмпбелл Буало Каделл провел яркие, плоские исследования студийных аранжировок под влиянием восточных гравюр, в то время как тщательные исследования фруктов Полом Сезанном разбили простой предмет на серию сложных граненых геометрических плоскостей. В двадцатом веке Пабло Пикассо и Жорж Брак приблизили блочные геометрические мазки Сезанна к абстракции; Простые натюрморты в приглушенных тонах давали им больше свободы для исследования формальных и пространственных искажений, как это видно на «Гитаре » Пикассо, «газ, флакон» (гитара, газовая форсунка и бутылка) , 1913 год.Позже Пикассо расширил жанр натюрморта в трех измерениях с помощью своих сборных скульптур.

Итальянский художник Джорджо Моранди большую часть своей карьеры посвятил живописи двадцатого века элегантно, урезав этюды бутылок и банок, упростив их до почти минималистских дизайнов, которые ближе к абстракции подошли к концу его жизни в 1960-х, как видно на Natura Morta (Натюрморт), 1962. На протяжении 1960-х годов художники-поп-художники изображали простые повседневные предметы как отражение растущей потребительской и материалистической культуры, такие как знаменитые суповые банки Энди Уорхола Кэмпбелла, а также стол Ричарда Гамильтона 1964 года.Художники-фотореалисты запечатлели, казалось бы, банальные сюжеты со знанием, невозмутимостью, вниманием к деталям и, как Веласкес, возведением простых предметов в статус изобразительного искусства.

Современные примеры

В современном искусстве натюрморты продолжают пользоваться популярностью, особенно в живописи и фотографии. Как и в случае с художниками прошлого, изображение повседневных предметов часто наполнено символизмом или концептуальным содержанием. Фотореалистичные картины Одри Флэк возродили жанр vanitas для нового поколения, включив в него предметы из современной жизни, в то время как Роберт Терриен переделал обычные предметы домашнего обихода в виде фотографий, гравюр и скульптур, открыв бесконечный перерабатываемый язык натюрморта.

Искусство натюрморта

Тодд М. Кейси (р. 1979), «Мир идей», холст, масло, 20 х 30 дюймов.

Rehs Contemporary недавно открыла «Искусство натюрморта: собрание натюрмортов Тодда М. Кейси». Шоу будет показано до 27 марта в Нью-Йорке. (Тодд Кейси также преподает в этом году на выставке и выставке изобразительного искусства, проходящей с 29 октября по 1 ноября 2020 года в Балтиморе, штат Мэриленд.)

В то время как команда Fine Art Today делает все возможное, чтобы предоставить вам самую свежую информацию о текущих художественных выставках, пожалуйста, также свяжитесь с отдельной галереей или музеем, чтобы убедиться, что информация не изменилась с момента ее публикации здесь.

Тодд М. Кейси, «Деревенские лимоны и серебряная чаша», масло, панель, 16 x 24 дюйма.

Из галереи:

На первый взгляд, можно предположить, что любой натюрморт — это всего лишь попытка художника нарисовать набор неподвижных объектов, и хотя некоторые из них могут быть ничем иным, как этим, часто перед нашими глазами предстает нечто гораздо большее. Кейси подчеркивает эту дихотомию продуманно разработанными композициями — он не только художник, но и визуальный рассказчик.

В молодости Кейси тяготел к искусству, и родители поощряли его развивать свои таланты. Выросший в Лоуэлле, штат Массачусетс, обладал богатой исторической культурой, которая глубоко повлияла на понимание Кейси искусства и его значения — он делит свое место рождения с такими известными фигурами, как Джеймс Макнил Уистлер и Джек Керуак, оба из которых широко известны в городе. Именно в эти годы становления Кейси по-настоящему начал ценить исторические артефакты и истории, став музой его творчества.

Тодд М. Кейси, «Другая история», холст, масло, 18 x 24 дюйма.

Подход Кейси к живописи, будь то личная или историческая, дает ему возможность рассказывать эти истории через взаимодействие объектов. Некоторые из его работ возникли как выдуманные истории, позволяющие его собственным интересам и воображению определять сцену, как, например, в «Энтомологе». Размышляя об этой конкретной картине, Кейси вспоминает свое первоначальное вдохновение, когда однажды утром прогуливался к почтовому ящику и наткнулся на мертвого жука на своем пути.

Насекомые всегда были личным увлечением Кейси, но эта встреча заставила его задуматься о любопытстве: «Кто тот человек, который изучает насекомых, и как может выглядеть их рабочее место?» Именно этот уникальный интерес к развитию истории поднимает работу на новый уровень — вернувшись в студию, Кейси задумал тщательно продуманное расположение образцов рядом с бутылками и записями, создав уникальное пространство, в котором обитает энтомолог.

Тодд М. Кейси, «Энтомолог», панель, масло, 12 x 18 дюймов.

