что такое ташизм, его характерные особенности и история развития. Примеры картин, выполненных в стиле ташизма. Самые известные художники-ташисты
Ташизм (фр. tachisme) — это стиль живописи, которому свойственен отказ от предметного изображения действительности. Ташизм стал одним из течений абстракционизма Западной Европы. Художники, которые писали в стиле ташизм, наносили мазки на холст без предварительного обдумывания — они руководствовались своим психическим состоянием и прислушивались к эмоциям. Родоначальником направления считают Вольса (нем. Wols) — фотографа из Франции, родившегося в Берлине.
Ташизм — не случайное название. Оно происходит от французского слова tache, которое в переводе означает «пятно». Многие картины, написанные ташистами, действительно напоминают скопление цветовых пятен — ярких, светлых, чаще всего вызывающих лёгкие и приподнятые эмоции.
Основные характеристики и особенности ташизма
Ташизм часто рассматривают в качестве ответвления такого стиля, как информализм (фр. Art Informel). Последний получил своё название за отказ от использования каких бы то ни было форм. Их нет и в ташизме. Направлению свойственны:
- яркие цветовые пятна, которые часто создавались путём нанесения брызг на холст;
- обилие крупных, мощных мазков;
- эксперименты с царапинами, каплями, выдавливанием краски прямо из тюбика, использованием перфорированных ёмкостей, нанесением нескольких слоёв краски и частичным соскабливанием одного из них;
- непродуманность действий автора, его импровизация;
- ритмически повторяющиеся элементы;
- у некоторых художников — применение приёмов каллиграфии.
В произведениях, написанных ташистами, за редкими исключениями полностью отсутствует материальная, предметная составляющая. И тем интереснее этот стиль.
История ташизма
Предтечей ташизма стали попытки художников, исповедовавших сюрреализм, использовать элементы техники будущего стиля — в частности, «автоматическое письмо». Такие попытки предпринимались в 40-х годах прошлого века.
В законченном виде ташизм сформировался во Франции в 1950-х гг. Персоны, давшие ему развитие, отказались от элементов геометрической абстракции и сделали ставку на инстинктивное, интуитивное самовыражение через пятна и мазки.
В «Словаре искусства XX века», изданном в Оксфорде, сказано о том, что впервые термин «ташизм» использовали в 1951 г. Популярность к новому направлению пришла после издания в 1952 г. искусствоведом Мишелем Тапи (фр. Michel Tapié de Céleyran) книги Un Art autre.
Ташизм стал ответом на кубизм — он противопоставил ломаным линиям последнего яркостью и плавностью цветовых пятен. Кроме того, искусствоведы середины XX века рассматривали новый стиль как одну из ветвей лирического абстракционизма и ар информеля, считали его западноевропейским эквивалентом абстрактного экспрессионизма.
После Второй мировой войны начала стремительно развиваться парижская школа ташизма.
К середине 50-х гг. прошлого века художники, критики и публика Европы начали охладевать к ташизму. Художник-конструктивист и историк авангардного искусства Мишель Сёфор (фр. Michel Seuphor) заявил о том, что это направление живописи окончательно зашло в тупик.
Картины, написанные ташистами, экспонируются во многих музеях, включая крупнейшие — лондонской Галерее Тейт, берлинской Новой национальной галерее и других.
Самые известные художники-ташисты
Известные художники-ташисты громко заявили о себе в середине XX века, на которую пришёлся расцвет ташизма. В списке самых ярких имён — такие, как:
- Ханс Хартунг (нем. Hans Hartung, 1904-1989). Этот автор с юности проявлял большой интерес к астрономии. Тяга к созерцанию небесных тел и их следов отразилась в его произведениях. В «Радиации» (1962) отчётливо видны пересекающиеся линии, создающие эффект мерцания и напоминающие о движении звёзд и планет.
- Жорж Матьё (фр. Georges Mathieu, 1921-2012). Этого мастера считают основоположником абстрактной исторической живописи. События из истории нашли отражение в его картинах, написанных в стиле ташизм — например, такой, как «Капетинги повсюду» (1954).
- Асгер Йорн (дат. Asger Oluf Jørgensen, 1914-1973). Манера этого датского автора постепенно менялась с течением времени. В 50-х гг. прошлого века он тяготел к изображению на своих ташистских произведениях мрачных демонических существ, фетишей и тёмных сил. Эти персонажи просматриваются в картине «Письмо моему сыну» (1957).
- Пьер Сулаж (фр. Pierre Soulages, род. в 1919). Сквозная тема всех картин этого французского мастера — активное использование чёрного цвета. Эта тяга отчётливо видна в его работе «Чёрный и синий» (1973).
- Никола де Сталь (фр. Nicolas de Staël, 1914-1955). Излюбленными цветами этого художника из Франции были насыщенные жёлтый, синий и красный. Их сочетание можно увидеть в картине «Красные бутылки» (1948).
На сайте Very Important Lot можно поучаствовать в аукционах, на которых выставляют шедевры ташизма. Этот портал стоит посетить, чтобы купить картины любой стилистики, созданные современными художниками.
Раскрыта тайна появления белого пятна на картине Эдварда Мунка «Крик»
ОСЛО. Чтобы определить происхождение пятна на версии картины Эдварда Мунка «Крик» (Edvard Munch, The Scream), которая была написана в 1893 году и сейчас находится в коллекции Национального музея Норвегии (Norway’s National Museum), исследователи использовали рентгеновскую дифракцию. Долгое время думали, что пятно — след от птичьего помёта, но оказалось, что это не так.
Эдвард Мунк — «Крик» (1893), фрагмент
После нескольких лет спекуляций вокруг картины, учёные из Университета Антверпена в Бельгии окончательно решили загадку самой знаменитой картины Эдварда Мунка: странный белый знак оставлен восковой свечёй, а не птицей.
Напомним, Мунк написал четыре версии «Крика» в 1890-х годах, но на варианте 1893 года хорошо заметно белое пятно неизвестного происхождения возле плеча кричащего субъекта. Как известно, Мунк много рисовал на открытом воздухе для того, чтобы силы природы буквально оставляли свои следы на его полотнах. Поэтому долгое время считалось, что пятно оставила птица. Об этом написал один из сотрудников Университета Антверпена на своём сайте.
Профессор Тине Фройсакер (Tine Frøysaker) из Университета Осло и Тьерри Форд (Thierry Ford), реставратор картин из Национального музея, не поддержали эту версию. Фройсакер, которая уже сталкивалась с птичьими экскрементами за время своей карьеры, отметила, что пятно не выглядит как птичий помёт под микроскопом. Её слова подтверждает и Форд, добавляя, что «экскременты птиц, как известно, разъедают и вызывают мацерацию многих материалов». Вещество на картине Мунка лежит на краске уже много лет и за все эти годы не причинило никакого вреда.
“Последний технический аргумент против этой теории — тот факт, что Мунк использовал картонную подложку для написания «Крика», материал, которому при всей его хрупкости и гигроскопичности мог быть нанесён серьёзный ущерб, если бы Мунк оставлял картину на улице”, — заключает в своей статье представитель Университета Антверпена.
В мае прошлого года группа специалистов по рентгеноструктурному анализу и электрохимии из Антверпена была приглашена в Осло, чтобы проанализировать материалы, которые использовались при написании «Крика» и для того, чтобы разрешить давний спор вокруг загадочного пятна. Исследователи взяли пробу вещества и проанализировали его при помощи рентгеновской дифракции. “Я сразу узнал картину дифракции воска, так как уже не раз сталкивался с этим материалом”, — рассказал Фредерика Ванмеерт (Frederik Vanmeert), аспирант из Антверпена.
Д-р Герт ван дер Сникт (Geert van der Snickt) даже собрал образцы птичьих экскрементов, чтобы картина исследования была полной. “Я должен признать, что я был немного смущён, собирая образцы этого материала перед глазами туристов”, — признался он. Можно с уверенностью сказать, что рентгеновская дифрактограмма образца полностью соответствует воску, и абсолютно не похожа на птичий помёт. Ван дер Сникт признал, что “состав помета сильно зависит от питания птицы, но я искренне сомневаюсь, что картина Мунка подверглась нападению птицы, питавшейся воском”.
Исследователи полагают, что белое пятно попало на картину с капающей свечи в студии Мунка. Тайна белого пятна долгое время озадачивала учёных и галеристов, и, наконец, она раскрыта.
]]>Анна Сидорова © Gallerix.ru
«Солнечные пятна на инее», Куинджи — описание картины
Солнечные пятна на инее — Архип Иванович Куинджи. 1876-1890. Клеенка, масло. 24 х 27 см
Живопись Куинджи – это яркий и выразительный пример типично русского импрессионизма. Северная российская природа, отсутствие кричащих «тропических» красок и особое, неповторимое ощущение покоя, спокойствия, которым просто веет от полотна – вот чем отличается эта картина от родственных ей образцов в том же живописном жанре.
На полотне изображен фрагмент заснеженного леса – хотя на картине нет никаких знаков, позволяющих опознать местность, понятно, что такая природа характерная для нашего климата. Ощутимо тяжелые снежные глыбы просто придавили ветки деревьев к земле. К этой картине можно применить образную цитату Михаила Афанасьевича Булгакова «город накрыло шапкой снежного генерала», только здесь город нужно заменить лесом.
Деревья на картине спят, укутанные толстым слоем снега. На его поверхности лежит тонкий слой инея, отражающий солнечные лучи и дающий очень яркие пятна белого цвета. Резкий контраст придает полотну объемность и выразительность. Из-за косых солнечных лучей на плотном слое снега появляются контрастные тени, а проглядывающие кое-где ветви и стволы деревьев, хвоя, кажутся очень темными, почти черными.
