Художники по направлению: Супрематизм — WikiArt.org
направление
Супремати́зм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х годов Казимиром Малевичем.
Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.
На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи.
В беспредметных полотнах краска, по мысли К. С. Малевича, была впервые освобождена от подсобной роли, от служения другим целям, — супрематические картины стали первым шагом «чистого творчества», то есть акта, уравнивавшего творческую силу человека и Природы.
Супрематизм стал одним из центральных явлений русского авангарда. Начиная с 1915 года, когда были выставлены первые абстрактные работы Малевича, в том числе «Чёрный квадрат», влияние супрематизма испытали такие художники, как Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко и многие другие. В 1919 году Малевичем и его учениками была создана группа УНОВИС (Утвердители нового искусства), развивавшая идеи супрематизма. Председателем Творком (Творческого комитета) УНОВИСа был Лазарь Хидекель, один из наиболее известных художников-супрематистов и создатель архитектурного супрематизма.
В дальнейшем, даже в условиях гонений на авангардное искусство в СССР, эти идеи нашли своё воплощение в архитектуре, дизайне, сценографии.
Публикации
Книги
Статьи
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/СупрематизмСальвадор дали картины с асимметричной композицией. Самые известные картины сальвадора дали
Сюрреализм – полная свобода человеческого существа и право его грезить. Я не сюрреалист, я – сюрреализм, – С. Дали.
Формирование художественного мастерства Дали проходило в эпоху раннего модерна, когда его современники в значительной степени представляли такие новые художественные течения, как экспрессионизм и кубизм.
В 1929 году молодой художник примкнул к сюрреалистам. Этот год отмечен важным поворотом в его жизни, поскольку Сальвадор Дали встретил Галу. Она стала его любовницей, женой, музой, моделью и главным вдохновением.
Так как он был блестящим чертёжником и колористом, Дали почерпнул много вдохновения от старых мастеров. Но он использовал экстравагантные формы и изобретательные способы, чтобы составить совершенно новый, современный и инновационный стиль искусства. Его картины отличаются использованием двойных образов, ироничных сцен, оптических иллюзий, сновидческих пейзажей и глубокого символизма.
На протяжении всей своей творческой жизни Дали никогда не ограничивался одним направлением. Он работал с масляными красками и акварелью, создавал рисунки и скульптуры, фильмы и фотографии. Даже разнообразие формы исполнения не было чуждо художнику, в том числе создание ювелирных изделий и других произведений прикладного искусства. В качестве сценариста Дали сотрудничал с известным режиссёром Луисом Бунюэлем, который снял фильмы «Золотой век» и «Андалузский пёс».
В них отобразились нереальные сцены, напоминающие ожившие картины сюрреалиста.
Плодовитый и чрезвычайно одарённый мастер оставил огромное наследие для будущих поколений художников и любителей искусства. Фонд «Гала-Сальвадор Дали» запустил онлайн-проект Catalogue Raisonné of Salvador Dalí для полной научной каталогизации картин, созданных Сальвадором Дали в период с 1910 по 1983 год. Каталог состоит из пяти разделов, разбитых по временной шкале. Его задумали не только для предоставления исчерпывающей информации о творчестве художника, но и для определения авторства произведений, поскольку Сальвадор Дали – один из самых подделываемых живописцев.
О фантастическом таланте, воображении и мастерстве эксцентричного Сальвадора Дали свидетельствуют эти 17 примеров его сюрреалистических картин.
1. «Призрак Вермера Делфтского, который можно использовать как стол», 1934 год
Эта небольшая картина с довольно длинным оригинальным названием воплощает восхищение Дали великим фламандским мастером 17-го века, Яном Вермеером.
Автопортрет Вермеера исполнен с учётом сюрреалистического видения Дали.
2. «Великий мастурбатор», 1929 год
На картине изображена внутренняя борьба чувств, вызванных отношением к половому акту. Это восприятие художника возникло как пробудившееся детское воспоминание, когда он увидел оставленную отцом книгу, открытую на странице с изображёнными гениталиями, поражёнными венерическими заболеваниями.
3. «Жираф в огне», 1937 год
Это произведение художник завершил до переезда в США в 1940 году. Хотя мастер утверждал, что картина аполитична, она, как и многие другие, отображает глубокие и тревожные ощущения беспокойства и ужаса, которые, должно быть, переживал Дали в бурный период между двумя мировыми войнами. Определённая часть отражает его внутреннюю борьбу в отношении гражданской войны в Испании, а также ссылается на метод психологического анализа Фрейда.
4. «Лицо войны», 1940 год
Агония войны также отразилась в творчестве Дали.
Он считал, что его живопись должна содержать предзнаменования войны, что мы и видим в смертоносной голове, начинённой черепами.
5. «Сон», 1937 год
Здесь изображено одно из сюрреалистических явлений – сон. Это хрупкая, неустойчивая реальность в мире подсознания.
6. «Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря», 1938 год
Эта фантастическая живопись особенно интересна, так как в ней автор использует двойные образы, наделяющие само изображение многоуровневым смыслом. Метаморфозы, удивительные сопоставления объектов и скрытые элементы характеризуют сюрреалистические картины Дали.
7. «Постоянство памяти», 1931 год
Это, пожалуй, самая узнаваемая сюрреалистическая картина Сальвадора Дали, которая воплощает в себе мягкость и твёрдость, символизирует относительность пространства и времени. В значительной степени она опирается на теорию относительности Эйнштейна, хотя Дали говорил, что идея картины родилась при виде расплавленного на солнце сыра Камамбер.
8. «Три Сфинкса острова Бикини», 1947 год
В этом сюрреалистическом изображении атолла Бикини воскрешается память о войне. Три символических сфинкса занимают разные планы: человеческая голова, расколотое дерево и гриб ядерного взрыва, говорящий об ужасах войны. Картина исследует отношения между тремя субъектами.
9. «Галатея со сферами», 1952 год
Портрет жены Дали представлен через массив шарообразных форм. Гала похожа на портрет Мадонны. Художник, вдохновлённый наукой, возвысил Галатею над осязаемым миром в верхние эфирные слои.
10. «Расплавленные часы», 1954 год
Ещё одно изображение предмета, отмеряющего время, получило эфирную мягкость, что не характерно для жёстких карманных часов.
11. «Моя обнаженная жена, созерцающая собственную плоть, превратившуюся в лестницу, в три позвонка колонны, в небо и в архитектуру», 1945 год
Гала со спины. Это замечательное изображение стало одним из самых эклектичных произведений Дали, где объединились классика и сюрреализм, спокойствие и странность.
12. «Мягкая конструкция с вареными бобами» , 1936 год
Второе название картины – «Предчувствие гражданской войны». Здесь изображены предполагаемые ужасы гражданской войны в Испании, так как художник написал её за шесть месяцев до начала конфликта. Это было одно из предчувствий Сальвадора Дали.
13. «Рождение жидких желаний», 1931-32гг
Мы видим один из примеров параноидально-критического подхода к искусству. Изображения отца и, возможно, матери смешаны с гротескным, нереальным образом гермафродита в середине. Картина наполнена символизмом.
14. «Загадка желания: Мою мать, мою мать, мою мать», 1929 год
Это произведение, созданное на фрейдистских принципах, стало примером отношения Дали с его матерью, чьё искажённое тело появляется в далинианской пустыне.
15. Без названия — Дизайн живописи фрески для Элены Рубинштейн, 1942 год
Изображения создано для внутренней отделки помещения по заказу Элены Рубинштейн.
Это откровенно сюрреалистическая картина из мира фантазии и снов. Художник вдохновился классической мифологией.
16. «Содомское самоудовлетворение невинной девы», 1954 год
В картине изображена женская фигура и абстрактный фон. Художник изучает вопрос о подавленной сексуальности, что следует из названия произведения и фаллических форм, которые часто появляются в творчестве Дали.
17. «Геополитическое дитя, наблюдающее рождение Нового человека», 1943 год
Художник выразил свои скептические взгляды, написав эту картину во время пребывания в Соединённых Штатах. Форма шара, кажется, символическим инкубатором «нового» человека, человека «нового мира».
Сальвадор Дали по праву считается одним из самых известных представителей сюрреализма. Нет в мире человека, который хотя бы мельком не видел бы его картины.
«Сюрреализм – это я» — Сальвадор ДалиСальвадор Дали родился 11 мая 1904 года в каталонском городе Финерасе. В детстве Сальвадор был смышленым, но очень упрямым ребенком, который не раз попадал в передряги.
Юный Сальвадор всегда старался выделиться, но из-за большого количества фобий так и не смог найти общий язык с ровесниками. Свое обучение художественному мастерству Сальвадор начал еще в школе в 1914 году.
В 1921 году Сальвадор Дали поступает в Академию Сан-Фернандо, где продолжает обучаться живописи. Несмотря на неоспоримый талант, Дали выгнали из Академии в 1926 году опять-таки из-за несносного поведения.
После юный художник отправляется в Париж, где знакомится с Пабло Пикассо, сильно повлиявшим на его творчество в последующие годы. В Париже Сальвадор встречает и свою будущую жену Галу.
Постепенно к Дали приходит слава, его картины выставляются, позже он примыкает к группе сюрреалистов, из которой в 1936 году уходит со скандалом. Всех окружающих поражали поступки и взгляды Дали.
Однако, мало кто задумывается над тем, что эти поступки означали на самом деле. Дали редко стремился кото-то обидеть, он просто жил в другом мире, мире сюрреализма. И охарактеризовать его можно только через призму сюрреалистических понятий.
Посетив Италию, Дали остался в восторге от творений эпохи Ренессанса, что не могло не повлиять на его дальнейшее творчество. С началом Второй Мировой войны, Дали решает переехать в США вместе с женой, где активно сотрудничает с режиссерами и кинокомпаниями. К сожалению, многие из предложенных художником идей были признаны нецелесообразными и так и не увидели свет.
Затем Дали вернулся в Испанию, потом вновь покорил Париж. Его деятельность не ограничивалась картинами. Художник занимался фильмами, рекламой, костюмами. В каждой идее он находил способ для самовыражения.