В других случаях Кейси использует более буквальный подход к своему повествованию, как в «Смерти после полудня». Вдохновленный натюрморт является двойной ссылкой на популярную книгу Эрнеста Хемингуэя, а также на коктейль, которые носят одно и то же название. Эта композиция — взгляд художника на то, как мог выглядеть рабочий стол Хемингуэя, когда он писал. В центре сцены — культовый бокал с абсентом, на котором разбросаны кубики сахара, как будто сам Хемингуэй только что закончил готовить еще один бокал … в конце концов, в первоначальных инструкциях Хемингуэя было сказано: «пейте от трех до пяти медленно.”

Тодд М. Кейси, «Смерть после полудня», масло на панели, 12 x 12 дюймов

Независимо от источника вдохновения через свою работу, Кейси побуждает других быть внимательными и вдумчивыми, чтобы обдумать высший смысл вещей. Его подход к повествовательной живописи натюрморта заключается в том, чтобы создать подлинную связь с объектами, которые он изображает, таким образом, чтобы они существовали не как независимые предметы, а как часть чего-то большего.

Тодд М. Кейси, «План», масло на панели, 9 x 16 дюймов. Тодд М. Кейси, «Бутылка с буквами, стаканы и ручка», масло на панели, 7 x 14 дюймов.

Для получения дополнительной информации посетите https://rehs.com/.

> Подпишитесь, чтобы получать Fine Art Today , наш бесплатный еженедельный электронный информационный бюллетень

> И нажмите здесь, чтобы подписаться на журнал Fine Art Connoisseur , чтобы вы никогда не пропустили выпуск

10 самых известных натюрмортов известных художников

Натюрморт — жанр, который приобрел известность в западном искусстве к концу 16 века и с тех пор остается важным жанром.Натюрморты классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть естественными, например, цветы, фрукты и т. Д., Или искусственными, например, очки, музыкальные инструменты и т. Д. Вот список из 10 самых известных натюрмортов, выполненных известными художниками жанр, включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджо Моранди.

# 10 Натюрморт серии

Автор: Том Вессельманн

Год: 1962

Одна из картин «Натюрморт» Тома Вессельмана

Pop Art Movement появилась в 1950-х годах и использовала узнаваемые образы из популярной культуры.Среди самых популярных произведений поп-арта — серия «Натюрморт» Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущих поколений художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт № 30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа коммерческих этикеток, найденных Томом на улице.

# 9 Vanitas со скрипкой и стеклянным шаром

Автор: Питер Клас

Год: 1628

Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром (1628 г.) — Питер Клас

Питер Клас, работавший в течение года Золотого века Голландии года, был одним из ведущих художников-натюрмортов своего времени.Он известен vanitas или натюрмортами, которые содержат символы смерти или перемены как напоминание об их неизбежности. Это его самая известная картина. На нем изображено множество объектов, наиболее интересно — стеклянная сфера на заднем плане, на которой Клас сидит за мольбертом, выступая в роли автопортрета.

# 8 Корзина с фруктами

Автор: Караваджо

Год: г. 1599

Корзина с фруктами (1599) — Караваджо

Караваджо был пионером реалистичного изображения и драматического использования освещения в картинах.Он применил свой натурализм к натюрмортам, и поэтому «Корзина фруктов» отличается от предыдущих картин этого жанра. Помимо явно фотографического изображения, картина отмечена испорченными фруктами , которые, по-видимому, были съедены насекомыми. Спорный вопрос, писал ли мастер то, что было доступно, или он пытался передать более глубокий смысл.

# 7 Natura Morta (Натюрморт)

Автор: Джорджо Моранди

Год: 1956

Natura Morta (1951) — Джорджио Моранди

Джорджио Моранди был ведущим натюрмортами двадцатого века и одним из величайших итальянских художников своей эпохи.Его натюрморты известны своей бесхитростностью сюжета, приглушенными красками и простотой исполнения. Маранди использовал одно и то же название « Natura Morta », итальянское название «натюрморт», для всех своих работ в этом жанре. Вышеупомянутая картина — одна из многих его знаменитых работ, известных своей поэтичностью и яркостью.

# 6 Корзина яблок

Автор: Поль Сезанн

Год: 1895

Корзина яблок (1895) — Поль Сезанн

За исключением короткого периода в Северной Европе 17-го века, натюрморт был забытым жанром, несмотря на усилия Жана-Батиста Шардена.Именно Поль Сезанн почти в одиночку поднял его до такой высоты, что он стал популярным предметом для будущих художников, включая Пикассо, Матисса, Моранди и Брака. Эта картина является ярким примером его работ, в которых он использовал такие техники, как две точки зрения, которые должны были изменить направление искусства. Картина также известна своими несбалансированными частями, такими как названная бутылка, наклонная корзина и фрукты, которые вот-вот упадут.