Композиционно картина построена так, что зритель ощущает себя находящимся на небольшой полянке или прогалине в гуще зимнего леса. Это впечатление создается благодаря расположению деревьев в снегу – они словно обрамляют полотно по сторонам. На переднем плане оказывается открытое пространство, заполненное пятнами солнечного света, а дальше взгляд зрителя упирается в наглухо заснеженные, просто засыпанные снегом по самую «макушку» невысокие деревья. Вдали, в сизоватой дымке угадывается продолжение леса, который становится очень густым, а из-за нетронутого снега выглядящим сплошным цветовым пятном. Оттенок, которым его изобразил художник, перекликается с цветом неба – высоким и чистым, но с характерным для зимы свинцовым оттенком. Ему еще очень долго ждать до появления настоящей голубизны.
Эта небольшая, но очень эффектная картина без особого сюжета и персонажей западает в душу именно благодаря тому ощущению, которое она производит. Глядя на нее, зритель ощущает эффект присутствия в этом глубоко спящем лесу, закутанном в толстую снежную шубу. Там царствует тишина и невыразимый покой, который пока что не могут разбудить даже яркие солнечные лучи. До весны еще далеко, очень далеко…
Картина «Картина с тремя пятнами «
Печать на ламирине
Бюджетный материал на основе ватмана и пленки ПВХ предназначенный для высококачественных отпечатков. Влагостоек, Плотность около 200 гр.метр, матовый прочный. Служит идеальным материалом для эконом-печати фоторабот.
Печать на холсте
Натуральный хлопковый холст для полиграфической печати предназначенный для отпечатков картин и рукописных работ. Влагостоек. Плотность около 350 гр. метр., матовый, прочный
Роспись художником(Жикле)
Картина сначала типографским способом переносится на холст, получается «тусклый» отпечаток низкого разрешения , затем художник расписывает ее маслом. Роспись выполняется поверх контура изображения на хлопковом холсте. Холст заполняется маслом не менее чем на 80% поверхности , при этом техника Автора может не выдерживаться, допустимы отклонения в оттенках. Срок изготовления 6-7 рабочих дней . Роспись художником это наиболее оптимальное соотношение цена/качество.
Копия маслом
Художник пишет картину с «нуля» на чистом холсте , сохраняя технику Автора, цвет оригинала, детализацию. Картина пишется на хлопковом холсте масляными красками, при желании покрывается лаком . Срок изготовления от 20 рабочих дней.
Как создать яркие акценты в интерьере?
Создаем стильные акценты в интерьере
Умение использовать яркие и оригинальные детали позволяет создать стильное пространство, в котором хочется находиться долго, которым хочется любоваться. Зачастую мы не знаем, с чего начать, или используем слишком много декоративных элементов и цветов, это перегружает интерьер и нарушает единый стиль. Правильно подобрать и расставить акценты в интерьере — целое искусство. И сегодня мы прикоснемся к нему, рассмотрев самые интересные особенности и акценты, которые можно смело использовать в интерьере.
Цветовые акценты в интерьере
Начнем мы с самого главного: с цвета в интерьере. Ведь прежде, чем создавать яркие пятна в комнате, нужно определиться с общей палитрой. Цветовым акцентом в интерьере является декор, который контрастно отличается от основной гаммы помещения. Скажем, для спальни в белых тонах акцентом станет голубой прикроватный коврик и голубые шторы, а для насыщенной зеленой детской комнаты акцентным может стать белая обивка кресла и плед.
Такие яркие пятна делают интерьер более приятным и «живым». В то же время, если таких акцентов будет много, то комната станет пестрой, и эффект акцента пропадет, ведь вся его прелесть заключается в умеренном использовании.
Акцент должен быть уникален и не повторяться, поэтому достаточно лишь нескольких деталей акцентного цвета. В противном случае цвет «размоется» и станет вспомогательным.
В этом интерьере теплый желтый цвет, в качестве акцентного, разбавляет холодную гамму стен, создает ощущение тепла и уюта. Представьте, как выглядел бы этот же интерьер, если бы яркий желтый оттенок полностью исчез из него! Теперь Вы понимаете, какую огромную роль имеют незначительные, на первый взгляд, акцентные детали.
Вот ещё несколько хороших и интересных примеров.
Еще одно важное правило при сочетании цветов в интерьере и расстановке цветовых акцентов: не путайте акцентный цвет с дополнительным. Это должен быть именно другой цвет, а не оттенок основного.
Сейчас объясним понятнее. Например, у Вас комната в бежевых тонах. Чтобы создать акцент Вам нужно выбрать зеленый или лиловый цвет, он будет акцентным. А если Вы выберете светло-коричневый, то это будет просто чуть более темный оттенок, поэтому коричневый цвет в бежевой комнате может быть только дополнительным.
Здесь основной цвет светло-бежевый, его дополняет темный коричневый цвет стульев и пола, а акцентный цвет — голубой.
В данном случае очень эффектно используются оттенки голубого, как акцентные цвета, тогда как основной цвет — белый, а дополнительный — светло-бежевый.
Теперь Вам будет легче подобрать гамму для комнаты. Можно просто запомнить одно простое правило, которое поможет Вам не сделать интерьер монотонным и скучным, но в то же время не перестараться с обилием разных оттенков.
В интерьере используется 3 цвета примерно в такой пропорции:
60% — основной цвет;
30% — дополнительный (вторичный) цвет или оттенки основного цвета;
10% — акцентный цвет.
Посмотрите, как красиво можно сочетать оттенки в интерьере!
Где расположить яркие акценты?
Акценты призваны не только разнообразить цвета комнаты, но и придать пространству индивидуальность и настроение. Они расскажут о Ваших хобби и увлечениях, создадут особую атмосферу, будут вдохновлять и радовать Вас, производить впечатление на гостей. Поэтому только Вам выбирать, какие предметы и декоративные элементы могут стать ведущими в интерьерном ансамбле Вашего дома, а мы можем предложить несколько советов и идей на этот счет.
Заметный и стильный контраст в интерьере очень легко создать с помощью яркой акцентной стены. Она оформляется контрастным цветом, который должен быть темнее по отношению к основному цвету стен. Используйте простую покраску стены, оклейку обоями, отделку декоративными фактурными материалами, например, камнем или венецианской штукатуркой, — позвольте себе включить воображение!
Картины для интерьера
Перекраска стены может показаться Вам кардинальным решением, особенно, если Вы давно не на этапе ремонта и к глобальным переменам пока не готовы. Есть другой способ привлечь внимание к определенной стене и создать акцент. Конечно же, это картины!
Картины в интерьере с давних времен считались признаком вкуса и роскоши, а позволить их могли себе только аристократические слои общества. По сей день именно картины являются неотъемлемой частью стильного и красивого интерьера, а благодаря современным технологиям, существенно снижающим стоимость изделий, каждый может порадовать себя живописным произведением на холсте в своей комнате.
Одна большая или несколько маленьких декоративных картин в одной тематике или гамме создадут настроение и преобразят интерьер помещения. Дополните их еще несколькими предметами соответствующих оттенков, и Ваш акцентный ансамбль готов. Очень просто и стильно! Картина не только создаст цветовой контраст, но и стилистически подчеркнет Ваш интерьер, будь то колониальный стиль, лофт, классика или современный минимализм.
Смотрится роскошно, согласны?
Если Вы хотите обновить свой интерьер прямо сейчас, то посмотрите коллекцию картин для интерьера Декоретто. Картины на высококачественном немецком холсте обладают красивой фактурной поверхностью, которая отличается стойкостью к воздействию света и загрязнению. Вы можете выбрать и купить картины на холсте любого размера в стиле классической живописи, абстракции, натюрморты, пейзажи, графику, картины с животными или детские картины. Заказав картину на холсте в Декоретто, Вы получите свой заказ в течение 4 дней. Вместе с Декоретто создавать дом своей мечты невероятно приятно и легко!
Текстиль в интерьере
Многие дизайнеры утверждают, что текстиль стоит выбирать на том же этапе ремонта, когда Вы выбираете цвет стен и пола, и уж точно никак не позднее выбора мебели, так что значение текстиля в интерьере сложно переоценить. Именно с его помощью можно с легкостью создать любой цветовой акцент. Но даже, если Вы давно закончили ремонт, но хотите перемен, то обновление текстиля приведет к значительному преображению всего интерьера.
Комната кажется Вам однотонной? Яркие покрывала, пледы, подушки, шторы, ковры насыщенного цвета наполнят её уютом, яркостью, сделают более позитивной. А для комнаты с темными полами, стенами или мебелью, в которой Вам не хватает света, подойдет текстиль пастельных тонов: светлые легкие шторы, абажуры для ламп теплых оттенков. Белый текстиль придаст комнате свежесть, гармонию и одухотворенность, смягчит пестрый интерьер.
Одним словом, контрастные сочетания чаще всего смотрятся эффектно и дорого, так что это беспроигрышный вариант!
Не забывайте, что к домашнему текстилю относятся не только подушки, ковры, обивка мебели или шторы: это и полотенца, и скатерти, и прихваты для горячего, и салфетки, и ванная шторка. Всё это можно использовать на кухне, в ванной, располагая на видном месте и сочетая с другими элементами интерьера. Внимание к деталям очень важно при создании акцентных пятен!
Что еще может стать акцентом?
Как Вы уже поняли, чтобы добавить яркие краски и контраст в интерьер, совсем не обязательно устраивать ремонт или непременно менять цвет стен. Вполне достаточно будет текстиля, декоративных украшений для стен, таких как картины, и правильного цветового сочетания всех этих элементов. Какие еще предметы интерьера могут взять на себя роль акцентов и дополнить ансамбль? Это может быть все, что Вам нравится: от мягких игрушек до ярких книжных переплетов. Например, если Вы любите ухаживать за растениями, то можно создать акценты в зеленых тонах, которые особенно эффектны в светлых интерьерах в скандинавском стиле, а также в стилях лофт или минимализм.
В детской комнате акцентами станут мягкие игрушки или разноцветные контейнеры и коробочки для них.
А в качестве акцента для гостиной предлагаем использовать обычный журнальный столик, о котором мы решили рассказать Вам более подробно. Думаете, что такой незначительный предмет в Вашей гостиной или спальне совсем не заслуживает внимания? А вот профессиональные дизайнеры интерьера и декораторы уверены, что журнальный или кофейный стол может стать изюминкой комнаты!