В 1981 году у художника начинает развиваться болезнь Паркинсона, а год спустя умирает Гала, что повергает художника в продолжительную депрессию, отразившуюся на его творчестве. Его болезнь развивалась мешая ему жить и рисовать. Дали переезжает в замок, когда подаренный Гале, но после несчастного случая уезжает в театр-музей, где и встречает свою смерть в 1989 году.
Сальвадор Дали – это непросто талантливый художник, это исключительная личность, сформированная во многом его талантом и его фобиями.
Каждая его картина бесценна и выбрать среди них лучшие не представляется возможным. Поэтому мы решили остановить свой выбор на тех картинах художника, которые считаются самыми известными его работами.
Сальвадо́р Дали́ (полное имя Сальвадор Доме́нек Фелип Жасинт Дали и Доме́нек, маркиз де Дали де Пу́боль, кат. Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol, исп. Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Dalí y de Púbol; 11 мая 1904(19040511), Фигерас — 23 января 1989, Фигерас) — испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма .
Работал над фильмами: «Андалузский пёс», «Золотой век» (режиссёр — Луис Бунюэль), «Заворожённый» (режиссёр — Альфред Хичкок). Автор книг «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим» (1942), «Дневник одного гения» (1952-1963), Oui: The Paranoid-Critical Revolution (1927-33) и эссе «Трагический миф Анжелюса Милле».
Сальвадор Дали родился в Испании 11 мая 1904 года в городе Фигерасе, провинция Жирона, в семье зажиточного нотариуса.
По национальности был каталонцем, воспринимал себя в этом качестве и настаивал на этой своей особенности. У него была сестра, Анна Мария Дали (исп. Anna Maria Dalí, 6 января 1908 — 16 мая 1989), и старший брат (12 октября 1901 — 1 августа 1903), который умер от менингита. Позднее в возрасте 5 лет на его могиле родители сказали Сальвадору, что он — реинкарнация своего старшего брата.
В детстве Дали был сообразительным, но заносчивым и неуправляемым ребёнком. Однажды он затеял скандал на торговой площади ради леденца, вокруг собралась толпа, и полицейские попросили хозяина лавки открыть её во время сиесты и подарить мальчику сладость. Он добивался своего капризами и симуляцией, всегда стремился выделиться и привлечь к себе внимание.
Многочисленные комплексы и фобии, например, страх перед кузнечиками, мешали ему включиться в обычную школьную жизнь, завести с детьми обычные связи дружбы и симпатии. Но, как и любой человек, испытывая сенсорный голод, он искал эмоциональный контакт с детьми любыми способами, стараясь вжиться в их коллектив если не в роли товарища, то в любой другой роли, а точнее той единственной, на которую был способен, — в роли эпатажного и непослушного ребёнка, странного, чудаковатого, всегда поступающего вопреки чужим мнениям.
Проигрывая в школьных азартных играх, он вёл себя так, будто выиграл, и торжествовал. Иногда без причины затевал драки.
Одноклассники относились к «странному» ребёнку довольно нетерпимо, использовали его страх перед кузнечиками, подсовывали ему за шиворот этих насекомых, чем доводили Сальвадора до истерики, о чём он позднее поведал в своей книге «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим».
Обучаться изобразительному искусству Дали начал в муниципальной художественной школе. С 1914 по 1918 год воспитывался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе. Одним из друзей детства был будущий футболист ФК «Барселона» Хосеп Самитьер. В 1916 году, с семьей Рамона Пишó, отправился на каникулы в город Кадакéс, где познакомился с современным искусством.
В 1921 году на 47 году жизни от рака груди умирает мать Дали. Для Дали это стало трагедией. В том же году он поступает в Академию Сан-Фернандо . Рисунок, подготовленный им для экзамена, показался слишком мал смотрителю, о чём он сообщил отцу, а тот, в свою очередь, сыну.
Юный Сальвадор стер весь рисунок с полотна и решил нарисовать новый. Но у него до итоговой оценки оставалось всего 3 дня. Однако юноша не спешил с работой, чем очень беспокоил своего отца, который и без того за долгие годы натерпелся его причуд. В конце концов юный Дали сообщил, что рисунок готов, но он даже меньше предыдущего, и это стало для отца ударом. Однако преподаватели в силу чрезвычайно высокого мастерства сделали исключение и приняли молодого эксцентрика в академию.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Одно из самых известных полотен, написанных в жанре сюрреализма, — это «Постоянство памяти». Сальвадор Дали — автор этой картины, создал ее всего за несколько часов. Полотно сейчас находится в Нью-Йорке, в Музее современного искусства. Эта небольшая картина, размером всего 24 на 33 сантиметра, является самой обсуждаемой работой художника.
Объяснение названия
Картина Сальвадора Дали «Постоянство памяти» была написана в 1931-м на холсте-гобелене ручной работы.
Идея создания данного полотна была связана с тем, что однажды, дожидаясь возвращения своей жены Галы из кино, Сальвадор Дали писал абсолютно пустынный пейзаж морского побережья. Вдруг он увидел на столе тающий на солнце кусок сыра, который они ели вечером вместе с друзьями. Сыр таял и становился все мягче и мягче. Задумавшись и связав долго идущее время с тающим куском сыра, Дали начал заполнять полотно растекающимися часами. Свою работу Сальвадор Дали назвал «Постоянство памяти», объясняя название тем, что один раз взглянув на картину, ты уже никогда её не забудешь. Другое название картины — «Текучие часы». Это название связано с содержанием самого полотна, которое вложил в него Сальвадор Дали.
«Постоянство памяти»: описание картины
Когда рассматриваешь это полотно, в глаза сразу бросается необычное размещение и структура изображенных предметов. На картине просматривается самодостаточность каждого из них и общее ощущение пустоты. Здесь много вроде бы не связанных предметов, но все они создают общее впечатление.
Что же изообразил на картине «Постоянство памяти» Сальвадор Дали? Описание всех предметов занимает довольно много места.
Атмосфера картины «Постоянство памяти»
Сальвадор Дали выполнил картину в коричневой гамме. Общая тень лежит на левой части и середине картины, солнце падает на заднюю часть и правую сторону полотна. Картина как бы наполнена тихим ужасом и страхом такого спокойствия, и в то же время странная атмосфера наполняет «Постоянство памяти». Сальвадор Дали этим полотном заставляет задуматься о значении времени в жизни каждого человека. О том, а может ли время остановиться? А может ли оно подстраиваться под каждого из нас? Наверное, каждый должен дать сам себе ответы на эти вопросы.
Известен факт, что художник всегда оставлял записи о своих картинах в своем дневнике. Однако о самой известной картине «Постоянство памяти» Сальвадор Дали не сказал ничего. Великий художник изначально понимал, что, написав эту картину, он заставит задуматься людей о бренности бытия в этом мире.
Влияние полотна на человека
Картина Сальвадора Дали «Постоянство памяти» была рассмотрена американскими психологами, которые пришли к выводу, что данное полотно обладает сильнейшим психологическим воздействием на определенные типы человеческих личностей. Многие люди, глядя на эту картину Сальвадора Дали, описывали свои чувства. Большая часть людей погружалась в ностальгию, остальные пытались разобраться со смешанными эмоциями общего ужаса и задумчивости, вызванной композицией картины. Полотно передает чувства, мысли, переживания и отношение к «мягкости и твердости» самого художника.
Безусловно, эта картина невелика по размерам, но её можно считать одной из самых великих и сильных психологических картин Сальвадора Дали. Картина «Постоянство памяти» несет в себе величие классики сюрреалистической живописи.
Сальвадор Дали — один из самых известных людей XX века, ставший знаменитостью не просто при жизни, а в довольно молодом возрасте. Дали известен как график, скульптор, режиссер и писатель, но в первую очередь как живописец.
Только один из его учителей — Пабло Пикассо мог сравниться с ним в известности. И без преувеличения можно сказать, что Сальвадор Дали единственный сюрреалист, имя которого слышал каждый человек, как бы далеко он ни был от искусства. Именно ему принадлежит фраза «сюрреализм — это я», которую он произнёс в тот день, когда его исключили из группы сюрреалистов.
Произведения Сальвадора Дали поражают воображение парадоксальностью образного мировосприятия, своей гениальной непревзойденностью. Описывать картины Сальвадора Дали можно часами, но лучше увидеть их своими глазами и составить о них своё мнение. Ниже приведены несколько наиболее известных картин с названиями и краткими описаниями.
Одна из первых работ Сальвадора Дали. Выполнена в импрессионистском стиле.
Картина создана во время поиска художником своей манеры и стиля исполнения. По атмосфере напоминает полотна Де Кирико.
Полотно выполнено в несвойственной Дали кубистической манере, в подражание одному из учителей Сальвадора — Пабло Пикассо.
Эксперименты с геометрическими формами уже заставляют почувствовать ту мистическую пустыню, которая свойственная Дали в более позднем «сюрреалистическом» периоде творчества.
Другое название — «Невидимка», картина демонстрирует один из основных приёмов живописи Дали — метаморфозы, скрытые смыслы и контуры предметов.
Считается, что полотно вскрывает навязчивые идеи и детские страхи Сальвадора Дали.
Подобно «Просвещённым удовольствиям» картина является популярным среди искусствоведов полем исследования личности живописца.
Самое известное и самое обсуждаемое в среде художников произведение автора. Здесь используются идеи из ряда прежних работ: автопортрет и муравьи, мягкие часы и берег Кадакеса, родины Сальвадора.
Гала — любимая жена художника, нередко присутствует на его картинах. Данное полотно отражает параноико-критический метод Дали.
Это не картина, а скульптура в стиле сюрреализма. Несмотря символы плодородия — хлеб и початки кукурузы, Дали как бы подчёркивает цену, которую за это приходится платить: на лице женщины полно изъедающих её муравьёв.
Одно из откровенных издевательств Дали над коммунизмом. Главный герой по словам самого Дали — это Ленин в кепке. Это не единственная работа на данную тему. Например в 1931 году художник написал .
Это не просто картина. Данное произведение было написано на бумаге и реализована в виде реальной комнаты в натуральную величину.
Считается, что голова из роз — это дань Арчимбольдо, известному художнику, который использовал в своём творчестве овощи и фрукты для составления составления портретов (нос-баклажан, волосы из пшеницы и тому подобное).