# 5 Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой

Автор: Франсиско де Сурбаран

Год: 1633

Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой (1633) — Франсиско де Сурбаран

Франсиско де Сурбаран более известен своими религиозными картинами, но он также был одним из самых влиятельных художников-натюрмортов.Эта картина считается шедевром жанра и является единственным полотном, когда-либо подписанным и датированным испанским мастером. Три объекта на картине аккуратно расставлены и светятся на темном фоне. Принято считать, что в картине присутствует религиозный символизм.

# 4 Луч (La raie)

Автор: Жан-Батист-Симеон Шарден

Год: 1728

Луч (1728) — Жан-Батист-Симеон Шарден

Жан-Батист-Шарден считается величайшим художником в натюрмортах на все времена. Жан-Батисту Шардену приписывают продвижение натюрморта, которое бросило вызов другим устоявшимся жанрам.Луч был его шедевром, с помощью которого он привлек будущие поколения художников к натюрмортам. Картина содержит несколько новых элементов, среди которых наиболее заметно изображение живого существа в форме кошки . Его широко изучали, восхищались и копировали будущие художники, включая Анри Матисса.

# 3 Скрипка и подсвечник

Автор: Жорж Брак

Год: 1910

Скрипка и подсвечник (1910) — Жорж Брак

Жорж Брак вместе с Пикассо стал соучредителем доминирующего художественного стиля двадцатого века, Кубизм .Хотя начинал он с пейзажей, позже он перешел к натюрмортам. Этот шедевр является примером аналитического кубизма , первой фазы кубизма, которая была короткой, но влиятельной. Элементы на картине изображены в простых формах с использованием нескольких точечных перспектив и написаны в монохромном стиле, то есть используются разные тона одного цвета.

# 2 Rideau, Cruchon et Compotier

Автор: Поль Сезанн

Год: 1894

Rideau, Cruchon et Compotier (Кувшин, занавес и ваза с фруктами) (1894) — Поль Сезанн

Поль Сезанн считается величайшим мастером натюрморта, и эта работа является его самой знаменитой картиной в жанре.Технически он отличается двойной перспективой, которую создает Сезанн, а визуально очаровывает зрителя красиво нарисованными несбалансированными частями. Картины Сезанна этого типа считаются прелюдией к нескольким видам искусства двадцатого века, включая кубизм Пикассо. По состоянию на 2105 год эта картина является самым дорогим натюрмортами, когда-либо проданными на аукционе .

# 1 Подсолнухи серии

Автор: Винсент Ван Гог

Год: 1888

Ваза с пятнадцатью подсолнухами (1888) — Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог считается мастером натюрморта, а его серия картин на тему «подсолнухи» входит в число самых известных когда-либо созданных натюрмортов.Картины хорошо известны тем, что изображают естественную красоту цветов и их яркие цвета. Вышеупомянутая картина под названием « Ваза с пятнадцатью подсолнухами » побила аукционный рекорд картины, когда она была продана японскому инвестору почти за 40 миллионов долларов в марте 1987 года.

Встречи с американцами: простые радости натюрморта

: Рис. 2: Рафаэль Пил (американка, 1774–1824 гг.), Кукуруза и дыня, ок.1813. Масло, панель, 14½ x 19½ дюймов.
С любезного разрешения, Музей американского искусства «Хрустальные мосты», Бентонвилл, штат Арканзас.
Фотография Дуайта Примиано.

Букет, пыльная старая книга или скромный урожай, разложенный на столе, были бы знакомыми достопримечательностями для многих в девятнадцатом веке, наводящими на размышления о повседневных ритуалах и простых радостях жизни. На выставке « Американские встречи: простые радости натюрморта » собраны образцы натюрмортов, демонстрирующих, как изображения таких повседневных предметов могут вызвать нечто большее.Как и предыдущие три выставки из серии American Encounters , многолетнее сотрудничество с Музеем американского искусства Crystal Bridges в Бентонвилле, Художественным музеем Хай в Атланте, Луврским музеем и Фондом американского искусства Терра. Simple Pleasures исследует, как в годы становления американского искусства европейские модели были адаптированы к условиям, характерным для жизни в Соединенных Штатах. Работы, отобранные из четырех партнерских организаций, охватывают первый век американской натюрмортной живописи, от пробного зарождения жанра в первые годы девятнадцатого века до его полного расцвета к последним десятилетиям века.Хотя эти изображения разнообразны по тематике и контексту, они имеют больше общего, чем кажется на первый взгляд. Как предметы, сделанные американскими художниками для американского зрителя: их национальное происхождение является существенной, а не случайной чертой.

: Рис. 1: Жан-Батист-Симеон Шарден (французский язык, 1699–1779), Трубки и кувшин для питья, ок. 1737.
Холст, масло, 127⁄16 x 16½ дюймов.
Предоставлено Лувром, Париж. Изображение: © RMN-Grand Palais / Art Resource, NY.
Фото: Эрве Левандовски.