Для начала решите: что же должно стать украшением Вашего столика? Помните, предметов должно быть немного, чтобы поверхность не была захламленной. И в идеале они должны соответствовать по своей цветовой гамме акцентам, которые Вы уже запланировали расположить в комнате. Пусть это будут вещи, которые очень нравятся Вам, дарят приятные воспоминания и вдохновение.
Задумали украсить диван в гостиной темно-бежевым текстилем? Тогда пусть на Вашем столике будет ваза, декоративные шары и тарелки соответствующего цвета.
А Ваши любимые книги и журналы можно разложить аккуратными стопками, желательно, чтобы обложки были яркими и красочными и сочетались по цветам.
Посмотрите, как гармонично корешки книг сочетаются с разноцветными подушками!
«Живой» элемент или предмет, будь это небольшое растение в горшке, ваза с живыми цветами, несколько шишек или икебана из веточек, существенно освежат поверхность журнального стола.
Не знаете, чем дополнить композицию? Добавьте вазу, блюда из стекла, керамики или металла, куда можно положить декоративные шарики, бусы, камни или фрукты.
Используйте поднос как основу композиции, чтобы собрать всё воедино, и Вы получите законченный вид и возможность быстро убрать предметы при необходимости. Это может быть и обычный кухонный поднос, и плетеная корзина, и керамическое блюдо.
Помните правило 3 цветов: используйте два нейтральных светлых оттенка и один темный, который станет акцентом в оформлении столика.
Попробуйте создать многослойность и поиграть с высотой. Пусть книги и журналы лежат стопочками, а сверху на них расположатся небольшие декоративные предметы. Не забудьте поставить рядом что-то высокое, например, свечу или статуэтку, тогда композиция будет динамичной и гармоничной.
Смело фантазируйте и не забывайте обновлять Ваш столик: можно добавить необычный сувенир из путешествия, винтажную камеру, шкатулку для украшений, ракушку с морского побережья и другие дорогие Вам вещи.
Не бойтесь экспериментировать с контрастными сочетаниями и яркими акцентами! Ведь создать интерьер своей мечты намного проще, чем Вы могли представить!
|
Уроки рисования карандашом, уроки
рисования для начинающих, как нарисовать поэтапно, как
рисовать по клеточкам, как нарисовать красиво, рисунки
карандашом, рисунок карандашом Когда обычный человек смотрит на пейзаж, то он видит улицу, дома, деревья, людей. А когда художник смотрит на этот пейзаж, то он видит линии и пятна. Если художник в этот момент рисует карандашом, он видит темные и светлые пятна, если цветными карандашами или пишет красками, то видит цветные темные и светлые пятна. Художник видит линии и пятна, переносит их на холст, а зритель различает на холсте – улицы, дома, деревья, людей. Вот такое волшебное превращение, и без него никуда. Если вы желаете научиться рисовать что угодно, независимо от формы и материала, попробуйте увидеть не предметы и объекты, а линии и пятна. Что значит увидеть линии и пятна? В правильном обучении рисованию учат общим принципам (формулам), благодаря которым начинающий Художник может нарисовать с натуры и по воображению все подобные предметы. Например? Например,
как делать объемными предметы размещая правильно
светлые и темные пятна: блик, свет вокруг блика,
полутона (полутени) вокруг света и тень (самые
темные места). И даже не важно умеете вы
штриховать или нет! Я постараюсь показать на примере, как
будто я не умею штриховать .
Это значит вокруг блика всегда будет темное место, а там где у непрозрачных предметов обычно самая темная тень, у прозрачных будет светлое место. Примерно вот так: Проверим эту формулу на винограде:
На среднестатистической бутылке всё тоже самое: вокруг бликов темные места, вокруг темных мест полутона, а в самой тени — светлые пятна, меняется только форма пятен:
И даже радужную оболочку глаза рисуем по принципу (формуле) прозрачных предметов: Вот так, всего лишь поменяв тень и свет местами, рисуя любой предмет, вы можете создать иллюзию прозрачности! Надеюсь, вы заметили , принцип рисования и этапы рисования разных предметов были одинаковыми. Это называется общими принципами. Знание общих принципов очень
облегчает работу Художника. Есть еще более общий
принцип для рисования, благодаря которому можно за
пару недель научиться рисовать ВСЁ, что
угодно!
И
теперь самое важное! Что нужно приготовить для занятий? Нужна бумага для рисования А4 (альбомный лист), простые
карандаши, ластик. И не забудьте записаться на курс Выберите подходящий
вариант
Загрузка таймера
Еще
рисунки
учеников с
базового курса №1 «УЧИМСЯ ВИДЕТЬ И РИСОВАТЬ КАК ХУДОЖНИК!» |
||
«ПЯТНА КРАСОК, ИЗ КОТОРЫХ ДОЛЖНА СЛОЖИТЬСЯ КАРТИНА…»
Едва ли не самым интересным на фестивале памяти Анатолия Эфроса стали семинары. В них более, чем в старых спектаклях, было заметно влияние, которое и сегодня имеет искусство Эфроса. Через слова и интонации, с какими говорили о нём его актёры и не его актёры, — Эфрос проступал сильнее и отчётливее, чем через пожелтевший текст давних постановок.
На одном из семинаров выступил Сергей Юрский. Когда удалось включить диктофон, он уже говорил о своём первом впечатлении от эфросовских репетиций…
…этот кокетливый стиль хождения с ролями, с полуопущенными руками, с лёгким жестом приближения роли к глазам, эта расслабленность казались мне повтором спектакля, который уже прошёл раз сто, а теперь нужно его возобновить, и все немножечко скучноваты, никто не делает никаких замечаний. Нашим стилем было прежде всего общение: «я вижу, я слышу и уж обязательно — в данную минуту». Это — один из основополагающих принципов, как и то, что со второй репетиции надо знать текст. Они тоже знали текст, но это держание роли в руке было спасением в том смысле, что «я не играю, я только говорю текст», вот вам одна только интонация, и именно к ней Эфрос привязывался и говорил, не вглядываясь в актёра: «Вот это не надо, не надо…» Нежёсткость конструкции, слабость, которая на спектакле превращалась в необыкновенную силу.
Я вспомню наше первое сближение. Это был 1962 год, он и Наталья Анатольевна жили в Щелыково, а я приехал туда с опозданием, посмотрев впервые и два раза подряд фильм «8 1/2», который тогда появился на Московском кинофестивале. Я был совершенно потрясён, а фильм тогда вызывал необыкновенные споры, кто-то его принимал, кто-то не принимал, кто-то говорил, что это чепуха, а я почувствовал (я часто ошибаюсь, но здесь не ошибся), что должен сразу попасть на другой сеанс после окончания первого, хотя в голове этот фильм отпечатался как-то сразу. И в тот же вечер я уехал в Щелыково, где и встретился с Анатолием Васильевичем.
Семинар фестиваля памяти Анатолия Эфроса.
Фото В. Дюжаева
И первое, что стал говорить: «Я видел необыкновенный фильм!» Он всегда был поклонником Феллини, с самой первой его картины и до последней он не изменил своей влюблённости, судя по поздним его высказываниям. Феллини оставался для него эталонным режиссёром. И вот тогда он впился в меня как в носителя новой информации. Я рассказал фильм по кадрам, что и до сих пор могу сделать. Это был длинный рассказ, выслушав который, он (как и я, посмотрев фильм) сказал: «Ещё разочек». И снова — рассказ. Про то, что творческий кризис может стать предметом самого искусства, то есть искусство — это самодостаточная система: подобно тому, как без конца ищут философский камень, как ищут биологическую систему безотходного воспроизводства. Казалось, что Феллини открыл это в искусстве: когда у тебя не получается, ты берёшь продукт полного дерьма — и из него делаешь конфетку. И так — без конца, и смерти нет! И открывается вообще новый путь. Об этом мы и говорили.
Он прослушал дважды мой пересказ, а на второй день после завтрака сказал: «Давайте пройдёмся по лесу, расскажите фильм». Не помню, присутствовал ли там кто-то ещё, но помню, что это был рассказ для него, несколько раз повторявшийся, в котором он, уже меньше слушая, глядя куда-то вверх, начинал делать какие-то расслабленные движения, ими как бы предваряя знакомые кадры, которые уже жили в нём, и я видел это удивительное тело режиссёра, который был рождён, по-моему, артистом. Просто ему нужно было иметь тело раз в сто больше, чтобы оно имело гигантское количество членов, которыми легко владеть. Поэтому актёры, театр становились для него продолжением его тела. Поэтому он никогда не всматривался в своих актёров, как в картинку, а ощущал их кожей. Отсюда — эти репетиции, когда они ходили по сцене и говорили что-то невнятное, а он тоже ходил по сцене и одновременно что-то играл (что мне казалось невозможным, потому что наши взаимоотношения с Товстоноговым строились по принципу: «зал — сцена»). Здесь же одно было внутри другого.
А. Собчак, С. Юрский и Г. Тростянецкий на семинаре фестиваля.
Фото В. Дюжаева
А потом в том же Щелыкове, которое нас сблизило на долгие годы, было обратное явление, когда он сказал: «Хочешь, пойдём по лесу, я „Чайку“ сочиняю». Он шёл и всё время показывал: как Треплев ходит, как стреляет… Начиналась эта расслабленная походка за кустами, палка вместо воображаемого ружья… Он отдалялся от меня, что-то ещё издалека рассказывал: как летит чайка, как на площадке играют в крокет… и он слышит, как эти шары стучат… А что в это время ощущает Треплев, который приближается… и уже опасно стрелять по цели, но он стреляет… и важно как — бах! — тело реагирует на этот выстрел…
Это сейчас я соединяю: и ту репетицию, и то моё неприятие, и то непостижимо привлекательное, расслабленное существование, казалось бы, неорганизованных актёров на сцене. И, вместе с тем, на определённом этапе именно Эфрос и делал драматический театр — как балет. Одно время он даже очень настаивал на этом. Я позволю себе ещё одно сравнение. Товстоногов вёл и приближал театр к симфоническому оркестру: с могучей волей дирижёра и отточенностью, одновременностью исполнения нот, которые написаны, созданы и которые лежат перед исполнителями. Эфросу был близок джазовый строй исполнения, именно джаз, а не классический ансамбль симфонического толка.