Это полотно отражает ужас испанца, понимающего, что его страна движется в сторону страшной гражданской войны.
Статуя. Наиболее известный далианский предмет. Идея ящиков присутствует и в живописи художника.
Другое название «Превращение Нарцисса». Глубоко психологичная работа..
Известно, что Дали по разному отзывался о Гитлере. По крайней мере в год написания картины, основной эмоцией по отношению к Гитлеру была скорее симпатия, чем что-либо другое.
Одна из самых известных «оптических» картин Сальвадора Дали, в которых он играет с цветовыми ассоциациями и углом зрения. Посмотрите на картину на разных расстояниях — вы увидите различные сюжеты.
Яркость, лёгкость и иллюзорность происходящего. Длинноногий слон на заднем плане — один из популярных персонажей Дали..
Одна из картин периода увлечения Сальвадора физикой. Образы, предметы и лица разбиваются на шаровидные корпускулы.
Распятие или Гиперкубическое тело (1954)
Оригинальное название «Corpus hypercubus» часто употребляется в русскоязычной литературе без перевода. На полотне, изображено распятие Христа. Дали обращается к религии, но пишет библейские сюжеты в своей манере, привнося в картины солидную долю мистики. И на «религиозных» картинах часто присутствует жена художника Гала.
Реактивный артрит | Клиническая ревматологическая больница №25
Реактивный артрит (РеА) — негнойное воспалительное заболевание суставов, развивающееся после перенесенной причинной инфекции. К общепризнанным причинным инфекциям относятся Chlamydia trachomatis, Yersinia, Salmonella, Shigella и Campylobacter. В последние годы узкий круг причинных микроорганизмов был значимо расширен. К возможным причинным инфекциям в настоящее время относят Chlamydophila (Chlamydia) pneumoniae, Ureaplasma urealiticum, Mycoplasma hominis, Escherichia coli, Clostridium difficile, Bacillus Calmette-Guerine (BCG), Helicobacter pylori, а также различные кишечные паразиты.
Патогенез.РеА поражает преимущественно лиц трудоспособного возраста – 20-40 лет, но может развиваться в любом возрасте. Предполагается, что микроорганизмы и/или их антигены распространяются из первичного очага воспаления и достигают полости сустава в результате бактериемии, с током лимфы или посредством макрофагальных клеток. В ряде случаев в результате взаимодействия организма человека и микроорганизма антибактериальный ответ превышает свою физиологическую защитную роль и приводит к развитию РеА.
Клиническая картина.1. Ведущим в клинической картине РеА является поражение опорно-двигательного аппарата. Характерно преимущественное поражение суставов нижних конечностей, главным образом, коленных, голеностопных, мелких суставов стоп, особенно первых плюснефаланговых суставов. Реже в патологический процесс вовлекаются мелкие суставы кистей, лучезапястные и локтевые суставы. При прогрессировании воспалительного процесса возможно множественное поражение суставов с их последовательным вовлечением в патологический процесс снизу вверх («лестничный» тип поражения).
Типичными являются боли в нижней части спины, боли в ягодицах, чаще асимметричные, реже с иррадиацией в нижние конечности. Наблюдающаяся у пациентов с РеА утренняя скованность в суставах и спине обычно непродолжительная и слабо выражена. Характерным симптомом при РеА являются энтезиты.
Энтезисы — места прикрепления сухожилий и связок к костям возле суставов и/или к находящимся в этих анатомических областях синовиальным сумкам. Наиболее частая локализация энтезитов при РеА – область пяток (подпяточный бурсит), что проявляется типичной жалобой больного на боли в пятках. Реже встречается подошвенный фасциит и ахиллобурсит.
Тендовагинит пальцев стоп, реже кистей, может приводить к выраженному отеку мягких тканей пальца с болью, локальной гипертермией, покраснением их, с развитием, так называемого дактилита («сосискобразной» дефигурации пальца).
Воспалительный суставной синдром приводит к нарушению походки больных. Из-за поражения суставов предплюсны и связочного аппарата стоп со временем может формироваться “плоская” стопа.
2. Уретрит, в виде болей, чувства жжения при мочеиспускании, выделений из мочеиспускательного канала является одним из главных клинических симптомов РеА, и может быть проявлением не только урогенитального, но и постэнтероколитического РеА, может предшествовать развитию суставного синдрома за 1- 3 недели. Для пациентов с РеА женского пола характерен негнойный цервицит.
3. Вовлечение в воспалительный процесс слизистой глаз, проявляется конъюнктивитом, односторонним или двусторонним. Признаки конъюнктивита, как правило, слабо выражены, и имеют транзиторный характер, с самопроизвольным купированием в течение 1- 4 недель.
4. Более редкими проявлением РеА в настоящее время являются поражения кожи. Кератодермия – безболезненный очаговый (в виде папул и бляшек) и сливающийся гиперкератоз, с наиболее частой локализацией на подошвенной части стоп и ладонях. Узловатая эритема – болезненные образования кожи красного цвета, с преимущественной локализацией на голенях, выявляется редко и только у больных РеА иерсиниозной этиологии.
5. Наиболее частыми внесуставными проявлениями РеА являются лихорадка, периферическая лимфоаденопатия, снижение массы тела, гипотрофия мышц пораженной конечности и умеренная слабость.
В клинической картине заболевания выделяют уретро-окуло-синовиальный синдром (классическая триада), который очень характерен для РеА, когда в течение нескольких недель у пациента в клинической картине наблюдаются артрит, уретрит и конъюнктивит. Иногда к этим трем типичным симптомам присоединяется кератодермия (классическая тетрада), и тогда диагноз РеА практически не вызывает сомнений.
Несмотря на типичную клиническую картину, на практике диагностика РеА бывает часто затруднена в связи с большим числом субклинических форм заболевания. Конъюнктивит, как правило, носит транзиторный характер. Суставной синдром, также может носить субклинический характер, и проявляться упорными болям в суставах без выраженных синовитов. Урогенитальная хламидийная инфекция у 75% женщин и 50% мужчин протекает бессимптомно, поэтому они не обращаются к врачу и не получают лечения. Клиническая картина причинной кишечной инфекции также бывает слабо выражена или может отсутствовать.
Общепринятых международных диагностических критериев РеА не существует. С целью диагностики РеА ревматологу требуется исключить другие воспалительные заболевания суставов, а также выявить возможную причинную инфекцию.
Прогноз при РеА, как правило, благоприятный. В большинстве случаев при своевременном лечении длительность заболевания не превышает 6 месяцев. В редких случаях наблюдаются рецидивы и хронизация заболевания, что требует повторного обследования пациента на текущую причинную инфекцию и наблюдения в плане развития спондилоартрита. Факторами риска неблагоприятного течения реактивного артрита являются: наличие хронической причинной инфекции, высокая активность заболевания, носительство антигена HLA-B27, а также позднее назначение терапии.
Для постановки диагноза системный васкулит консультация ревматолога является обязательной. При этом самолечение может привести к прогрессированию заболевания и серьезным осложнениям, угрожающим жизни.
Пройти консультацию врача-ревматолога для уточнения диагноза, дообследования и определения дальнейшей тактики ведения Вы можете у нас в «Клинической ревматологической больнице №25»
Подробности о работе врача-ревматолога и процедуру обращения можно уточнить на сайте или по телефону амбулаторно-консультативного отделения (670-30-90) или отделения платных услуг (670-30-80).
Преобрази интерьер с помощью модульных картин
Интерьер – это внутреннее пространство, с его убранством. В оформлении интерьеров используют разные декоративные элементы. В наше время стали популярны модульные картины. Их используют в дизайне различных помещений: офисов, ресторанов, квартир, кафе, гостиниц.
Что же собой представляет модульная картина?
Картины из нескольких частей разделенные на некоторое количество сегментов (модулей). Они объединены одним сюжетом, тематикой, идеей. Модульная картина бывает разных видов:
- Диптих – состоит из двух частей;
- Триптих – трехмодульное изображение;
- Пенаптих – картина из четырех частей;
- Полинаптих – картина, состоящая из пяти и больше модулей.
Еще существуют симметричные и асимметричные модульные картины. В симметричных – модули одинаковые по размерам и с четкими границами. В асимметричных – размер модулей разный и расположение их не совпадает.
Модульные картины в интерьере помещений разных типов
Картины из нескольких частей чаще всего размещают на стенах. Части необходимо расположить на определенном расстоянии. Так панно будет смотреться эффектнее. Если сделать все правильно, то полотно и помещение «оживут». Модульное изображение украсит и подчеркнет стиль квартиры, ресторана, гостиницы, стоит только правильно выбрать и расположить его.
Модульные картины задают настроение помещению, поэтому необходимо подобрать изображение, которое будет соответствовать выбранному помещению. Существуют различные рисунки для гостиных, кухонь, спален, детских, прихожих, коридоров. Также можно подобрать панно для офисов, ресторанов, гостинец. В гостиных можно использовать иллюстрации городских пейзажей, изображения природы. В спальне хорошо смотрятся полотна со сдержанными сюжетами, изображениями пар или цветочных мотивов. Детскую можно украсить панно с лошадьми, картами, глобусами, цветами или парусником. Для кухни используют рисунки с цветами, натюрмортами или бытовыми зарисовками. Для коридоров или прихожих можно выбрать абстрактные, яркие с контрастными цветами модульные полотна. Для офисов используют картины пастельных тонов, чтобы они украшали кабинет, но не отвлекали. Для кафе или ресторанов используют абстракции, натюрморты.
Подбор картины из модулей
При выборе картин из нескольких частей стоит обратить внимание на ее цвет. Цветовая гамма полотна должна подходить для интерьера. Можно подобрать рисунок в тон стенам или немного светлее, или цвета стены будут схожими с оттенками используемых на панно. Для двухцветных интерьеров великолепно подойдут полотна из модулей. Они объединят комнату в одно целое. Еще, как вариант, иллюстрацию можно подобрать к цвету мебели. Модульные картины делают дизайн неповторимым и уникальным. Такие полотна станут центральным элементом или подчеркнут другие элементы интерьера.