До девятнадцатого века натюрморты в Соединенных Штатах практически не применялись, а затем они использовались в основном в утилитарных целях. Цветочные ансамбли, корзины с фруктами и подобные объекты часто использовались как символические, но второстепенные детали в портретах или как декоративные элементы в экранах камина и стеновых панелях.

Натюрморт Жанр был отягощен своей историей в Британии и Европе как самый скромный труд профессионального художника.В Америке натюрморт начали воспринимать постепенно. В развивающейся американской академической системе изучение простых расстановок предметов в качестве студийного упражнения знакомило молодых художников с натюрмортами, хотя их профессиональное стремление не поощрялось. Новый аппетит к натюрмортам вызвал растущий класс торговцев, банкиров и предпринимателей, которые стали первым значительным источником меценатства в Америке. Роскошные дома этого растущего класса потребителей требовали со вкусом отделки: что может служить лучше, чем картины с предметами, которые напрямую связаны с их жизненным опытом и успехом в Америке?

: Рис.3: Джозеф Байс Орд (американец, 1805–1865), Натюрморт с ракушками, ок. 1840. Холст, масло, 18 х 24 дюйма.
Предоставлено High Museum of Art, Атланта, Джорджия;
Покупка на средства Фонда Маргарет и Терри Стент для приобретения американского искусства (2013.8).
Фотография Майка Дженсена.

К концу века, когда рынок искусства сформировался, а некогда доминирующая иерархия академии значительно разрушилась, художники могли плавно перемещаться между жанрами, а некоторые даже специализировались на натюрмортах.Изображения фруктов, цветов и других предметов украшали интерьеры не только особняков и домов среднего класса, но также салонов, клубов и даже галерей многих недавно основанных общественных художественных музеев.

Дополнял это развитие постепенный переход от доминирующего влияния британцев, у которых отсутствовали традиции натюрморта, к континентальной Европе, где натюрморты процветали с семнадцатого века. Из Европы американские художники переняли визуальный язык, который создавался веками, особенно голландскими художниками семнадцатого и восемнадцатого веков, первыми исследовавшими символический потенциал неодушевленных предметов, представленных как самостоятельные предметы в искусстве.Жанр процветал в Северной Европе и некоторых районах Южной Европы с таким успехом, что для того, чтобы конкурировать, художники были вынуждены специализироваться на определенных поджанрах, таких как кухня и рыночные сцены, настольные композиции, цветы, фрукты, обман или trompe l’oeil. , и композиции vanitas, относящиеся к быстротечному характеру жизни.

Выбор натюрмортов, представленных в American Encounters , демонстрирует не только разнообразие реакции Америки на натюрморт, но и переоснащение жанра для его нового контекста.Как и их аналоги в пейзаже и жанровой живописи, миниатюрный декоративный натюрморт раскрывает как региональное, так и транснациональное позиционирование молодой нации в процессе утверждения своей идентичности.

: Рис. 4: Мартин Джонсон Хид (американец 1819–1904). Два колибри с орхидеей, 1870 год.
Холст, масло, 179⁄16 x 27,5 дюймов. Предоставлено High Museum of Art, Атланта, Джорджия;
Покупка с Фондом Дэвида, Хелен и Мэриан Вудворд (76.3).

Американская щедрость и наследие Пила
Когда в возрасте двадцати одного года Рафаэль Пил дебютировала на публичной выставке с семью натюрмортами, он оказался в хорошей компании. На выставке Columbianum, устроенной в Филадельфии в 1795 году, было представлено более ста сорока произведений искусства, в основном американских художников, в том числе удивительное количество натюрмортов. Записи с выставки показывают, что как любители, так и профессиональные художники предлагали свои работы в натюрмортах, жанре, который редко практикуется американскими художниками.1 Среди них были преподаватель рисования из Филадельфии Сэмюэл Льюис, дядя Рафаэля Джеймс Пил и, что удивительно, некий мистер Копли — предположительно бостонский художник-эмигрант Джон Синглтон Копли, который, хотя и не писал натюрморты, часто включал в себя изысканные произведения искусства. натюрморты в его портретах.

: Рис. 5: Мартин Джонсон Хид (американец 1819–1904 гг.). Натюрморт с цветками яблони в раковине наутилуса, 1870 год.
Холст, масло, 21 х 17 дюймов.
Предоставлено Фондом Дэниела Дж. Терры, Фондом американского искусства Терра, Чикаго, Иллинойс (1999.7). Изображение любезно предоставлено Terra Foundation for American Art.

Несмотря на это благоприятное начало, Рафаэль Пил не возвращался в этот жанр в течение почти двадцати лет2. Как один из многих художественных потомков в известной семье Пилов, возможно, его поначалу обескураживал низкий статус натюрморта. Возможно, его также отговорила непрактичная специализация на жанре, для которого было мало американских прецедентов и мало покупателей.Однако к 1812 году, после нескольких лет неравномерного успеха в портретной живописи, Пил обратился к натюрмортам. Наиболее типичные изображения натюрмортов Пила обладают интуитивной непосредственностью и напоминают североевропейские настольные и кухонные натюрморты семнадцатого и восемнадцатого веков. На основе таких прецедентов, как «Трубки » и «Кувшин для питья » французского художника Жана-Симеона Шардена (рис. 1), где красное свечение табачного пепла свидетельствует о том, что трубкой только что наслаждались, картины Пила часто представляют предметы, как если бы они были собраны и расставлены. всего несколько мгновений назад.