А если балет, то не классический балет Большого театра, где заранее известно, что будет тридцать два фуэте, а балет-модерн, где движения, кажется, сымпровизированы каждым исполнителем, где почти никогда нет одновременности, а есть как бы полная свобода и… что-то ещё. Модерн-балет, иногда бешеный, иногда расслабленный, самоуглублённый. А если живопись, то импрессионизм, а не раскрашенный рисунок. Для нас рисунок был святым, и учение «рисовать собою по сцене» для Товстоногова было определяющим: куда именно иду, зачем иду, прямо или по диагонали, на зрителя или от зрителя… (Это, кстати, и у Михаила Чехова: психологический жест, который сформулирован и которым живёшь). У Эфроса рисунок заранее был определен как менее значащий: пятна красок, из которых должна сложиться картина, фигура каждого человека.
Один раз я работал с Анатолием Васильевичем. Ну, во-первых, он у меня снялся в кино: в том же Щелыково, в какой-то следующий год, любительской камерой был снят фильм «Эфрос с половиной», в котором играл и он, и Ефремов… А один раз я снимался у него в документальном фильме о Бабановой. Я видел её всего в одном спектакле и был смущён тем, что могу мало что сказать. «Ну, у тебя же сильное впечатление?» — «Да, у меня очень сильное.» — «Ну, вот сейчас ты сядешь, посидишь, мы камеру поставим. Пойдём, походим…» Походили, поговорили: как Дима, как дома… Потом включили камеру. «Я видел…» — «Подожди, подожди!..» Несколько попыток начать привели к тому, что он сказал: «Ты начинай, а я буду иногда тебе махать — и ты тогда делай паузу, И просто сиди». Так мы и снимали. Это была очень длинная съёмка. Он не говорил, что надо уложиться в определённое время, по-моему, ему даже было совершенно всё равно, что я скажу. Но он, стоя у камеры и глядя на меня, слушал — и я замолкал. В результате отрезали много от текста, а паузы оставили, они были заполнены чьим-то другим текстом, музыкой. Это была режиссура Эфроса, я стал его частью. Он мною говорил со зрителем, с Богом, с тем, кто определил его как режиссёра. И я ушёл просветлённый, Больше с ним в работе не сталкивался. В чём модернизм Эфроса? Прежде всего в том, что театр тех времён всё же был театром повествования: рассказывалась история, в ней был определенный рисунок, внешние обстоятельства смотрелись, как картина, в лучших спектаклях люди на сцене становились прозрачными, мы угадывали их тайные намерения вместе с проявлениями их внешних намерений. Собственно, на то и театр, чтобы угадывать то, что внутри: в жизни у нас не хватает проницательности и не хватает яркости событий для того, чтобы постичь — что же, собственно, мы делаем на этой земле? И как нам жить и как смириться с тем, что мы смертны? Театр про это и говорил путём рассказа. Вот история, вот люди встретились; так — на улице, так — в комнате, вот — обнялись, но это мы видим и в жизни, а в театре видим что-то другое.
Сергей Юрский на семинаре. Апрель 1993 г.
Фото В. Дюжаева
А Эфрос писал мазками. Прежде всего — уничтожение повествовательности в декорациях. Звук (он, может быть, первый стал применять тихое звучание музыки как постоянный аккомпанемент, то есть создал не тишину театра, а звуковую сферу, в которой тайно был скрыт ещё и определённый ритм). Я не знаю, говорил ли он об этом актёрам, но то, что они «вышивали» на фоне определённого ритмического рисунка (и на репетициях тоже), создавало нечто совершенно новое и ни на что не похожее. У него были разные периоды: например, период быстрой речи, когда все говорили быстро; период крайне замедленной речи; период разницы речей (когда один говорит так, а другой иначе). Он болел этими музыкальными формами, они становились навязчивым образом, в котором выражался спектакль. Вы знаете, что человек, не очень хорошо поющий, когда он стоит у окна в поезде и поезд постукивает, — тихонько, про себя, начинает очень хорошо петь. Может быть, это простое соображение Эфрос имел в виду, когда давал эту подкладку, и зритель слушал почти неслышимую музыку.
Другая черта его модернизма, особенно важного в те годы, была в противопоставлении традиционному «я сказал — ты ответил»: мысль высказана, мысль принята, мысль сформирована, потом идёт ответная мысль. У него иногда в самом вопросе был уже ответ. Я помню, что во многих спектаклях, которые вроде бы были созданы в рассказывательной форме (например, «Человек со стороны» или «Платон Кречет»), это более всего потрясло меня, потому что эти знакомые пьесы, где рассказывалась история нехорошего человека и хорошего человека, оборачивались внутренней стороной, подкладкой и… нет, не то, что хороший станет плохим, а плохой хорошим (такой ход частенько применялся). Здесь режиссёр говорил: он не вообще хороший, он действительно хороший, а он не вообще плохой, он действительно плохой. Здесь он переходил на какую-то новую ступень правды за счёт того, что отношения в меньшей степени становились отношениями «смотрения», взглядов, «посылания» определённой мысли и ожидания ответа. Перемещался центр тяжести актёра, чаще всего переходящий в какую-то нижнюю часть тела, а глаза оставались свободны. Он убрал у всех своих актёров напряжение глаз. И чаще всего они болтались, именно болтались по сцене. Он определял точку где-то внутри, и человек проверял и перепроверял себя.
Это был первый шаг к тому, что потом стало называться медитацией. Анатолий Васильевич, по-моему, не особенно изучал (может быть, чуть-чуть) всякие теории, он не был теоретиком, он был великим практиком, но он открыл эту медитацию сам, и мера её, которая абсолютно опровергала привычный для того времени театр, никогда не переходила меру гуманности. Его театр был необыкновенно гуманистичен, он был открытием человека, и вот эта обращённость в себя при ещё существующем партнёре (чтобы что-то сказать, я должен заглянуть в себя) гениально воплощалась всегда Николаем Волковым, для меня абсолютным гением (многие актёры поднимались на этот уровень, но ни один из них не находился всегда на актерском уровне Коли Волкова, совершенно обожаемого мною актёра). Вот в нём была не конкретность характера (отказ от привычных гримов, которые я тогда очень любил), а обобщенностъ. Он был на сцене и не старый, и не молодой, а какой есть. И тон не надо класть. «Почему?» — я как-то у одного из актёров. Он ответил: капилляры не видны. На сцене иногда покраснеешь, это видно, а тон — он всё замазывает. Это для меня было абсолютной новостью. Актуально ли для меня сейчас всё это или это просто воспоминания в вынужденной обстановке? Крайне актуально. В этом году, в этом сезоне, в ноябре месяце мы выпускали спектакль «Король умирает» на сцене МХАТ, спектакль на французском языке, сделанный по инициативе французского культурного центра, где мы встретились с Олей Яковлевой. С Олей мы работали однажды на телевидении, но это было очень давно (и потом телевидение — это особое дело, там другие законы). А тут — сцена. Я должен сказать, что нам было очень тяжело: почти с начала и, во всяком случае, до самого конца. (Хотя я был инициатором прихода её в этот спектакль, и не жалею об этом, и всегда мечтал играть с Олей Яковлевой). Я думал, что, может быть, черты характера у нас несхожи, и потому мы не находим общего языка. Наверное, отчасти и это. Но сейчас, над тем, как мы погубили наш спектакль несходством характеров, я думаю, что не только в них было дело. Это ещё и несходство школ, систем, и это очень серьёзно. Я воспитан в системе, и, наверное, если не поздно, пора задуматься о том, что нужно искать и другие пути, быть более терпимым и толерантным, и пытаться более импровизационно себя чувствовать, а не выстраивать жёсткий рисунок (потому что я всегда начинаю с учения текста, с рисования, я не допускаю хождения с ролью…) Наверное, надо задуматься и ходить с ролью… И, во всяком случае, допускать это в другом человеке. Допускать эту невнятность, невнятность, за которой рождается что-то иное.
Так что, совсем недавно, на себе, я ощутил те следы, которые оставил Анатолий Васильевич в своих лучших актёрах, следы своего понимания модерна. Оставил во всём нашем театре, а через театр — в миллионах зрителей, которые прошли через его театральные, телевизионные и киноработы.
Пресс-конференция памяти Анатолия Эфроса.
Фото В. Дюжаева
XX век — век режиссуры. Я не знаю, будет ли она в XXI. Только с режиссёром существует театр XX века. И всё-таки я думаю, что большинство людей, которые ставят спектакли, режиссёрами не являются. Они выполняют необыкновенно важную функцию, без которой, якобы, театр не мог бы существовать. Но режиссёров было очень мало. Совсем мало. Тех, которые заставляли актёров жить на сцене не путём команды, не путём точной разводки, а путём влияния. Жить по законам своего бьющегося сердца. Был ли Эфрос диктатором? В абсолютной форме и, думаю, что в гораздо большей, чем Товстоногов. Потому что Товстоногов приказывал волевым жестом, но оставлял актёров в покое на сцене, когда начинался спектакль. И сидел прямо. И слушал по радио. Эфрос ходил по задворкам сцены, и части его тела вибрировали там, на сцене, и он делал выводы из того, что происходит.
Он истинный представитель этой загадочной, вспыхнувшей атомной энергией профессии, где можно, как руками на рояле, играть телами людей. Его влияние колоссально и длительно. Его влияние, как все гигантские явления, многосложно, потому что из этого развивается и театр внутреннего погружения (из его учеников, из его поклонников, из тех, кто его любил и из тех, кто понятия о нём не имеет, но в воздухе поселён эфросовский театр). Но из этого происходит и отрицательное. Потому что как всякий модернизм, как всякое новое течение, оно имеет период маньеризма, когда это самоуглубление, смотрение в себя превращается в самоцель, когда эгоизм на сцене заставляет людей вообще не слышать ни партнёра, ни мир, а слышать только себя, когда медитация, открытая Эфросом, наивным ребёнком, первопроходцем, не на базе изучения, — становится наукой, которую сейчас изучают для того, чтобы публично уйти от всех, кто присутствует. Уйти в себя. И тоже под его влиянием и со ссылкой на него. Это отдельная проблема.