5 основных правил — INMYROOM
Сегодня модно декорировать стены постерами и фото, а также произведениями современных художников. Это не только красиво смотрится, говорит о хорошем вкусе хозяина интерьера, но и может выгодно подчеркнуть плюсы пространства и скрыть его минусы. Сегодня мы расскажем, каких правил необходимо придерживаться, чтобы гармонично декорировать свой интерьер постерами, картинами и фото.
Правило №1: взаимная гармония
Можно формировать фото и постеры в группы рядом с мебелью по принципу взаимной гармонии или в виде квадрата.
В комнате с высоким потолком будет уместным размещать прямоугольник из четырех картин. Можно взять шесть или восемь, в зависимости от размера комнаты. Чтобы они смотрелись целостно, размещайте их ближе друг другу. Рамки для них подойдут тонкие, а изображение светлое, тогда можно создать эффект окна.
Правило №2: симметрия и асимметрия
Также возможны варианты выстраивания композиций путем смешивания размеров и форм: симметрично и асимметрично. При этом учитывайте общую содержательность или стилистику. В некоторых случаях уместны будут контрастные варианты.
При асимметричном расположении используйте постеры, фото или картины разных размеров с одним общим сюжетом. Чтобы композиция не нарушилась, расстояния между постерами не должны быть большими. Асимметричный вариант добавляет динамики в комнате.
Картины, постеры или фото с одинаковыми размерами и рамами прекрасно подходят для симметричного расположения. Это метод хорошо балансирует интерьер помещения, делая его строгим и стабильным.
Еще можно руководствоваться правилом роя, когда картины, постеры или фото выстраиваются вокруг одной главной картины.
Правило №3: рамы и паспарту
Чтобы визуально выровнять картины и для лучшего их восприятия, учитывайте, какие рамы (багеты), паспарту используются в формировании композиций. Их лучше располагать так, чтобы верхнее поле паспарту было немного меньше нижнего. Такой вариант считается наиболее удачным для вертикального размещения.
Правило №4: исправить недостатки
С помощью правильно размещенных фото можно выделить зону отдыха над угловым диваном.
Если вы хотите увеличить высоту потолка, тогда следует изображения располагать вертикально.
При горизонтальном положении картин можно зрительно увеличить длину стены.
Над объемной мебелью будут уместны постеры более крупных размеров с более массивными рамами, иначе маленькие картинки с узкими багетами затеряются на этом фоне.
Черно-белые полотна, расположенные в асимметричном порядке, хорошо смотрятся в рабочем кабинете над столом.
Правило №5: радость созерцания
При развешивании картин, фото и постеров используйте основное правило: вам должно быть удобно рассматривать произведения искусства или фото. Применяйте музейный вариант кода – экспонаты размещены так, что расстояние от пола до середины картины составляет 152 см. По европейским стандартам оно может быть 160 см.
Комментарии экспертов
Правильно развешать постеры и картины не такое уж и простое дело, как кажется на первый взгляд. При неумелом обращении с таким видом настенного декора могут возникнуть неприятные казусы с искажением интерьера. Чтобы таких ситуаций не возникло и вам проще было справиться с этой задачей, мы обратились за помощью к экспертам, которые дали некоторые рекомендации.
Профессиональный художник, дизайнер интерьеров. В 1991 г. окончил Свердловское художественное училище им. Шадра, а в 1997 г. – Московский художественно-промышленный институт им. Строганова (факультет дизайна интерьеров). 1997-2004 гг. – архитектор-дизайнер при Государственном литературно-мемориальном музее-заповеднике А.П. Чехова (Мелихово) и частный практик. В 2005 г. вместе с Ронаном Леостом открыл дизайн-бюро Liturinsky&Leost.Говоря про последние тенденции, картины можно и вовсе не вешать на стены, это такой подход – как в мастерской художника. Можно переставлять картины в зависимости от настроения, при этом не портить стены гвоздями.
Если картины достаточно большие, их можно ставить прямо на пол. Картины поменьше переставлять и менять местами на консоли или комоде. Как вариант, можно предусмотреть неглубокую, но длинную полку и размещать на ней экспозицию по своему вкусу, перемежая картины статуэтками и арт-объектами.
Традиционная развеска, так называемая музейная, когда картины выравниваются по одному нижнему горизонту для маленьких пространств, не актуальна, поскольку сложно будет проследить одну линию.
Самый мой любимый способ размещения работ – это «шпалерный», когда работы вешаются на одной стене близко друг к другу в правильном порядке, или, наоборот, в хаотическом. Особенно этот способ подходит для размещения семейных фото.
Дизайнер-декоратор Анастасия Муравьева окончила экономический факультет МГУ им. М.В. Ломоносова и Высшую школу средового дизайна в МАрхИ, получила степень МВА в Бристольском университете. В настоящее время работает в основном с интерьерами частных домов и квартир, а также имеет разработки в области дизайна общественных пространств.
Прежде всего, необходимо найти для картины подходящее место в помещении. Ограничений практически нет, но только не рядом с телевизором! Традиционно хорошие места для картин небольших и средних размеров – над консолью, камином, диваном, изголовьем кровати. Можно создать и специальную освещенную нишу. Крупные полотна, например ростовые портреты, не любят соседства с мебелью и требуют отдельного пространства. Выигрышно смотрятся картины или фото, размещенные над лестницей.
Кроме того, соотнесите масштаб картины с предметами окружающей обстановки. Необходимо, чтобы в интерьере она выглядела пропорционально, не потерялась на стене, но и не давила своим масштабом. Живопись и постеры позволяют скорректировать пропорции мебели. Так, например, можно зрительно уменьшить громоздкий диван, расположив над ним группу картин, диптих или триптих.
Обратите внимание на отделку стены, на которой собираетесь разместить предметы декора. Обои ярких расцветок с активным рисунком не лучший фон для картины, так как они отвлекают внимание на себя. В случае, если картина сливается по цвету со стеной или теряется на ярком фоне, используйте контрастный багет или паспарту.
Важно учитывать освещение, как естественное, так и искусственное. Желательно, чтобы картина была хорошо освещена, но при этом не находилась прямо напротив источника яркого света, который может привести к выгоранию. Кроме того, возникновение сильных бликов на стекле помешает рассматривать изображение. Расположенную напротив источника света работу поместите под антибликовое стекло. Существует еще и музейное стекло, которое не только выполняет антибликовую функцию, но и защищает работу от выгорания.
Если вы планируете повесить не одну картину, а несколько, то необходимо задуматься над композицией. Определите, будет ли она симметричной или асимметричной. Это зависит от количества картин и их формата. Если картины сопоставимы по форме и размерам, подойдет симметричная композиция и единообразное обрамление работ. Когда картин много, применима шпалерная развеска. В противном случае выстраивайте асимметричную композицию.
Советы профессионалам
Украшать интерьер фотографиями или постерами – это универсальный и очень увлекательный метод декорирования стен. Но даже профессиональные дизайнеры иногда нуждаются в помощи специалистов. Например, при выборе программного обеспечения, пленки или принтера для печати постеров, которые заказчик хочет видеть в своем интерьере.
Поэтому мы решили помочь и самим дизайнерам и обратились за помощью к Марии Яхира, менеджеру компании Canon по управлению товарными группами «струйная техника» и «планшетные сканеры». Она рассказала о том, какие модели принтеров подходят для архитекторов и дизайнеров. И о том, какие качества делают их особенно привлекательными для этой категории пользователей.
Дизайнеры интерьеров, архитекторы при работе с заказчиками еще на этапе подготовки дизайн-проекта немало внимания уделяют цветовым решениям. Полутона в интерьере также играют немаловажную роль. Чтобы цветное изображение на экране откалиброванного монитора и распечатанный эскиз полностью совпадали, мы рекомендуем использовать струйные принтеры профессиональной линейки PIXMA Pro.
Всего в линейке три принтера PIXMA Pro-1, Pro-10, Pro-100. Принтеры отличаются друг от друга не только по цене, но по возможностям, которые они предоставляют. Например, в принтере PIXMA Pro-1 целых 12 чернильниц, достаточно емкие по объему. Плюс скорость печати. PIXMA Pro-100 имеет меньше чернильниц – всего 8, но и цена более интересная.
Какие плюсы у этой техники? В первую очередь, это качество печати, цветопередача, а также программное обеспечение, поставляемое в комплекте. Например, плагин Print Studio Pro, достаточно простой в использовании даже для неопытного пользователя. Он позволяет облегчить процесс подготовки цветного изображения к печати, сводя вмешательство пользователя к минимуму.
Color Management Tool Pro от Canon – программа управления цветом печатает диаграммы измерений, которые можно сканировать с помощью различных калибровочных устройств X-Rite (Eye-One PRO, Color Munki), и в итоге получить идеально точное по цветопередаче изображение и еще многое другое.
Ознакомиться с вариантами домашних принтеров Canon PIXMA, а также заказать их с доставкой на дом вы можете здесь.
картины и фотографии, правила развески • Интерьер+Дизайн
Картины и фотографии — элементы домашней коллекции украшают интерьер. Каковы правила их развески?
• Мелкие работы экспонируйте в группе. Одна маленькая картинка на всей стене выглядит неважно.
Рэйчел Лэксер. Таунхаус в Лондоне. Холл. Асимметричная композиция из черно-белых фото останавливает взгляд. Плинтус и молдинг плавными изгибами поднимаются вместе с лестницей.• От хаоса глаз устает. Поэтому при развеске придерживайтесь системы. Например, выравнивайте композицию по одному из краев — она будет более гармоничной.
Проект Chad James Group. Стена с самым любимым произведением искусства британцев Girl with Balloon — работа таинственного стритартиста Бэнкси.• Еще один вариант системной развески: мысленно проведите на стене линию, все изображения размещайте либо над, либо под ней, выравнивая, соответственно, по нижнему и верхнему краю.
Дизайнер Пол Тейс, квартира в Нью-Йорке.• Однотипные работы одинакового размера размещайте симметрично, ровными рядами. Странички ботанического атласа, архитектурные штудии, листы партитуры — прекрасный декор без претензий.
Андреа Даль’Олио. На стене рисунки Ravage Atelier и аутентичный антикварный бюст.• Частая ошибка: их вешают слишком высоко. Помещайте их так, чтобы середина находилась чуть ниже уровня глаз — тогда удобно будет рассматривать и стоя, и сидя.