Пила « Кукуруза и дыня » примерно 1813 года (рис. 2) объединяет традицию композиции стола с безошибочно американским сюжетом. был бы знаком как с европейским художественным прецедентом, так и с американским садоводством, включая его символическое значение. Еще в девятнадцатом веке американцы были сильно привязаны к идее укрощенной дикой природы, приносящей буквальные плоды национального труда, плоды, которые также служили символами статуса молодой страны как нового Эдема.4

Нельзя сказать, что Пил занимал сознательно националистическую позицию в своих картинах, изображающих скромные американские фрукты и овощи. Художник рисовал то, что знал, и создавал свои предметы для аудитории, которая, скорее всего, разделяла его признательность за американские щедрости, включая джентльменов-фермеров и других состоятельных потребителей.

: Рис. 6: Уильям Сидни Маунт , (американец, 1807–1868), Яблоки на жестяной чашке, 1864.
Масло на академической доске, 6½ x 91⁄16 дюймов.
Предоставлено Фондом Дэниела Дж. Терры, Фондом американского искусства Терра, Чикаго, Иллинойс (1999.100).
Изображение любезно предоставлено Terra Foundation for American Art.

В середине 1820-х годов филадельфийский художник Джозеф Биэйс Орд, поколение моложе Пила, также начал выставлять натюрморты5. Как и Пил, Орд был сыном ученого и коллекционера и вырос под влиянием филадельфийской науки и коллекционера. художественное сообщество. Тем не менее, Натюрморт с ракушками Орда примерно 1840 года (рис.3), роскошное изображение ракушек, не похожее ни на что, написанное другими американскими художниками. Скорее, Орд, возможно, был вдохновлен традициями европейской живописи, в которой использовались природные диковинки и коллекции.

Несмотря на то, что это неуместно было представлено на открытом воздухе, на внутреннем берегу реки, надуманная композиция напоминает уравновешенную искусность столешницы, которую любил Пил. Как и в случае с кукурузой и дыней , тема Орда явно американская: тщательно обработанные ракушки атлантического побережья помещены под тем, что кажется северным красным дубом, деревом, произрастающим в Новой Англии и Среднеатлантическом регионе.В более богатой Америке, которую все больше привлекали образы богатства, Орд был одним из первых художников-натюрмортов, добившихся постоянного коммерческого успеха.

Создание новых условностей:
Натюрморт в середине века
К середине девятнадцатого века натюрморты достигли своего расцвета. Настольные композиции из фруктов и овощей продолжали вызывать интерес, но около 1840 года в центре внимания оказались цветы и дичь. Эти более щедрые предметы отражали эволюционирующий вкус довоенных лет с его постоянным ростом богатства и промышленности и сопутствующими новыми удобствами, машиностроением, более легким путешествием, более быстрым сообщением и перемещением населения из сельских общин в городские центры.Более космополитический взгляд на вещи побуждал художников искать новые подходы.

Художник Мартин Джонсон Хид, уже зарекомендовавший себя как живописец пейзажей и морских сюжетов, обратился к натюрмортам в 1860-х годах. Его первые работы были простыми настольными композициями. Его интерес к этой теме быстро расширился после двух путешествий в Южную Америку, где Хид начал рисовать цветочные сюжеты в естественных условиях бразильских тропических лесов (рис. 4). Хотя сейчас он наиболее известен своими изображениями тропической флоры, для большинства своих натюрмортов Хед предпочитал образцы, расположенные ближе к дому, и разработал особые особенности в изображении роз, магнолии и цветов яблони.

: Рис. 7: Уильям Майкл Харнетт (американец, 1848–1892), Натюрморт с бюстом Данте, 1883 год.
Масло, панель, 105⁄16 x 1313⁄16 дюймов.
Предоставлено Высоким музеем искусств, Атланта, Джорджия, подарок мистера и миссис Джеймс М. Дайер и мистера и миссис Трумэн Брэгг в память миссис Мэри Ньюкомб Булл и Роберта Скотта Ньюкомба (67,27).
Изображение любезно предоставлено High Museum of Art.