Эфрос — один из великих режиссёров, несомненно. А можно проще сказать. Он был одним из режиссёров XX века. А их было — по пальцам пересчитать.
Точечные картины — Дэмиен Херст
«Чтобы создать эту структуру, использовать эти цвета и ничего не делать. Я неожиданно получил то, что хотел. Это был просто способ передать радость цвета . ”[1]
Точечные картины — одни из самых известных работ Херста. Из тринадцати подсерий в категории «пятна» картины «Фармацевтика» являются первыми и наиболее плодотворными. Их насчитывается более 1000, датируемых с 1986 по 2011 год.
В 1988 году, во время третьего и заключительного этапа «Замораживания», Херст нарисовал два почти идентичных набора цветных пятен на стене склада.Он назвал свои работы «Edge» (1988) и «Row» (1988). Эти картины последовали за несколькими свободными пятнами, нарисованными вручную на борту, датируемыми 1986 годом, и первой специальной работой на холсте «Без названия (с черной точкой)» (1988) — единственной «фармацевтической» картиной, когда-либо содержащей черную точку. После «Freeze» Херст начал совершенствовать свой творческий процесс. Постепенно он начал нанимать помощников для создания точечных картин. Любые физические доказательства вмешательства человека — например, точка компаса, оставленная в центре каждого пятна — удалялись до тех пор, пока не стало казаться, что работы были построены механически или «человеком, пытавшимся рисовать, как машина».[2] Для Херста это был отход от многолетних экспериментов с красками и коллажами и первый результат его поиска формы современного искусства, которая могла бы добиться успеха без опоры на «уже организованные элементы».
Случайная и бесконечная цветовая серия в картинах «Фармацевтика» является неотъемлемой частью произведений. Херст объясняет, что «математически, с помощью точечных рисунков, я, вероятно, обнаружил наиболее фундаментально важную вещь в любом виде искусства. Это гармония, в которой цвет может существовать сам по себе, взаимодействуя с другими цветами в идеальном формате.[3] Любые проблемы, которые у него раньше были с цветом, утверждает Херст, были устранены идеальным расположением дополнительных, но никогда не повторяющихся цветов в пятнах.
Точечные рисунки различаются по размеру от 40-футового холста, содержащего пятна размером 1 дюйм, «Йодометан-13c» (1999 — 2000), до «Оксида эрбия» (2009), на котором всего четыре пятна по 60 дюймов, до «L- Изолейцинол (2008–2011 гг.) Размером десять на шестнадцать дюймов и содержит 25 781 пятно размером один миллиметр. Их названия произвольно взяты из каталога химической компании Sigma-Aldrich «Биохимические вещества для исследований и диагностических реагентов», книги, на которую Херст наткнулся в начале 1990-х годов.Формула сетки в картинах «Фармацевтика» легла в основу бесконечной серии. За последние 24 года Херст создавал в среднем 60 картин в год.
В 2012 году Галерея Гагосяна выставила более 300 картин в одиннадцати галереях по всему миру. Задуманная как единая выставка, «Полное собрание точечных картин 1986–2011» выполнила давнюю амбицию Херста показать работы вместе. В 2000 году он объяснил идею установки нескольких точечных картин: «Это атака на ваши чувства.Они хватают вас и хорошенько трясут. Мы, взрослые, к этому не привыкли. Удивительный факт, что все объекты прыгают за пределы своего измерения ». [4]
[1] Цитата Дэмиена Херста: Дэмиен Херст и Гордон Берн, «На пути к работе» (Faber and Faber, 2001), 119
НАКРАСИТЕ СОБСТВЕННУЮ Керамику | Керамическая живопись, холст, стекло Fusion
Все возрасты, все уровни квалификации. Раскрасьте свою глиняную посуду так же просто или сложно, как вы ее создаете.Наш выбор получил высокую оценку энтузиастов гончарного дела со всей страны! Мы предлагаем все, от очаровательных маленьких сувениров до тщательно продуманных тарелок!
В That Painting Spot нам нравится сохранять простоту. Цена на полке — это цена, которую вы платите — никаких студийных сборов.
КАК ЭТО РАБОТАЕТ :
1. Выберите керамику из нашего ассортимента (серьезно, СОТНИ!). Цены указаны на полке и варьируются от 5 до 70 +
долларов.2.Выбери свою краску — более сотни цветов на выбор! У нас также есть специальные краски под названием Jungle Gems, чтобы придать вашему изделию дополнительную нотку пиццы! Самоцветы джунглей взрывают цвет, когда их готовят в печи, превращая вашу глиняную посуду в единственный в своем роде шедевр!
3. Ваш кусок стёрт, ваше имя и дата написаны на дне изделия, и тогда ВЫ ГОТОВЫ К РАСКРАСИ! Мы рассмотрим основы росписи керамики, но не стесняйтесь обращаться за дополнительными советами или о том, как использовать трафареты, шелкографию, рисование или другие специальные техники.Наши спотовые консультанты всегда готовы помочь!
4. Мы проверим вас, прежде чем вы закончите рисовать, и тогда все готово! Вы оставляете готовое изделие на столе.
НАШИ ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ ШАГИ (включены в цену на гончарные изделия) :
5. Когда ваша керамика полностью высохнет, у нас еще есть работа! Ваши керамические изделия будут покрыты прозрачной глазурью одним из наших специалистов. Мы дадим глазури застыть на 24 часа, а затем она будет готова к обжигу в печи! Температура в печи достигает почти 2000 градусов по Фаренгейту, и для полной термообработки и охлаждения вашей керамики потребуется до 48 часов.Ваш шедевр будет готов в течении 7 дней! Мы перезвоним вам, когда ваши изделия будут готовы.
Мы можем хранить ваши готовые изделия только в течение 30 дней, так что не забудьте забрать их! Душераздирающе, когда владельцы забывают о готовом изделии.
И все! Наш процесс должен быть максимально простым и плавным. У нас есть большой выбор проектов, из которых вы можете выбрать, и если у вас есть особый запрос, просто дайте нам знать, и мы приложим все усилия, чтобы выполнить его для вас.
Нравится:
Нравится Загрузка …
Детские занятия рисованием | Керамическая живопись, холст, стекло Fusion
«Место для детей» включает в себя гончарные изделия и картины на холсте, как в студии, так и на дом. Также вечеринки и занятия в школьном лагере.
Morning Art Camp Дети 6-11 лет
Искусство для детей старшего возраста 11-15 лет
Мы знаем, что дети любят выбирать свои собственные гончарные изделия для раскрашивания, поэтому мы даем всем нашим участникам арт-лагеря бесплатные гончарные изделия, которые они могут нарисовать после лагеря! Выберите одну из наших самых популярных работ (15 долларов и меньше), чтобы принести домой, чтобы покрасить, или принесите в следующий раз, чтобы покрасить.Это в дополнение к двум проектам, которые дети будут выполнять на каждом занятии. Споты по-прежнему доступны на следующей неделе, но поторопитесь, билеты на некоторые сессии распроданы!
Сделать бронирование в студии для открытой студии
Раскрасьте керамику вместе с семьей или друзьями (много деталей по 15, 18, 21 доллар) или раскрасьте холст (рекомендуется для детей от 7 лет, выберите один из пошаговых рисунков, рекомендуется помощь родителей, 27 долларов за 12 ″ x12 ″ холст.Наши цены указаны с учетом всех расходов, поэтому мы не взимаем дополнительную плату за материалы или время в студии.
All 2021 Kids Canvas на выбор
Детские рисунки на выносЗагляните в наш интернет-магазин, и вы найдете детали, которые дети могут рисовать дома, не опасаясь опасности! Загляните в студию и выберите детали, краски и все необходимое для рисования дома. Когда все будет готово, верните припасы и предметы в огонь! Легко и весело!
Детские художественные вечеринки — В студии и на выносВечеринка для всей студии — частная для больших групп из 8-25 человек, по субботам и воскресеньям, 10.00 — 12.00
Для небольших групп 5-12 человек — Private Party Room Party
Наши Вечеринки в студии имеют на выбор Вечеринка по рисованию керамики для всех возрастов ( 15, 18 или 21 доллара на человека, кружки, фигурки, коробки, банки, миски, тарелки и многое другое на ваш выбор. подробнее!) Canvas Painting Party для детей от 7+, $ 22 за художника
Звоните нам для вечеринок в студии по телефону 314-205-9000.У нас есть партии росписи керамики и партии картины холста.
Наши вечеринок на вынос не включает плату за вечеринку, 6-е место бесплатно. (цены 15, 18, 21 доллар). Вы можете позвонить нам по телефону 314-205-9000, чтобы сделать заказ (зайдите в наш интернет-магазин), зайти в студию и забрать части, которые нужно забрать домой со всеми необходимыми принадлежностями.
Посмотрите фотографии прошлых детских классов и лагерей
Нравится:
Нравится Загрузка…
Полный круг: бесконечное притяжение точечных картин Дэмиена Херста | Дэмиен Херст
Названия точечных картин Дэмиена Херста придают им немного угрожающий, а также опасно привлекательный вид: гидрохлорид кокаина, сульфат морфина, бычий альбумин, булиниевый токсин А. Их неослабевающая, настойчивая яркость кажется вам почти плохой. Недаром одна группа картин называется «Управляемые вещества». Тем не менее, у них нет заметных секретов, и это часть сделки.Больше ничего не обнаруживается, как бы долго вы ни смотрели. Они так же неудовлетворительны, как сигареты, успокаивают, но вызывают привыкание. Избегайте длительного воздействия.
Открывающиеся сегодня во всех 11 галереях Гагосяна по всему миру, в том числе две в Лондоне, спотовые картины Херста захватывают всю планету. Херст произвел почти 1500, и в настоящее время у него есть команда помощников, работающих над одним с миллионом роликов, на создание которого уйдет более девяти лет. Вы задыхаетесь от труда, если немного больше.