Nilufar Gallery: квартирная выставка art&design. В роли изголовья выступает ширма Мартино Гампера. С ней контрастируют три псевдоклассических портрета австрийца Маркуса Шинвальда, Люстра дизайна Линдси Эйдельман.• Неправда, что маленьким помещениям противопоказаны большие полотна. Крупное изображение фокусирует на себе внимание, изменяет масштаб, помогает визуально увеличить пространство.
Над камином в гостиной картина «Пантеон»: написана специально для проекта А. Хабибуллиной по фотографиям, привезенным из путешествий хозяином.• Размещение на полках позволяет легко менять экспозицию, перекрывать одну рамку другой, сочетать цветные имиджи с черно-белыми.
Cпальня Dineen Architecture + Design. Kips Bay Decorator Show House 2017• Обычно картину вешают над камином точно по центру, тем более если на стене есть филенка из лепного профиля.
Дом Майкла Бруно.Над камином портрет Бруно работы Н. Уоллин. На другой стене полотно 1900-х, купленное в Антверпене. Пара кресел 1950-х T.-H. Робсджон. Люстра Tristan, Lucca Studio. Обои Ralph Lauren.• К живописному полотну нужно подобрать раму. Такую, чтобы гармонировала и с полотном, и с интерьером. Если не уверены, что справитесь, поступите просто: повесьте картину вообще без рамы.
Использование тканей и текстиля в качестве картин для интерьера
- Категория: Текстиль в интерьере
Здравствуйте уважаемые посетители и студенты школы дизайна интерьера studyas.com! Сегодня мы продолжим тему текстиля в интерьере и поговорим об ещё одном очень интересном и не традиционном способе использования его в интерьере.
Когда я бываю в различных магазинах с текстилем, я всегда обращаю внимание на различные текстильные принты (ткани с определённым рисунком). Некоторые из них бывают настолько красивы и самодостаточны, что могут стать полноценным предметов искусства. Что и используют в своей работе некоторые успешные дизайнеры интерьера и декораторы.
Если купить дорогостоящую картину у профессионального художника для вас достаточно дорого, то в качестве альтернативы ей можно использовать следующий метод. Вы можете самостоятельно создать красивую и стильную картину своими руками. Для этого вам всего лишь необходимо использовать в качестве холста для картины текстиль, т.е. различные ткани с рисунком. Это очень хороший способ самостоятельно украсить свой интерьер на стадии финальных штрихов, а качество оформления при этом будет на очень высоком профессиональном уровне.
Итак, давайте рассмотрим, как же это сделать самостоятельно. Для начала вам необходимо подобрать подходящую ткань с рисунком (как подобрать подходящую картину по цвету и сюжету в свой интерьер читайте в предыдущем уроке «Картины в интерьере») и натянуть на подрамник, закрепляя ткань на нём металлическими скобами. В качестве подрамника можно использовать любой древесный материал: обычную фанеру, пробку и т.д., желательно достаточно мягкую, чтобы можно было пробить его скобами.
Затем положите ткань на подрамник точно по рисунку, оставляя не менее 7 см (это зависит от толщины подрамника) с каждой стороны. После этого обрежьте лишнюю часть ткани с рисунком.
Заверните её края и зафиксируйте их степлером в центре каждой стороны. Продолжайте натягивать ткань и зафиксируйте её по всему периметру подрамника, идя от центра каждой из сторон к её углам.
В углах обрежьте образующуюся лишнюю ткань, оставляя примерно 2 см, и закрепите угол дополнительной скобой.
Теперь остаётся только подобрать подходящую рамку для такой картины и вставить подрамник с текстилем в неё. Вот и вся работа. При должной тренировке создание подобной картины своими руками не отнимет у вас более 20 мин, а результат будет просто блестящим.
Бывает, что ткани с рисунком состоят из нескольких повторяющихся сюжетов. Такую ткань можно смело разделить на несколько частей и сделать из неё даже несколько картин для интерьера, чтобы заполнить большие пустующие участки стен в вашей комнате.
Очень интересную картину можно получить при использовании повторяющегося мотива на ткани, подобно этому:
Для таких картин с повторяющимся сюжетом лучше подойдут тонкие обрамляющие рамы. В этом случае необходимо только внимательно следить, чтобы холст и рамка идеально подходили друг другу, чтобы не было свободного пространства между ними, и картина непроизвольно не вывалилась из неё.
Полюбуйтесь готовой картиной в интерьере этой комнаты, и оцените, как она удачно сюда вписалась. Никому и в голову не придёт, что эта картина выполнена своими руками, и тем более из текстиля.
Сегодня в продаже существует великое множество текстильных тканей с различными рисунками, сюжетами и мотивами, которые можно с успехом использовать в качестве холста для создания картин своими руками для своего интерьера (а может даже и для интерьеров ваших заказчиков).
Например, эта стильная ткань может идеально подойти для кухни в какой-нибудь графичной чёрно-белой гамме.
Такие ткани с характерными греческими героями и сюжетами прекрасно подойдут для интерьеров в греческом стиле.
Есть текстильные ткани, которые вообще не нуждаются в какой-либо рамке. И без неё они будут выглядеть превосходно, как, например эта ткань с узорчатыми краями.
Что касается выбора композиции на ткани для будущей картины для интерьера, то их можно разделить на две категории: на симметричные и асимметричные композиции.
Текстильный принт с большой по масштабу и преобладающей центральной композицией (симметричной), проще всего использовать в качестве холста для картины,
тогда как асимметричные текстильные композиции требуют определённого опыта для использования.
Так что для начала практикуйтесь на тканях с ярко выраженной центральной композицией рисунка текстиля, а по мере приобретения опыта переходите к асимметричным композициям рисунков на ткани.
На этом наш урок по использованию текстиля в качестве предметов искусства в интерьере (картин) окончен. До скорых встреч на следующих занятиях школы дизайна интерьера studyas.com.
Похожие материалы:
Поделитесь этим уроком со своими друзьями в социальных сетях:
Асимметричный баланс в искусстве: определение, дизайн и примеры — видео и стенограмма урока
Примеры асимметрии в искусстве
Давайте посмотрим на картину Иоганнеса Вермеера под названием « Женщина, держащая баланс» , написанную между 1662 и 1665 годами. Здесь использование асимметричного баланса очевидно, поскольку художник акцентировал большие участки тени гораздо меньшими участки яркого света. Фокус, женщина, держащая весы, находится справа от центра и уравновешивается большими, относительно простыми и пустыми областями слева.
Другой пример асимметричного баланса можно увидеть на этой картине 1889 года Поля Гогена под названием Христос на Елеонской горе . Наше внимание привлекает фигура Христа благодаря использованию ярко-рыжего цвета в Его волосах и бороде. Эта небольшая область интенсивного цвета уравновешивается остальной частью композиции, которая преимущественно темная. Тонкие оттенки красного на заднем плане и одежда Христа связывают композицию воедино.Вертикальный ствол дерева в центре композиции асимметрично уравновешен горизонтальным рядом холмов и деревьев на заднем плане. Также обратите внимание на использование пространства в этой работе. Фигура Христа доминирует в нижнем левом углу переднего плана и занимает большую площадь, в то время как крошечные фигурки Его последователей уходят на пустой задний план и воспринимаются как находящиеся дальше.
В этой скульптуре 1914 года Раймона Дюшана-Вийона под названием Cheval Majeur асимметричный баланс достигается за счет размещения больших округлых форм рядом с острыми диагональными линиями и узкими треугольными формами.Закругленные формы органические по природе, что означает, что они отражают формы, встречающиеся в природе. Треугольные формы геометрические , что означает, что они отражают искусственные конструкции. Острый диагональный треугольник в левой части изображения уравновешивается большими круглыми формами, которые проходят горизонтально в противоположном направлении. Большая твердая масса всей скульптуры уравновешена пустым или отрицательным пространством, видимым в нижней правой части изображения.
Почему выбирают асимметричные весы?
Поскольку асимметричный баланс достигается за счет интеграции различных элементов дизайна, он считается более живым и динамичным, чем симметричный баланс, который повторяет элементы и дает более спокойную и бесшумную чувствительность.Асимметричный баланс также более сложен. Украсить комнату может быть проще, используя подходящую мебель и аксессуары, но это будет не так интересно, как с помощью множества различных, искусно расставленных предметов. Та же идея применима к произведениям искусства; картины и скульптуры, которые включают в себя различные размеры, формы, цвета, линии, использование пространства и т. д., как правило, более интересны и сложны. По этой причине многие художники предпочитают использовать в своих работах асимметричный баланс.
Краткое содержание урока
Асимметричный баланс достигается путем тщательного совмещения различных элементов; маленькие яркие формы могут уравновесить большие тусклые формы.Асимметричный баланс считается более динамичным, поскольку он объединяет различные формы, размеры, цвета, текстуры и линии. Симметричный баланс , с другой стороны, представляет собой расположение зеркального отражения, в котором элементы по обе стороны от композиции совпадают друг с другом.
Что следует помнить
- Асимметричные весы противоположны симметричным весам
- Асимметричный баланс достигается за счет тщательного размещения различных и противоположных элементов
- Асимметричный баланс считается более динамичным и сложным, поскольку он может включать в себя множество различных элементов, форм, цветов и дизайнов.
Результаты обучения
Когда вы закончите, вы должны уметь:
- Различать симметричный баланс и асимметричный баланс
- Опишите, как художники могут достичь асимметричного баланса в искусстве.
- Определите асимметричный баланс в произведении искусства
Асимметричное искусство | Уорхол | Эрвитт | Закрыть | Кипп
Наш мозг запрограммирован на то, чтобы чувствовать себя комфортно в симметрии и искать баланс в асимметрии.Мы, люди, постоянно смотрим на мир и пытаемся понять то, что видим. Мы ищем порядок, а не хаос в нашем мире, и баланс помогает превратить этот хаос в порядок.
В 1921 году швейцарский психиатр Герман Роршах (который, кстати, был очень похож на Брэда Питта) разработал чернильное пятно Тест Роршаха . Он показал своим пациентам десять симметричных чернильных пятен и попросил их рассказать ему, что они видели. Затем он использовал отзывы своих пациентов в качестве аналитического инструмента для оценки их психического статуса.