В качестве художника-флориста-натюрморта Хид был бы хорошо осведомлен в значении цветов и значении отдельных разновидностей — популярного викторианского времяпрепровождения, которому служат такие произведения, как «Лексикон Флоры » Кэтрин Уотерман (1839) и «Интерпретатор Флоры» Сары Хейл. и Fortuna Flora (1849 г.).Например, в своей картине «Натюрморт с цветками яблони в ракушке наутилуса » (рис. 5) Хид собрал предметы, которые усиливают культурные ассоциации цветка как символа плодородия и плодородия, даже если это веселые розовые и белые цветы. намекнуть на более темное значение. Эта очаровательно женственная композиция выявляет противоречивые противоречия между целомудрием и желанием в аллюзии на яблоко, символ сексуальности и библейского падения, и раковину наутилуса, напоминающую Венеру, богиню любви, и предполагающую приближение женственности.На заднем плане жемчужная нить и крест являются моральным противовесом искушениям желаний, согласовывая послание картины с американскими приличиями викторианской эпохи.

В книге Уильяма Сидни Маунта « Яблоки на жестяной чашке » 1864 года (рис. 6) яблоко снова играет ведущую роль. Однако особые обстоятельства создания этой картины смещают символический акцент яблока с библейского на национальный. Яблоко, широко считающееся американским фруктом, напоминало о доморощенном фольклоре Джонни Эпплсид, а его изобилие и широкая доступность предлагали параллель с эгалитарным этосом страны.Скромная композиция Маунта, созданная в последние годы Гражданской войны, играет на этих ассоциациях: она нарисована для столичной ярмарки 1864 года в поддержку войск Союза, на ней изображены яблоки на перевернутых жестяных чашках, которые выпускались солдатам Союза во время войны. Здесь чашки, скромные символы Союза, буквально поддерживают воплощение Нации, яблоки, провозглашая веру художника в дело Союза.

Изобилие и обман:
Натюрморт в позолоченном веке
Безделушки и безделушки, популярные в Соединенных Штатах в последние десятилетия девятнадцатого века, сигнализируют об изменении народных вкусов как Нация появилась на международной арене как политическая и экономическая держава.Натюрморт Уильяма Майкла Харнетта с бюстом Данте (рис. 7) демонстрирует американскую космополитическую моду конца девятнадцатого века на эклектичное коллекционирование и демонстрацию экзотических предметов. Картина Харнетта представляет собой собрание средневековых безделушек, старых книг и нот, в которых упоминаются популярные литературные персонажи, моделирующие нравственное и аморальное поведение. Харнетт использовал предметы из другого времени и другого места, чтобы намекнуть на сексуальную нескромность, чистоту и двойственность тела и души в образе, призванном апеллировать к консервативным американским моральным ценностям.Своими провокационными демонстрациями предметов, установленных в неустойчивых положениях, картины Харнетта также привлекали растущий в последние десятилетия девятнадцатого века популярный интерес к обманным картинам. Натюрморт с бюстом Данте «» представляет собой отличительную черту художника, позволяющую оживить статичную композицию стола с помощью нескольких нестабильных предметов, которые на мгновение бросают вызов силе гравитации. Здесь оборванная обложка книги свисает с последних нитей, ее судьба, возможно, усугубляется прикрепленными под ней нотами, которые, похоже, тоже готовы соскользнуть на землю.Наверху другой том, кажется, выскользнул из своего хрупкого положения у рожка. Если кто-то столкнется с этим, ненадежное устройство Харнетта рухнет, как карточный домик.

: Рис. 8: John Haberle (американец, 1845–1933), Small Change, 1887.
Холст, масло, 9¼ x 7¼ дюймов.
любезно предоставлено Музеем американского искусства «Хрустальные мосты», Бентонвилл, штат Арканзас.
Фотография любезно предоставлена Музеем американского искусства Амона Картера.

: Рис. 9: DeScott Evans (American, 1847–1898), Daisies, ca. 1885.
Холст, масло, 12 х 10⅛ дюймов.
Предоставлено Музеем американского искусства Crystal Bridges, Бентонвиль, штат Арканзас.
Изображение: © Музей американского искусства Crystal Bridges, Бентонвиль, штат Арканзас.
Фотография Дуайта Примиано.

: Рис. 10: Авраам Миньон (голландский, 1637–1679), Цветы в хрустальной вазе, стоящие на каменном постаменте, со стрекозой, n.d.
Холст, масло, 34⅝ x 26¾ дюймов.
Предоставлено Музеем Лувра, Париж, Департамент живописи, Р.Ф. 1556,
Изображение: © RMN-Grand Palais / Art Resource, NY.
Фотография Рене-Габриэля Охеды.