Итак, вот и пятна: четверть века из двух, трех, четырех и пятидюймовых кругов, некоторые из которых достигают 40 дюймов в диаметре, а другие всего пару миллиметров.Не говоря уже о переходе от имперских единиц измерения к метрической: все это просто пятна. Чистые и ровно нарисованные круги бытового блеска на белом или кремовом фоне, они покрывают холсты, большие и маленькие, непрекращающимися сетками. Никакие два пятна не соприкасаются, и ни один цвет не повторяется на одном холсте, хотя некоторые чертовски близки к одному и тому же оттенку.
Есть крошечные картины с одним пятном, картины с пятнами по углам, покрытые рангом за рангом из сотен, если не тысяч маленьких кружочков.Есть большие пятна, которые идут БАМ! и другие, которые отступают, их бледные цвета растворяются в фоне. Есть поля с крошечными пятнами, которые создают общее впечатление сероватого приглушенного поля, и огромные взрывающиеся стены, которые продолжаются и продолжаются, мигая, когда вы двигаетесь по ним. Поскольку цвета никогда не соприкасаются, между ними нет реального разговора или трений. Все настойчиво фронтально. Я жажду черного пятна, колебания, мазка.
Некоторые картины могут выглядеть задорно, другие мрачно, но почему-то это не имеет значения, за исключением тех, кто хочет особенно раннюю картину, картину над диваном, ту, которая сочетается с занавесками, или ту, которая не пурпурная. он (это мой несчастливый цвет).Может оказаться, что все вместе (а один журналист, как я слышал, намерен обойти каждую галерею Гагосяна, чтобы увидеть все картины), работы одного или другого помощника Херста могли создать лучшие точечные картины. . Но есть ли лучшее или худшее? Как мы можем сказать? Каждый из них обладает одинаковой изобразительной и оптической эффективностью, одинаковой непосредственностью, даже несмотря на то, что они настолько трудоемки и кропотливы в изготовлении.
В Лондоне 60 картин на Британии-стрит и 48 на Дэвис-стрит.В последнем есть картины, достаточно маленькие, чтобы их можно было носить под мышкой или спрятать в кармане, если они не были привинчены к стене. Насколько я понимаю, самые ранние точечные картины Херста находятся в галерее Мэдисон-авеню в Нью-Йорке. Его первым из них были нарисованные вручную капли, толкающиеся, капающие и скапливающиеся на панели размером 8 на 12 футов, написанной, когда он учился в колледже Голдсмитс в Лондоне в 1980-х годах. У него был многолюдный, ритмичный, но открытый вид, в котором можно было потеряться, немного напоминающий работы британского художника Бернарда Коэна начала 1960-х годов, который сам не новичок в пятнах и пятнах.
Но вскоре пятна Херста приобрели чистый и выразительный вид. Это были картины типа «взять или оставить», без проблем и сомнений нарисованные прямо на стене. В то время он делал много других вещей, в том числе рисовал на выброшенных картонных коробках и производил свои первые аптечки. Разнообразие и изобретательность свидетельствовали о пытливом и живом уме. Многие художники могли бы сделать целую карьеру из такого явно ограниченного репертуара форм и эффектов. Но Херст, конечно, поддерживает сразу несколько художественных приемов.Этой весной в галерее Тейт Модерн открывается ретроспектива, а Херст намерен в ближайшее время открыть собственный музей в лондонском Воксхолле.
Сколько бы там ни было точечных рисунков — тондо, треугольников, квадратов, ромбов и прямоугольников со срезанными углами — на них всегда будет пролито больше слов. Произведения выглядят так, как будто они созданы машиной, их холодные случайные повторения порождают бесконечное сходство. Только очень маленькие работы, некоторые с половиной точки на аккуратном холсте, выглядят более живыми, человечными.
Все структурированы по сетке. Сетка, писала американский критик Розалинд Краусс, — это то, как выглядит искусство, когда оно отворачивается от природы. Удовольствия от фармацевтических картин Херста, как в общих чертах названы пятна, столь же искусственны, как химические вещества и лекарства. Показывать их по всему миру одновременно становится частью их содержания и смысла: они проникают повсюду, их поле деятельности расширяется, чтобы охватить весь мир.
Некоторое время цветные пятна сигнализировали о свежей, изысканной и пикантной новой Британии.Неизвестно, имел ли к этому какое-то отношение Херст. Это место никому не принадлежит, хотя дизайнерские ассигнования всегда напоминают о Херсте или о японской художнице Яёи Кусаме, которая на протяжении 60 лет покрывала свои работы и свое тело в горошек. (Кусама будет в галерее Тейт Модерн в следующем месяце.) Американский художник Эллсуорт Келли также занимался цветовыми сетками в 1950-х годах, в то время как немецкий Герхард Рихтер рисовал цветные диаграммы и квадраты на протяжении десятилетий. Херст просто исходил из неоригинальной идеи оригинальным способом.Что, по сути, всегда и делает искусство.
Можете ли вы отремонтировать, не покрасив всю стену?
Идеально окрашенные стены не прослужат несколько лет, особенно в домах с детьми и домашними животными. То, что когда-то было безупречной поверхностью, теперь имеет вмятины, царапины или потертости. Какими бы маленькими они ни были, единственное, что вы замечаете, когда смотрите на стену, — это несовершенство, смотрящее на вас. Самым быстрым и простым решением будет косметический ремонт стены.
Есть очень много вещей, которые могут привести к повреждению поверхности ваших стен.Мебель может царапать стены, дети могут писать на них перманентными маркерами, а домашние животные могут их царапать. У вас нет времени перекрашивать всю стену, чтобы убедиться, что все отметки закрыты, а цвет такой же.
Однако подкрасить сложно. В большинстве случаев краска не подходит, если у вас нет оригинальной краски. Вот почему Walla Painting предлагает вам сохранить краску, которую мы используем, после того, как мы сделаем ваш проект. Даже если вы купите краску той же марки с таким же оттенком и оттенком несколько лет спустя, она может не совпадать полностью.
5 шагов по подкрашиванию краскиЕсли у вас есть остатки краски, подходящие к стене, вы можете успешно подкрасить ее. Вы можете повысить свои шансы на успех с помощью правильных инструментов и техник. Правильное подкрашивание краской избавит вас от необходимости перекрашивать всю комнату.
Вот несколько шагов, которые можно предпринять, чтобы добиться наилучших результатов ретуши.
1. Очистите поверхностьПеред нанесением краски поверхность необходимо очистить.Вытрите пыль и грязь влажной губкой. Затем вытрите чистым полотенцем. Чистая поверхность без сажи и грязи помогает краске лучше держаться.
2. Произведите необходимый ремонтОставление отверстий и царапин открытыми не приведет к получению гладкой поверхности после нанесения краски. Используйте наждачную бумагу, чтобы удалить все выступающие участки на стене и разгладить ремонтируемый участок. Царапины, отверстия и вмятины следует заделать шпаклевкой.
Вам понадобится шпатель, чтобы нанести состав на вмятины, которые необходимо заполнить.Соскребите излишки состава и протрите влажной тканью, прежде чем она высохнет. Состав схватится через несколько часов.
3. Прайм-таймДля обеспечения лучшего смешивания цветов и адгезии к поверхности грунтовка является обязательной. Загрунтуйте очищенную и отремонтированную часть стены. Используйте качественную латексную грунтовку и не выходите за пределы области, которую хотите подкрасить. Перед нанесением краски на участок подкрашивания грунтовка должна полностью высохнуть.
4. Используйте ту же краску и цветИспользуя оставшуюся краску, встряхните банку перед открытием.Затем откройте банку и размешайте краску. Если краска со временем загустела, разбавьте ее разбавителем или водой.
Убедитесь, что вы используете ту же краску для ретуши. Различия в блеске легко привлекают внимание к ретушированию, а не к бесшовному смешиванию. Краски с плоским и слабым блеском легче всего подкрасить, не заметив их.
5. Начнем рисоватьЦель ретуши — сделать область маленькой и незаметной.Соответствие текстуры поверхности — ключ к тому, чтобы она выглядела так, как будто ее никогда не трогали. Для сохранения текстуры необходимо использовать точный аппликатор, например кисть или валик. Если стену красили кистью с первого раза, то воспользуйтесь тем же инструментом. Тонкий слой краски менее заметен, чем толстое пятно краски.
При использовании валика убедитесь, что толщина ворса одинакова, чтобы обеспечить однородную текстуру на стене. Не перегружайте кисть или валик краской. Лучше всего начать с небольшого количества краски, чтобы не допустить ретуши.
Если вы используете кисть, начните с центра исправляемой области и слегка растушуйте ее по окружающей краске, пока не достигнете желаемого покрытия. Дайте краске полностью высохнуть, прежде чем трогать ее или украшать.
Слишком много пэчворка?Если вы не можете подобрать оригинальную краску, или если на ваших стенах слишком много пятен, которые нужно подкрасить, возможно, пришло время вызвать профессионального маляра, чтобы перекрасить всю стену. Это гарантированный способ убедиться, что залатанная стена не будет выделяться, как больной палец.
Walla Painting может решить любой проект любого размера, который может понадобиться вашему дому или бизнесу. Будь то стена, комната или все здание, наша команда обладает необходимыми навыками и опытом, чтобы ваше пространство выглядело как новое. Свяжитесь с нами сегодня, чтобы получить бесплатную оценку вашего следующего проекта окраски.
Исправить 7 распространенных ошибок при покраске интерьеров
Вы исследовали лучшие грунтовки и краски, купили все рекомендуемые материалы и просмотрели бесконечные учебные пособия о том, как красить стены в своем доме.Но конечный результат оставлял желать лучшего.
Если у вас остались недостатки, не волнуйтесь! После небольшого ремонта вы сможете получить великолепно выглядящую стену в кратчайшие сроки.