Энди Уорхол создал свою собственную серию тестов Роршаха , хотя неправильно понимал метод Роршаха и думал, что пациент создал чернильные пятна, а психиатр интерпретировал их. Работы Уорхола, несмотря на то, что они были поп-музыкой и временами вызывали споры, были в основном симметричными.
В то время как симметричное искусство визуально утешает нас, асимметричное искусство живо и даже может вызывать дискомфорт, заставляя нас искать баланс. И симметричное искусство, и асимметричное искусство должны быть сбалансированы, чтобы сделать их законченными и эстетически приятными.
В асимметричной работе Уорхола, Tidal Basin, Washington Post , Уорхол уравновешивает смещенные по центру фигуры и незавершенный кадр, наклоняя фоновую панель влево.
Такую же асимметрию можно увидеть на фотографиях Эллиота Эрвитта. Хотя Эрвитт часто использует симметрию в своих работах, как деревья в Provence , он также использует асимметрию, чтобы создать ощущение движения.
Фигуры и их отражения на правой стороне модели Paris Эрвитта создают баланс для прыгающей фигуры на фотографии.Формальная симметрия Эйфелевой башни на заднем плане — прекрасный контрапункт радостной асимметрии фигур. Использование Эрвиттом света и тьмы заставляет зрителя следить за движением по фотографии, а затем оглядываться назад и вокруг фигур, чтобы понять сцену.
Симметричные лица наших опекунов, которые мы учимся узнавать при рождении, обычно являются первым источником комфорта, который мы узнаем и к которому мы относимся. Хотя лица обычно не идеально симметричны, мы все же можем распознать черты лица и идентифицировать людей, которым они принадлежат.
Художник-портретист Чак Клоуз не может распознавать лица из-за состояния, называемого прозопагнозией или слепоты лица . Он рисовал лица большую часть своей жизни и создает сложные портреты, разбивая лица на двухмерные фотографии, а затем разбивая их на небольшие сегменты. Присмотревшись к портрету Чака Клоуса, лицо не узнаваемо. Отступление от портрета позволяет узнать.
Для лучшего понимания слепоты лица и того, как она повлияла на работу Чака Клоуса, посмотрите видео в этом посте обсуждения, которое Клоуз провел с покойным неврологом доктором Клоузом.Оливер Сакс, который также страдал лицевой слепотой человек.
Есть много инструментов, которые можно использовать для создания баланса в произведении искусства. Баланс достигается за счет дизайна, цвета, формы, текстуры и формы. Художники, граверы и скульпторы — все стремятся создавать работы, которые кажутся им завершенными и сбалансированными.
Лайман Кипп создал асимметричные изделия, многие из которых на первый взгляд кажутся нестабильными. Используя четкие линии, цвета и материалы, он заставляет зрителя смотреть вверх, вниз и вокруг своих скульптур, чтобы понять, как различные части связаны друг с другом и как они поддерживают свою стабильность.Это взгляд зрителя, который привносит баланс в произведение асимметричного искусства.
В симметричном или асимметричном искусстве нет суждений. Одно не лучше другого. То, что мы привносим в нашу оценку произведения искусства, — это наша личная история: то, что мы стали ценить, наши ассоциации с искусством или художником и наша внутренняя реакция на каждую работу.
Одна из самых замечательных особенностей такой галереи, как Vertu, заключается в том, что мы предлагаем работы наших любимых художников, работы, которые обращаются к нам и нашим клиентам.Позвоните или посетите галерею, чтобы увидеть вышеперечисленные произведения и многие другие произведения изобразительного искусства в Vertu.
Дизайн в искусстве: Урок «Баланс и контраст»
Остаток
Равновесие в искусстве относится к чувству распределения воспринимаемых визуальных весов, которые уравновешивают друг друга. Мы чувствуем себя более комфортно — и поэтому находим это более приятным — когда кажется, что части произведения искусства уравновешивают друг друга.Дисбаланс вызывает у нас чувство неуверенности, и это то, что для большинства художников не является желаемым эффектом. Однако некоторые художники сознательно нарушают наше чувство равновесия.
Портретная скульптура дзенского священника, период Муромати (1392–1573),
Япония XIV – XV веков
Лакированная древесина H. 40 1/2 дюйма (103 см)
Покупка музея Метрополитен, Джон Д.Третий дар Рокфеллера, 1963 г. (63,65)
изображение Источник: Портретная скульптура дзенского священника [Япония] (63.65) | Хейльбрунн Хронология истории искусств | Метрополитен-музей
Этот портрет мастера дзэн прочен и сбалансирован, с сильным присутствием и чувством постоянства. Практика дзэн делает сильный упор на своего учителя. Эта скульптура подчеркивает ценность дзенского жреца в силе равновесия.
Шива Винадхара — Дакшинаму rt i Южная Индия, период Чола
11 век до н.E.
Musee Guimet, Париж,
Напротив, эта скульптура почти не сбалансирована, как если бы она могла опрокинуться в любой момент из-за поворота тела и наклона назад. Это дает ему обостренное ощущение движения и предлагает танцевальное движение. Индийское искусство отражает ценность праны, или дыхания жизни, что можно увидеть в анимации его скульптур.
Исаму Ногучи Красный куб , 1968
источник изображения http: // en.wikipedia.org/wiki/File:Red_Cube.jpg
Ярко-красный цвет этой скульптуры резко контрастирует с коричневыми и серыми оттенками окружающих зданий. Он также отличается своей кажущейся неуравновешенностью в присутствии сильных, твердых построек, которые передают постоянство. Напряжение наклона куба сбивает с толку, особенно в таком большом объекте; кажется, что он упадет в любой момент. Ногучи подчеркивает взаимосвязь между архитектурой и скульптурой и то, что пространства вокруг зданий должны быть драматичными.
Симметричные и асимметричные весы
Есть два типа баланса: симметричный и асимметричный . При симметричном балансе, если воображаемая линия проводится через центр произведения, обе стороны точно такие же и уравновешиваются таким образом. При асимметричном балансе две стороны не идентичны, но отличаются друг от друга.Однако элементы расположены так, что возникает чувство баланса.
На иллюстрации ниже в обоих примерах используются одни и те же объекты. А вот тот, что слева, симметричный, одинаковый с каждой стороны. Тот, что справа, использует те же формы в тех же цветах и уравновешивает их асимметрично. Обе стороны разные, но расположены таким образом, что кажутся уравновешенными.
Примеры симметричных весов
Симметричный баланс используется для передачи чувства формальности, порядка, рациональности и постоянства.Для каждого из приведенных ниже примеров подумайте, зачем художнику использовать симметричный баланс?
Неоклассическая архитектура
Капитолий США в Вашингтоне, округ Колумбия, начат в 1792 г., завершен в 1830 г. —
г.Архитекторы Д-р Уильям Торнтон, Джордж Хэдфилд, Джеймс Хобан, Бенджамин Латроб, Чарльз Снегирь
Алтарь
Ян Ван Эйк Гентский алтарь (закрыто).Выполнен в 1432 году. Дерево, темпера, масло, ок. 11 футов 6 дюймов на 7 футов 7 дюймов.
Ян Ван Эйк Гентский алтарь (открытый). Выполнен в 1432 году. Дерево, темпера, масло, ок. 11 футов 6 дюймов на 7 футов 7 дюймов.
Современная скульптура
Ребекка Хорн , High Moon (1991) в Нью-Йорке Marian Goodman Gallery, смешанная техника
источник изображения безграничный кинотеатр на ломаном английском , блог, опубликованный celinejulie
из сообщения ПОЖАЛУЙСТА, ИМПОРТ ВАЛИ ЭКСПОРТ, 20 июля 2007 г.
http: // celinejulie.wordpress.com/2007/07/20/please-import-valie-export/
Асимметричные весы
Асимметричный баланс часто отличается большим разнообразием, визуальным интересом и живостью.
Асимметричного баланса можно достичь, используя следующие принципы:
Визуально —
- большая форма тяжелее, чем меньшая форма
- темные значения тяжелее светлых
- текстурированная форма тяжелее гладкой формы
- сложная форма тяжелее простой формы
- две или несколько меньших форм уравновешивают одну большую форму
- меньшая более темная форма уравновешивает большую более светлую форму
- объекты по направлению к краю или углу композиции кажутся более тяжелыми
- насыщенные цвета тяжелее приглушенных цветов
Примеры асимметричного баланса в искусстве
Японская ксилография
Хиросигэ Вид на гору Фудзи из Харадзюку , часть Пятьдесят три станции серии Токайдо
ukiyo («парящий мир») принт, отсылающий к бренному миру, непостоянству и мимолетной красоте.
источник изображения wikipedia commons
Японское искусство известно элегантной асимметрией, которая идеально сбалансирована.Здесь гора справа уравновешивается слева пустым пространством, близостью путешественников и их удалением от горы.
Мэри Кассат
Мэри Кассат была художницей-импрессионистом и гравером. На нее сильно повлияло японское искусство, и она была мастером создания асимметрично сбалансированных композиций. Обратите внимание, как она уравновешивает сильные формы с пространством и размещением элементов в композиции.
Мэри Кассат Вечеринка на лодке
холст, масло 46,06 дюйма в ширину x 35,43 дюйма в высоту
Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия
источник изображения http://www.marycassatt.org/Boating-Party.html
Мэри Кассат Лето
с Мэри Кассат: Полное собрание сочинений
http://www.marycassatt.org/Summertime.HTML
Дэвид Хокни: современный художник
Дэвид Хокни Большой всплеск , 1967
Холст, акрил
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Hockney,_A_Bigger_Splash.jpg
Здание расположено не по центру, слева, но уравновешено драматическим углом трамплина и его проекцией в пространство зрителя.