Харнетт опирался на давние традиции визуального иллюзионизма, от декоративных уловок древнегреческой настенной живописи до остроумных уловок голландских и французских композиций trompe l’oeil. В Соединенных Штатах эта традиция была продолжена в нескольких известных работах Рафаэль Пил и других ранних американских художников-натюрмортов.Однако только в последние десятилетия века trompe l’oeil процветал как особая практика, возрожденная такими художниками, как Харнетт, Джон Фредерик Пето, Джон Хаберле и ДеСкотт Эванс6

Часто шутливый характер картин trompe l’oeil конца девятнадцатого века высвечивает обман в эпоху растущего общественного скептицизма в отношении американской политики и озабоченности по поводу коррупции. Эти композиции не только комментировали обман, но и демонстрировали его, но таким образом, что зритель становился участником шутки, а не ее жертвой.Игривый иллюзионизм « Small Change » Джона Хаберле (рис. 8), например, бросает вызов ожиданиям зрителя о двумерной поверхности. Секретная служба США сочла действия Хаберле подделкой и предупредила его, чтобы он прекратил раскрашивать валюту. Ближе к нижнему краю монеты Small Change , неповиновение художника властям правительства запечатлено на автопортрете, который, кажется, прикреплен к месту одной из его «поддельных» монет, тем самым смело заявляя о своем обмане.

ДеСкотт Эванс ввел обман в авторство своих картин, регулярно ставя свое имя под разными псевдонимами — S. С. Дэвид в случае с маргаритками (рис. 9). Обыгрывая условности голландской традиции vanitas, примером которой является «Цветы в хрустальной вазе, стоящие на каменном пьедестале» с Драконьей мухой (рис. 10) Авраама Миньона, Эванс изображает скромный букет, находящийся на разных стадиях распада. Однако, выбирая этот обычный невозделанный цветок, он отвергает традицию создания экзотических цветочных композиций в пользу простых удовольствий домашнего выращивания.Эванс также отвергает сложные безделушки, практикуемые его коллегами, такими как Харнетт. Однако неопределенность и напряженность не менее велики. Ромашки не загромождены, с небольшими деталями, кроме цветов в стакане для питья, который беспорядочно висит на гвозде у грубо обтесанной деревянной стены. Хотя все кажется гармоничным, даже скромный толчок стакана принесет и воду, и цветы, льющиеся из чашки, испортив не только букет, но и обрывок бумаги с фальшивой подписью под ним.Таким образом, суть обмана находится в опасности. Личность создателя картины — уже замаскированная дезинформацией — может быть полностью стерта.

В визуальном обмане Харнетта, Хаберле, Пето и Эванса, среди прочих, зритель был приглашен сыграть роль как сообщника, так и мошенника — настроенного на обман, но также под руководством художников, чтобы он мог занять секунду. пройти и расшифровать код. Без того, чтобы кто-то понял изюминку, шутка не удалась. Когда мы смотрим на эти изображения повседневных вещей, относимся к ним и реагируем на них, они открывают нам гораздо больше, чем просто удовольствия.

Американские встречи: простое удовольствие от натюрморта — это четвертая выставка в многолетнем сотрудничестве с Музеем американского искусства Хрустальные мосты в Бентонвилле, Художественным музеем Хай в Атланте, Луврским музеем и Фондом Терра. Американское искусство. Он открывается в Лувре в феврале 2015 года, проходит к Хрустальным мостам с мая по сентябрь 2015 года и завершается на Высшем уровне с сентября 2015 года по январь 2016 года.

Стефани Майер Хейдт , Маргарет и Терри Стент, хранитель американского искусства, Художественный музей Хай, Атланта.

Эта статья была первоначально опубликована в юбилейном выпуске журнала Antiques & Fine Art за 2015 год, оцифрованная версия которого доступна на afamag.com. Antiques & Fine Art, AFAmag, AFAnews и AFA Publishing связаны с InCollect.com.

1. Уильям Х. Гердтс, Художники скромной правды: шедевры американского натюрморта, 1801–1939 (Колумбия, Миссури: Центр искусств Филбрук с Университетом Миссури Пресс, 1981), 47.

2. О карьере Пила см. Николай Циковски-младший и др., «Натюрморты Рафаэль Пил» (Вашингтон, округ Колумбия: Национальная галерея искусств, 1988).

3. Кукуруза и дыня, по-видимому, входили в группу, которую он выставлял в Пенсильванской академии изящных искусств в 1814 году, на третий год, когда он представлял натюрморты на ежегодной выставке. Отчет о ежегодной выставке Пенсильванской академии изящных искусств, изд. Питер Гастингс Фальк, т. 1, 1807–1870 (Мэдисон, Коннектикут: Sound View Press, 1988), 166.

4. Джудит А. Бартер и Аннелиз К. Мэдсен, «Симметрия природы: садоводство и корни американского натюрморта», в сб. Искусство и аппетит: американская живопись, культура и кухня, под ред. Джудит А. Бартер (Чикаго: Институт искусств Чикаго, издательство Yale University Press, 2013), 60–69.

5. Орд даже выставил копию натюрморта Рафаэль Пил в 1827 году. См. Annual Exhibition Record, 1: 154–155, 167. Изображение самого раннего настольного натюрморта Орда см. В American Watercolors, Drawings, Живопись и скульптура XIX и XX веков, продажа кат., Christie’s, Нью-Йорк, 10 марта 1989 г., лот 12, «Персики и виноград» (выставка 1824 г. в Пенсильванской академии изящных искусств).