Вот несколько простых исправлений наиболее распространенных ошибок при рисовании:
пропущенные или тонкие пятна
Может быть, вы отвлеклись, или комната была плохо освещена. А может быть, вы просто не нанесли достаточно краски на валик. В любом случае появляются пропущенные или тонкие пятна.
Исправить пропущенное место просто! Просто подождите, пока краска высохнет, и подкрасьте тонкие участки кистью.Обязательно дождитесь полного высыхания краски. Подкрашивание влажной краски приведет к появлению неприглядных следов от кисти.
Капли краски
Противоположная проблема, капающая краска, возникает, когда вы используете слишком много краски или плохо ее распределяете. Это приводит к образованию капель или капель на стене.
Когда краска высохнет, удалите следы капель мелкой наждачной бумагой. Ретушируйте маленькой кистью и небольшим количеством краски, растушевывая края, чтобы они смешались с окружающей краской.
Пузырьки с краской
Пузырьки краски возникают, когда краска не прилегает к грунтовке должным образом из-за слишком большого количества влаги, тепла или сочетания того и другого. Это может произойти позже, когда краска уже высохнет.
Чтобы устранить пузырение, сначала определите основную проблему. Возможно, вам придется установить вытяжной вентилятор, чтобы предотвратить накопление влаги и образование пузырей в будущем. После этого вы можете соскрести пузыри, отшлифовать поверхность, затем прогрунтовать и покрасить.
Краска отделки
Если вы не покрасите свою отделку или не воспользуетесь направляющей краской, скорее всего, вы испачкаете свою отделку краской. В идеале, во время рисования вам следует иметь под рукой влажную мочалку, чтобы стирать ошибки, как только они случаются.
Даже самый зоркий глаз не уловит каждую ошибку. Если вы не поймаете краску на накладке до тех пор, пока она не высохнет, ее можно отшлифовать. Вытрите пыль влажной тканью. После того, как он полностью высохнет, вы можете подкрасить участок краской для отделки.
Ленточные линии
Вы потратили время на подготовительные работы и заклеили область покраски. Но когда вы собираетесь снимать ленту, краска начинает отслаиваться вместе с ней!
Если это произошло, значит, вы слишком долго ждали. В идеале ленту следует снимать через час после покраски. Слишком рано, и еще влажная краска может капнуть не на те участки. Слишком высохнет, и краска отслоится.
Чтобы исправить отслоившуюся краску, отшлифуйте поверхность, протрите влажной тканью и покрасьте, когда высохнет.
Предыдущее кровотечение краски
Растекание краски является обычным явлением при попытке покрыть темный цвет более светлым.Даже если вы нанесли слой грунтовки, этого может быть недостаточно, чтобы предыдущий цвет не просвечивал.
Вам нужно будет нанести еще один слой грунтовки и перекрасить. Для стойких цветов, таких как темно-красный, синий и черный, вам может потребоваться два слоя грунтовки. Это может быть неприятно, но использование правильного количества грунтовки предотвратит просачивание старой краски, делая желаемый оттенок более точным.
Splatter в Windows
При покраске оконной рамы практически неизбежно попадание краски на стекло.К счастью, удалить его несложно! Просто подождите, пока краска высохнет, а затем соскребите ее бритвенным лезвием, установленным под углом. Ваши окна будут выглядеть как новые!
Надежная покраска жилых домов в районе метро Детройта
В компании Armor Tough Coatings мы уделяем время тщательной и тщательной подготовке всех рабочих поверхностей для обеспечения безупречного результата. Наше внимание к деталям и профессионализм, от настройки до уборки, оставят вам великолепно выглядящее пространство, которое вам понравится. Позвоните нам сегодня, чтобы назначить первую консультацию!
Почему на картинах маслом появляются тусклые пятна — и как это исправить
Художники называют это по-разному, погружение, мертвые точки, ореолы, пятнистость , и это может быть одним из самых больших разочарований для художников-масляных художников.Когда ваша красивая картина высыхает, некоторые пятна кажутся тусклыми и лишенными цвета. Так как же предотвратить появление тусклых пятен на масляной живописи?
Вы можете предотвратить впитывание масляной краски, используя технику окраски «густая поверх тонкой» или «жирная поверх тощей», а также нанося краски на правильно подготовленные основания для предотвращения впитывания. Если проседание все же происходит, проблему можно исправить, смазав окрашиваемую поверхность маслом.
Давайте посмотрим, как происходит втягивание и что с этим делать.
Что оседает?
Втекание или ореолы — это когда масло в верхних слоях масляной картины впитывается нижележащим слоем в процессе высыхания. После высыхания картины остаются пятна в верхнем слое, выглядящие очень тусклыми, матовыми и даже лишенными цвета. Обычно это более заметно в более темных тонах.
В большинстве случаев не затрагивается вся окрашиваемая поверхность, хотя это может иметь место в зависимости от того, как это произошло.В большинстве случаев у вас будут нормальные и даже глянцевые пятна в сочетании с полностью мертвыми пятнами, что приведет к очень неровному виду.
Если вы новичок в масляной живописи, это явление может застать вас врасплох. Хорошая новость в том, что это довольно часто встречается даже среди опытных профессионалов, и это легко исправить.
Причины затопления
Как указано выше, что происходит во время погружения, когда масло в верхнем слое поглощается нижележащими слоями, но как это происходит?
Наиболее частой причиной врастания является неправильное нанесение масляной краски, нанесение тонких слоев поверх толстых слоев или нанесение тощей краски поверх жирной краски. Если вы выполните одно из этих действий, то почти наверняка в вашей работе появятся ореолы. В любом из этих случаев более высокое содержание масла в нижних слоях поглощает то небольшое количество масла, которое находится в верхнем слое.
Другой причиной может быть нанесение краски на сильно впитывающую поверхность, которая не была должным образом проклеена и / или не загрунтована. Например, если вы рисуете на голой деревянной поверхности, незащищенное дерево впитывает масло, как губка, оставляя мало пигмента. Этого можно избежать, правильно проклеив поверхность и загрунтовав ее, либо приклеив на нее загрунтованный холст.
Давайте рассмотрим каждую причину более подробно и способы ее предотвращения.
Сохраняя толщину сверху
Один из самых простых способов предотвратить врастание краски — убедиться, что ваши первоначальные слои краски тонкие, а последующие слои толще. Это не только предотвращает двоение изображения, но и обеспечивает более стабильную окраску.
Допустим, вам нравится разбавлять краску растворителями (уайт-спирит или скипидар) для достижения более низкой вязкости (более тонкая краска с большей текучестью).Это нормально, но просто убедитесь, что вы делаете это только с начальными слоями, используя все меньше и меньше растворителя для каждого последующего слоя.
Как только вы достигнете точки консистенции тюбика (используя краску, когда она выходит прямо из тюбика), вам следует прекратить использовать растворитель в любых последующих слоях.
Имейте в виду, что вам не нужно зацикливаться на том, сколько уайт-спирита вы добавляете или какие пропорции. Ни один художник для этого процесса не использует мерные ложки.Просто постепенно уменьшайте количество растворителя с каждым дополнительным слоем и не допускайте его попадания на верхние слои.
Держим жир на вершине
Второе, что вам нужно сделать, это убедиться, что вы рисуете жир, а не худой. Жир над постным сильно отличается от толстого над тонким, поскольку этот термин относится не к толщине краски, а к количеству масла, которое она содержит. Жирная краска содержит больше масла, а тощая краска — меньше масла.
Если вы новичок в масляной живописи, вы можете подумать, что вся масляная краска содержит одинаковое количество масла, но это не так. Некоторые пигменты имеют более высокое содержание масла, чем другие, и это также может варьироваться в зависимости от марки краски. Как правило, чем ярче краска, тем выше содержание масла. Часто вы можете заметить это, глядя на саму краску, когда вы выдавливаете ее из тюбика.
Если вы будете придерживаться принципа «толстое над тонким», то обычно по умолчанию будет применяться принцип «жирный над постным». Однако, поскольку все пигменты не имеют одинакового содержания масла, бывают случаи, когда даже толстая окраска поверх тонкой может привести к некоторому втягиванию.
Некоторые художники могут обойти это, используя масляную среду, такую как льняное масло, Liquin или Galkyd во всех своих слоях. Но в этом нет необходимости, поскольку врезание можно легко исправить. Кроме того, это может не решить проблему, так как трудно оценить, использовали ли вы больше или меньше среды в своих предыдущих слоях.
Хотя это не то, чем вы хотите зацикливаться во время рисования, старайтесь избегать использования очень маслянистого цвета, такого как черный слоновая кость, на ваших начальных слоях, если вы не разбавляете его растворителем, чтобы уменьшить содержание масла. И что бы вы ни делали, никогда не разбавляйте начальный слой краски маслом или средой на масляной основе, такой как Liquin или Galkyd. Это потребует добавления огромного количества масла в ваши последующие слои.
Как рисовать тонким поверх толстого
Бывают случаи, когда художнику нужно нарисовать масляной краской тонкий слой поверх более толстого. Такие методы, как глазирование, требуют использования тонкой краски как средства для изменения цвета или значения. Этот метод использовался веками, и если все сделать правильно, он не приведет к вдавливанию.
Для правильной глазури поверх густой краски используйте масло или масляный раствор, чтобы разбавить краску перед нанесением. Это гарантирует, что этот последующий слой будет толще, чем слой, на который он наносится, и предотвратит втягивание. Возможно, вам придется поэкспериментировать с тем, насколько разбавить краску. Я рекомендую проверить это на куске холста, чтобы убедиться, что результат не слишком блестящий или тусклый.
Убедитесь, что вы не разбавляете картину растворителем для глазури, если только вы не наносите глазурь на очень тонкие последующие слои, и даже в этом случае вы можете впитаться. В основном правило состоит в том, что вы можете рисовать тонким поверх толстого, но редко налегайте на жир. Я говорю редко, потому что даже в этом правиле есть оговорки, которые мы обсудим ниже.
Грунтовка подложки и ее влияние на картину
Еще одна причина проседания, которую мы рассмотрим, — это окраска очень впитывающих поверхностей. Такие поверхности, как голое дерево и необработанная бумага, обладают высокой впитывающей способностью. Традиционный левкас также обладает высокой впитывающей способностью, и его использование приведет к очень матовому виду. Нанесение краски на поверхности с высокой впитывающей способностью увеличивает ваши шансы утонуть.