Niio | КАК ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ ПРЕДСТАВЛЯЕТ: КВАЙОЛА, АСИММЕТРИЧНАЯ АРХЕОЛОГИЯ
КАК ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ ПРЕДСТАВЛЯЕТ: КВАЙОЛА, АСИММЕТРИЧНАЯ АРХЕОЛОГИЯ
Quayola: Asymmetric Archeology Gazing Machines переосмысливает прошлое и заново открывает природу через призму машины.Благодаря работам на выставке прошлое пересматривается во взаимосвязи с настоящим и будущим, исследуя асимметрию, которая исключает субъективный взгляд на человека и вместо этого выводит на первый план объективные идеи, обработанные машиной. Благодаря этим процессам классические формы искусства, такие как эллинистические скульптуры, картины старых мастеров и архитектура барокко, отделяются от иконографической семантики прошлого и регенерируются в цифровые абстрактные произведения. Кроме того, знакомые визуальные образы природы превращаются в новый искусственный ландшафт, созданный с помощью техники.
Strata I, LaocoonПервая крупномасштабная персональная выставка художника в Китае состоит из восьми разделов, в которых представлены произведения искусства в различных медиа, включая более 50 произведений цифровой печати, видео, скульптуры и роботизированные инсталляции. На обширной выставке представлены основные работы Квайолы не только в пространстве внутренней галереи HOW Art Museum, но и на медиафасадах здания. Куратор выставки Ду Ын Чой.
Strata, Iconographies, Sculpture Factory # 2 и Laocoön — это четыре проекта, которые анализируют классические картины, скульптуры и архитектуру с использованием сложных компьютерных алгоритмов, воссоздая современные абстрактные произведения, отделяя религиозные и мифические сцены от их прошлых контекстов.Фабрика скульптур вдохновлена техникой «non-finito» Микеланджело, когда необработанные части скульптурного блока означают, что произведения кажутся незаконченными. В этом сценарии художник представляет новый перформанс, выполненный крупномасштабным роботом, который лепит бесконечные вариации Плутона и Прозерпины, шедевра барокко, созданного Джованни Лоренцо Бернини в 17 веке. Между тем Лаокоон черпает вдохновение в одном из наиболее изученных шедевров древнегреческой скульптуры — Лаокооне и его сыновьях.Работа Квайолы — результат сложного цифрового моделирования и экспериментов с технологиями виртуального / физического прототипирования.
ИконографииRemains, Promenade, Jardins d’Eté и Camouflage представляют собой текущие проекты, которые пересматривают знакомый визуальный язык природы, связанный с традиционными композициями пейзажных картин. Благодаря сложным процессам цифрового рендеринга новые цифровые пейзажи возникают из реальных природных сцен, снятых в высоком разрешении с помощью высокоточных лазерных сканеров и камер.Разнообразные мотивы проявляются в каждой работе, воссоздавая новую визуальную грамотность; Остается соблюдает популярную практику en пленэра (уличная живопись) конца 19 века; Promenade исследует новую эстетику современных автономных транспортных средств и машинного зрения с помощью дрона; и Jardins d’Eté и Camouflage вызывают образы французского импрессионизма Клода Моне. В конечном итоге работы становятся гибридными пейзажами — ни реальными, ни виртуальными, — выходящими за рамки образной и абстрактной областей.
Наши банальности свободно отделяются от их первоначального контекста, чтобы стать новыми объектами созерцания с помощью своеобразного механизма машин и сложных алгоритмов Квайолы.
Jardins d’ÉtéQuayola использует технологии как линзу для исследования напряженности и равновесия между, казалось бы, противоположными силами: реальным и искусственным, образным и абстрактным, старым и новым. Создавая иммерсивные инсталляции, часто на исторически значимых архитектурных объектах, он переосмысливает канонические образы с помощью современных технологий.Эллинистическая скульптура, живопись старых мастеров и архитектура барокко — вот некоторые элементы исторической эстетики, которые служат отправной точкой для абстрактных композиций Квайолы. Его разнообразная практика, основанная на индивидуальном программном обеспечении, также включает аудиовизуальные представления, видео, скульптуру и работы на бумаге.
Работы Квайолы были широко представлены по всему миру на 10 персональных выставках и более 100 групповых выставках, публичных инсталляциях и перформансах. Его прошлые выставки: Оружейная палата на Парк-авеню, Нью-Йорк, США; Музей Виктории и Альберта, Лондон, Великобритания; Дворец Токио, Париж, Франция; Национальный музей искусства Каталонии, Барселона, Испания; Музей искусств Джорджии, Афины, Джорджия; Пако Дас Артес, Сан-Паулу, Бразилия; Пушкинский музей, Москва, Россия; Ars Electronica, Линц, Австрия; Elektra Festival, Монреаль, Канада; Sonar Festival, Барселона, Испания; Японский фестиваль медиаискусства, Токио и кинофестиваль Сандэнс, Юта, США.
Музыкальное сотрудничество: Ванесса Вагнер, Ensemble Intercontemporain, Национальный оркестр Бордо, Лондонский современный оркестр, Plaid, Jamie XX и Tale Of Us.
Спецпроектов по заказу Audemars Piguet; Бозар, Брюссель; Cite ’de la Musique, Париж; Дворец изящных искусств, Лилль и Canary Wharf Group, Лондон.
ВЫСТАВКА ПОДДЕРЖИВАЕТ НИИО
«Это потрясающая система для хранения, управления и распространения цифровых видеоматериалов.Мы с моим галеристом используем Niio для передачи ограниченных выпусков покупателям и в музеи для выставок ». Quayola, новые медиа-художники, представленные галереей bitforms, NY
Niio — это первоклассная платформа для поиска, отображения и управления новым медиаискусством, которую используют ведущие художники, галереи, музеи, кураторы, коллекционеры и художественные организации со всего мира, которые используют собственные технологические инструменты Niio для надежной защиты, демонстрации, передачи , монетизировать и отображать тысячи своих высококачественных работ на любом «цифровом холсте».
КАК Художественный музей
№ 1, переулок 2277, Zuchongzhi Road
201203 Шанхай | Китай
Искусство в эпоху… асимметричной войны — Выставки — Программа
Искусство в эпоху… асимметричной войны
Пятница, 11 сентября 2015 г. — Воскресенье, 3 января 2016 г.
Подобно тому, как Вторая мировая война началась с нападения верхом и закончилась атомной бомбой, технологическая эскалация машин для убийства продолжается и сегодня. Искусство в эпоху… асимметричной войны «», третья и последняя версия годовой выставочной серии Витте де С «« Искусство в эпоху… », рассматривает нерегулярную и часто неравномерную природу гибридного поля битвы. Как всегда, война присутствует всегда, однако ее театр теперь расширился от так называемого реального до виртуального. В то время как жесткая сила по-прежнему применяется лицом к лицу и из рук в руки, дистанционно управляемое оружие и другие средства телекоммуникационного насилия транслируются и доставляются в цифровом виде посредством кибератак и через пропагандистские платформы в социальных сетях.Неудивительно, что эти новые каналы создали свои собственные формы представительства, в которых моральный дух и информация стали равными или превышающими традиционное военное превосходство. Вместо простого создания изображений войны ведется и продается новая война изображений. Таким образом, Art In The Age Of… Asymmetrical Warfare задает вопрос: какую роль играют художники, когда они проникают в эти сети и пытаются выявить движущие силы и эффекты современного конфликта?
Валентность между презентациями развивает различные лейтмотивы, включая такие темы, как дипломатия, СМИ, внесудебные убийства, вычисления и кодирование, военная и партизанская тактика и, конечно же, оружие.Помимо произведений искусства, к выставке будут добавлены несколько артефактов, в том числе глобальный монитор кибератак в реальном времени, а также анимированная карта международной торговли оружием и ядерных взрывов.
Как последняя итерация в серии из трех частей, эта выставка переносит три художественные позиции из предыдущей выставки, Искусство в эпоху… планетных вычислений . Работы Тревора Пэглена и Нэвина Г. Хан-Доссоса остаются на обозрении, а художник Джон Джеррард представляет новый дуэт симуляторов.Это проскальзывание придает новый контекст работам по исследованию взаимосвязи вычислений и конфликта.
Синий щит Аббаса Ахавана, вырезанный на одной из стен галереи Витте де Вита, отмечает, что арт-центр является культурным наследием, невоенным объектом, непригодным для бомбардировок с воздуха. Свен Аугустийнен описывает историю и распространение бельгийской винтовки FAL по ее появлению в боевых депешах Paris Match 1970-х годов. Чтобы подчеркнуть государственную цензуру, Джеймс Брайдл использует линии фраунгофера — графики светового спектра — для изображения информации, которую правительство Нидерландов недавно утаивало, относительно сбития рейса 17 Malaysia Airlines над Украиной, которая в настоящее время находится в состоянии боевых действий.Картины Навина Хан-Доссоса, основанные на процессах, основаны на фактических отчетах о казнях ИГИЛ (также известного как «Исламское государство»), рассказах женщин-джихадистов и связанной с ними пропаганде «войны с террором». Моделирование Джона Джеррарда затрагивает логистику и тактику военных учений Соединенных Штатов, визуализируя невозможную тренировку, проводимую на зарубежной базе в Джибути, с использованием анимации захвата движения. Как шифр, эволюция дизайна американского посольства (1967–1985) отслеживается Теренсом Гауэром, чтобы расшифровать развивающиеся международные отношения страны.Гленн Кайно подхватывает родственную тему в настенной работе, в которой стальные панели воспроизводят фасад американского посольства в Сирии, на котором видны шрамы нескольких уличных протестов. Гражданское и военное вооружение встречается на скале с резиновым покрытием «» в Ниде Синнокрот, All-Stars 02 , состоящей из снарядов ручной работы, имитирующих резиновые пули, используемые армией Исреали. Автономный куб Тревора Паглена и Джейкоба Аппельбаума создает рабочий ретранслятор в сети Tor, зашифрованный онлайн-канал, который облегчает анонимное общение, чтобы противостоять массовому слежению за Интернетом со стороны правительств и других организаций.Точно так же Thomson & Craighead рассматривают распространение гражданской журналистики в Интернете и других форм сообщений в социальных сетях с помощью эссе из фильма, которое объединяет изображения Flickr зон военных действий, охватывающих весь земной шар, с метаданными, раскрывающими происхождение каждого изображения. Брумберг и Чанарин вспоминают и критикуют полезность военных фоторепортажей, которые, находясь в Афганистане, выставили фотобумагу в тот день, когда ни один солдат не погиб. Чтобы измерить физические потери жизни в условиях постоянной угрозы террора, зловещий звук беспилотного летательного аппарата General Atomics MQ-1 Predator имитируется над головой в программе Сьюзен Шуппли и Тома Тлалима «Непростое слушание ».Размышляя об освещении СМИ, возможно, выдающейся асимметричной атаки, Мохаммад Салеми фрагментирует телетрансляции событий 11 сентября, чтобы продемонстрировать, как многослойное геополитическое событие превратилось в универсальное зрелище. Угон также расширен, чтобы охватывать прокси и другие действия дезинформации через Тэтчергейт, фальшивую беседу между Маргрет Тэтчер и Рональдом Рейганом, распространенную анархо-панк-группой Crass после Фолклендской войны. Расширяя понятие войны, Хосе Антонио Вега Макотела « Murmurs » ставит зрителя на колени, чтобы расшифровать коды, используемые заключенными в тюрьму мексиканскими торговцами наркотиками для тайного общения.