6. Наиболее полное на сегодняшний день исследование Харнетта и подъема живописи тромп-л’оил в конце девятнадцатого века проведено Дорин Болджер, Марком Симпсоном и Джоном Уилмердингом, Уильямом М. Харнеттом (Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс для Метрополитен-музей, 1992 г.).

Натюрморт: искусство, приносящее утешение в неопределенные времена

Тихая, знакомая красота натюрморта, вида искусства, изображающего в основном неодушевленные предметы, такие как животные, еда или цветы.Эти успокаивающие образы дают ощущение уверенности и простоты в сложные и нестабильные времена. Это может объяснить, почему более шести миллионов пользователей Instagram полюбили натюрморты во время последнего раунда глобальных блокировок из-за COVID-19.

Для многих наша жизнь стала более спокойной — образцы повседневного существования более чем когда-либо ограничены внутренними стенами наших домов. Таким образом, обретение комфорта в повседневной жизни может привести к внутреннему умиротворению. По своей сути натюрморт имеет значение далеко за пределами физических объектов, которые он изображает: он имеет дело с условиями человека и самой жизнью.На протяжении большей части истории человечества удобство натюрмортов в сложные времена было исключительно для тех, кто владел этими картинами, вешал их на стены или держал взаперти в сейфах. Однако сегодня благодаря Интернету и общественному достоянию миллионы людей имеют доступ к этим утешительным изображениям.

Как поборники общественного достояния и открытого доступа к культуре, мы хотели поделиться некоторыми из наших любимых натюрмортов. Благодаря усилиям сторонников Open GLAM (галереи, библиотеки, архивы и музеи) и учреждений культурного наследия, эти изображения доступны для всех и в любом месте для совместного использования, повторного использования, ремикса и просмотра.

«Натюрморт с тыквами и огурцами» Штефана Михала-Вёрёша Избиги, 1734 г. Изображение предоставлено Словацкой национальной галереей (общественное достояние). «Ваза с цветами» Маргареты Хаверман, 1716 г. Предоставлено Музеем искусств Метрополитен (общедоступно) «Букет цветов в хрустальной вазе» Николаса ван Веерендаля, 1662 г. Предоставлено Музеем искусств Метрополитен (общественное достояние). «Натюрморт с розами» Роберта С. Дункансона, 1842-1848 гг. Предоставлено Смитсоновским музеем американского искусства (CC0).

Что такое натюрморт в изобразительном искусстве: суть, виды, основные поджанры, история, выдающиеся художники. Примеры натюрмортов известных картин

Натюрморт жанр изобразительного искусства

Этот e-mail адрес защищен от спам-ботов, для его просмотра у Вас должен быть включен Javascript

Натюрморт в изобразительном искусстве. 6 класс

Что такое натюрморт. Известные художники жанра

Натюрморт в живописи: разновидности и описание

Что такое натюрморт?

История

Иконописные традиции и натюрморты

Ренессанс натюрморта

Переломный момент

Фламандский ренессанс

Фландрское течение

Свойства жанра

Задачи и проблемы натюрморта

Современные полотна

Влияние импрессионизма

1. История развития натюрморта. Натюрморт как жанр живописи

Похожие главы из других работ:

История развития аниме

1.2. ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ И СТАНОВЛЕНИЯ НАТЮРМОРТА КАК ВИДА ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА.

1.1 История развития импрессионизма

1.1 История развития с. Сростки

1. История возникновения натюрморта и обучение натюрмортной живописи в художественно-педагогических образовательных учреждениях

1.1 История натюрморта как жанра

1.3 История возникновения и развития русского натюрморта

1.2 История развития натюрморта в России

1. История развития и преодоление преград на пути развития национальной школы

1. История развития батика

1.1 История развития графики

1.1 История развития импрессионизма

1.1 История зарождения и развития классицизма

История развития аниме

1.1 История развития стиля

«Натюрморт как изображение Евхаристии» | Православие и мир

Таинственный символизм голландского натюрморта

Натюрморт сегодня: валюта классического

Натюрморт: цветы, бутылки и груши о боже!

Что такое натюрморт?

Цветочное искусство

Искусство еды

Какая у них цель?

Натюрморт | Национальные галереи Шотландии

Ранние натюрморты

Натюрморт в стиле Северного Возрождения

Испанские Бодегоны

Натюрморт с девятнадцатого по двадцать первый век

Современные примеры

Искусство натюрморта

10 самых известных натюрмортов известных художников

# 10 Натюрморт серии

# 9 Vanitas со скрипкой и стеклянным шаром

# 8 Корзина с фруктами

# 7 Natura Morta (Натюрморт)

# 6 Корзина яблок

# 5 Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой

# 4 Луч (La raie)

# 3 Скрипка и подсвечник

# 2 Rideau, Cruchon et Compotier

# 1 Подсолнухи серии

Встречи с американцами: простые радости натюрморта

Натюрморт: искусство, приносящее утешение в неопределенные времена

Рубрики