Акриловый левкас, хотя и менее абсорбирующий, чем традиционный левкас, все же достаточно абсорбирующий. Загрунтованные маслом поверхности в большинстве своем не впитывают влагу, что приводит к более глянцевому покрытию. Для поверхностей, загрунтованных маслом, чем больше слоев грунтовки, тем менее впитывающая будет поверхность. Таким образом, три слоя масляной грунтовки будут менее впитывающими, чем холст или деревянная поверхность с однократной грунтовкой.
Смазка — лекарство от утопления
Итак, вы все сделали правильно (а может, и нет), но на вашей картине остались тусклые пятна.Не бойтесь, вот где на помощь может прийти смазка.
Как было сказано выше, в этих тусклых пятнах недостаточно масла. Итак, все, что вам нужно сделать, это налить в них еще масла, и они снова вернутся к жизни. Итак, давайте поговорим о том, как это сделать.
Первое, что вам нужно сделать, это убедиться, что ваша картина маслом сухая на ощупь. Не требует полного отверждения и не требует от 3 до 6 месяцев высыхания, как того требуют некоторые лаки.Смазка не герметизирует поверхность, как некоторые лаки, вы просто добавляете больше того, что уже есть. Вам также не нужно, чтобы вся картина была сухой, только тусклая часть.
Затем вы захотите приобрести чистый уайт-спирит без запаха. Не используйте уайт-спирит из хозяйственного магазина, так как он обычно содержит добавки, которые вам не нужны в вашей картине. Убедитесь, что это минеральный спирт художественного уровня, такой как Gamsol или Turpenoid.
Третье, что вам понадобится, это какое-нибудь художественное масло или олифа на основе олифы. Вы можете использовать льняное масло, но помните, что льняное масло со временем может пожелтеть, поэтому не используйте его на прохладных, светлых участках, таких как белые, голубые или розовые. Для этих областей вы можете использовать сафлоровое масло. Имейте в виду, что если вы используете натуральное масло, оно, вероятно, высохнет через несколько дней или больше.
Вместо того, чтобы использовать натуральное масло, большинство художников будут использовать быстросохнущую масляную среду, такую как Galkyd by Gamblin или Liquin by Windsor & Newton . Они не желтеют и сохнут намного быстрее, чем обычные масла. Обратите внимание, что я никогда не использовал Liquin и не уверен, что вы сможете разбавить его растворителями. Я предлагаю Glakyd от Gamblin, так как я знаю, что его можно разбавлять уайт-спиритом. См. Страницу ресурсов для получения дополнительной информации.
Далее вам понадобится чистая кисть с мягкой щетиной, чтобы нанести смесь. Обычно достаточно 1 или 2-дюймовой щетки из хозяйственного магазина, если щетина не очень жесткая. Вы не хотите повредить и открыть любые более толстые мазки краски, на которых еще может быть влажная краска.
Последнее, что вам понадобится, это чистая ткань без ворса, например марля.
Вот список с повторением материалов:
- Уайт-спирит художественного качества
- Масло или быстросохнущее масло художественного качества, среднее
- Кисть с мягкой щетиной
- Ткань без ворса, например марля
- Емкость, достаточно большая для кисти
Процесс смазывания
Смешайте в банке одну часть уайт-спирита и одну часть масляной среды (или масла) в соотношении 50/50.Вы можете настроить это соотношение, если хотите, чтобы блеск был меньше или больше глянец. Я знал, что некоторые художники использовали только масляную среду без растворителя. Я обычно не рекомендую это, потому что, если вы хотите закрасить его, вам нужно будет добавить гораздо больше масла в последующие слои.
Смазка картины 50/50 Галкид и Гамсол.Нанесите очень небольшое количество этой смеси на кисть из щетины, затем легкими круговыми движениями нанесите смесь на участки, нуждающиеся в смазке, или на всю картину.Подождите примерно минуту, затем сотрите излишки марли.
Вытирая излишки марли. Обратите внимание, как картина стала более насыщенной.Не наносите слишком много, ровно столько, чтобы снова пропитать область. Если вы не уверены, нанесите небольшое количество, подождите, пока оно высохнет, затем повторите, если необходимо, пока эта область не перестанет выглядеть тусклой или пятнистой.
Как только эта область высохнет, вы можете закрасить ее. Просто убедитесь, что в любые последующие слои добавлено масло или масляная среда, чтобы предотвратить именно ту проблему, которую вы только что исправили. Если вы столкнетесь с большим количеством втягиваний в одну и ту же картину, не беспокойтесь, просто повторите процесс смазывания еще раз.
Встраивание при окраске мокрый по мокрому
Я много говорил о рисовании слоями, но что, если вы не рисуете в стиле гризайль с полными слоями? В основном все это применимо всякий раз, когда вы наносите какую-либо краску поверх ранее нанесенной краски, даже если она находится всего в одном месте на вашем холсте.
Может также применяться, хотя и в меньшей степени, при окраске «мокрый по мокрому». Вы можете подумать, что, поскольку вы накладываете влажную краску на влажную краску, она просто смешается вместе, но это верно только в том случае, если вы смешиваете новый слой с начальными слоями. Если вы аккуратно кладете следующий слой, он будет прилипать к предыдущему слою, но останется отдельным слоем, что может привести к его втягиванию.
Бывают моменты, когда можно нарушить правила. Один из наиболее распространенных — это нанесение кистью небольшого количества тонкой краски трубчатой консистенции на более толстую краску очень легкой рукой, оставляя небольшие отверстия на предыдущем слое краски.Примером могут служить тонкие зимние ветки деревьев. В этом случае вы наносите так мало краски, что любое втягивание не будет заметно, а поскольку это тонкий штрих уже сломанной краски, растрескивание не должно быть проблемой.
Обратите внимание, как Джон Сингер Сарджент нанес сухой кистью тонкие разорванные участки красной краски на густую белую краску.Использование лака для устранения вкраплений
Так как втягивание приводит к тусклому, плоскому виду, вы можете подумать, что только лакирование решит проблему.Это неправда. Лакирование замаскирует проблему, добавив глянцевую поверхность на ввалившуюся область, но это не решит того факта, что в углубленной области все еще отсутствует достаточное содержание масла.
В зависимости от типа лака и количества нанесенного покрытия поверхность может иметь неровный вид. Более того, вызывает беспокойство то, что эта область все еще остается хрупкой. Лак повторно не пропитает краску, он просто ложится сверху. Эта хрупкая область, вероятно, когда-нибудь треснет.Сделайте поверхность как можно более ровной, смазав ее маслом перед нанесением лака.
Промасливание в качестве лака
Это поднимает еще один вопрос. Вы можете использовать метод масляной смазки в качестве лака для своих картин. Для этого есть две веские причины. Во-первых, вам не нужно ждать несколько месяцев, пока картина высохнет, как это бывает со многими традиционными лаками. Вы можете сразу получить глянцевую поверхность. Это замечательно, если вам нужно показать картину раньше, чем ее можно будет покрыть лаком.
Еще одна веская причина заключается в том, что промасливание обеспечивает постоянный защитный слой масла поверх картины. Вы все еще можете переделать картину или покрыть ее лаком. Мне этот метод нравится больше, чем использование ретуширующего лака, поскольку, если мне нужно переделать картину, я не добавляю слой лака между слоями краски.
Чтобы использовать метод смазки для замены лака или предварительной обработки лака, просто следуйте приведенным выше инструкциям. Если вы уверены, что картина не потребует дальнейшей обработки, вы можете не смывать лишнюю масляную смесь марлей (если только она не собирается где-то скапливаться, что приведет к неровному внешнему виду).Вы также можете использовать более высокое соотношение масло / растворитель для более глянцевого покрытия.
Даже при более высоком соотношении масла и растворителя вы все равно можете ретушировать картину, просто убедитесь, что у вас много масла в краске при ретуши.
Мой процесс рисования маслом
Я подумал, что вкратце поделюсь с вами своим типичным процессом рисования. Раньше это случалось часто, но сейчас я редко бываю втягиваться в себя.
Я рисую на льне Classeans Oil-Primed Linen и по большей части использую масляную краску Utretch и Gamblin (дополнительную информацию и где получить эти материалы см. На странице ресурсов) .Иногда я тонирую холст масляной краской Fast Matte от Gamblin, а иногда просто рисую прямо на нетонированном холсте.
Мой первый слой краски почти всегда разбавляется минеральным спиртом Gamsol без запаха. В большинстве случаев я не делаю его слишком жидким. Как только холст будет покрыт, я либо уменьшу количество Gamsol, которое добавляю в краску, либо начну добавлять тонкие слои без растворителя. Как только я добавляю слои без растворителя, я прекращаю добавлять растворитель к любым последующим слоям.
Я буду продолжать добавлять тонкие слои краски прямо из тюбика, без растворителей и сред. Я добавляю тонкие слои, пока не буду уверен, что мои цвета, значения и формы правильные. На этом этапе я могу добавить немного густой краски для текстуры или поверхностного интереса.
При использовании этого метода я редко сталкиваюсь с втягиванием. Исключение составляют случаи, когда мне приходится наносить темную краску поверх высохшей. Зная это, я обычно добавляю немного какой-нибудь среды на масляной основе, такой как Галкид.Если погружение все же происходит, то пора выходить из строя.
Надеюсь, это поможет. Пожалуйста, оставьте любые вопросы или комментарии ниже и продолжайте рисовать!
Джейсон Тако — национальный художник, специализирующийся на вестерне, дикой природе, пленэре и исторической тематике коренных американцев. В годы учебы он рисовал заболоченные и лесные районы сельской Миннесоты. Он был представлен в журналах Plein Air Magazine и Western Art Collector Magazine, а также был избранным художником на выставке Southeastern Wildlife Expo 2020 года.Смотрите его работы на www.JasonTako.com и его демонстрации на его канале YouTube.
.