Наряду с презентациями художников был основан специальный исследовательский блог. В этом блоге будет отслеживаться развитие выставок «Искусство в эпоху…» на 2015 год и он будет служить визуальным читателем, сопровождающим работы художников: http://artintheageof15.tumblr.com.
Искусство в эпоху… асимметричной войны — третья и последняя итерация «Искусство в эпоху… », серии презентаций, состоящей из трех частей, в которых исследуются будущие векторы художественного производства в 21 веке. «Искусство в эпоху…» проходит в течение 2015 года; началось с «Искусство в эпоху… энергии и сырья» в январе (23 января — 3 мая 2015 г.) и продолжилось с «« Искусство в эпоху… планетных вычислений » в (22 мая — 16 августа 2015 г.).
-ПоддерживаетсяИскусство в эпоху… асимметричной войны любезно поддержан vfonds.
Как использовать симметрию и асимметрию с вашими фокусными точками
Автор: Dianne Mize в Уроки рисования> Уроки рисования
Художники, как правило, являются бунтовщиками от природы.. . многим из нас нравится обходить традиционные художественные «правила», особенно если мы умеем это делать с умом.
Например, всех нас учили избегать размещения объекта непосредственно в центре наших композиций — и это справедливо, — потому что размещение фокуса картины в середине вашего холста часто делает его совершенно скучным для просмотра. .
Быстрое объявление — EmptyEasel разработал более быстрый и простой способ для художников иметь собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный веб-сайт!В результате большинство художников используют асимметричные композиции и избегают центрирования чего-либо. Но, как вы увидите через минуту, из правил всегда есть исключения.
Асимметричные картины
Создавая асимметричную композицию, художники полагаются на свое чувство баланса при принятии решений. Размер, форма, края, цвет, направление, текстура и стоимость — все это играет свою роль.
Художник должен избегать размещения предметов непосредственно в середине холста или в равномерно распределенных узорах, а также должен следить за тем, чтобы линия горизонта и любые вертикальные линии не пересекали холст в его центральной точке.
Это решение часто бывает очень эстетичным — по крайней мере, если художник хорошо разбирается в асимметричном балансе.
Симметричные картины
Если вам нужен простой способ нарушить правила, просто следуйте примеру Сальвадора Дали. В своей картине Santiago El Grande Дали построил всю свою композицию вокруг центрального, сбалансированного фокуса.
Как и здесь Дали, любой художник может использовать симметричный баланс для создания своей собственной зеркальной композиции.Результат (возможно, потому, что он так преднамеренно нарушает правило центрирования) часто бывает очень поразительным.
Асимметричные картины с фокусом
Конечно, некоторые художники нашли хитроумные способы сочетать асимметрию с центральным фокусом.
Наиболее распространенная стратегия здесь заключается в размещении фокуса картины прямо в середине холста, а затем создании четкого визуального пути, который окружает вокруг , а не ведет к нему.
Художник Ларри Сейлер неплохо справляется с этой техникой в своей картине Strong Falls .
Обратите внимание, как самая активная часть картины, водопад, кажется почти мертвой?
Но большинство зрителей никогда бы не осознали это потенциально неудобное центральное расположение из-за сильного визуального пути, окружающего его.
Наши глаза притягиваются вниз и поперек под тяжестью большого валуна слева, затем снова и снова уносятся вверх за счет теневых областей на картине и потока воды вокруг центрального водопада.
Уинслоу Гомер использует аналогичную тактику в своей знаменитой картине « Сачок для сельди ».
Несмотря на то, что основной фокус находится прямо в середине холста, наш взгляд отводится от центральной точки через сетчатую рыбу и более светлые участки воды справа.
Другие объекты, такие как бочка, плывущая впереди, далекие лодки и даже изогнутые волны океана, заставляют наш взгляд кружиться вокруг центра изображения.
Художник школы реки Гудзон Роберт Вейр сделал то же самое в Уроки матери — посмотрите, сможете ли вы найти круговые дорожки, которые он создал вокруг головы матери.
Начните с того, что проследите за ее взглядом вниз — ваши глаза, естественно, будут двигаться по круговой траектории от ее правой руки к ее левой, затем к ее левому плечу, макушке головы и так далее.
Если вы никогда не рисовали, используя этот тип композиции, я рекомендую вам попробовать. Просто поместите самое важное изображение в центр, а затем найдите способы отвлечь от него внимание, построив вокруг него визуальный путь с точками акцента.
Вы можете быть удивлены количеством визуального интереса, которое вы можете создать с помощью только этой одной композиционной техники.
ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕМы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.
ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!
Этот пост может содержать партнерские ссылки.
Квайола: асимметричная археология — Объявления
Обсуждение художника: 23 марта, 16: 30–17: 30
КАК Художественный музей
№ 1, переулок 2277, Zuchongzhi Road
201203 Шанхай
Китай
Часы: Вторник – пятница 13.00–10.00,
суббота – воскресенье 10.00–10.00
info @ howartmuseum.орг
www.howartmuseum.org
Instagram / Facebook / Weibo
HOW Art Museum (Шанхай) рад сообщить, что с 23 марта по 2 июня 2019 года в нем проходит масштабная персональная выставка лондонского итальянского художника Квайолы под названием Quayola: Asymmetric Archeology — Gazing Machines .
Квайола: асимметричная археология — Gazing Machines переосмысливает прошлое и заново открывает природу через перспективу машины.Благодаря работам на выставке прошлое пересматривается во взаимосвязи с настоящим и будущим, исследуя асимметрию, которая исключает субъективный взгляд на человека и вместо этого выводит на первый план объективные идеи, обработанные машиной. Благодаря этим процессам классические формы искусства, такие как эллинистические скульптуры, картины старых мастеров и архитектура барокко, отделяются от иконографической семантики прошлого и регенерируются в цифровые абстрактные произведения. Кроме того, знакомые визуальные образы природы превращаются в новый искусственный ландшафт, созданный с помощью техники.
Первая крупномасштабная персональная выставка художника в Китае состоит из восьми разделов, в которых представлены произведения искусства в различных средствах массовой информации, в том числе более 50 произведений цифровой печати, видео, скульптуры и роботизированных инсталляций. На обширной выставке представлены основные работы Квайолы не только в пространстве внутренней галереи HOW Art Museum , , но и на медиафасадах здания.
Strata, Iconographies , S culpture Factory и Laocoön — это четыре проекта, которые анализируют классические картины, скульптуры и архитектуру с использованием сложных компьютерных алгоритмов, воссоздая современные абстрактные произведения, отделяя религиозные и мифические сцены от их прошлых контекстов.Скульптурная фабрика «» вдохновлена техникой «non-finito» Микеланджело, когда необработанные части скульптурного блока означают, что части кажутся незаконченными. В этом сценарии художник представляет новый перформанс, выполненный крупномасштабным роботом, который лепит бесконечные вариации Плутона и Прозерпины , шедевра барокко, созданного Джованни Лоренцо Бернини в 17 веке. Лаокоон тем временем черпает вдохновение в одном из наиболее изученных шедевров древнегреческой скульптуры — Лаокоон и его сыновья .Работа Квайолы — результат сложного цифрового моделирования и экспериментов с технологиями виртуального / физического прототипирования.
Remains , Promenade, Jardins d’Eté и Camouflage представляют собой текущие проекты, которые пересматривают знакомый визуальный язык природы, связанный с традиционными композициями пейзажной живописи. Благодаря сложным процессам цифрового рендеринга новые цифровые пейзажи возникают из реальных природных сцен, снятых в высоком разрешении с помощью высокоточных лазерных сканеров и камер.Разнообразные мотивы проявляются в каждой работе, воссоздавая новую визуальную грамотность; Остатки соответствует популярной практике пленэра (уличной живописи) конца 19 века; Promenade исследует новую эстетику современных автономных транспортных средств и машинного зрения с помощью дрона; и Jardins d’Eté и Camouflage вызывают образы французского импрессионизма Клода Моне. В конечном итоге работы становятся гибридными пейзажами — ни реальными, ни виртуальными, — выходящими за рамки образной и абстрактной областей.
Благодаря особым механизмам машин и сложным алгоритмам Квайолы, наши человеческие банальности свободно отделяются от своего первоначального контекста и становятся новыми объектами созерцания.
Выставка получила поддержку Итальянского института культуры в Шанхае, Audemars Piguet, Kuka, Niio и Paradise City.
О HOW Art Museum
HOW Art Museum был основан китайским коллекционером г-ном Чжэн Хао и г-ном.Юнь Чигаб занимает пост директора с 2012 года. Он состоит из двух музеев: HOW Art Museum (Шанхай) и HOW Art Museum (Вэньчжоу). Последний открылся в 2013 году и провел около 20 выставок современного искусства.
HOW Art Museum (Шанхай), расположенный в новом районе Пудун, открылся для публики в сентябре 2017 года. Он является пионером в создании новой модели работы «Ночного художественного музея» для удобства публики, который регулярно открывается с 13 до 22 часов. и с 10 до 22 по выходным и праздникам.Между тем, Художественный музей HOW также реализует программы международного обмена, такие как Международная программа кураторского резидентства HOW, чтобы создать совершенно новый художественный комплекс и культурную достопримечательность в Шанхае.